Joan Miró
gigatos | Gennaio 6, 2022
Riassunto
Joan Miró, nato a Barcellona il 20 aprile 1893 e morto a Palma di Maiorca il 25 dicembre 1983, è stato un pittore, scultore, incisore e ceramista catalano. Fu uno dei principali rappresentanti del movimento surrealista, definendosi soprattutto come un “catalano internazionale”.
La sua opera riflette la sua attrazione per il subconscio, per lo “spirito infantile” e per il suo paese. Nei suoi primi lavori, ha mostrato forti influenze fauviste, cubiste ed espressioniste, prima di passare alla pittura piatta con una certa ingenuità. Il quadro La fattoria, dipinto nel 1921, è uno dei dipinti più noti di questo periodo.
Dopo la sua partenza per Parigi, la sua opera divenne più onirica, in linea con l”orientamento principale del movimento surrealista a cui apparteneva. In numerose interviste e scritti negli anni ”30, Miró espresse il suo desiderio di abbandonare i metodi convenzionali della pittura, per – secondo le sue stesse parole – “ucciderli, ucciderli o violentarli”, favorendo così una forma di espressione contemporanea. Non voleva piegarsi a nessuna esigenza, né a quelle dell”estetica e dei suoi metodi, né a quelle del surrealismo.
In suo onore, la Fondazione Joan Miró fu creata a Barcellona nel 1975. È un centro culturale e artistico dedicato alla presentazione delle nuove tendenze dell”arte contemporanea. Inizialmente è alimentato da un importante fondo donato dal maestro. Altri luoghi con importanti collezioni di opere di Miró includono la Fondazione Pilar e Joan Miró a Palma di Maiorca, il Museo Nazionale d”Arte Moderna di Parigi, il Museo d”Arte Moderna di Lille e il Museo d”Arte Moderna di New York.
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Infanzia e studi (1893-1918)
Joan Miró i Ferrà è nato il 20 aprile 1893 in un passaggio vicino a Plaça Reial a Barcellona. Suo padre, Miquel Miró i Adzeries, figlio di un fabbro di Cornudella, era un orafo e possedeva un negozio di gioielli e orologi. Conobbe Dolores Ferrà i Oromí, figlia di un ebanista maiorchino, e la sposò. La coppia si stabilì in Calle del Crédit a Barcellona, dove nacquero i loro due figli, Joan e Dolores. Joan ha iniziato a disegnare all”età di otto anni.
Miró rispettò i desideri di suo padre e iniziò a studiare commercio nel 1907, per ottenere una buona educazione e diventare “qualcuno nella vita”. Tuttavia, abbandonò questi studi per iscriversi alla Scuola di Belle Arti La Llotja lo stesso anno, studiando con Modest Urgell e Josep Pascó. I disegni del 1907 conservati alla Fondazione Joan-Miró portano l”influenza del primo. Altri disegni del maestro, eseguiti poco prima della sua morte, portano la scritta “in memoria di Modest Urgell” e riassumono il profondo affetto di Miró per il suo maestro. Ci sono anche disegni del periodo in cui Miró fu istruito da Josep Pascó, un insegnante di arti decorative del periodo modernista. Ci sono, per esempio, disegni di un pavone e di un serpente. Da questo maestro, Miró imparò la semplicità di espressione e le tendenze artistiche della moda.
All”età di diciassette anni, Miró lavorò per due anni come impiegato in un negozio di articoli coloniali finché, nel 1911, contrasse il tifo e fu costretto a ritirarsi in una fattoria di famiglia a Mont-roig del Camp, vicino a Tarragona. Lì prese coscienza del suo attaccamento alla terra catalana.
Sempre nel 1911, entrò nella Scuola d”Arte diretta dall”architetto barocco Francisco Galli, a Barcellona, con la ferma intenzione di diventare un pittore. Nonostante la sua riluttanza, suo padre sostenne la sua vocazione. Vi rimase per tre anni e poi frequentò la Libera Accademia del Cercle Saint-Luc, disegnando da modelli nudi fino al 1918. Nel 1912, entrò nell”accademia d”arte diretta da Francesc d”Assís Galí i Fabra, dove scoprì le ultime tendenze artistiche europee. Frequentò le sue lezioni fino alla chiusura del centro nel 1915. Allo stesso tempo, Miró frequentò il Cercle Artistique de Saint-Luc, dove imparò a disegnare dalla natura. In questa associazione conobbe Josep Francesc Ràfols, Sebastià Gasch, Enric Cristòfor Ricart e Josep Llorens i Artigas, con i quali formò il gruppo artistico conosciuto come Gruppo Courbet, che si fece conoscere il 28 febbraio 1918 apparendo in un inserto del giornale La Publicitat.
Miró scoprì la pittura moderna alla Galleria Dalmau di Barcellona, che esponeva quadri impressionisti, fauvisti e cubisti dal 1912. Nel 1915, decise di creare uno studio, che condivise con il suo amico Ricart. Incontrò Picabia due anni dopo.
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Prima le mostre, poi la fama (1918-1923)
Le Gallerie Dalmau di Barcellona ospitano la prima mostra personale di Joan Miró, dal 16 febbraio al 3 marzo 1918. Il pittore catalano è esposto tra altri artisti di diverse influenze. La mostra comprende 74 opere, paesaggi, nature morte e ritratti. I suoi primi dipinti mostrano una chiara influenza della tendenza post-impressionista francese, del fauvismo e del cubismo. I quadri del 1917, Ciurana, il villaggio e Ciurana, la chiesa, mostrano una vicinanza ai colori di Van Gogh e ai paesaggi di Cézanne, rafforzata da una tavolozza scura.
Uno dei dipinti più accattivanti di questo periodo è Nord-Sud, che prende il nome da una rivista francese del 1917, in cui Pierre Reverdy scriveva del cubismo. In quest”opera, Miró combina caratteristiche di Cézanne con simboli dipinti alla maniera dei cubisti, Juan Gris e Pablo Picasso. Il quadro Ritratto di V. Nubiola annuncia la fusione del cubismo con gli aggressivi colori fauvisti. Nella stessa primavera del 1917, Miró espone al Cercle artistique de Saint-Luc con i membri del gruppo Courbet.
Miró continuò a passare le sue estati a Mont-roig per molti anni, come era sua abitudine. Lì abbandonò i colori e le forme dure che aveva usato fino ad allora e li sostituì con altri più sottili. Spiega questo approccio in una lettera del 16 luglio 1918 al suo amico Ricart:
“Niente semplificazioni o astrazioni. Al momento mi interessa solo la calligrafia di un albero o di un tetto, foglia per foglia, ramo per ramo, erba per erba, tegola per tegola. Ciò non significa che questi paesaggi diventeranno cubisti o famelicamente sintetici. Poi vedremo. Quello che mi propongo di fare è di lavorare a lungo sulle tele e di finirle il più possibile. Alla fine della stagione e dopo aver lavorato tanto, non importa se ho pochi quadri. Il prossimo inverno, i critici continueranno a dire che persisto nel mio disorientamento.
– Joan Miró
Nei paesaggi dipinti in questo periodo, Miró utilizza un nuovo vocabolario di iconografia e simboli meticolosamente selezionati e organizzati. Per esempio, nelle viti e negli ulivi di Mont-roig, le radici che sono disegnate sotto la terra, e che sono completamente individualizzate, rappresentano una connessione fisica con la terra.
Miró fece il suo primo viaggio a Parigi nel 1919. Fu solo un breve soggiorno, ma all”inizio degli anni ”20 il pittore si stabilì definitivamente nella capitale francese. Dopo aver soggiornato per qualche tempo all”Hotel Namur in Rue Delambre, e poi in un appartamento ammobiliato in Rue Berthollet, lo scultore Pablo Gargallo lo aiutò a trovare uno studio al 45 di Rue Blomet.
Nel 1922, Jean Dubuffet gli regalò il suo appartamento in rue Gay-Lussac. Al 45 di rue Blomet, Miró incontra pittori e scrittori che diventano suoi amici: André Masson, Max Jacob, Antonin Artaud. Questo luogo è diventato un crogiolo effervescente dove si è sviluppato un nuovo linguaggio e una nuova sensibilità. Miró vi trovò Michel Leiris e Armand Salacrou. Lo studio si trovava a poche centinaia di metri dalla rue du Château, dove vivevano Yves Tanguy, Marcel Duhamel e Jacques Prévert. I due gruppi si incontravano spesso e sviluppavano calorose amicizie. La maggior parte di loro si unì ai surrealisti. “Rue Blomet è un luogo, un momento decisivo per me. Ho scoperto lì tutto quello che sono, tutto quello che diventerò. Era l”anello di congiunzione tra la Montmartre dei surrealisti e i “ritardati” della riva sinistra.
Dal 1921 al 1922, Miró lavorò a La casa colonica, che è l”opera principale di questo cosiddetto periodo “dettagliista”. Iniziato a Mont-roig e terminato a Parigi, questo quadro contiene i semi di tutte le possibilità che il pittore avrebbe poi ripreso, piegandole verso il fantastico. È un”opera fondamentale, un”opera chiave, la sintesi di un intero periodo. Il rapporto mitico mantenuto dal maestro con la terra è riassunto in questo quadro, che rappresenta la fattoria della sua famiglia a Mont-roig. Separa il disegno grafico dal carattere ingenuo e realistico degli oggetti, gli animali domestici, le piante con cui l”essere umano lavora e gli oggetti quotidiani dell”uomo. Tutto è studiato nei minimi dettagli, in quella che è conosciuta come “calligrafia di Miró”, e che fu il punto di partenza per il surrealismo di Miró negli anni seguenti. Le ultime opere del suo periodo “realista” furono completate nel 1923: Interior (The Farm Girl), Flowers and Butterfly, The Carbide Lamp, The Ear of Wheat, Grill and Carbide Lamp.
Una volta completata La Ferme, l”autore decise di venderla per ragioni economiche. Léonce Rosenberg, che si occupava dei quadri di Pablo Picasso, accettò di prenderlo in deposito. Dopo qualche tempo, e su insistenza di Miró, il gallerista suggerì al pittore di dividere l”opera in tele più piccole per facilitarne la vendita. Miró, furioso, recuperò il quadro dal suo studio prima di affidarlo a Jacques Viot della galleria Pierre. Quest”ultimo lo vendette allo scrittore americano Ernest Hemingway per 5.000 franchi.
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Surrealismo (1923-1930)
A Parigi, nel 1924, l”artista incontra i poeti surrealisti, tra cui Louis Aragon, André Breton, Paul Éluard e Philippe Soupault, i fondatori della rivista Littérature e, nel 1924, del surrealismo. Miró fu introdotto cordialmente nel gruppo. Breton definì il surrealismo in relazione alla pittura come “un vuoto totale, una crisi assoluta del modello”. Il vecchio modello, preso dal mondo esterno, non è più e non può più essere. Quello che gli succederà, preso dal mondo interiore, non è ancora stato scoperto.
In quel periodo, Miró stava attraversando una crisi personale. Non era più ispirato dalla realtà esterna. Ha dovuto lottare contro il realismo, la tradizione, le convenzioni, l”accademismo e il cubismo, e trovare la propria strada oltre Duchamp e Picabia per inventare un nuovo linguaggio. La presenza di amici affidabili e impegnati nella sua stessa avventura ha accelerato la rottura decisiva che stava per compiere. Insieme a loro, Miró firmò il Manifesto del Surrealismo. André Breton dichiarò che Miró era “il più surrealista di tutti noi”.
Per André Breton, Miró fu una delle prime reclute del movimento surrealista.
Miró trovò ispirazione per il suo lavoro futuro nell”inconscio e nei temi onirici – materiali offerti dalle tecniche surrealiste. Queste tendenze appaiono in particolare in Le Champ Labouré. Questa è un”allusione a The Farm, in cui si aggiungono elementi surrealisti, come un occhio e un orecchio accanto a un albero. Allo stesso tempo, la descrizione del personaggio del quadro Smoking Head è sintetica.
Dal 12 al 27 giugno 1925 si tenne una mostra alla Galerie Pierre, dove Miró presentò 16 dipinti e 15 disegni. Tutti i rappresentanti del gruppo surrealista firmano un invito alla mostra. Benjamin Péret precede la sua mostra personale alla galleria Pierre Loeb di Parigi. Altri pittori surrealisti espongono, tra cui Paul Klee, i cui dipinti impressionano Miró. Un evento raro all”epoca era l”apertura a mezzanotte, mentre un”orchestra invitata da Picasso suonava una sardana all”esterno. Le code si sono formate all”ingresso. Le vendite e le recensioni furono molto favorevoli a Miró.
Nel 1926, Joan Miró collaborò con Max Ernst per l”opera Romeo e Giulietta dei Ballets Russes di Serge de Diaghilev. La prima ebbe luogo il 4 maggio 1926 a Monte Carlo, e fu rappresentata il 18 maggio al Teatro Sarah Bernhardt di Parigi. Si dice che l”opera abbia alterato il pensiero di surrealisti e comunisti. Si sviluppò un movimento per boicottare il “borghese” Diaghilev e i “traditori” Ernst e Miró. La prima rappresentazione fu accolta con fischi e una pioggia di foglie rosse; Louis Aragon e André Breton firmarono una protesta contro lo spettacolo. Tuttavia, questa fu la fine della storia e poco dopo la rivista La Révolution surréaliste, diretta da Breton, continuò a pubblicare i lavori degli artisti. Da quell”anno in poi, Miró fu uno degli artisti permanentemente in mostra alla Galleria Surrealista.
Uno dei quadri più interessanti di questo periodo è senza dubbio Il carnevale di Arlecchino (1925). Si tratta di un quadro totalmente surrealista che ebbe un grande successo alla mostra collettiva “Peinture surréaliste” alla Galerie Pierre (Parigi). Fu esposto accanto a opere di Giorgio de Chirico, Paul Klee, Man Ray, Pablo Picasso e Max Ernst.
Questo dipinto è considerato il punto più alto del periodo surrealista di Joan Miró. Fu dipinta tra il 1924 e il 1925, in un periodo di difficoltà economiche per il maestro, quando soffriva, tra l”altro, di carenze alimentari, a cui è legato il tema dell”opera:
“Ho cercato di tradurre le allucinazioni che la fame produceva. Non dipingevo ciò che vedevo in sogno, come direbbero oggi Breton e i suoi seguaci, ma ciò che la fame produceva: una forma di trance simile a quella che provano gli orientali.
I personaggi principali del quadro sono un automa che suona la chitarra e un arlecchino con grandi baffi. Ci sono anche molti dettagli fantasiosi sparsi sulla tela: un uccello con ali blu che emerge da un uovo, una coppia di gatti che gioca con un gomitolo di lana, un pesce volante, un insetto che emerge da un dado, una scala con un grande orecchio, e in alto a destra una forma conica, che si suppone rappresenti la Torre Eiffel, è visibile attraverso una finestra.
Nel 1938, Miró scrisse un breve testo poetico su questo quadro: “Le matasse di filo dipanate dai gatti vestiti da arlecchino si snodano e trafiggono le mie viscere…”. Il dipinto è attualmente nella collezione della Albright-Knox Art Gallery di Buffalo (New York, USA).
Nel 1927, Miró fece la sua prima illustrazione per il libro Gertrudis, del poeta Josep Vicenç Foix. Si trasferisce in uno studio più grande in Rue Tourlaque, dove trova alcuni dei suoi amici, come Max Ernst e Paul Éluard; incontra Pierre Bonnard, René Magritte e Jean Arp. È stato introdotto al gioco surrealista del “cadavere squisito”. Nel 1928, Miró viaggiò in Belgio e nei Paesi Bassi, dove visitò i principali musei di questi paesi. Fu impressionato da Vermeer e dai pittori del XVIII secolo. L”artista ha comprato delle cartoline colorate di questi quadri. Al suo ritorno a Parigi, Miró lavorò a una serie conosciuta come Interni olandesi. Fece numerosi disegni e schizzi prima di dipingere il suo Dutch Interior I, ispirato a The Lute Player di Hendrick Martensz Sorgh, seguito da Dutch Interior II, dopo Jan Havicksz Steen. In questa serie, Miró abbandonò la pittura dei suoi sogni surrealisti. Usa gli spazi vuoti con una grafica attenta e ritorna alla prospettiva e alle forme analizzate.
La serie dei Ritratti immaginari, dipinti tra il 1928 e il 1929, è molto simile agli Interni olandesi. L”artista ha anche preso i dipinti esistenti come punto di partenza. I suoi dipinti Ritratto della signora Mills del 1750, Ritratto di signora del 1820 e La Fornarina sono chiaramente ispirati dagli omonimi dipinti di George Engleheart, John Constable e Raffaello, rispettivamente.
Il quarto quadro della serie è tratto da una pubblicità di un motore diesel. Miró ha metamorfosato la pubblicità in una figura femminile chiamata Regina Luisa di Prussia. In questo caso, ha usato la tela non per reinterpretare un”opera esistente, ma come punto di partenza per un”analisi delle forme pure che si è conclusa con le figure di Miró. L”evoluzione del processo nel corso dei dipinti può essere sviluppata attraverso l”analisi degli schizzi conservati nella Fondazione Miró e nel Museo d”Arte Moderna. Poco dopo, nel 1929, Miró introdusse il giovane Salvador Dalí nel gruppo surrealista.
Miró sposò Pilar Juncosa (1904-1995) a Palma di Maiorca il 12 ottobre 1929, e si trasferì a Parigi in una stanza abbastanza grande per ospitare l”appartamento della coppia e lo studio del pittore. La loro figlia è nata nel 1930. Questo è stato l”inizio di un periodo di riflessione e di interrogazione. Cercò di andare oltre ciò che aveva fatto il prestigio dei suoi quadri: il colore vivido e il disegno geometrico.
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Rottura con il surrealismo (1930-1937)
Dal 1928 al 1930, i dissensi all”interno del gruppo surrealista diventano sempre più evidenti, non solo dal punto di vista artistico, ma anche da quello politico. Miró si allontanò gradualmente dal movimento. Pur accettandone i principi estetici, prese le distanze dalle manifestazioni e dagli eventi. Una riunione del gruppo surrealista al Bar du Château l”11 marzo 1929 è particolarmente degna di nota a questo proposito. Sebbene Breton fosse già membro del Partito Comunista all”epoca, la discussione si aprì intorno al destino di Leon Trotsky, ma si evolse rapidamente e costrinse ciascuno dei partecipanti a chiarire le proprie posizioni. Alcuni erano contrari a un”azione comune basata sul programma di Breton. Tra loro c”erano Miró, Michel Leiris, Georges Bataille e André Masson. Tra la posizione di Karl Marx, da un lato, che proponeva di “trasformare il mondo” attraverso la politica, e Rimbaud, dall”altro, che proponeva di “cambiare la vita” attraverso la poesia, Miró scelse quest”ultima. Voleva combattere con la vernice.
In risposta alla critica di André Breton secondo cui, dopo La Fornarina e Portrait d”une dame del 1820, il pittore era “un viaggiatore così frettoloso che non sa dove sta andando”, Miró dichiarò di voler “uccidere la pittura”. La frase fu pubblicata sotto la firma di Tériade, che la raccolse durante un”intervista con Miró per il giornale L”Intransigeant il 7 aprile 1930, in una rubrica violentemente ostile al surrealismo.
Georges Hugnet spiega che Miró può difendersi solo con la sua stessa arma, la pittura: “Sì, Miró ha voluto assassinare la pittura, l”ha assassinata con mezzi plastici, con un”arte plastica che è una delle più espressive del nostro tempo. L”ha ucciso, forse, perché non voleva sottomettersi alle sue esigenze, alla sua estetica, a un programma troppo ristretto per dar vita alle sue aspirazioni.
Da allora in poi, Miró disegnò e lavorò intensamente su una nuova tecnica, il collage. Non ha lavorato con essa come avevano fatto i cubisti, tagliando delicatamente la carta e attaccandola a un supporto. Le forme di Miró non sono precise, lascia che i pezzi debordino dal supporto e li unisce con la grafica. Questa ricerca non fu vana e aprì le porte alle sculture alle quali lavorò a partire dal 1930.
Quell”anno, espone le sue sculture di oggetti alla Galerie Pierre e presto tiene la sua prima mostra personale a New York, con dipinti dal 1926 al 1929. Lavora alle sue prime litografie per il libro L”Arbre des voyageurs di Tristan Tzara. Nell”estate del 1930, iniziò una serie chiamata Constructions, una logica continuazione dei Collages. Le composizioni sono fatte da forme elementari, cerchi e quadrati di legno posti su un supporto – generalmente di legno – così come il collage di chiavi che rinforzano le linee della cornice. Questi pezzi furono esposti per la prima volta a Parigi.
Dopo aver visto questa serie, il coreografo Leonide Massine chiese a Miró di creare la decorazione, i vestiti e vari oggetti per il suo balletto Jeux d”enfants. Il pittore accetta e parte per Montecarlo all”inizio del 1932, poco dopo la nascita della sua unica figlia, Dolorès, il 17 luglio 1931. I set erano composti da volumi e vari oggetti con movimento. La prima ebbe luogo il 14 aprile 1932 e fu un grande successo. L”opera fu poi rappresentata a Parigi, New York, Londra e Barcellona. Nel 1931, ha presentato i suoi primi oggetti-scultura alla Galerie Pierre.
Con il gruppo surrealista, partecipò da ottobre a novembre 1933, al 6° Salon des Surindépendants con Giacometti, Dalì, Brauner, Ernst, Kandinsky, Arp, Man Ray, Tanguy e Oppenheim. Tiene anche una mostra a New York alla galleria Pierre Matisse, con la quale rimane strettamente associato. Quando il suo contratto con il suo mercante d”arte, Pierre Loeb, finì nel gennaio 1932, Miró tornò a Barcellona con la sua famiglia, anche se continuò a fare frequenti viaggi a Parigi e frequenti soggiorni a Mallorca e Mont-roig del Camp. Fece parte dell”Associació d”amics de l”Art Nouveau (Associazione degli amici dell”Art Nouveau), insieme a persone come Joan Prats, Joaquim Gomis e l”architetto Josep Lluís Sert. L”obiettivo dell”associazione è quello di far conoscere le nuove tendenze artistiche internazionali e di promuovere l”avanguardia catalana. Ha tenuto numerose mostre a Barcellona, Parigi, Londra, New York e Berlino, di cui il maestro ha naturalmente beneficiato. Nel 1933, i suoi dipinti a collage furono esposti in un”importante mostra a Parigi.
Miró continuò la sua ricerca e creò gli Eighteen Paintings come un collage, usando immagini prese dalle pubblicità delle riviste. In seguito li ha commentati come segue:
“Ero abituato a ritagliare forme irregolari dai giornali e ad attaccarle su fogli di carta. Giorno dopo giorno ho accumulato queste forme. Una volta fatti, i collage servono come punto di partenza per i dipinti. Non ho copiato i collage. Lascio semplicemente che siano loro a suggerirmi le forme.
– Joan Miró
L”artista crea nuove figure che portano un”espressione drammatica in una perfetta simbiosi tra segni e volti. Gli sfondi sono generalmente scuri, dipinti su carta spessa, come si può vedere in Man and Woman Facing a Mountain of Excrement (1935) e Woman and Dog Facing the Moon (1936). Questi dipinti riflettono probabilmente i sentimenti dell”artista poco prima della guerra civile spagnola e della seconda guerra mondiale. Nel 1936, il pittore si trovava a Mont-roig del Camp quando scoppiò la guerra civile. A novembre è andato a Parigi per una mostra. Gli eventi in Spagna gli impedirono di tornare durante il periodo 1936-1940. Sua moglie e sua figlia lo hanno raggiunto nella capitale francese. Sostiene la Spagna repubblicana senza riserve.
Nel novembre 1936, Miró andò a Parigi per una mostra in programma lì. Con il dramma della guerra civile spagnola, sentì il bisogno di dipingere di nuovo “dalla natura”. Nel suo quadro Natura morta con una vecchia scarpa, c”è una relazione tra la scarpa e il resto di un pasto su un tavolo, il bicchiere, la forchetta e un pezzo di pane. Il trattamento dei colori contribuisce ad un effetto di massima aggressività con toni acidi e violenti. In questo dipinto, la pittura non è piatta come nelle opere precedenti, ma in rilievo. Dà profondità alle forme degli oggetti. Questo dipinto è considerato un pezzo chiave di questo periodo realista. Miró dice di aver fatto questa composizione pensando a Le scarpe del contadino di Van Gogh, un pittore che ammirava.
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L”evoluzione dal 1937 al 1958
Dopo aver creato il manifesto Help Spain per un francobollo per aiutare il governo repubblicano spagnolo, Miró si assunse il compito di dipingere opere di grandi dimensioni per il padiglione della Seconda Repubblica Spagnola all”Esposizione Internazionale di Parigi del 1937, che aprì a luglio. Il padiglione presentava anche opere di altri artisti: Guernica di Pablo Picasso, la Fontana di Mercurio di Alexander Calder, la scultura La Montserrat di Julio González, la scultura Il popolo spagnolo ha un sentiero che porta a una stella di Alberto Sánchez e altri.
Miró ha presentato El Segador, un contadino catalano con una falce in pugno, simbolo di un popolo in lotta, chiaramente ispirato dalla canzone nazionale catalana Els segadors. L”opera è scomparsa alla fine della mostra quando il padiglione è stato smantellato. Rimangono solo fotografie in bianco e nero. In questo periodo, Balthus dipinse un ritratto di Miró con sua figlia Dolorès.
Dal 1939 al 1940, rimase a Varengeville, dove incontrò Raymond Queneau, Georges Braque e Calder mantenne un rapporto di amicizia e fiducia, anche se si può dire che il quartiere di allora e l”amicizia che durò tutta la vita non cambiarono di un millimetro il percorso di nessuno dei due.
Braque ha semplicemente invitato il suo amico catalano a utilizzare il processo “papier à report”, una tecnica di stampa per litografia. Si tratta di un processo che Braque stesso utilizza, che consiste nel disegnare con una matita litografica su carta preparata, che permette il trasferimento per trasferimento sulla pietra o sulla lastra di zinco.
Quando la Germania nazista invase la Francia, Miró tornò in Spagna e vi si stabilì, prima a Mont-roig, poi a Palma di Maiorca e infine a Barcellona, dal 1942 al 1944. Nel 1941, la sua prima mostra retrospettiva si tenne a New York al Museum of Modern Art.
È a Maiorca, a partire dal 1942, che Miró costruisce il suo stile definitivo attraverso successive evoluzioni. Il suo nuovo contatto con la Spagna, e in particolare con Maiorca, fu senza dubbio decisivo. Lì si ricollega a una cultura di cui ammira i siurells (piccole sculture ingenue maiorchine) e rimane stupito dall”audacia gotica di Gaudí, che aveva restaurato la cattedrale fortificata nel 1902. Vive felicemente in profonda solitudine, andando spesso alla cattedrale ad ascoltare la musica. Si isola, legge molto e medita.
Nel 1943 torna a Barcellona con la sua famiglia; la sua abbondante produzione si limita a lavori su carta, ricerche senza idee preconcette, utilizzando tutte le tecniche. Era un vero e proprio “laboratorio” in cui l”artista ricercava freneticamente un unico tema, “The Woman Bird Star”, che è il titolo di molte delle sue opere. Durante questo periodo, crea figure, segni e associazioni utilizzando pastello, matita, inchiostro di china e acquerello per creare figure umane o animali di cui trova molto rapidamente le forme semplificate.
Alla fine del 1943, il gallerista Joan Prats gli commissionò una serie di 50 litografie dal titolo Barcellona. “La litografia in bianco e nero gli ha fornito lo sfogo di cui aveva bisogno per esprimere emozioni violente. La serie Barcellona rivela una rabbia simile a quella provocata dal deterioramento della situazione internazionale”, spiega Penrose. Questa uscita lo ha spinto a tornare a dipingere su tela dopo una pausa di quattro anni. I dipinti sono sconcertanti nella loro semplicità, spontaneità e casualità. Nello stesso spirito, Miró dipinse su pezzi di tela irregolari, “come se l”assenza di un cavalletto lo liberasse da una costrizione”. In questo modo inventò un nuovo linguaggio che portò, nel 1945, alla serie di grandi tele che sono tra le più conosciute e più spesso riprodotte, quasi tutte su fondo chiaro (Donna nella notte, Alba) ad eccezione di due fondi neri: Donna che ascolta la musica e Ballerina che ascolta l”organo in una cattedrale gotica (1945). L”artista era allora alla ricerca di un “movimento immobile”:
– Joan Miró
La preoccupazione per la rappresentazione e il significato logico è estranea a Miró. È così che spiega La corsa dei tori: la corrida è solo un pretesto per dipingere, e la pittura è più illustrativa che veramente rivelatrice. Il toro, interpretato molto liberamente, occupa tutta la tela, cosa che Michel Leiris gli rimprovererebbe. Nel 1946, Jean Cassou, curatore del Musée National d”Art Moderne di Parigi, comprò questo quadro da lui, in un momento in cui nessun museo francese aveva opere importanti dell”artista.
Dal 1945, un anno dopo la morte di sua madre, Miró sviluppò tre nuovi approcci alla sua arte: incisione, ceramica, modellazione e scultura. Quell”anno inizia una collaborazione con il suo amico adolescente, Josep Llorens i Artigas, nella produzione di ceramiche. Ha condotto ricerche sulla composizione di paste, terre, smalti e colori. Le forme della ceramica popolare sono una fonte di ispirazione per lui. C”è poca differenza tra queste prime ceramiche e i dipinti e le litografie dello stesso periodo.
Nel 1946, lavora a sculture da fondere in bronzo. Alcuni di essi dovevano essere dipinti con colori brillanti. In questo campo, Miró era interessato alla ricerca di volumi e spazi. Ha anche cercato di incorporare oggetti quotidiani o semplicemente trovati: pietre, radici, posate, tricorni, chiavi. Egli fonde queste composizioni usando il processo della cera persa, in modo che il significato degli oggetti identificabili si perde attraverso l”associazione con gli altri elementi.
Nel 1947, l”artista andò a New York per otto mesi dove lavorò per un po” all”Atelier 17, diretto da Stanley William Hayter. Durante questi pochi mesi a New York, lavorò sulle tecniche di incisione e litografia. Impara anche la calcografia e realizza le tavole per Le Désespéranto, uno dei tre volumi de L”Antitête di Tristan Tzara. L”anno seguente, collabora a un nuovo libro dello stesso autore, Parler seul, e realizza 72 litografie a colori.
Da queste opere, Miró partecipò con alcuni dei suoi amici poeti a diverse pubblicazioni. È il caso dell”Anthologie de l”humour noir di Breton (per René Char, Fête des arbres et du chasseur e À la santé du serpent; per Michel Leiris, Bagatelles végétales) e per Paul Éluard, À toute épreuve, che conteneva 80 incisioni su legno di bosso. La produzione di queste incisioni durò dal 1947 al 1958.
Poco prima dello scoppio della seconda guerra mondiale, l”atmosfera a Parigi era tesa. Miró soggiornò a Varengeville-sur-Mer, sulla costa normanna, in una villa donata dal suo amico, l”architetto Paul Nelson. Il villaggio, vicino alla natura, gli ricordava i paesaggi di Maiorca e del Mont-roig. Decise di stabilirsi lì e comprò una casa.
Dal 1939 al 1941, Miró visse a Varengeville-sur-Mer. Il cielo del villaggio lo ispirò e cominciò a dipingere una serie di 23 piccole tele, genericamente intitolate Costellazioni. Sono realizzati su un supporto di carta di 38 × 46 cm, che l”artista imbeve di benzina e strofina fino ad ottenere una consistenza ruvida. Ha poi aggiunto il colore, mantenendo una certa trasparenza per ottenere l”aspetto finale desiderato. Su questo colore di fondo, Miró disegna con colori molto puri per creare il contrasto. L”iconografia delle Costellazioni mira a rappresentare l”ordine cosmico: le stelle si riferiscono al mondo celeste, le figure simboleggiano la terra e gli uccelli sono l”unione dei due. Questi dipinti integrano perfettamente i motivi e lo sfondo.
Miró e sua moglie tornarono a Barcellona nel 1942, poco prima della morte di sua madre nel 1944. In quel periodo si trasferirono a Maiorca, dove, secondo Miró, era “solo il marito di Pilar”. Nel 1947 si recò per la prima volta negli Stati Uniti. Lì dipinse il suo primo murale, che fu seguito da altri durante la sua carriera. Nello stesso anno, la galleria Maeght organizza importanti mostre del suo lavoro a Parigi e, nel 1954, riceve il premio per l”incisione alla Biennale di Venezia, insieme a Max Ernst e Jean Arp.
Più tardi, nel 1958, Miró pubblicò un libro intitolato anch”esso Costellazioni. Questa edizione limitata contiene la riproduzione di due poemi: Vingt-deux eaux di Miró e Vingt-deux proses parallèles di André Breton.
A partire dal 1960, l”artista entra in una nuova fase della sua vita artistica, che riflette la sua facilità con la grafica. Disegnava con una spontaneità vicina ad uno stile infantile. Le linee spesse sono fatte con il colore nero, e le sue tele sono piene di dipinti e schizzi che richiamano sempre gli stessi temi: la terra, il cielo, gli uccelli e le donne. Generalmente usa i colori primari. Nello stesso anno, la Fondazione Guggenheim di New York gli ha assegnato il suo Gran Premio.
Dal 1955 al 1959, Miró si dedica interamente alla ceramica, ma nel 1960 ricomincia a dipingere. La serie su fondo bianco e il trittico Bleu I, poi Bleu II e Bleu III risalgono al 1961. Queste tele, che sono quasi interamente blu monocromatiche, ricordano per certi aspetti i dipinti di Yves Klein. Dopo aver creato uno sfondo blu, Miró controlla lo spazio cromatico con segni minimalisti: linee, punti e pennellate di colore, applicate con la cautela “del gesto di un arciere giapponese”, secondo le parole dell”artista. Questi quadri assomigliano a quelli del 1925, quando dipinse le serie monocrome Dancer I e Dancer II. Egli riassume il suo atteggiamento con la seguente frase:
“Per me è importante raggiungere la massima intensità con il minimo dei mezzi. Da qui la crescente importanza del vuoto nei miei dipinti.
– Joan Miró
Durante il suo soggiorno a New York, ha dipinto una parete di 3 × 10 metri per il ristorante del Cincinnati Terrace Hilton Hotel e ha illustrato il libro L”Antitête di Tristan Tzara. Più tardi, tornato a Barcellona, ricevette aiuto dal figlio di Josep Llorens, Joan Gardy Artigas. Miró passava le sue estati nello studio della famiglia Llorens a Gallifa. I due compagni hanno effettuato tutti i tipi di prove di cottura e smaltatura. Il risultato fu una collezione di 232 opere, che furono esposte nel giugno 1956 alla galleria Maeght di Parigi e più tardi alla galleria Pierre Matisse di New York.
Nel 1956, Miró si trasferì a Palma di Maiorca, dove aveva un grande studio progettato dal suo amico Josep Lluís Sert. Fu in questo periodo che gli fu commissionata la creazione di due pareti in ceramica per la sede dell”UNESCO a Parigi. Questi misuravano rispettivamente 3 × 15 m e 3 × 7,5 m e furono inaugurati nel 1958. Anche se Miró aveva già lavorato con grandi formati, non lo aveva mai fatto con la ceramica. Insieme al ceramista Josep Llorens, sviluppò al massimo le tecniche di cottura per creare uno sfondo i cui colori e texture assomigliavano ai suoi dipinti dello stesso periodo. La composizione deve avere come tema il sole e la luna. Nelle parole di Miró:
“L”idea di un grande disco rosso intenso si impone sulla parete più grande. La sua replica sul muro più piccolo sarebbe un quarto di mezzaluna blu, imposto dallo spazio più piccolo e intimo al quale è destinato. Queste due forme, che volevo fossero molto colorate, dovevano essere rinforzate da un lavoro di rilievo. Alcuni elementi della costruzione, come la forma delle finestre, mi hanno ispirato a creare composizioni in scala e le forme dei personaggi. Ho cercato un”espressione brutale sulla parete grande, una suggestione poetica su quella piccola.
– Joan Miró
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Maiorca e la Grande Officina (1956-1966)
Per cinque anni, l”artista si dedica principalmente alla ceramica, all”incisione e alla litografia. Con l”eccezione di una dozzina di piccoli quadri su cartone, Miró non produsse alcun dipinto. Il suo lavoro fu interrotto dal suo trasferimento a Palma di Maiorca. Si tratta di un cambiamento che aveva sperato e che fu realizzato con l”aiuto dell”architetto Josep Lluís Sert, che progettò per lui un vasto studio ai piedi della residenza di Miró. Il pittore era allo stesso tempo contento e disorientato dalle dimensioni dell”edificio e si mise a ravvivare e popolare questo grande spazio vuoto. Si sentì obbligato a portare la sua pittura in una nuova direzione. Ha dovuto riscoprire “l”impeto di furia iconoclasta della sua giovinezza”.
Il suo secondo soggiorno negli Stati Uniti fu decisivo. I giovani pittori americani gli aprirono la strada e lo liberarono mostrandogli fin dove si poteva arrivare. L”abbondante produzione della fine degli anni ”50 e degli anni ”60 mostra l”affinità di Miró con la nuova generazione, sebbene sia stato prima di tutto un ispiratore: “Miró è sempre stato un iniziatore, più di chiunque altro. Molti dei pittori della nuova generazione riconobbero prontamente i loro debiti nei suoi confronti, compresi Robert Motherwell e Jackson Pollock.
Dopo un periodo di abbondante produzione, Miró svuotò la sua mente, dichiarò il vuoto e iniziò a dipingere diversi trittici, tra cui Blu I, Blu II e Blu III.
Il 1961 segna una tappa particolare nella produzione del pittore, con la creazione di trittici, uno dei più famosi dei quali è Bleu, conservato integralmente al Centre national d”art et de culture Georges-Pompidou dal 1993. Bleu I è stato acquisito in questa data dopo una sottoscrizione pubblica.
Altri trittici seguirono dal 1963. Questo è in particolare il caso di Quadri per un tempio, in verde, rosso e arancione, e Quadri su fondo bianco per la cella di un condannato (1968), olio su tela, delle stesse dimensioni dei quadri blu conservati alla Fondazione Miró.
Infine, nel 1974, fu completato L”Espoir du condamné à mort (Fondazione Miró). Quest”ultimo trittico fu completato in un doloroso contesto politico, all”epoca della morte per garrotta del giovane Salvador Puig i Antich, che Miró descrisse come un nazionalista catalano, in un”intervista con Santiago Amón per El País Semanal (Madrid, 18 giugno 1978). “L”orrore provato da un”intera nazione di fronte alla morte per garrota di un giovane anarchico catalano, all”epoca della morte di Franco, è l”origine dell”ultimo trittico ora alla Fondazione Miró di Barcellona. La parola “Speranza” è concepita come una forma di derisione. È certo, come sottolinea Jean-Louis Prat, che Miró ha attraversato questo periodo con rabbia: “Quarant”anni dopo la sua prima collera per la stupidità che talvolta affligge il mondo, il catalano è ancora capace di gridare il suo disgusto attraverso la sua pittura. E di esporlo a Barcellona.
Dall”inizio degli anni 60, Miró fu attivamente coinvolto nel grande progetto di Aimé e Marguerite Maeght, che avevano stabilito la loro fondazione a Saint-Paul-de-Vence. La coppia, ispirata da una visita allo studio del pittore a Cala Major, ha chiamato lo stesso architetto – Josep Lluís Sert – per costruire l”edificio e progettare i giardini. Uno spazio speciale è stato riservato a Miró. Dopo un lungo periodo di meditazione, si dedicò al suo Labirinto. Ha collaborato con Josep e Joan Artigas per le ceramiche e con Sert per il design dell”insieme. Le opere monumentali nel labirinto sono state create appositamente per la fondazione. Miró disegnò prima dei modelli lungo il percorso tracciato da Josep Lluís Sert, che furono poi realizzati in cemento, marmo, ferro, bronzo e ceramica. Di queste sculture, La forchetta e Il disco sono tra le più importanti. Il primo è stato realizzato nel 1963 (bronzo, 507 × 455 × 9 cm), e il secondo nel 1973 (ceramica, 310 cm di diametro).
I quattro catalani “si impegnarono in un”entusiastica consultazione per l”installazione di 13 opere per il Labirinto, alcune delle quali non sarebbero state in posizione fino a diversi mesi, o addirittura anni, dopo l”inaugurazione del sito il 28 luglio 1964″. Negli anni successivi all”inizio del Labirinto, Miró consegnò alla Fondazione Maeght un numero impressionante di opere dipinte e scolpite. La maggior parte delle sculture erano bronzi. Nel 1963, crea Femme-insecte, Maquette de l”Arc per la Fondazione Maeght. Nel 1967, crea Femme, Tête et oiseau, Personnage et oiseau, poi negli anni 1970, Monument (1970), Constellation e Personnage (1971). Nel 1973, ha creato Grand personnage. La fondazione riceve anche ceramiche: Femme et oiseau (1967), Personnage totem (1968), Céramique murale (1968), così come marmi, come Oiseau solaire e Oiseau lunaire, scolpiti nel 1968.
La Fondazione Maeght possiede 275 opere di Miró, tra cui 8 grandi dipinti, 160 sculture, 73 acquerelli, guazzi e disegni su carta, un arazzo monumentale, un”importante vetrata integrata nell”architettura, 28 ceramiche, oltre a opere monumentali create appositamente per il giardino labirinto. Tutte queste creazioni sono state donate alla fondazione da Marguerite e Aimé Maeght, così come da Joan Miró, e successivamente dai discendenti delle famiglie Maeght e Miró, così come dai Sucessió Miró. “È grazie alla loro impareggiabile generosità che è stato costruito un patrimonio favoloso, unico in Francia, un luogo privilegiato per condividere meglio i sogni di Joan Miró”.
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Ultimi anni (1967-1983)
Nel 1967, Miró realizzò La Montre du temps, un”opera creata da uno strato di cartone e un cucchiaio, fusi in bronzo e uniti insieme per formare un oggetto scultoreo che misura l”intensità del vento.
In seguito alla prima grande mostra dell”opera del maestro a Barcellona nel 1968, diverse personalità dell”arte hanno sostenuto la creazione di un centro di riferimento per l”opera di Miró nella città. In accordo con i desideri dell”artista, la nuova istituzione dovrebbe promuovere la diffusione di tutte le sfaccettature dell”arte contemporanea. In un momento in cui il regime di Franco stava chiudendo il panorama artistico e culturale della città, la Fondazione Miró porta una nuova visione. L”edificio fu costruito secondo un concetto molto lontano dalle nozioni generalmente accettate dei musei all”epoca, e cercò di promuovere l”arte contemporanea piuttosto che dedicarsi alla sua conservazione. Ha aperto il 10 giugno 1975. Gli edifici furono progettati da Josep Lluís Sert, discepolo di Le Corbusier e complice e amico dei grandi artisti contemporanei con cui aveva già collaborato (Fernand Léger, Alexander Calder, Pablo Picasso). La collezione iniziale della fondazione di 5.000 pezzi proveniva da Miró e dalla sua famiglia.
“Il pittore non voleva rimanere ai margini della costruzione della sua fondazione, né limitarsi alle donazioni. Voleva partecipare in modo concreto, attraverso il suo lavoro di pittore, al lavoro collettivo degli architetti, dei muratori e dei giardinieri. Per fare questo, ha scelto il luogo più appartato: il soffitto dell”auditorium, dove la sua pittura poteva dare una radice viva all”edificio. Questo grande quadro di 4,70 × 6 m, eseguito su truciolato, è stato completato e firmato l”11 maggio 1975.
Dal 9 giugno al 27 settembre 1969, Miró espone le sue incisioni a Ginevra in “Œuvres gravées et lithographiées” alla galleria Gérald Cramer. Lo stesso anno, una grande retrospettiva delle sue opere grafiche si è tenuta al Norton Simon Museum (California).
In collaborazione con Josep Llorens, ha costruito la Dea del mare, una grande scultura in ceramica che hanno immerso a Juan-les-Pins. Nel 1972, Miró espose le sue sculture al Walker Art Center di Minneapolis, al Cleveland Museum of Art e all”Art Institute di Chicago. A partire dal 1965, realizza un gran numero di sculture per la Fondazione Maeght a Saint-Paul-de-Vence. Le opere più notevoli sono Oiseau de lune, Lézard, Déesse, Fourchette e Femme aux cheveux emmêlés.
Nel 1974, le Galeries nationales du Grand Palais di Parigi organizzarono una grande mostra retrospettiva in occasione del suo 80° compleanno, mentre l”anno seguente fu costruita la Fondazione Miró da Luis Sert a Montjuïc, in alto a Barcellona. Ospita un”importante collezione delle sue opere.
Nel 1973, il pianista Georges Cziffra comprò le rovine della collegiata di Saint-Frambourg a Senlis per ospitare la sua fondazione, creata l”anno seguente. Nuove vetrate furono installate nel 1977; otto di esse furono affidate dal pianista al suo amico Joan Miró. Il pittore li ha disegnati e la loro creazione è stata affidata al maestro vetraio di Reims, Charles Marcq. Il pittore ha commentato in questa occasione:
“Ho pensato per tutta la vita di fare vetrate, ma l”opportunità non si era mai presentata. Mi sono appassionato. Questa disciplina che la cappella mi ha dettato mi ha portato ad avere una grande libertà, mi ha spinto a fare qualcosa di molto libero avvicinandomi a questa verginità. Le stelle si trovano molto spesso nel mio lavoro perché cammino spesso in piena notte, sogno cieli stellati e costellazioni, questo mi impressiona e questa scala di fuga che è molto spesso evidenziata nel mio lavoro rappresenta un volo verso l”infinito, verso il cielo lasciando la terra.
Nel 1980 ha ricevuto la Medaglia d”Oro al Merito per le Belle Arti dal Ministero della Cultura.
Nell”aprile 1981, Miró inaugurò a Chicago una scultura monumentale di 12 metri, conosciuta come Miss Chicago; il 6 novembre, altri due bronzi furono installati a Palma di Maiorca. L”anno seguente, la città di Houston ha inaugurato Personaggio e Uccello.
Nel 1983, in collaborazione con Joan Gardy Artigas, l”artista creò Woman and Bird, la sua ultima scultura, destinata alla città di Barcellona. È fatta di cemento e ricoperta di ceramica. La salute cagionevole di Miró gli impedì di partecipare alla cerimonia di inaugurazione. Situata nel Parc Joan-Miró di Barcellona vicino a uno stagno artificiale, l”opera alta 22 metri ha una forma oblunga, sormontata da un cilindro scavato e da una mezza luna. L”esterno è ricoperto di ceramiche nei colori più classici dell”artista: rosso, giallo, verde e blu. Le ceramiche formano dei mosaici.
Joan Miró morì a Palma di Maiorca il 25 dicembre 1983 all”età di 90 anni e fu sepolto nel cimitero di Montjuïc a Barcellona.
Nello stesso anno, Norimberga ha organizzato la prima mostra postuma dell”opera di Miró, e nel 1990 la Fondazione Maeght di Saint-Paul de Vence ha anche organizzato una retrospettiva intitolata “Miró”. Infine, nel 1993, la Fondazione Miró di Barcellona ha fatto lo stesso per il centenario della sua nascita.
Nel 2018, il Grand Palais di Parigi organizza una retrospettiva di 150 opere, tracciando lo sviluppo dell”artista in 70 anni di creazione.
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In vernice
I primi quadri di Miró, a partire dal 1915, sono segnati da varie influenze, prima di tutto quelle di Van Gogh, Matisse e dei Fauves, poi di Gauguin e degli espressionisti. Cézanne gli diede anche la costruzione dei volumi cubisti. Un primo periodo, chiamato “Fauvismo catalano”, iniziò nel 1918 con la sua prima mostra, e continuò fino al 1919 con il quadro Nudo con specchio. Questo periodo fu segnato dall”impronta del cubismo. Nel 1920 inizia il periodo realista, conosciuto come il periodo “dettagliista” o “precisionista”: l”occhio ingenuo del pittore si concentra sulla rappresentazione dei più piccoli dettagli, alla maniera dei primitivi italiani. Il quadro, Paesaggio di Mont-roig (1919), è caratteristico di questo periodo. L”influenza cubista è ancora forte e può essere vista nell”uso degli angoli, la composizione in piani ritagliati e anche nell”uso di colori brillanti (Autoritratto, 1919, La Table (Nature morte au lapin), 1920).
Nel 1922, il quadro La fattoria segna la fine di questo periodo e l”avvento di una nuova tecnica segnata dal pensiero surrealista. Le opere Le Chasseur (1923) e Le Carnaval d”Arlequin (1924-1925) ne sono le espressioni più significative. Lo spazio pittorico è piatto, non rappresenta più una terza dimensione. Gli oggetti diventano segni simbolici e Miró reintroduce il colore vivo nei suoi quadri (La nascita del mondo, 1925, Paesaggi immaginari, 1926, Cane che abbaia alla luna, 1926). Il lavoro sullo spazio e sui segni ha portato alla creazione di un vero e proprio “mirómonde”, secondo Patrick Waldberg.
Nel 1933, l”artista crea i suoi quadri da collage, un processo già utilizzato da un altro surrealista, Max Ernst. Tuttavia, Miró ha sperimentato una vasta gamma di tecniche per realizzare i suoi dipinti: pastello, carta vetrata, acquerello, gouache, tempera all”uovo, legno e vernice di rame, tra gli altri. La serie Peintures sauvages, del 1935 e del 1936, ha come tema la guerra di Spagna e utilizza molteplici tecniche di pittura. La serie delle Costellazioni, i “dipinti lenti” (1939-1941) e i “dipinti spontanei” (tra cui Composizione con corde, 1950), dimostrano anche la versatilità di Miró. Altri esperimenti, più astratti, utilizzano la monocromia; è il caso del trittico L”Espoir du condamné à mort (1961-1962), che consiste unicamente in un arabesco nero su sfondo bianco.
Infine, l”artista ha realizzato numerosi murales negli Stati Uniti (per il Plaza Hotel di Cincinnati nel 1947, per l”Università di Harvard nel 1950) e a Parigi (serie Bleus I, II e III del 1961 e Peintures murales I, II e III del 1962).
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Miró fu introdotto alla scultura dal suo insegnante Gali. Fin dall”inizio, Miró fu anche allievo del ceramista Artigas, suo amico, con il quale produsse impressionanti opere in ceramica. I suoi primi tentativi, nell”estate del 1932, risalgono al suo periodo surrealista e sono intitolati “oggetti poetici”. Fu con Artigas, a partire dal 1944, che Miró raggiunse la padronanza di quest”arte. Alla ricerca della brillantezza dei colori, seguendo la tecnica cinese del “grand feu”, passò dalla ceramica alla creazione di bronzi fusi tra il 1944 e il 1950. L”artista ha iniziato a raccogliere tutti i tipi di oggetti diversi e ad usarli per creare sculture eterogenee.
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Calligrafia Miròniana
La prima fonte di ispirazione di Miró sono i due infiniti, dai ramoscelli infinitamente piccoli della “calligrafia miróniana” agli spazi vuoti infinitamente grandi delle costellazioni. Questa calligrafia dà forma ai geroglifici attraverso una geometria schematica molto diversa. È infatti composto da punti curvi, linee rette, volumi oblunghi o massicci, cerchi, quadrati, ecc. Una volta assimilate le principali correnti artistiche del suo tempo, tra il 1916 e il 1918, Miró mette gradualmente in atto gli elementi che compongono questo linguaggio “dettagliista”, in cui dà uguale importanza agli elementi piccoli e grandi. Ha spiegato che “un filo d”erba è grazioso come un albero o una montagna”.
Dopo aver dettagliato le sue tele fino alle radici delle piante, Miró rivolse la sua attenzione alla rappresentazione di grandi spazi. Mentre negli anni 1920 il suo lavoro ricordava il mare, i suoi quadri degli anni 1970 evocavano il cielo attraverso una cartografia stellare esagerata. In La corsa dei tori, questo particolarismo utilizza il disegno in filigrana per definire grandi silhouette. Questo vero e proprio linguaggio poetico di Miró riflette l”evoluzione del suo rapporto con il mondo:
“Sono sopraffatto quando vedo la luna crescente o il sole in un cielo enorme. Nei miei dipinti, ci sono forme molto piccole in grandi spazi vuoti.
– Joan Miró
L”influenza della calligrafia orientale e dell”Estremo Oriente è evidente nel lavoro di Miró, in particolare nel suo Autoritratto (1937-1938). Per lui, “la plasticità deve realizzare la poesia”, spiega Jean-Pierre Mourey. Walter Erben sottolinea la relazione tra i simboli dell”artista e gli ideogrammi cinesi o giapponesi: “Un amico di Miró che conosceva bene i caratteri giapponesi riuscì a “leggere” in una serie di segni inventati dal pittore il significato stesso che egli aveva attribuito loro. La firma di Miró è di per sé un ideogramma che costituisce un quadro nel quadro. A volte il pittore, pensando di dipingere un affresco, comincia con l”apporre la sua firma. Poi lo stende sulla maggior parte della tela, con lettere rigorosamente distanziate e spazi sfumati con il colore. Miró usava spesso la sua firma su manifesti, copertine di libri e illustrazioni.
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Temi
Le donne, le relazioni uomo-donna e l”erotismo sono una grande fonte di ispirazione per il maestro. La loro rappresentazione è abbondante nell”opera di Miró, sia nei suoi dipinti che nelle sue sculture. Tuttavia, non si è concentrato sulla semplice descrizione canonica dei corpi, ma ha cercato di rappresentarli dall”interno. Nel 1923, The Farm Girl succede a The Farmhouse, dipinto un anno prima. L”anno seguente, suggerì la femminilità attraverso la grazia delle linee in La Baigneuse, mentre in Le Corps de ma brune, la tela stessa evocava la donna che amava. Nel 1928, con Ritratto di ballerina, il pittore ironizza sulla grazia delle ballerine. Il motivo della donna e dell”uccello è comune nell”opera di Miró. In catalano, uccello (ocell) è anche il soprannome del pene, ed è associato a molte delle sue opere. Questo motivo appare già nel 1945, e anche nella sua scultura, nelle sue prime terrecotte di ispirazione mitica.
Dopo essersi stabilito a Parigi, e nonostante le difficoltà incontrate, Miró scrive al suo amico Ricart nel giugno 1920: “Sicuramente mai più Barcellona! Parigi e la campagna, e questo fino alla morte! In Catalogna, nessun pittore ha mai raggiunto la pienezza! Sunyer, se non decide di fare lunghi soggiorni a Parigi, si addormenterà per sempre. Si è detto che i carrubi del nostro paese hanno fatto il miracolo di svegliarlo, ma queste sono parole di intellettuali della Lliga. Devi diventare un catalano internazionale.
Tuttavia, fu a Maiorca e poi a Barcellona che trovò l”ispirazione e che il suo stile si evolse decisamente tra il 1942 e il 1946, con un ritorno alle sue radici e alla cultura spagnola.
La Catalogna, e in particolare la fattoria dei suoi genitori a Mont-roig del Camp, è stata protagonista dell”opera di Miró fino al 1923. Ha soggiornato in questo villaggio durante la sua giovinezza e vi è tornato per metà anno nel 1922 e 1923. Da lì ha tratto la sua ispirazione, le sue sensazioni e i suoi ricordi, il suo rapporto con la vita e la morte. La vegetazione, il clima arido, i cieli stellati, così come i personaggi della campagna, si ritrovano nelle sue creazioni.
La corsa dei tori, ispirata dal suo ritorno a Barcellona nel 1943, mostra la continuità della creazione spontanea di Donna, uccello, stella. Nei suoi appunti, parla di un progetto per una serie sul tema della corsa dei tori per: “cercare simboli poetici, che il banderillero sia come un insetto, i fazzoletti bianchi come ali di piccioni, i ventagli che si aprono, piccoli soli”. Non una volta si riferisce al toro, la figura centrale del quadro, che ha ingrandito oltre misura. Walter Eben suggerisce una spiegazione: a Miró piacevano solo le sensazioni colorate dell”arena, che gli forniva tutta una serie di armonie e toni fortemente evocativi. Assisteva alla corrida come a una festa popolare tinta di erotismo, ma non era consapevole della posta in gioco. Non si è limitato all”aspetto tragico della corsa, ma ha introdotto numerose evocazioni comiche.
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Nel suo periodo surrealista, l”opera più rappresentativa di Miró è Le Carnaval d”Arlequin (1924-1925), che fu esposta alla Galerie Pierre, insieme ad altre due sue opere: Le Sourire de ma blonde e Le Corps de ma brune. Tuttavia, anche se le opere dell”artista furono riprodotte in La Révolution surréaliste, anche se Breton lo dichiarò “il più surrealista di tutti noi” e anche se Miró partecipò a una mostra collettiva del gruppo, la sua adesione al movimento non fu senza reticenze.
“In piena rivoluzione avanguardista, Miró continuò a rendere omaggio alle sue origini (Testa di contadino catalano) dalle quali non si staccò mai, tornando regolarmente in Spagna.
Anche se è pienamente integrato nel gruppo con il quale ha un ottimo rapporto, la sua appartenenza è piuttosto “distratta”:
“Anche se frequentava le riunioni del caffè Cyrano e Breton lo considerava “il più surrealista di tutti noi”, non seguiva nessuna delle parole d”ordine del movimento e preferiva riferirsi a Klee, che gli avevano presentato i suoi amici Arp e Calder.
All”interno del gruppo surrealista, Miró era un artista a parte. Il suo amico, Michel Leiris, ha spiegato che veniva spesso deriso per la sua correttezza un po” borghese, il suo rifiuto di moltiplicare le sue avventure femminili e per la sua enfasi sulla campagna nativa e rurale contro il centro parigino.
L”ingenuo
Quello che Breton chiama un “certo arresto della personalità allo stadio infantile” è, in realtà, un”amara conquista dei poteri persi dall”infanzia. Il rifiuto di Miró di intellettualizzare i suoi problemi, il suo modo di dipingere quadri invece di parlare di pittura, lo rese sospetto agli occhi dei “vigili guardiani del pensiero del maestro Breton” (José Pierre tra gli altri) e dell”ortodossia surrealista. Era trattato con lo stesso rispetto di un bambino prodigio, con un po” di disprezzo condiscendente per la sua facilità, la sua profusione e la ricchezza naturale dei suoi doni.
“Per mille problemi che non lo preoccupano in alcun modo, anche se sono quelli di cui è piena la mente umana, c”è forse in Joan Miró un solo desiderio: quello di abbandonarsi alla pittura, e solo alla pittura (che per lui è limitarsi all”unico ambito in cui siamo sicuri che abbia i mezzi), a quell”automatismo puro al quale io, da parte mia, non ho mai smesso di fare appello, ma del quale temo che Miró stesso abbia verificato molto sommariamente il valore, la ragione profonda. È forse per questo che può essere considerato il più “surrealista” di tutti noi. Ma quanto siamo lontani da quella chimica dell”intelligenza di cui abbiamo parlato.
Il licenziamento di Miró da parte di Breton divenne più radicale nel 1941 quando il pittore rifiutò di accettare qualsiasi dogma estetico. Breton correggerà le sue osservazioni nel 1952, durante la mostra Constellations, ma le ripeterà poco dopo, pubblicando Lettre à une petite fille d”Amérique (Lettera a una bambina d”America), in cui dichiara: “Alcuni artisti moderni hanno fatto di tutto per ricollegarsi al mondo dell”infanzia, e penso in particolare a Klee e Miró, che nelle scuole non potevano essere troppo favorevoli”.
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Il maestro libero
Miró ha scritto poesie surrealiste. La sua vasta corrispondenza, le interviste con i critici d”arte e le dichiarazioni nelle riviste d”arte sono state raccolte da Margit Rowell in un unico volume, Joan Miró: Selected Writings and Interviews, che include l”intervista del 1948 con James Johnson Sweeney e un”intervista inedita con Margit Rowell. Ha anche illustrato raccolte di poesie o prose di altri rappresentanti del movimento surrealista, o “compagni di viaggio” dei surrealisti: Jacques Prévert, Raymond Queneau, René Char, Jacques Dupin, Robert Desnos.
La spontaneità del pittore non si sposa bene con l”automatismo propugnato dal surrealismo. I suoi dipinti, sia che vengano realizzati negli anni ”20 – durante il suo cosiddetto periodo surrealista – o più tardi, sono della più assoluta e personale spontaneità. È la realizzazione di un sogno su tela. Miró toccò solo brevemente il surrealismo, non ne fu un vero rappresentante.
“Comincio i miei quadri a causa di uno shock che sento e che mi fa fuggire dalla realtà. La causa di questo shock può essere un piccolo filo che si stacca dalla tela, una goccia d”acqua che cade, l”impronta che il mio dito lascia sulla superficie del tavolo. In ogni caso, ho bisogno di un punto di partenza, anche se è solo un granello di polvere o un lampo di luce. Lavoro come un giardiniere o un viticoltore.
Il cognome “Miró” è associato a Maiorca con l”ascendenza ebraica, il che ha portato alla distruzione dei suoi quadri da parte della Gioventù antiebraica di breve durata nel 1930 e al fatto che i manifesti delle sue mostre sono stati etichettati “Chueto” a Palma.
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Vernici principali
Fonti :
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Illustrazioni principali
Nel 1974, la reinterpretazione dell”uccello postale, il logotipo del servizio postale francese, divenne la prima opera artistica appositamente creata per essere riprodotta su un francobollo della “serie artistica”, in Francia e a Barcellona.
Il lavoro dell”artista è diventato molto popolare dopo una serie di articoli e recensioni. Molte stampe delle sue opere sono realizzate su oggetti di uso quotidiano: vestiti, piatti, bicchieri, ecc. C”è anche un profumo Miró, dove la bottiglia e la confezione sono souvenir dell”artista.
Dagli anni ”80, la banca spagnola La Caixa ha usato un”opera di Miró come logo: una stella blu navy, un punto rosso e un punto giallo.
Anche il poster ufficiale della Coppa del Mondo di calcio del 1982 è un”opera di Miró. Dopo alcune modifiche da parte dell”artista, è stato ripreso dall”Ufficio del Turismo spagnolo. Si tratta di un sole, una stella e il testo España, in rosso, nero e giallo.
Google dedica un doodle all”artista, il 20 aprile 2006, per il 113° anniversario della nascita di Miró.
Nell”episodio La morte aveva i denti bianchi della serie Hercule Poirot, il famoso detective accompagnato dal capitano Hasting, nell”ambito delle loro indagini, si recano a una mostra di pittura contemporanea dove contemplano un quadro di Mirò intitolato “Uomo che lancia una pietra a un uccello” che lascia il capitano a chiedersi quale sia l”uomo e quale l”uccello e persino la pietra.
I dipinti dell”artista Joan Miró hanno molto successo sul mercato dell”arte e si vendono a prezzi molto alti. L”olio su tela Caress of the Stars è stato venduto per 17.065.000 dollari il 6 maggio 2008 da Christie”s a New York, ovvero 11.039.348 euro. I dipinti di Miró sono anche tra i più forgiati al mondo. La grande popolarità dei dipinti e l”alto valore delle opere incoraggiano lo sviluppo dei falsi. Tra gli ultimi quadri confiscati dalla polizia durante l”Operazione Artist ci sono soprattutto pezzi di Miró, Picasso, Tàpies e Chillida.
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Fonti
