Jean-François Millet

gigatos | Gennaio 31, 2022

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Riassunto

Jean-François Millet (20 gennaio 1875) è stato un pittore realista francese, nato in una famiglia di contadini. Si è formato con un pittore locale a Cherbourg e poi ha studiato a Parigi nel 1837 con Delaroche. Influenzato da Daumier, lavorò in uno stile pastorale con tocchi socialisti che sviluppò ulteriormente nel villaggio di Barbizon, nella foresta di Fontainebleau, dove si stabilì nel 1849 con Theodore Rousseau, Narcisse Diaz e altri. I membri di questo gruppo, conosciuto come la Scuola di Barbizon e influenzato da Corot, i paesaggisti olandesi del XVII secolo e Constable, furono i precursori dell”impressionismo. Era noto per le sue scene di contadini, nelle quali cercava di esprimere l”innocenza del contadino in opposizione al degrado che accompagna il cittadino immerso nella società industriale. È incluso nei movimenti realista e naturalista. Morì a Barbizon nel 1875.

Giovani

Millet era il figlio primogenito di Jean-Louis-Nicolas e Aimée-Henriette-Adélaïde Henry Millet, membri della comunità contadina del villaggio di Gruchy, comune di Gréville-Hague, in Normandia. Sotto la guida di due preti del villaggio, Millet imparò il latino e gli autori moderni, prima di essere mandato a Cherbourg nel 1833 per studiare con un ritrattista di nome Paul Dumouchel. Nel 1835 studiava a tempo pieno con Lucien-Théophile Langlois, un allievo del barone Gros, a Cherbourg. Langlois e altri lo sostennero finanziariamente in modo che potesse trasferirsi a Parigi nel 1837, dove studiò all”École des Beaux-Arts con Paul Delaroche. Nel 1839 finì il suo apprendistato e la prima cosa che presentò al Salon fu rifiutata.

Parigi

Nel 1837, una borsa di studio permise a Millet di trasferirsi a Parigi, dove frequentò l”École des Beaux-Arts. Lì perfezionò le sue conoscenze nello studio del pittore di storia Paul Delaroche. Più tardi fece amicizia con Constant Troyon, Narcisse Diaz, Charles Jacque e Théodore Rousseau, artisti che, come Millet, sarebbero stati associati alla scuola di Barbizon; tutti loro lo aiutarono e giocarono un ruolo decisivo nella sua decisione di lasciare per sempre quella città “cupa e caotica”, secondo le sue stesse parole, che non gli era mai piaciuta; a parte i suoi costumi contadini e il carattere rude, non era d”accordo con il modo di vivere parigino e tornò a Cherbourg per iniziare una carriera come ritrattista. Dopo il 1840 si allontanò dallo stile ufficiale della pittura e passò sotto l”influenza di Honoré Daumier, il cui disegno di figura influenzerà le successive rappresentazioni di Millet di soggetti contadini, da cui imparò il senso del contrasto di luce e ombra, così come la costruzione del corpo umano, con semplicità di volumi; e Alfred Sensier, un burocrate del governo che sarebbe diventato un sostenitore per tutta la vita e, nel tempo, il biografo dell”artista. Nel 1847 ottenne il suo primo successo al Salon, con il quadro Edipo che scende dall”albero, e nel 1848 il governo comprò il suo Stregone.

Il suo inizio ben noto fu El aventador (“Lo spremitore”, 1848). Negli anni 1850 osservò i braccianti negli anni democratici della Seconda Repubblica, e la sua opera è malinconica nella sua gravità e, soprattutto, nella sua denuncia sociale (Mujeres cargando leña, 1851), e anche in opere successive come El Hombre de la azada (The Man with the Hoe, 1859-1862). Questa enfasi nel sottolineare “l”estetismo sentimentale dei suoi rassegnati lavoratori della terra” ha portato a frequenti rifiuti delle sue opere, che dovrebbero essere riviste secondo Novonty, e si dovrebbe cercare di mantenere un corretto equilibrio nella valutazione della sua arte.

Nel 1841 sposò Pauline-Virginie Ono e si trasferirono a Parigi. Dopo essere stato rifiutato al Salon del 1843 e Pauline morta di tubercolosi, Millet tornò a Cherbourg. Nel 1845 Millet si trasferì a Le Havre con Catherine Lemaire, che avrebbe sposato con rito civile nel 1853; avrebbero avuto nove figli e sarebbero rimasti insieme per il resto della vita di Millet. A Le Havre dipinse ritratti e piccole opere di genere per diversi mesi prima di tornare a Parigi.

La prigionia degli ebrei in Babilonia, l”opera più ambiziosa di Millet fino ad allora, fu esposta al Salon del 1848, ma fu derisa sia dalla critica che dal pubblico. Il dipinto scomparve poco dopo, portando gli storici a credere che Millet lo abbia distrutto. Nel 1984, gli scienziati del Museum of Fine Arts di Boston hanno analizzato ai raggi X il dipinto di Millet del 1870 “La giovane pastorella” per individuare piccoli cambiamenti, e hanno scoperto che era stato dipinto sopra: La cattività degli ebrei in Babilonia. Oggi si crede che Millet abbia riutilizzato la tela quando i materiali scarseggiarono a causa della guerra franco-prussiana.

Scuola Barbizon

Termine usato per indicare un gruppo di pittori che, intorno al 1818, si riunirono nell”omonimo villaggio francese e nei suoi dintorni vicino alla foresta di Fontainebleau. È anche conosciuta come la Scuola di Fontainebleau e la sua produzione è considerata come il movimento paesaggistico più vigoroso della Francia del XIX secolo. Ha dipinto con notevole precisione una pittura all”aria aperta, sotto l”osservazione meticolosa degli ambienti naturali e ha rifiutato la composizione accademica e neoclassica. Dipinti sciolti, sono per lo più paesaggi di pianure, alberi e foreste. I pittori più rappresentativi furono Jean-Camille Corot, anche se l”organizzatore, leader del gruppo e teorico fu Theodore Rousseau. Altre figure di spicco sono Jules Dupré, la cui opera è caratterizzata dall”uso cupo della luce, e Jean Francois Millet, un vero rinnovatore per il suo particolare soggetto, che esaltava il mondo dei contadini e dei lavoratori rurali.

Nel 1849 Millet dipinse Reapers, una commissione statale. Al Salon di quell”anno espone Shepherdess Sitting at the Edge of the Forest, un piccolissimo olio che segna il suo allontanamento dai precedenti soggetti pastorali idealizzati a favore di un approccio più realistico e personale. Nel giugno del 1849 arriva a Barbizon, con Catherine e i suoi figli, unendosi alla cerchia della scuola che prende il nome da questa città.

Nel 1850 Millet raggiunse un accordo con Sensier, che fornì all”artista materiali e denaro in cambio di disegni e dipinti, mentre Millet mantenne il diritto di continuare a vendere opere ad altri acquirenti. Al Salon di quell”anno espose Labrador e Il seminatore, il suo primo grande capolavoro e il primo del trio iconico di dipinti che avrebbe incluso Le spigolatrici e L”Angelus.

Dal 1850 al 1853 Millet lavorò ai Mietitori in riposo (Ruth e Boaz), un quadro che considererà il più importante e quello su cui lavorò più a lungo. Concepito per rivaleggiare con i suoi eroi Michelangelo e Poussin, fu anche il dipinto che segnò la sua transizione dalla rappresentazione di immagini simboliche della vita contadina a quella delle condizioni sociali contemporanee. Fu l”unico quadro a cui diede una data, e fu la prima opera a ricevere un riconoscimento ufficiale, una medaglia di seconda classe al Salon del 1853.

Millet, come Théodore Rousseau, aveva un senso profondo della natura: la interpretava (piuttosto che rifletterla semplicemente) capendo le voci della terra, degli alberi o dei sentieri. Millet pretendeva di sentire nella natura più di quello che i sensi gli davano. Il tono a volte sentimentale delle sue opere (L”Angelus e La morte e il boscaiolo) lo distanzia un po” dall”altro grande realista, Courbet, che era più duro e ribelle.

L”autore cercherà di ritrarre il popolo umile e contadino in un gesto di ammirazione per la povera gente del mondo rurale, seducendo i repubblicani ed esasperando la borghesia trattando questo come un tema centrale della sua opera.

Il selezionatore

Di fronte a uno spazio interno drammatico, la figura del mondatore che setaccia il grano con i piedi calzati in larghi zoccoli e vecchi panni simili a stracci legati con un pezzo di spago sopra i pantaloni per evitare che si deteriorino, soffre come un”immagine rivelatrice, anche se, come sempre in Millet, sottomessa alla povertà e alla dura lotta quotidiana per la sopravvivenza dell”umile lavoratore rurale.

Questo è uno dei quadri più noti di Millet, The Gleaners (1857). Camminando nei campi intorno a Barbizon, un tema ricorrente è apparso nella matita e nel pennello di Millet per sette anni – la spigolatura, il diritto secolare di donne e bambini poveri di portare via il grano lasciato nei campi dopo il raccolto. Trovò che era un tema senza tempo, legato a storie dell”Antico Testamento. Nel 1857, presentò il quadro The Gleaners al Salon, ad un pubblico tiepido, persino ostile.

(Le versioni precedenti includono una composizione verticale dipinta nel 1854, un”acquaforte del 1855-56 che prefigura direttamente il formato orizzontale del quadro ora al museo d”Orsay).

Una calda luce dorata suggerisce qualcosa di sacro ed eterno in questa scena quotidiana in cui si svolge la lotta per la sopravvivenza. Durante i suoi anni di studi preparatori, Millet ha riflettuto su come trasmettere al meglio il senso di ripetizione e di fatica nella vita quotidiana dei contadini. Le linee tracciate sulla schiena di ogni donna portano a terra e poi si ripetono in un movimento identico al loro interminabile ed estenuante lavoro. Lungo l”orizzonte, il tramonto delinea la fattoria con i suoi abbondanti cumuli di grano, in contrasto con le lunghe figure in ombra in primo piano. Gli abiti semplici e scuri delle spigolatrici tagliano forme robuste contro il campo dorato, dando ad ogni donna una forza nobile e monumentale.

Il dipinto fu commissionato da Thomas Gold Appleton, un collezionista d”arte americano residente a Boston, Massachusetts, che aveva precedentemente studiato con il pittore di Barbizon Constant Troyon, un amico di Millet. Fu completato durante l”estate del 1857. Millet aggiunse un campanile e cambiò il titolo originale dell”opera, Prayer for the Potato Harvest, in The Angelus quando l”acquirente non lo ritirò nel 1859. Mostrato per la prima volta al pubblico nel 1865, il dipinto passò di mano diverse volte, aumentando di valore solo modestamente, dato che l”artista era considerato da alcuni con sospette simpatie politiche. Alla morte di Millet, un decennio dopo, scoppiò una guerra di offerte tra gli Stati Uniti e la Francia, che si concluse qualche anno dopo con un prezzo di 800.000 franchi d”oro.

La disparità tra il valore apparente del dipinto e le cattive condizioni della famiglia superstite di Millet fu una spinta importante nell”istituzione del droit de suite, che aveva lo scopo di compensare gli artisti o i loro eredi quando le loro opere venivano rivendute.

L”Angelus, di Jean Francois Millet, fu concepito come un”esaltazione del lavoro contadino, libero dalla brutalizzazione del proletariato dell”epoca, e come un inno alla riconciliazione dell”uomo e della natura. La composizione segue uno schema semplice: contro un paesaggio aperto, il pittore pone le due figure in primo piano, dando loro una presenza quasi scultorea esaltata da un uso magistrale della luce che accentua il modellato delle due figure. Nel 1935, Salvador Dalí prese questo quadro come esempio di quello che chiamava il ””metodo critico paranoico””. Secondo la sua interpretazione, comprensibile all”interno di uno schema surrealista, le figure non stanno pregando l”Angelus, ma seppellendo il loro figlio, il cui corpo è nel cesto in primo piano. La sua analisi è andata oltre quando ha paragonato la figura femminile a una mantide religiosa che sta per divorare il maschio, che aspetta sottomesso, nascondendo la sua erezione con il suo cappello.

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Anni recenti

Nonostante le recensioni contrastanti dei dipinti che espose al Salon, la reputazione e il successo di Millet crebbero durante gli anni 1860. All”inizio del decennio ebbe un contratto per dipingere 25 opere per uno stipendio mensile per i successivi tre anni, e nel 1865 un altro mecenate, Émile Gavet, iniziò a commissionargli dei pastelli per una collezione che alla fine avrebbe raggiunto le 90 opere. Nel 1867 l”Esposizione universale ospitò una grande mostra del suo lavoro, con The Gleaners, The Angelus e Potato Planters tra i dipinti esposti. L”anno seguente Frédéric Hartmann gli commissionò Quattro stagioni per 25.000 franchi, e Millet fu nominato Cavaliere della Legione d”Onore.

Nel 1870 Millet fu eletto giurato al Salon. Più tardi quell”anno, lui e la sua famiglia fuggirono dalla guerra franco-prussiana, trasferendosi a Cherbourg e Gréville, e non tornarono a Barbizon fino alla fine del 1871. I suoi ultimi anni furono segnati dal successo finanziario e dal crescente riconoscimento ufficiale, ma non fu in grado di completare le commissioni governative a causa della sua salute cagionevole. Il 3 gennaio 1875 sposò Catherine con una cerimonia religiosa. Millet morì il 20 gennaio 1875.

Millet fu un”importante fonte di ispirazione per Vincent van Gogh, soprattutto durante il suo primo periodo. Millet e il suo lavoro sono menzionati molte volte nelle lettere di Vincent a suo fratello Theo. I paesaggi tardivi di Millet sarebbero serviti come punti di riferimento influenti per i dipinti di Claude Monet sulla costa normanna; il loro contenuto strutturale e simbolico influenzò anche Georges Seurat.

Millet è il protagonista principale di Is He Dead di Mark Twain? (1898), in cui è raffigurato come un giovane artista che vive ai margini della vita, fingendo di essere morto per ottenere fama e fortuna. La maggior parte dei dettagli su Millet nell”opera sono inventati.

Il quadro di Millet L”homme à la houe ha ispirato la famosa poesia di Edwin Markham “The Man With the Hoe” (1898).

L”Angelus è stato spesso riprodotto nei secoli XIX e XX. Salvador Dalí fu affascinato da quest”opera e ne scrisse un”analisi, Il mito tragico dell”Angelus di Millet. Piuttosto che vedere la pace spirituale nell”opera, Dalí credeva che trasmettesse messaggi di aggressività sessuale repressa. Dalí credeva anche che le due figure stessero pregando sulla tomba del loro bambino morto, piuttosto che l”Angelus. Dalí era così insistente su questo fatto che alla fine la tela fu passata ai raggi X, confermando i suoi sospetti: il quadro contiene una forma geometrica che è stata dipinta più tardi, come una bara. Tuttavia, non si sa se Millet abbia cambiato idea sul significato del quadro, o anche se la forma sia davvero una bara.

Fonti