Jean-Luc Godard

Dimitris Stamatios | Luglio 29, 2023

Riassunto

Jean-Luc Godard è stato un regista franco-svizzero nato il 3 dicembre 1930 a Parigi e morto il 13 settembre 2022 a Rolle (cantone di Vaud).

È l’autore completo dei suoi film, che spesso dirige, sceneggia, scrive i dialoghi e monta. A volte vi compare, talvolta in un piccolo ruolo, altre volte non come attore ma come soggetto. Produttore e scrittore, è anche critico e teorico del cinema.

Come Éric Rohmer, François Truffaut, Claude Chabrol e Jacques Rivette, Jean-Luc Godard inizia la sua carriera negli anni Cinquanta come critico cinematografico. Scrive in particolare per La Gazette du cinéma, Les Cahiers du cinéma e Arts. Contemporaneamente, realizza alcuni cortometraggi in 16 mm: Opération Béton (1954), un documentario sulla costruzione della diga di Grande-Dixence in Svizzera; Une femme coquette (1955), ispirato a Guy de Maupassant e realizzato senza budget; Tous les garçons s’appellent Patrick, un marivaudage scritto con Éric Rohmer; Une histoire d’eau (1958), che monta a partire da riprese effettuate da François Truffaut; e Charlotte et son jules (1958).

Nel 1959 passa al lungometraggio con À bout de souffle. Il film ottiene un grande successo e diventa uno dei film fondatori della Nouvelle Vague. Nel corso degli anni Sessanta si dedica a numerosi progetti, realizzando diversi film all’anno. Nel 1960 realizza Le Petit Soldat, un film sulla guerra d’Algeria, e Une femme est une femme, un omaggio al musical. Realizza poi Vivre sa vie (1962), un film su una giovane donna che si prostituisce, Les Carabiniers (1963), un altro film sulla guerra, e Le Mépris (1963), sul mondo del cinema. Continua nel 1964 con Bande à part e Une femme mariée. Nel 1965 dirige Alphaville, una strana avventura di Lemmy Caution, un film di fantascienza, seguito da Pierrot le Fou, un road movie che molti specialisti considerano il suo capolavoro. Realizza poi Masculin féminin, un film sulla gioventù, Made in USA, Deux ou trois choses que je sais d’elle, in cui affronta nuovamente il tema della prostituzione, La Chinoise (1967) e Week-end (1967).

Godard era diventato un regista importante e una figura di spicco nel mondo artistico e nell’intellighenzia. Nel 1968, gli eventi del maggio, preannunciati da alcuni dei suoi film precedenti, portarono a una rottura con il sistema cinematografico. Godard si radicalizza ed emargina politicamente. Insieme a Jean-Pierre Gorin, cerca di fare un cinema politico e firma i suoi film con lo pseudonimo collettivo di “gruppo Dziga Vertov”. In questo periodo i suoi film vengono proiettati raramente. A partire dal 1974, sperimenta il video con la compagna Anne-Marie Miéville, lavora per la televisione e si allontana dal cinema.

Torna al cinema a cavallo degli anni ’80 con Sauve qui peut (la vie). Ritorna al ruolo centrale che aveva occupato negli anni Sessanta.

A partire dalla fine degli anni Ottanta si è dedicato a una serie di saggi cinematografici intitolati Histoire(s) du cinéma, che ha completato nel 1998 e che tentano di tracciare una storia cinematografica del cinema. Negli anni 2000 ha proseguito la sua attività cinematografica con Éloge de l’amour (2001), Notre musique (2004) e Film Socialisme (2010). Ha anche allestito una mostra al Centre Georges-Pompidou di Parigi. Il progetto, estremamente ambizioso, è stato infine abbandonato e ha dato vita a una mostra intitolata Voyage(s) en utopie. Alla ricerca di un teorema perduto. JLG 1945-2005″, che presenta i modelli della mostra prevista.

Jean-Luc Godard ha vinto l’Orso d’oro al Festival di Berlino nel 1965 per Alphaville, oltre a due Orsi d’argento (per la miglior regia nel 1960 per Senza fiato e l’Orso d’argento straordinario nel 1961 per Una donna è una donna). Ha vinto anche un Leone d’Oro onorario alla Mostra del Cinema di Venezia del 1982 e il Leone d’Oro per il miglior film per Prénom Carmen nel 1983. Ha ricevuto anche il Premio della Giuria al Festival di Cannes per Adieu au langage nel 2014, oltre a due César onorari, nel 1987 e nel 1998, e un Oscar onorario nel 2010 per tutta la sua carriera. Nel 2018 ha ricevuto una Palma d’Oro speciale per Le Livre d’image e per l’intera sua opera al 71° Festival di Cannes.

Bambini e giovani

Jean-Luc Godard è nato il 3 dicembre 1930 al numero 2 di rue Cognacq-Jay, nel VII arrondissement di Parigi. Era il secondo di quattro figli. La sorella maggiore, Rachel, nata il 6 gennaio 1930, è morta nel 1993. Un’altra sorella, Véronique, è fotografa.

Il padre, Paul Godard (1899-1964), nacque il 1° giugno 1899 da una famiglia la cui madre proveniva dal nord della Francia (Le Cateau-Cambrésis) e il padre, Georges Godard, da un’antica famiglia protestante di Sancerre. Nel 1916 si trasferisce con la famiglia in Svizzera come pacifista, stabilendosi a Vevey e poi a Ginevra. Studia medicina e difende la sua tesi a Parigi nel 1925. In seguito lavora sia a Parigi che in Svizzera.

Sua madre, Odile Monod (1909-1954), apparteneva a una grande famiglia protestante francese, discendente dal pastore Jean Monod, nato a Ginevra nel 1765, e dal pastore Adolphe Monod, nato nel 1802. Il nonno materno, Julien Monod, aveva diretto la Société Financière d’Orient ed era stato uno dei fondatori della Banque de Paris et des Pays-Bas. Nel 1924 acquistò un appartamento al numero 16 di boulevard Raspail, in un edificio progettato dall’architetto Henri Sauvage. Frequenta scrittori e diventa molto amico di Paul Valéry, che incontra nel 1924. Grande ammiratore del poeta, ne raccolse i libri, i manoscritti e la corrispondenza in una stanza del suo appartamento nota come “valerianum”.

Paul Godard sposa Odile Monod all’Oratoire du Louvre il 16 ottobre 1928.

Nel 1933 trova lavoro in una clinica in Svizzera e la famiglia Godard si stabilisce sulle rive del lago di Ginevra tra Nyon e Rolle, prima di trasferirsi a Nyon nel 1938 in Rue du Prieuré 4. Jean-Luc Godard frequenta la scuola elementare a Nyon dal 1936. La sua infanzia è stata particolarmente sportiva, con il calcio, lo sci e la pallacanestro. È stata anche segnata dalla religione protestante. Il giovane Jean-Luc Godard sviluppa dapprima una passione per la pittura. I suoi primi lavori sembrano essere stati ispirati da Paul Klee e Oskar Kokoschka. Trascorre le vacanze nella proprietà dei nonni materni ad Anthy-sur-Léman.

Nel giugno del 1940, Jean-Luc Godard si trovava a Parigi con i nonni quando i tedeschi lo invasero. Fu mandato a vivere con la zia Aude in Bretagna, dove iniziò l’anno scolastico 1940 prima di attraversare la Francia per raggiungere la Svizzera. La famiglia Monod era tendenzialmente repubblicana e di sinistra, ma Julien Monod, suo nonno, era più conservatore, difendeva il maresciallo Pétain e leggeva la stampa collaborazionista. I genitori di Godard, invece, lavoravano per la Croce Rossa ed erano anglofili.

Dopo la guerra, Jean-Luc Godard si diploma al liceo di Nyon e viene mandato a Parigi per prendere il baccalauréat al Lycée Buffon. A quel punto si allontana dalla famiglia. I suoi genitori erano sull’orlo della separazione. Il padre soffriva della malattia di Charcot e non sopportava l’atteggiamento della famiglia Monod nei suoi confronti, mentre la madre non sopportava la lontananza dalla famiglia. Lasciò la casa coniugale per trasferirsi a Ginevra nel 1949, poi a Losanna nel 1951 e la coppia divorziò nel novembre 1952. Godard si trasferisce quindi in rue d’Assas, proprio sotto l’appartamento dello scrittore ed editore Jean Schlumberger. Perde interesse per gli studi e viene bocciato al baccalauréat nel 1947. Inizia a frequentare i cineclub e la Cinémathèque Française. La sua scoperta del cinema passa anche attraverso la lettura di testi critici come quelli della Revue du cinéma, in cui scopre gli scritti di Maurice Schérer, oggi meglio conosciuto come Éric Rohmer.

Fin da quando era adolescente a Nyon, Jean-Luc Godard, nonostante vivesse in una famiglia benestante, aveva l’abitudine di rubare. Questa abitudine è diventata una mania e Jean-Luc Godard ha rubato anche alla sua famiglia e ai suoi amici. In particolare, ha rubato libri dalla biblioteca di Jean Schlumberger, che ha venduto sul Pont-Neuf. Rubò anche opere di Paul Valéry dalla biblioteca del nonno, che vendette alla libreria Gallimard di fronte alla casa del nonno. Il nonno scoprì il furto e Jean-Luc Godard divenne la pecora nera della sua famiglia all’età di diciassette anni. Più tardi, nel 1952, rubò anche il registratore di cassa dei Cahiers du cinéma e quello del Café de la Comédie, situato vicino al Palais-Royal e gestito dai genitori dell’amico Charles Bitsch. Nel novembre 1947, in disaccordo con la sua famiglia, Godard scrisse un pamphlet contro di loro, intitolato Le Cercle de famille. O impressioni d’insieme.

Nel 1948 torna in Svizzera e si prepara per il baccalauréat al Collège Lémania di Losanna. Dopo essere stato bocciato una seconda volta, lo supera al terzo tentativo, nel 1949. In questo periodo Godard è ancora indeciso tra pittura, cinema e letteratura. Scrive la sua prima sceneggiatura, intitolata Aline, tratta dal romanzo di Charles Ferdinand Ramuz.

Nell’autunno del 1949 si iscrive a antropologia alla Sorbona di Parigi, ma perde presto interesse per la materia. Alla Sorbona conosce Suzanne Klochendler, che in seguito diventerà Suzanne Schiffman e che collaborerà con Godard in numerosi film, e lo scrittore Jean Parvulesco. Scrive una seconda sceneggiatura basata su La Fiancée di George Meredith, intitolata La Trêve d’ironie, Claire. In questo periodo vede un numero enorme di film. Alla cinémathèque diretta da Henri Langlois, incontra regolarmente Suzanne Klochendler, François Truffaut, Jean Gruault e Jacques Rivette. Frequenta anche il cineclub Quartier Latin fondato da Frédéric Frœschel nel 1947, dove incontra Maurice Schérer, Paul Gégauff, Truffaut, Chabrol, Gruault e Rivette. Il gruppo pubblica il Bulletin du ciné-club du Quartier latin, che alla fine del 1949 diventa una vera e propria rivista intitolata La Gazette du cinéma. È su questa rivista che Godard pubblica i suoi primi testi critici all’età di 19 anni. Tra il giugno e il novembre del 1950 pubblica dodici articoli a suo nome o con lo pseudonimo di Hans Lucas, traduzione tedesca del suo nome di battesimo Jean-Luc. Nel settembre del 1950, insieme agli amici del cineclub Quartier Latin, partecipa al Festival du film maudit de Biarritz organizzato dal cineclub Objectif 49, presieduto da Jean Cocteau. Questo festival rappresenta un momento importante per lo sviluppo dei giovani critici riuniti nella Gazette du cinéma, che non esitano a criticare le scelte dei critici.

Nel dicembre 1950, il padre si offre di portarlo in viaggio in America. Prima visita New York, poi Kingston, in Giamaica, dove il padre acquista una casa in cui vivere. Jean-Luc Godard parte quindi da solo per viaggiare in Sud America per diversi mesi. Visita Panama, Perù, Bolivia e Brasile prima di tornare in Francia nell’aprile del 1951.

Gli anni dei Cahiers du cinéma (1950-1959)

Nell’aprile del 1951, Jacques Doniol-Valcroze fonda i Cahiers du cinéma. La rivista, creata per continuare lo spirito della Revue du cinéma, accolse critici di vario genere, tra cui Maurice Schérer, che cercò di convincere i suoi amici della Gazette du cinéma a unirsi ai Cahiers. Godard pubblica il suo primo articolo sulla nuova rivista nel gennaio 1952, con un articolo su La Flamme qui s’éteint di Rudolph Maté. Nell’aprile del 1952, poi, si scagliò contro André Bazin con un articolo intitolato “Défense et illustration du découpage classique” (“Difesa e illustrazione del taglio classico”).

Nella primavera del 1953, il padre gli trova un lavoro come cameraman per la televisione svizzera a Zurigo. L’esperienza finisce male. Godard ruba di nuovo dalla cassa della televisione. Viene denunciato alla polizia e passa tre notti in prigione. Per evitare di partire per la guerra in Indocina, Godard aveva optato per la nazionalità svizzera quando era diventato maggiorenne, ma non aveva adempiuto agli obblighi militari in Svizzera ed era quindi fuori dalla legge. Suo padre lo fece internare per diverse settimane nell’ospedale psichiatrico La Grangette di Losanna. Dopo questo episodio, non vide più suo padre per dieci anni. Quando fu dimesso dall’ospedale, sua madre gli trovò un lavoro alla diga di Grande-Dixence, nel Vallese. Godard vi lavora nell’estate del 1953 e per tutto il 1954 e trascorre il tempo libero a Ginevra, dove frequenta un gruppo di dandy occasionali. Con l’amico Jean-Pierre Laubscher, realizza un documentario in 16 mm sulla costruzione della diga. Da questo primo film, intitolato Opération béton, Godard presta particolare attenzione al suono, cercando di registrarlo fedelmente. Lo vende poi alla Compagnie de la Grande-Dixence. Il 21 aprile 1954, all’età di 45 anni, sua madre muore in un incidente in scooter. Dopo aver venduto il documentario, Godard si trasferisce a Ginevra e realizza un secondo cortometraggio, Une femme coquette, girato nel novembre 1955 sull’Île Rousseau.

Nel gennaio 1956 torna a Parigi e si unisce alla banda della Gazette du Cinéma. Grazie a Claude Chabrol, diventa addetto stampa della Fox, dove lavora irregolarmente per due anni. Torna anche ai Cahiers du cinéma. Per il suo ritorno, sceglie di pubblicare un testo su un cineasta al di fuori del pantheon classico difeso dagli altri giovani turchi, Frank Tashlin. Grazie a François Truffaut, nel febbraio 1958 entra a far parte del settimanale Arts. Nello stesso periodo, lavora anche come montatore per il produttore Pierre Braunberger sotto la direzione di Myriam Borsoutsky.

Nel giugno 1957 gira il suo primo cortometraggio professionale, Tous les garçons s’appellent Patrick ou Charlotte et Véronique. Scritto con Éric Rohmer e prodotto da Pierre Braunberger, il film racconta la storia di due ragazze civettuole e ingenue che vengono sedotte dallo stesso uomo nei Giardini del Lussemburgo. Il film è leggero e dal ritmo incalzante. Fu proiettato nei cinema nella primavera del 1958 come accompagnamento a Un témoin dans la ville di Édouard Molinaro.

Nel febbraio 1958, la regione dell’Île-de-France fu sommersa da piogge torrenziali. Dopo una discussione con Godard e Pierre Braunberger, François Truffaut decide di girare la storia di una ragazza che vive in periferia e che vuole recarsi a Parigi durante l’alluvione. Il film si intitola Une histoire d’eau. Truffaut non è soddisfatto delle bozze e abbandona il progetto, ma Godard scrive un testo che legge in voce fuori campo con Anne Colette e monta il film. Il film fu infine proiettato nel marzo 1961 come prima parte del film Lola di Jacques Demy.

Godard gira poi Charlotte et son jules con Jean-Paul Belmondo e Anne Colette. Il film, ispirato a Bel Indifférent di Jean Cocteau, è un lungo monologo di un ragazzo di fronte alla sua fidanzata, che è semplicemente tornata a trovarlo per dirgli che lo sta lasciando e per ritirare lo spazzolino da denti. Belmondo era assente per la post-sincronizzazione e alla fine fu Godard stesso a doppiare il suo personaggio. Il film fu trasmesso in contemporanea con Lola nel marzo 1961.

In un’intervista rilasciata a Marguerite Duras nel 1987, Jean-Luc Godard disse che il primo film che volle realizzare era ispirato alla letteratura, con Le Mythe de Sisyphe (Il mito di Sisifo) di Albert Camus, che propose ai produttori di adattare per il cinema. Anche Diario del seduttore di Søren Kierkegaard era un romanzo che avrebbe voluto trasformare in film.

Senza fiato

Dopo il successo di Quattrocento colpi di François Truffaut al Festival di Cannes del 1959, Godard capì che non doveva perdere l’occasione e si accinse a realizzare il suo primo lungometraggio. Riprende un’idea della sceneggiatura di Truffaut basata su un fatto di cronaca e contatta il produttore Georges de Beauregard per finanziare il suo film. Senza fiato racconta la storia di Michel Poiccard, un giovane che ruba un’auto a Marsiglia per andare a incontrare una donna americana a Parigi. Durante il tragitto, viene inseguito da due poliziotti e finisce per ucciderne uno. Alla fine trova la donna americana a Parigi. Nella tradizione dei film noir americani, il film è ispirato a una storia vera. Il film fu girato nell’agosto e nel settembre 1959 con Jean-Paul Belmondo e Jean Seberg nei ruoli principali. Sebbene le riprese siano state relativamente brevi, il materiale era troppo abbondante e Godard fu costretto a fare dei tagli nel suo film, ma invece di tagliare intere inquadrature come era tradizione, tagliò all’interno delle inquadrature. In questo modo, seguì il consiglio dell’amico Jean-Pierre Melville, che gli aveva detto che dopo aver realizzato un film impossibile, avrebbe dovuto andare fino in fondo e finirlo come tale. In questo modo crea delle discontinuità nel suo film che gli conferiscono un ritmo particolare. Uscito nel marzo 1960, il film ebbe un grande successo di pubblico (2,2 milioni di spettatori in Francia). Fu anche un successo di critica, con Godard che ricevette il sostegno di critici come imp

Gli anni di Karina (1959-1967)

Appena uscito À bout de souffle, Godard inizia a girare Le Petit Soldat. Così facendo, si mise contro coloro che accusavano il giovane cinema di parlare solo dei problemi di scopata e di non affrontare temi più attuali, come la guerra d’Algeria e la censura. Il film è ambientato a Ginevra il 13 maggio 1958, giorno in cui il generale Massu prese il potere ad Algeri. Il film racconta la storia di un disertore dell’esercito francese che lavora per un gruppo terroristico di estrema destra a Ginevra. Vuole licenziarsi ma viene preso in ostaggio dall’FLN e riesce a fuggire mentre la sua ragazza viene presa in ostaggio dai terroristi di estrema destra. Dal punto di vista politico, il film è ambiguo e la tortura è opera sia dell’estrema destra che del FLN. Il film fu censurato dal Ministro dell’Informazione, Louis Terrenoire, che giustificò la sua decisione dicendo: “In un momento in cui tutti i giovani francesi sono chiamati a servire e a combattere in Algeria, sembra difficile accettare che il comportamento opposto debba essere esposto, illustrato e infine giustificato”. Il film uscì nel 1963, dopo la fine della guerra d’Algeria.

Sul set del film, sedusse l’attrice Anna Karina. Dopo averla notata in una pubblicità nell’estate del 1959, le offrì un ruolo in Breathless, che lei rifiutò perché non voleva spogliarsi. Le offrì quindi il ruolo di protagonista in Le Petit Soldat. Anna Karina diventa quindi la musa di Jean-Luc Godard e gira con lui sette film negli anni ’60 (Le Petit Soldat, Une femme est une femme, Vivre sa vie, Bande à part, Alphaville, Pierrot le Fou e Made in USA). La sposa il 3 marzo 1961 a Begnins, in Svizzera, poi nella chiesa protestante di Avenue Marceau a Parigi. Tuttavia, il loro matrimonio non funzionò e Jean-Luc Godard e Anna Karina divorziarono ufficialmente il 21 dicembre 1964.

Alla fine del 1960, Godard gira il suo terzo lungometraggio, Une femme est une femme, con Jean-Paul Belmondo, Jean-Claude Brialy e Anna Karina. Il film racconta la storia di Angela (Anna Karina), che vuole avere un figlio entro 24 ore. Quando il suo compagno Émile (Jean-Claude Brialy) si rifiuta, minaccia di avere un figlio con Alfred (Jean-Paul Belmondo). Come i suoi predecessori, il film ha diviso la critica e polarizzato l’attenzione dei giornali. Il film vinse il Premio Speciale della Giuria al Festival di Berlino nel giugno 1961 e Anna Karina ottenne il premio come miglior attrice. Tuttavia, il successo di pubblico del film fu inferiore alle aspettative della casa di produzione (550.000 spettatori in Francia).

In Vivre sa vie (1962), Godard ritrae una donna che si prostituisce. Il film fu presentato alla Mostra del Cinema di Venezia nell’agosto 1962 e vinse il Premio Speciale della Giuria e il Premio della Critica. Uscito a Parigi il 20 settembre, ha attirato 148.000 spettatori alla prima proiezione parigina, il che sembra un successo per il budget del film, e l’accoglienza della critica è stata unanime, con l’eccezione di Positif, Cinéma 62 e Le Figaro.

Nello stesso anno, Godard appare con Anna Karina in Cléo de 5 à 7, un film di Agnès Varda che include in una scena un brevissimo film burlesco in bianco e nero in omaggio al cinema muto intitolato Les fiancés du pont MacDonald.

Sempre nel 1962, adatta I carabinieri del drammaturgo italiano Beniamino Joppolo. Il film è una descrizione della guerra e dei suoi eccessi attraverso la storia di due contadini, Ulisse e Michelangelo, che partono per la guerra e scoprono con piacere che tutto è loro permesso. Quando tornano, è impossibile per loro tornare alla vita normale, e quando sentono il rumore dei cannoni in lontananza, tornano in guerra e vengono fucilati. Per questo film, Godard scelse deliberatamente attori sconosciuti e un’immagine di qualità quasi amatoriale. Voleva mostrare la guerra così com’era, senza glorificarla e senza eroismi. Il film, uscito a Parigi nel marzo 1963, fu un fallimento commerciale (20.000 spettatori solo a Parigi) e anche la reazione della stampa fu molto negativa.

A differenza del suo predecessore, Le Mépris (1963) fu un film a grande budget con protagonista una delle attrici più famose dell’epoca, Brigitte Bardot. Il film è un adattamento dell’omonimo romanzo dello scrittore italiano Alberto Moravia. Racconta la storia di Paul Javal (Michel Piccoli), uno scrittore di teatro sposato con Camille (Brigitte Bardot), che si reca a Cinecittà per negoziare un contratto con il produttore Jeremy Prokosch per rielaborare la sceneggiatura di un film sull’Odissea, diretto da Fritz Lang, che interpreta se stesso. Godard torna a far parlare di sé (1,5 milioni di biglietti venduti). All’epoca, Le Mépris non suscitò l’entusiasmo della critica, ma il film divenne uno dei grandi classici di Godard. Il film fu comunque lodato da critici famosi come Jean-Louis Bory (Arts) e Jean Collet (Télérama), e soprattutto dallo scrittore Louis Aragon in Les Lettres françaises.

Nella primavera del 1964 gira Bande à part. Il film, tratto da un romanzo noir intitolato Pigeon vole, racconta la storia di due amici, Franz e Arthur, che manipolano una giovane donna, Odile Monod (Anna Karina), per rubare del denaro al suo tutore. Sono rimaste famose le scene in cui Odile, Franz e Arthur corrono nella grande galleria del Louvre per battere un record di velocità e quella in cui i tre personaggi ballano la madison in un caffè.

Une femme mariée mostra la vita di una donna parigina divisa tra l’amante e il marito, finché non rimane incinta. Godard mostra freddamente i momenti della vita di questa donna “filmando i soggetti come oggetti”. Il film è stato realizzato in quattro mesi, tra maggio, quando Godard ha proposto una prima bozza al suo produttore, e la Mostra del Cinema di Venezia a settembre. Alla fine di settembre, il film fu vietato dalla commissione di controllo cinematografico, che giudicò il titolo iniziale, La Femme mariée (La donna sposata), offensivo per tutte le donne e la rappresentazione della sessualità troppo suggestiva. Questo divieto provocò uno scandalo nella stampa. Alla fine Godard accettò di cambiare il titolo e di modificare alcune scene in modo che il suo film potesse essere proiettato.

Nel gennaio del 1965, Godard gira Alphaville, una strana avventura di Lemmy Caution, un film di fantascienza con l’insolita caratteristica di essere girato a Parigi su set reali anziché in studio. Questa scelta estetica nasce dall’idea che il futuro sia già qui e che, nel 1965, Parigi e i suoi abitanti siano già diventati macchine. La particolare atmosfera del film è dovuta in gran parte alla scelta di girare di notte e senza illuminazione, utilizzando pellicole molto sensibili, che danno un bianco e nero ad alto contrasto e un’impressione crepuscolare. Il film vinse l’Orso d’Oro al Festival di Berlino nel giugno 1965.

Dopo Alphaville, Godard gira Pierrot le Fou. Il film è un road movie attraverso la Francia. Ferdinand (Jean-Paul Belmondo) e Marianne (Anna Karina) fuggono da Parigi, e dalla società che li annoia, per il sud della Francia. L’intrigo criminale che costituisce la spina dorsale del film è trattato con disinvoltura. Il film fu presentato alla Mostra del Cinema di Venezia del 1965 e suscitò reazioni controverse, ma Godard ricevette molti consensi, tra cui un articolo di Louis Aragon su Les Lettres françaises intitolato “Qu’est-ce que l’art, Jean-Luc Godard? Aragon apprezzò l’arte del collage di Godard e vide il suo lavoro come una continuazione del cubismo. Al contrario, il critico Bernard Dort attaccò fortemente Godard in Les Temps modernes, considerandolo un reazionario nostalgico. Il film vendette 1,3 milioni di biglietti.

Pierrot le Fou rappresenta una sorta di culmine nel lavoro di Godard, che ora deve iniziare qualcosa di diverso. Alla fine del 1965 gira Masculin féminin, un film tratto da due racconti di Guy de Maupassant, Le Signe e La Femme de Paul, interpretato da Jean-Pierre Léaud, Chantal Goya e Marlène Jobert. Il film è un’indagine sociologica sulla gioventù degli anni Sessanta. Il personaggio di Jean-Pierre Léaud, Paul Doinel, assomiglia all’Antoine Doinel di François Truffaut. Come lui, è socialmente disadattato e infelicemente innamorato.

Durante gli anni Sessanta, l’orientamento politico di Godard si sposta a sinistra. La censura di Une femme mariée (1964) fu un momento importante della sua evoluzione politica. Quando, nel 1966, il Ministro dell’Informazione vietò Suzanne Simonin di Jacques Rivette, La Religieuse di Diderot, Godard attaccò pubblicamente André Malraux pubblicando un testo su Le Nouvel Observateur intitolato “Lettre ouverte à André Malraux, ministre de la Kultur” (“Lettera aperta ad André Malraux, Ministro della Cultura”). Malraux autorizzò infine la proiezione de La Religieuse al Festival di Cannes dello stesso anno.

Durante l’estate del 1966, gira due film in rapida successione. Made in USA fu realizzato in fretta e furia su richiesta del produttore Pierre Braunberger, che aveva bisogno di un nuovo progetto per la sua casa di produzione. Il film mostra la vita di una reporter, Paula Nelson, che indaga sulla morte del suo amico Richard Politzer, ma la maggior parte dei commentatori ha sottolineato l’incoerenza della storia. Godard girò poi Deux ou trois choses que je sais d’elle nell’agosto del 1966. Il film racconta una giornata nella vita di una giovane donna, Juliette Janson (Marina Vlady), che vive in un complesso residenziale e si prostituisce occasionalmente per comprare vestiti o andare dal parrucchiere. L’approccio di Godard si ispira apertamente allo strutturalismo e cerca di condurre un'”indagine sociologica” della società francese.

Gli anni di Mao (1967-1973)

Jean-Luc Godard incontra Anne Wiazemsky, nipote di François Mauriac, sul set di Au hasard Balthazar di Robert Bresson nell’agosto del 1965. Dopo aver rifiutato le sue avances, la donna gli scrisse una lettera d’amore nel giugno del 1966. Anne Wiazemsky aveva appena superato la maturità e stava entrando all’Università di Nanterre, e fu grazie a lei che Godard scoprì l’ambiente studentesco che utilizzò come sfondo per La Chinoise. Sposò Anne Wiazemsky il 21 luglio 1967. La coppia si separa nell’ottobre 1970.

Nel 1967 Godard gira La Chinoise e Week-end. Il primo racconta la storia di un gruppo di giovani maoisti proprio nel momento in cui questo movimento stava nascendo in Francia. Il film fu presentato al Festival di Avignone nell’agosto 1967 nel cortile del Palazzo dei Papi, poi alla Mostra del Cinema di Venezia in settembre e uscì contemporaneamente a Parigi. Godard era all’epoca all’apice della sua fama e il film era molto atteso, ma non fu accolto molto bene. La critica cinematografica fu abbastanza positiva, ma gli attivisti maoisti si opposero con molta veemenza al film: lo vedevano come una provocazione ed erano indignati dal fatto che i maoisti fossero ritratti come giovani borghesi che giocavano alla rivoluzione.

In Weekend, Godard mostra una coppia che parte per il fine settimana per andare a stare dalla suocera nella speranza di recuperare la sua eredità. Il fine settimana degenera rapidamente in una situazione apocalittica, con i personaggi privi di qualsiasi umanità. Godard stesso aveva previsto che il suo film non sarebbe stato apprezzato dal pubblico, descrivendolo come “cattivo, rozzo e caricaturale”. Dopo questo film, Godard pensò di smettere di fare cinema, almeno come aveva fatto dai primi anni Sessanta, e consigliò ai suoi principali collaboratori, Raoul Coutard, Suzanne Schiffman e Agnès Guillemot, di lavorare con altri registi.

Il 1968 è un anno cruciale nella carriera di Godard, che si allontana dal cinema classico praticato fino a quel momento, viene coinvolto nelle varie lotte politiche dell’epoca (l’affare Langlois, la guerra del Vietnam e, a suo modo, il Maggio 68) e cerca nuovi modi di fare cinema attraverso il didascalismo di Gai Savoir e i film-trattati del Maggio 68.

A gennaio, gira Le Gai Savoir per la televisione francese con Jean-Pierre Léaud e Juliet Berto. Nel suo didascalismo, il film era un’estensione de La Chinoise. Montato nell’agosto dello stesso anno dopo gli eventi del 1968, fu rifiutato dall’ORTF e bandito dal cinema dalla commissione di controllo.

Nel febbraio del 1968, il ministro della Cultura André Malraux si accinse a eleggere un nuovo direttore artistico per la Cinémathèque Française in sostituzione di Henri Langlois. Come i suoi compagni della Nouvelle Vague, Godard aveva scoperto la cinefilia alla Cinémathèque grazie a Langlois e non poteva sopportare l’idea che il governo volesse sostituirlo. Insieme ad altri cineasti e cinefili, partecipa alle manifestazioni del 12 febbraio in rue d’Ulm e del 14 febbraio al Palais de Chaillot e costituisce il Comité de défense de la cinémathèque française. Langlois viene infine reintegrato il 22 aprile 1968.

Insieme ad altri cineasti come Philippe Garrel e Chris Marker, partecipa agli eventi del maggio 68, seguendo e filmando le manifestazioni, partecipando agli Stati Generali del Cinema Francese all’École Technique de Photographie et de Cinéma di rue de Vaugirard e all’IDHEC e chiedendo, insieme a François Truffaut, Alain Resnais, Claude Lelouch, Louis Malle e altri, di fermare il festival di Cannes in “solidarietà con gli studenti”. Con Chris Marker partecipò alla produzione di cinétracts, brevi film di 3 minuti che mescolavano slogan rivoluzionari con immagini di manifestazioni o immagini pubblicitarie dirottate. Ma il maggio 68 è anche un momento di delusione per Godard, che si stacca dal movimento dei cineasti e non partecipa alla creazione della Société des réalisateurs de films. Infine, è anche il momento in cui Godard mette in discussione la sua notorietà e vuole tornare all’anonimato. Mise anche in discussione la nozione di autore che aveva difeso quando era critico ai Cahiers du cinéma.

Dopo il maggio 68, si reca a Londra per filmare le registrazioni di Sympathy for the Devil dei Rolling Stones. Nel suo film, inizialmente intitolato One + One, Godard giustappone prove filmate dei Rolling Stones e scene senza alcun legame apparente con le registrazioni, in cui compaiono, tra gli altri, le Black Panthers. Il film mostra gli Stones al lavoro, decostruendo il mito del genio creativo. A luglio, Godard ha girato in Francia Un film comme les autres, in cui ha coinvolto studenti di Nanterre e operai della fabbrica Renault di Flins per parlare delle lezioni del maggio 68. Il film è volutamente anti-speculativo e non ha un’apparente connessione con le registrazioni. Il film è volutamente antispettacolare e viene proiettato raramente.

Nell’autunno del 1968, Richard Leacock e Don Alan Pennebaker chiedono a Godard di recarsi negli Stati Uniti per realizzare un film sullo stato dell’America. Dopo quasi un mese di riprese attraverso l’America, Godard abbandonò il progetto. Era molto deluso dalle riprese e non gli piaceva lo stile di ripresa di Pennebaker. Alla fine, Pennebaker e Leacock utilizzarono le riprese per realizzare un film intitolato One Parallel Movie. In seguito lavorò con Jean-Henri Roger, uno studente maoista di 20 anni, per British Sounds (1969), un film sullo stato della Gran Bretagna per il canale televisivo britannico LWT. Partirono poi per Praga per realizzare Pravda, un film sulla Cecoslovacchia un anno dopo la Primavera di Praga.

Nell’estate del 1969, Godard si propone di girare a Roma un “western di estrema sinistra” con Marc’O e Daniel Cohn-Bendit, che aveva conosciuto tramite Anne Wiazemsky fin dal 1967. Inizialmente, si trattava di un progetto utopico in cui tutti i partecipanti sarebbero stati pagati in parti uguali e, soprattutto, in cui la sceneggiatura e il piano di lavoro sarebbero stati redatti collettivamente in riunioni generali. Ben presto il gruppo si divise e gli amici anarchici di Cohn-Bendit non riuscirono ad andare d’accordo con gli amici maoisti di Godard. Alcuni, come Marc’O, abbandonarono il progetto. Godard chiamò il suo amico Jean-Pierre Gorin per aiutarlo a rimettere in piedi il film. Dopo le riprese, Godard e Gorin lavorarono da soli per quattro mesi al montaggio del film. Alla fine, Vent d’est fu la nascita del gruppo Dziga Vertov, uno pseudonimo collettivo formato essenzialmente da Godard e Gorin in riferimento al regista sovietico Dziga Vertov. Godard e Gorin cercavano di fare “cinema politico”. Con questo gruppo, Godard cercava anche di dimenticare il suo status di “autore”. Realizzarono per la RAI Lotte in Italia, ispirato principalmente agli scritti di Louis Althusser, e poi partirono per la Palestina con Armand Marco ed Elias Sanbar per realizzare Fino alla vittoria. Il film rimase incompiuto, ma le immagini e i suoni registrati furono poi riutilizzati in Ici et ailleurs (1974). Dopo il fallimento del film palestinese, il gruppo

Dal 1968 al 1973, Godard e Gorin realizzano insieme film con un messaggio particolarmente maoista. Su iniziativa del produttore Jean-Pierre Rassam, tornano a un cinema più classico con Tout va bien, sempre con attori famosi (Yves Montand e Jane Fonda). Il film, uscito nell’aprile del 1972, costò 2,5 milioni di franchi e attirò solo 78.000 spettatori a Parigi.

Il 9 giugno 1971, mentre preparava Tout va bien, Jean-Luc Godard fu coinvolto in un grave incidente in moto in cui si fratturò il bacino e rimase in coma per una settimana. Subisce numerose operazioni e trascorre più di sei mesi in ospedale, con ricoveri regolari per tre anni. In questo periodo conosce Anne-Marie Miéville, che aveva incontrato qualche mese prima a Losanna. Quando esce dall’ospedale, nel novembre 1971, si trasferisce da lei e le chiede di lavorare con lui a Tout va bien come fotografa di scena.

Dopo Tout va bien, Jean-Pierre Gorin tenta di realizzare il suo film L’Ailleurs immédiat, ma incontra numerose difficoltà e non si sente sostenuto da Godard, il che segna la fine della loro collaborazione. Gorin lascia la Francia all’inizio del 1973 per vivere in Messico e poi in California. Pochi mesi dopo, François Truffaut rompe definitivamente con Godard. Dopo l’uscita de La Nuit américaine, Godard scrisse una lettera a Truffaut in cui criticava aspramente il film e chiedeva denaro per finanziare il suo prossimo film. Truffaut rispose violentemente, accusandolo di non prestare attenzione agli altri, di “amare le persone solo in teoria” e di comportarsi come una diva.

Gli anni del video (1973-1979)

All’inizio del 1973, dopo lo scioglimento del gruppo Dziga Vertov, Godard progetta di realizzare un film sotto forma di confessione autobiografica dal titolo Moi Je. Per la prima volta, pensa di abbandonare la pellicola cinematografica tradizionale e di realizzare il suo film interamente in video, investendo tutto il denaro ottenuto dal CNC per il film in attrezzature video, in modo da diventare completamente autonomo. È a questo punto che incontra Jean-Pierre Beauviala, ingegnere di Grenoble, inventore della Paluche, una cinepresa ultraleggera, e direttore della società Aäton, che lo invita a trasferirsi a Grenoble alla fine del 1973. Godard lascia bruscamente Parigi con Anne-Marie Miéville e ricostituisce il suo studio video a Grenoble, dove crea una nuova società di produzione chiamata Sonimage. Portò a Grenoble Gérard Teissèdre, specialista in video, fotografia e controllo automatico, per allestire e sviluppare lo studio video.

Anne-Marie Miéville e Jean-Luc Godard utilizzarono le riprese effettuate in Palestina per Jusqu’à la victoire nel 1970 e le analizzarono criticamente per comporre un nuovo film: Ici et ailleurs (1974). Godard e Miéville scoprirono che alcuni combattenti palestinesi avevano paura dell’esercito israeliano e non avevano fiducia nei loro leader. Il film uscì nelle sale il 15 settembre 1976 con relativa indifferenza, ma suscitò in seguito uno scandalo per la sua radicale inclinazione filopalestinese e per il montaggio tra una foto di Golda Meir, primo ministro di Israele dal 1969 al 1974, e una foto di Adolf Hitler.

Il produttore Georges de Beauregard chiese allora a Godard di realizzare un remake di Breathless. Godard rifiutò l’incarico e realizzò un film intitolato Numéro deux, in cui mostrava la vita quotidiana di tre generazioni: una giovane coppia, i loro due figli e i loro genitori a Grenoble. Il film, uscito a Parigi nel settembre del 1974, fu un insuccesso commerciale ma divise ancora una volta la critica, come era accaduto ai tempi di Pierrot le Fou. La particolarità tecnica di questo film è che è stato girato in video e poi trasferito su pellicola d’argento.

Nel giugno 1976, l’Institut National de l’Audiovisuel gli commissiona una serie di sei film di un’ora per il canale televisivo francese FR3, da produrre nel brevissimo spazio di due mesi. Godard pensava da tempo di fare televisione ed era felicissimo di averne finalmente l’opportunità. La serie, intitolata Six fois deux

Nel 1976, stufo della sua vita a Grenoble, fece svuotare i locali di Sonimage senza informare il personale esistente. Sonimage viene in seguito condannata per questi atti. Nella primavera del 1977, Godard si trasferisce con la compagna Anne-Marie Miéville a Rolle, in Svizzera, vicino alla città di Nyon dove aveva trascorso l’infanzia. In occasione del centenario della pubblicazione di Le Tour de la France par deux enfants, il canale televisivo francese Antenne 2 volle realizzare un adattamento televisivo della storia sotto forma di una serie di dodici episodi da 26 minuti, e alla fine incaricò Godard di farlo. Come di consueto, Godard stravolse la commissione originale e produsse una serie intitolata France tour détour deux enfants, in cui riprese la vita quotidiana di due bambini nella Francia contemporanea. Antenne 2 perse interesse per la serie e la trasmise solo nell’aprile del 1980.

Il ritorno al cinema (1980-1988)

Dopo gli anni del video, Jean-Luc Godard cerca di tornare al circuito del cinema classico. Nel maggio del 1979 contattò Jean-Paul Belmondo, che aveva acquistato i diritti per adattare la biografia di Jacques Mesrine, ma Belmondo diffidava di Godard e rifiutò di lavorare di nuovo con lui, temendo che il suo film fosse troppo sperimentale. Godard pensò allora di girare un film negli Stati Uniti con Francis Ford Coppola. Con lo sceneggiatore Jean-Claude Carrière, scrive una sceneggiatura intitolata The Story, basata sul libro dello scrittore Henry Sergg sul mafioso Bugsy Siegel. Il progetto si impantanò e Godard alla fine lo abbandonò, soprattutto dopo che Diane Keaton rifiutò di recitare nel film.

Godard torna finalmente al cinema con Sauve qui peut (la vie) (1980). Il film inaugura un nuovo periodo del suo lavoro, con sette lungometraggi in sette anni. Il film ritrae tre personaggi in quattro episodi distinti. Godard, che diffidava delle sceneggiature scritte, innovò inviando una videocassetta alla commissione per gli incassi del CNC. Il film fu ben accolto dal pubblico (620.000 spettatori), ma ancora una volta divise la critica. Nella rivista Cinéma 80, Gérard Courant considera Sauve qui peut (la vita) “un film brillante di un genio del cinema”.

Il film successivo, Passion (1982), nasce dal desiderio di girare con Hanna Schygulla, musa di Rainer Werner Fassbinder. Il film mostra la lavorazione di un film in cui il regista cerca di riprodurre quadri famosi, l’albergo in cui alloggia la troupe con il capo (Hanna Schygulla) e il marito (Michel Piccoli), direttore di una fabbrica, e Isabelle (Isabelle Huppert), una giovane operaia in sciopero nella fabbrica del marito. Sebbene il film sia stato ben accolto dalla critica, il numero di spettatori è stato notevolmente inferiore a quello del film precedente (207.000).

Godard girò poi Prénom Carmen, un adattamento della Carmen trasposto al mondo contemporaneo, in cui sostituì i quartetti per archi di Beethoven con le musiche di Georges Bizet. Inizialmente il film doveva essere girato con Isabelle Adjani, che però abbandonò il set dopo pochi giorni perché non sopportava il modo in cui Godard la riprendeva. Fu sostituita da Maruschka Detmers. Prénom Carmen è stato anche il primo film in cui Godard si è dato un ruolo importante dopo Vladimir e Rosa, e quindi la prima volta che il grande pubblico ha scoperto la sua recitazione sullo schermo. Il film vinse il Leone d’Oro alla Mostra del Cinema di Venezia nel 1983 e fu un successo di pubblico (395.000 spettatori).

Sul set di Passion, Godard conosce Myriem Roussel, una giovane attrice con la quale stringe un rapporto di amicizia e con la quale progetta diversi progetti cinematografici, tra cui Dora et Freud, un film sul rapporto tra Sigmund Freud e la sua prima paziente, e L’Homme de ma vie, un film sull’incesto. Godard le affida un ruolo importante in Prénom Carmen, ma è con Je vous salue, Marie (1985) che la loro collaborazione si concretizza. Il regista rivisita la storia di Maria, ispirandosi al libro di Françoise Dolto e Gérard Sévérin L’Évangile au risque de la psychanalyse, e la traspone nel mondo contemporaneo. Contemporaneamente, Anne-Marie Miéville ha realizzato un proprio film sullo stesso tema, intitolato Le Livre de Marie, presentato come prefazione al film di Godard. Il film di Godard suscitò un enorme scandalo e indignazione tra i cattolici, inizialmente in Francia ma anche in America Latina. Anche in questo caso, il film ha totalizzato 350.000 spettatori in Francia.

Per terminare Je vous salue, Marie, le cui riprese furono più lunghe del previsto, Godard si impegnò a realizzare Détective, presentato come un thriller godardiano. Per questo film, realizzato su iniziativa del produttore Alain Sarde, Godard riunì Johnny Hallyday, Nathalie Baye, Claude Brasseur, Jean-Pierre Léaud, Alain Cuny e Laurent Terzieff. Il film, girato nel settembre 1984, è stato presentato al Festival di Cannes nel 1985. Il film ricevette un’accoglienza tiepida da parte della stampa, ma fu ancora una volta un successo al botteghino (380.000 biglietti venduti in Francia).

Nel febbraio 1986, gira per la televisione Grandeur et décadence d’un petit commerce de cinéma con Jean-Pierre Mocky nel ruolo di produttore e Jean-Pierre Léaud in quello di regista. Ha poi girato Soigne ta droite, una commedia slapstick con Jacques Villeret, Dominique Lavanant, Michel Galabru e Les Rita Mitsouko, in cui interpreta se stesso nel ruolo slapstick di un regista idiota. Il film, uscito nel dicembre 1987, ha attirato solo 130.000 spettatori in Francia. Nel 1985 ha firmato un contratto con il produttore Menahem Golan per dirigere un adattamento del Re Lear di William Shakespeare negli Stati Uniti. Tuttavia, il progetto si rivela difficile da realizzare. Godard chiese allo scrittore americano Norman Mailer una sceneggiatura che poi rifiutò. Alla fine girò il film nel febbraio 1987 sulle rive del lago di Ginevra con Peter Sellars, Burgess Meredith, Molly Ringwald, Julie Delpy e Leos Carax, e lo presentò al Festival di Cannes dello stesso anno. Il produttore era scandalizzato dal lavoro di Godard e in particolare dal fatto che Godard avesse utilizzato le loro conversazioni private nel film. Il film non fu proiettato in Francia e negli Stati Uniti ebbe una durata di soli cinque giorni. Distribuito in Francia nel 2002, ha venduto solo 9.000 biglietti.

Le storie del cinema (1988-2000)

Dal 1988 al 1998 ha realizzato Histoire(s) du cinéma, un vasto affresco filosofico ed estetico fatto di collage e citazioni nello stile del Musée imaginaire di André Malraux. Di questa serie di otto programmi ha pubblicato con Gallimard una versione illustrata con fotogrammi. Il progetto è stato completato nel 1998. Nella sua Histoire(s) du cinéma, Godard utilizza il cinema come mezzo di riflessione. In un’intervista rilasciata a Les Inrockuptibles nel 1998, spiega: “Ho fatto un’ecografia della Storia attraverso il cinema. In virtù del suo materiale, che è insieme tempo, proiezione e memoria, il cinema può fare un’ecografia della Storia facendo la sua stessa ecografia. E dare una vaga idea del tempo e della storia del tempo. Perché il cinema è il tempo che passa. Se usassimo i mezzi del cinema – per cui è stato creato – otterremmo un certo modo di pensare che ci permetterebbe di vedere le cose. Questo saggio cinematografico solleva complesse questioni di copyright. Godard utilizza estratti di film per inserirli nella sua Histoire(s) du cinéma, ma nel cinema non esiste il diritto di citazione come nella letteratura, il che rende difficile la diffusione del film.

Parallelamente al lavoro su Histoire(s) du cinéma, Godard ha continuato a girare film. Ha diretto Nouvelle Vague (1990) con Alain Delon. Il film racconta la storia di un uomo che viene abbandonato dalla moglie mentre annega, poi la ritrova, la seduce e la salva dall’annegamento prima che lei lo riconosca. Il film è stato presentato al Festival di Cannes nel maggio 1990. Fu un discreto successo al botteghino (140.000 biglietti venduti in Francia). Ha poi realizzato Allemagne 90 neuf zéro con il suo ex assistente Romain Goupil. Ha realizzato anche dei cortometraggi come L’Enfance de l’art per l’Unicef, Pour Thomas Wainggai per Amnesty International e (Parisienne People)s, uno spot realizzato con Anne-Marie Miéville per la marca di sigarette Parisienne, seguito da un film più ambizioso, Les Enfants jouent à la Russie (en).

Ha realizzato Hélas pour moi (1993) con l’attore Gérard Depardieu. Il film non ha avuto molto successo (80.000 biglietti venduti in Francia). In seguito ha realizzato un autoritratto per Gaumont intitolato JLG

Nel 1996 ha diretto For Ever Mozart. Il film ha venduto 56.000 biglietti in tutta l’Unione Europea. Godard stesso giudicò il film in modo piuttosto severo: riteneva che gli attori non fossero abbastanza bravi e che il film rimanesse troppo teorico.

Anne-Marie Miéville lo ha scritturato in Nous sommes tous encore ici (1996), in sostituzione di un altro attore che si era ritirato all’ultimo momento, e poi lo ha scritturato nuovamente in Après la réconciliation (1999).

2000s

Il progetto di Éloge de l’amour è nato nel 1996, ma il periodo di gestazione del film è stato particolarmente lungo e Godard ha riscritto la sceneggiatura almeno quattro volte. Anche le riprese sono state lunghe e si sono protratte per tutto il 1999, mentre il montaggio ha richiesto altri quindici mesi. Uscito nel 2001, il film ha ricevuto un’accoglienza relativamente fredda da parte della critica e ha avuto un successo di pubblico solo marginale (75.000 spettatori in Francia).

Godard ha poi diretto Notre musique. Uscito nel 2004, il film è stato accolto male dal pubblico (28.000 spettatori in Francia).

Nel 2006 Dominique Païni ha dato carta bianca a Jean-Luc Godard per organizzare una mostra al Centre Georges-Pompidou inizialmente intitolata Collage(s) de France. Archeologia del cinema. Il progetto proposto da Godard si rivelò finanziariamente irrealizzabile e la mostra fu presentata al pubblico incompiuta con il titolo Voyage(s) en utopie. Alla ricerca di un teorema perduto. JLG 1945-2005.

Questa esperienza di una mostra impossibile è stata il punto di partenza del film di Alain Fleischer su Jean-Luc Godard, Morceaux de conversations avec Jean-Luc Godard. Il film mostra Godard al lavoro a Rolle, incontri con gli studenti di Fresnoy e discussioni con Jean-Marie Straub, Danièle Huillet, Nicole Brenez, Dominique Païni, Jean-Michel Frodon, Jean Douchet, Jean Narboni e André S. Labarthe.

Nel 2008 ha diretto un trailer per il Vienna Film Festival intitolato Une catastrophe. Nel 2010, dopo la morte di Éric Rohmer, Godard ha realizzato un film tributo di 3 minuti e 26 secondi. Il film utilizza i titoli degli articoli di Rohmer degli anni ’50, mentre la voce fuori campo di Godard rievoca ricordi comuni.

Anno 2010

Nel 2010 Godard ha diretto Film Socialisme. Il film è stato selezionato al Festival di Cannes 2010 nella sezione “Un certain regard”. Prima della proiezione del suo film, ne ha pubblicato su Internet una versione condensata, mostrando tutte le immagini del film in forma accelerata. Il film, composto da una serie di schizzi incollati, è stato visto da 38.000 persone in tutti i Paesi dell’Unione Europea.

Nel novembre 2010, Jean-Luc Godard ha ricevuto un Oscar onorario alla carriera. Ricevendo il premio nel novembre 2010, lo sceneggiatore Phil Alden Robinson ha dichiarato: “Godard ha cambiato il modo di scrivere, dirigere, girare e montare. Non si è limitato a infrangere le regole. Le ha schiacciate in macchina e poi ci è passato sopra in retromarcia per assicurarsi che fossero morte”.

La cerimonia degli Oscar ha riacceso le accuse di antisemitismo rivolte a Godard fin dagli anni Settanta. La polemica si è riaccesa negli Stati Uniti il 6 ottobre 2010, quando il Jewish Journal of Greater Los Angeles ha titolato “Jean-Luc Godard è un antisemita? Contemporaneamente, Alain Fleischer ha affrontato la questione in un libro intitolato Réponse du muet au parlant (Risposta del film muto al film parlante), evidenziando alcuni commenti inquietanti sull’argomento. Daniel Cohn-Bendit su Le Monde e Antoine de Baecque sul sito Rue89 ritengono che l’antisionismo di Godard non possa essere equiparato all’antisemitismo. L’accusa di antisemitismo è contestata anche dallo scrittore Maurice Darmon in un libro intitolato La Question juive de Jean-Luc Godard.

Dopo il Film Socialisme, Jean-Luc Godard sperimenta il cinema in 3D. Ha girato un cortometraggio, Les Trois Désastres, presentato alla Settimana della Critica del Festival di Cannes 2013 come parte di un trittico congiunto con Peter Greenaway e Edgar Pêra intitolato 3x3D, e un lungometraggio, Adieu au langage, selezionato in concorso al Festival di Cannes 2014. Godard non si è recato a Cannes per presentare il suo film, ma ha inviato una “lettera filmata a Gilles Jacob e Thierry Frémaux”, un corto di otto minuti per spiegare il suo gesto. Nonostante il suo desiderio di non ricevere alcun premio, la giuria gli ha assegnato il suo primo premio a Cannes dopo otto selezioni: il Premio della Giuria.

Al Festival di Cannes 2018 ha presentato Le Livre d’image, un film sperimentale dedicato in gran parte al mondo arabo, citando ampiamente Une ambition dans le désert di Albert Cossery. Il regista non si è recato a Cannes ma ha tenuto la conferenza stampa in videoconferenza. Questa volta ha ricevuto una Palma d’Oro “speciale” per il film. Jean-Michel Frodon lo descrive come “un grande viaggio attraverso immagini, suoni ed eventi (che) costruisce una riflessione incentrata sulla storia del Medio Oriente per riformulare le questioni in gioco in un’aspirazione rivoluzionaria per il futuro”.

Nell’ottobre 2019, ha conquistato la prima pagina dei Cahiers du Cinéma con un sigaro fumante in bocca. In questa lunga intervista con Stéphane Delorme e Joachim Lepastier, il regista parla della sua vita e del suo ultimo film, Le Livre d’image.

Dal 2002, il regista Fabrice Aragno ha collaborato con Jean-Luc Godard ai suoi ultimi film, diventando il suo più fidato confidente fino alla sua morte.

Jean-Luc Godard è morto il 13 settembre 2022 all’età di 91 anni. Il regista era ricorso al suicidio assistito per le polipatologie debilitanti, una pratica legale e regolamentata in Svizzera. Il suo corpo è stato cremato il 15 settembre e le sue ceneri sono state consegnate alla vedova.

Titoli

In genere Godard sceglie il titolo del suo prossimo film prima di sapere come sarà il film. In un’intervista rilasciata a Serge Kaganski nel 2004, ha spiegato: “Il titolo viene sempre prima. L’unico titolo che mi è venuto in mente dopo il film è stato Breathless, e non mi piaceva affatto. Per il film successivo ho avuto l’idea di un titolo, Il piccolo soldato, ancora prima di sapere come sarebbe stato il film. I titoli sono diventati dei segnali artistici. Il titolo mi dice in che direzione devo guardare.

Godard e l’arte della citazione

I film di Godard sono pieni di citazioni, siano esse pittoriche, musicali, letterarie, filosofiche, storiche o cinematografiche. Nella conferenza stampa che tenne al Festival di Cannes nel 1990 in occasione dell’uscita di Nouvelle Vague, Godard si definì “organizzatore cosciente del film” piuttosto che autore, e spiegò il suo rapporto con le citazioni: “Per me tutte le citazioni – pittoriche, musicali o letterarie – appartengono all’umanità. Io sono semplicemente quello che un giorno mette insieme Raymond Chandler e Fedor Dostoevskij in un ristorante, con piccoli e grandi attori. È tutto qui.

Elementi autobiografici

Jean-Luc Godard non fa film autobiografici. Tuttavia, alcuni dei suoi film contengono elementi di autobiografia. In À bout de souffle, ad esempio, la scena in cui Michel Poiccard ruba dei soldi all’amica Liliane mentre si sta vestendo ricorda l’abitudine del giovane Jean-Luc Godard di rubare soldi alle persone a lui vicine. In Le Petit Soldat, vediamo una gioventù abile nelle provocazioni politiche, nelle auto di lusso e nei flirt ossessivi, probabilmente molto simile all’ambiente che Godard frequentava a Ginevra nel 1953 e 1954. In Prénom Carmen, Godard stesso interpreta il personaggio di Zio Jean, un regista internato in un ospedale psichiatrico. Godard stesso ha trascorso un periodo in un ospedale psichiatrico nel 1953, internato su richiesta del padre per sfuggire alla prigione dopo una rapina.

Costruzione del film

Godard spiega: “Tendo a fare i film come due o tre musicisti di jazz: ci si dà un tema, si suona e poi tutto viene fuori”. In misura diversa e a seconda del periodo, il regista ha rotto con la dimensione narrativa del cinema classico e con l’idea dei personaggi. Tuttavia, i suoi primi film sono stati influenzati dai B-movie, dai thriller e dai film noir, che ha cercato di trascendere attraverso una rilettura critica dei generi, a scapito di una narrazione tradizionale. Alphaville, da parte sua, rivisita l’anticipazione. Il suo lavoro gioca con le false connessioni e scollega l’immagine e il suono, che diventano due entità a sé stanti. Inoltre, Godard mescola indiscriminatamente fiction, documentario, militanza, pittura, sociologia, musica e videoarte. Non c’è necessariamente una sceneggiatura, né dialoghi prestabiliti, ma una serie di collage o un mosaico di frammenti visivi e appunti sparsi, assemblati secondo collegamenti plastici e sonori. Nel suo lavoro, il significato da dare alle immagini appartiene allo spettatore: il senso nasce dopo la visione e non prima.

Montaggio

Per il filosofo Gilles Deleuze, l’arte del montaggio di Godard è costruita sull’uso dell’AND, dell’intermedio, per mostrare la terra di nessuno dei confini: “Ciò che conta con lui non è il 2 o il 3, o un numero qualsiasi di essi, è l’ET, la congiunzione ET”. L’uso che Godard fa di AND è essenziale. È importante perché il nostro pensiero è modellato sul verbo essere, EST. L’AND non è né l’uno né l’altro, è sempre tra i due, è la frontiera L’obiettivo di Godard: “vedere le frontiere”, in altre parole, rendere visibile l’impercettibile.

Giochi di mise en abyme sul cinema

Il cinema interviene molto spesso nei suoi film giocando con la mise en abyme. Ne è un esempio Détective, dove vediamo una telecamera JVC che riprende. A un certo punto si gira verso lo zio (Terzieff), in realtà si gira verso la telecamera che lo sta riprendendo, creando un effetto di mise en abyme simile a quello dell’apertura di Le Mépris.

Il regista fa anche spesso riferimento alle apparecchiature video: i neon AGFA in Détective, le VHS e la videoteca in Hélas pour moi…

La mise en abyme è molto presente attraverso le attività dei personaggi che :

A volte compaiono manifesti di altri film. Esempi: in Éloge de l’amour, vediamo la locandina di Matrix. In Le Mépris e 2 o 3 choses, si vede la locandina di Vivre sa vie.

Riferimenti a scene di film

Riferimenti a registi: il cinema altamente referenziale di Godard è pieno di omaggi ai suoi colleghi, e sarebbe noioso elencarli tutti. Alcuni esempi: in Le Petit soldat, Anna Karina interpreta il personaggio di Veronika Dreyer in quello che sembra essere un omaggio a uno dei registi preferiti di Godard, Dreyer. In Vivre sa vie, viene travolta dal volto di Falconetti, la Giovanna d’Arco di Dreyer. Fritz Lang interpreta se stesso in Le Mépris, in quello che è un omaggio di Godard a uno dei suoi maestri. Più in generale, nelle opere di Godard c’è quasi sempre un regista in abyme: in Le Mépris è Lang, in Pierrot le Fou è Fuller, in La Chinoise è lui stesso, in Tout va bien è Montand, in Sauve qui peut (la vie) è Dutronc, in Passion è Djerzy, in Prénom Carmen è lui, in Soigne ta droite, King Lear e Notre musique.

Riferimenti alla pittura

L’opera di Godard contiene numerosi riferimenti alla pittura:

L’interazione tra i film di Godard

La cinematografia di Godard ha una forte dimensione autoreferenziale, i suoi film si riferiscono l’uno all’altro:

Jean-Luc Godard si è espresso contro la corrida, ha difeso Roman Polanski quando è stato arrestato nel 2009 e si è opposto alla legge Hadopi.

A partire dagli anni Settanta, Jean-Luc Godard ha manifestato il suo sostegno alla causa palestinese e le sue posizioni anti-israeliane, in particolare in film come Ici et ailleurs e Notre musique, che lo hanno portato ad essere accusato di antisemitismo. Le prime polemiche sono sorte nel 1974, quando ha sovrapposto un’immagine di Adolf Hitler a quella del primo ministro israeliano Golda Meïr, ha criticato la Bibbia come “testo troppo totalitario” e ha tracciato quelli che considerava collegamenti offensivi tra il genocidio degli ebrei e il conflitto israelo-palestinese. Negli anni successivi ha fatto altri commenti polemici sul popolo ebraico e sugli israeliani, in particolare paragonando gli ebrei ai nazisti in un film del 1970 sul conflitto israelo-palestinese: “Gli ebrei stanno facendo agli arabi quello che i nazisti hanno fatto agli ebrei”. Tuttavia, Jean-Luc Godard ha anche dichiarato di essere rimasto scioccato dall’antisemitismo del nonno materno e di sentirsi in colpa per la Shoah. Per il suo biografo Antoine de Baecque: “La posizione di Godard non è quella di un antisemita. C’è un evidente antisionismo in lui, nato nel 1967, dopo la Guerra dei Sei Giorni, quando l’immagine di Israele fu capovolta. Questa posizione filo-palestinese, relativamente comune negli anni Settanta, offende oggi la nostra sensibilità. La questione ebraica è ricorrente, ma è più una questione di antisionismo”. Nel 2009, Alain Fleischer ha accusato Jean-Luc Godard di aver fatto commenti antisemiti lo

Dopo “Senza fiato”, Godard ha continuato a dividere la critica. È adorato da alcuni e odiato da altri.

In occasione dell’uscita di Deux ou trois choses que je sais d’elle, François Truffaut, co-produttore del film, giustifica la sua partecipazione:

“Jean-Luc Godard non è l’unico a filmare come respira, ma respira meglio. È veloce come Rossellini, malizioso come Sacha Guitry, musicale come Orson Welles, semplice come Pagnol, ferito come Nicholas Ray, efficace come Hitchcock, profondo, profondo, profondo come Ingmar Bergman e sfacciato come nessun altro”.

Nello stesso testo, non esita a paragonare Godard a Picasso, come farà in seguito Olivier Assayas:

“Il passare degli anni ci conferma nella certezza che Senza respiro avrà segnato una svolta decisiva nella storia del cinema, come Citizen Kane nel 1940. Godard ha mandato in frantumi il sistema, ha fatto scempio del cinema, proprio come Picasso ha fatto con la pittura, e come Picasso ha reso tutto possibile…”.

Alcuni registi condannano alcune opere di Godard. Costa-Gavras, ad esempio, afferma di non avere alcun interesse per il cosiddetto periodo comunista, che considera “nient’altro che film di sinistra”.

Jean-Luc Godard rimane un regista controverso. Alcuni detestano il suo lavoro. Il romanziere americano Philip Roth, ad esempio, trova insopportabile l’opera di Godard: “Con l’eccezione di Senza fiato, che era di indubbia importanza, il suo lavoro mi sembra insopportabile”.

Jacques Lourcelles, nel suo Dictionnaire des films, è particolarmente critico nei confronti dell’opera di Godard, che a suo avviso “si è dedicato a rappresentare, non senza compiacimento, la confusione mentale della sua generazione, fornendo ampio materiale per decine di film”. Critica inoltre lui e gli altri cineasti della Nouvelle Vague per l’arroganza dei loro commenti: “Nessuno prima di loro aveva osato dire così tanto bene di se stesso e così tanto male degli altri”, citando Godard: “Tra un nostro film e un film di Verneuil, Delannoy, Duvivier e Carné c’è davvero una differenza di genere.

Woody Allen, che ha girato con Godard nel 1987 in Re Lear, commenta sconcertato la sua esperienza: “Interpreta molto bene l’intellettuale francese, con una certa vaghezza. Quando sono arrivato per le riprese, indossava un pigiama – sopra e sotto – un accappatoio e delle pantofole, e fumava un grosso sigaro. Ho avuto la strana sensazione di essere diretto da Rufus T. Firefly. Firefly”. Firefly è il nome del personaggio interpretato da Groucho Marx in Duck Soup.

Secondo alcune fonti, Yves Montand avrebbe detto che Godard era “il più stupido dei maoisti svizzeri”. Christophe Bourseiller cita la frase “Godard: le plus con des Suisses prochinois” (“Godard: il più stupido dei fautori svizzeri”) come un graffito apparso sui muri di Parigi nel maggio 68 su iniziativa dell’Internazionale Situazionista.

La Chiesa cattolica ha accusato Godard di eresia dopo l’uscita del suo film Je vous salue, Marie (1985).

Nel 1987, la sua interpretazione del Re Lear di William Shakespeare è stata criticata dallo Shakespeare Bulletin, che l’ha definita “pessima”.

A metà degli anni Sessanta, diversi giovani cineasti furono direttamente influenzati da Godard. Tra questi Jean Eustache, il cui mediometraggio Le Père Noël a les yeux bleus (1966) fu parzialmente finanziato da Godard, Jean-Michel Barjol, Francis Leroi, Luc Moullet, Romain Goupil e Philippe Garrel. Godard amava particolarmente il lavoro di Garrel e disse di essere rimasto molto colpito dai film che Garrel, allora ventenne, aveva girato nel maggio del ’68.

Allo stesso tempo, Godard ha influenzato anche una generazione di registi americani nati negli anni ’40, tra cui Peter Bogdanovich, Paul Schrader, Monte Hellman, Martin Scorsese, George Lucas, Francis Ford Coppola e Brian De Palma. C’è anche Quentin Tarantino, la cui casa di produzione “A Band Apart” ha preso il nome dal film di Godard.

Marie Cardinal descrive il periodo precedente alle riprese di Deux ou trois choses que je sais d’elle nel suo libro Cet été-là, scritto nel 1967. La seconda edizione (l’unica disponibile), pubblicata da Nouvelles Éditions Oswald nel 1979, comprende due appendici: “Examen du film dans son état actuel” e “Choses à filmer”.

L’ex moglie Anne Wiazemsky racconta la loro vita insieme a Jean-Luc Godard in due racconti, Une année studieuse (2012) e Un an après (2015).

Nel 2016 è apparso nel documentario di Jean-Baptiste Thoret En Ligne de mire, comment filmer la guerre (Canal+).

Nel 2017, il regista Michel Hazanavicius ha adattato il libro di Anne Wiazemsky Un an après in un film intitolato Le Redoutable. Il ruolo di Jean-Luc Godard è interpretato da Louis Garrel. Il ruolo di Anne Wiazemsky è interpretato da Stacy Martin.

Box office francese

Spesso premiato, è conosciuto soprattutto per i suoi nove film nella selezione ufficiale di Cannes, per i suoi sei film in concorso per il Leone d’Oro alla Mostra del Cinema di Venezia e per le sue numerose partecipazioni alla Berlinale. È grazie alla diversità dei suoi film, o alla sua originalità, che i selezionatori si accorgono spesso di lui.

Nel 1981, Jean-Luc Godard è stato nominato per l’Ordre National du Mérite, che ha rifiutato. Dichiarò: “Non mi piace ricevere ordini e non ho alcun merito”.

Sceneggiature cinematografiche e spaccati

Collegamenti esterni

Fonti

1. Jean-Luc Godard
2. Jean-Luc Godard
3. Par la famille de sa mère, Jean-Luc Godard est le neveu de Théodore Monod et le cousin de Jérôme Monod[6].
4. Anne Wiazemsky raconte sa rencontre avec Jean-Luc Godard sur le tournage de Au hasard Balthazar dans Jeune Fille (2007) et leur vie commune dans Une année studieuse (2012).
5. Dans son autobiographie ((en) Life, Robert Laffont, 2010, p. 295- 297), Keith Richards, le guitariste des Rolling Stones donne son avis sur le film et Godard : « Que cela nous plaise ou pas, la politique s’est chargée de venir à nous en la personne de Jean-Luc Godard, le grand révolutionnaire du cinéma. […] Je suis content qu’il ait filmé ces répètes, mais Godard quel numéro ! Je n’en croyais pas mes yeux : on aurait dit un employé de banque français ! Il n’avait aucun plan précis […] Le film est un tissu de conneries. […] Jusque-là, ses films étaient maîtrisés, presque hitchcockiens, mais c’était une année où on faisait tout et n’importe quoi, avec pas mal de n’importe quoi. Je veux dire que, bon, quel besoin avait-il de s’intéresser à la petite révolution hippie en cours chez les Anglais pour essayer de montrer que c’était quelque chose d’autre ? Mon explication, c’est que quelqu’un avait mis de l’acide dans son café et qu’il a passé cette année foireuse en surchauffe idéologique permanente. »
6. Voir le film Deux de la vague (2011) réalisé par Antoine de Baecque et Emmanuel Laurent.
7. ^ a b c Grant 2007, Vol. 3, p. 235.
8. ^ a b c Ankeny, Jason. “Biography”. AllMovie. Archived from the original on 2 August 2020. Retrieved 18 May 2020.
9. 1 2 Jean-Luc Godard // Encyclopædia Britannica (англ.)
10. 1 2 Jean-Luc Godard // filmportal.de — 2005.
11. 1 2 https://www.liberation.fr/culture/cinema/mort-de-jean-luc-godard-histoire-du-cinema-20220913_4CZHL3TCIZELDKSELOABOVFREM/
12. Dave Kehr, Jonathan Kandell: Jean-Luc Godard, Daring Director Who Shaped the French New Wave, Dies at 91. In: The New York Times. 13. September 2022, abgerufen am 13. September 2022 (englisch).
13. BFI | Sight & Sound | Top Ten Poll 2002 – The Critics’ Top Ten Directors. 23. Juni 2011, archiviert vom Original am 23. Juni 2011; abgerufen am 2. Dezember 2020.  Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.@1@2Vorlage:Webachiv/IABot/www.bfi.org.uk
14. Jean-Luc Godard: a beginner’s guide. 2. Dezember 2015, abgerufen am 2. Dezember 2020 (englisch).
15. a b c d e f g Jean-Luc Godard, Internationales Biographisches Archiv 13/2015 vom 24. März 2015, ergänzt um Nachrichten durch MA-Journal bis KW 05/2022, im Munzinger-Archiv, abgerufen am 13. September 2022 (Artikelanfang frei abrufbar)