John Keats

gigatos | Marzo 27, 2022

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Riassunto

John Keats

La poesia di John Keats attinge a molti generi, dal sonetto e il romanzo spenseriano all”epica ispirata da John Milton, che egli rimodella secondo le sue esigenze. Le sue opere più ammirate sono le sei odi del 1819, l”Ode sull”indolenza, l”Ode sulla malinconia, l”Ode a Psiche, l”Ode su un”urna greca, l”Ode a un usignolo e l”Ode all”autunno, che è spesso considerata la poesia più compiuta mai scritta in inglese.

Durante la sua vita, Keats non fu associato ai principali poeti del movimento romantico, e lui stesso si sentiva a disagio in loro compagnia. Al di fuori della cerchia di intellettuali liberali intorno al suo amico, lo scrittore Leigh Hunt, la sua opera fu criticata dai commentatori conservatori come sdolcinata e di cattivo gusto, “poesia da parvenu” secondo John Gibson Lockhart, e “mal scritta e volgare” secondo John Wilson Croker.

Dalla fine del suo secolo in poi, tuttavia, la fama di Keats continuò a crescere: fu annoverato tra i più grandi poeti della lingua inglese e le sue opere in versi, così come la sua corrispondenza – principalmente con il fratello minore George e alcuni amici – sono tra i testi più discussi della letteratura inglese.

Il lettore si rende conto della ricchezza malinconica del suo immaginario molto sensuale, in particolare nella serie delle odi, che è sostenuta da un”immaginazione parossistica che privilegia l”emozione spesso trasmessa attraverso il paragone o la metafora. Inoltre, il suo linguaggio poetico, la scelta delle parole e la disposizione prosodica, è caratterizzato da una lentezza e una pienezza molto lontane dalle pratiche stabilite nel 1798 dalla pubblicazione della raccolta di poesie di William Wordsworth e Samuel Taylor Coleridge, le Lyrical Ballads.

Nella lunga lettera-diario di John Keats al fratello George e alla cognata Georgiana nel 1819, c”è un”osservazione infilata nel mezzo di un aneddoto sul giovane ecclesiastico Bailey, suo amico: “La vita di un uomo di qualsiasi valore è una continua allegoria, e pochissimi occhi possono percepire il suo mistero; è una vita che, come le Scritture, figura qualcos”altro”. La vita di Keats è anche un”allegoria: “la fine”, scrive Albert Laffay, “è già mirata all”inizio”. Questo significa che c”è un”immagine temporale di lui, ma che tutto il suo essere si costruisce in tappe successive e che il suo significato “non è più alla fine che all”inizio”.

Nascita e fratelli

Non ci sono prove che permettano di individuare il giorno esatto della nascita del bambino. Lui e la sua famiglia hanno sempre indicato come data di nascita il 29 ottobre, ma i registri della parrocchia di St Botolph-without-Bishopsgate dove è stato battezzato indicano il 31. Il maggiore di quattro figli sopravvissuti – un fratello minore morì nell”infanzia – i fratelli di John Keats erano George e Tom (Thomas), e sua sorella Frances Mary, conosciuta come Fanny (1803-1889), che più tardi sposò lo scrittore spagnolo Valentín Llanos Gutiérrez, autore di Sandoval e Don Esteban.

I primi anni

Suo padre, Thomas Keats, iniziò la sua carriera come cocchiere al Swan and Hoop Inn, gestito da suo suocero a Finsbury, Londra. Divenne poi il direttore della locanda e vi si trasferì per diversi anni con la sua famiglia in crescita. Keats rimase convinto per tutta la vita di essere nato in una stalla, cosa che vedeva come uno stigma sociale, ma non c”erano prove a sostegno di ciò. Il sito è ora occupato da The Globe Pub, vicino a Finsbury Circus, a pochi metri dalla stazione ferroviaria e metropolitana di Moorgate.

La famiglia Keats è affettuosa e affiatata, i dintorni brulicano di vita e di andirivieni. Il padre è un gran lavoratore e spera un giorno di iscrivere il figlio maggiore in una scuola prestigiosa, preferibilmente l”Eton College o la Harrow School. Nel frattempo, il bambino frequenta una dame school, una scuola elementare privata gestita da una donna in casa sua. Non tutte queste scuole sono uguali; molte sono semplici asili gestiti da analfabeti, ma alcune offrono una buona educazione. È il caso di quello che riceve John Keats, che impara a leggere, fa l”aritmetica e ha anche qualche conoscenza di geografia. Venne il momento di lasciare la casa e, non avendo i mezzi per beneficiare di un”educazione scolastica pubblica, entrò nella scuola del reverendo John Clarke nell”estate del 1803 nella città mercato di Enfield, non lontano dalla casa di suo nonno a Ponders End. Fu raggiunto lì da George, e qualche anno dopo da Tom.

Era una piccola scuola – 80 studenti – modellata sulle accademie dissenzienti, nota per le sue idee liberali e che offriva un curriculum più moderno di quello tradizionale delle istituzioni prestigiose. Infatti, mentre le materie classiche prevalevano, la scuola di Keats era anche ampiamente aperta alle lingue moderne, al francese in particolare (Keats lesse poi Voltaire e tradusse Ronsard), alla storia, alla geografia, alla matematica e alle scienze fisiche e naturali. L”educazione cerca di razionalizzare se stessa, incoraggiando il dubbio e la domanda. Il carattere era importante quanto l”intelletto e la disciplina non era molto severa, assicurata in gran parte dagli alunni che venivano ricompensati con vari premi (la valutazione andava da O a X, cioè da “Molto buono” a “Insufficiente”) a seconda della loro condotta e dei loro risultati. Fu messo a loro disposizione un grande giardino, dove si coltivavano verdure e che John Keats frequentava regolarmente. L”atmosfera familiare permetteva una grande libertà di scelta: Keats si interessò anche alla storia e alla letteratura antica, un interesse che lo avrebbe accompagnato. Imparò il latino ma non il greco antico, poiché il signor Clarke, responsabile degli studi classici, non lo aveva mai studiato. Gli fu rimproverato per questa mancanza, soprattutto quando fu pubblicato Endymion e anche quando furono pubblicate le grandi odi del 1819. Legge Robinson Crusoe, le Mille e una notte, i campioni del gotico, Mrs Radcliffe, Monk Lewis, Beckford, Maria Edgeworth (ma la sua passione lo porta altrove: divora il Pantheon di Tooke e il Dizionario classico di Lemprière, che offre brevi ritratti di dei e dee. Il Pantheon, in particolare, gli fornì gli elementi necessari per il racconto delle feste date in onore del dio Pan nelle scene iniziali del poema epico Endimione, ed era ancora sui suoi scaffali quando morì in Italia. Tradusse quasi metà dell”Eneide di Virgilio in prosa e fu introdotto con fervore al francese. Per lui, la letteratura – e soprattutto la poesia – è più di un rifugio, è una conoscenza che richiede sforzo e feroce determinazione, un”esplorazione costante la cui ricompensa, per chi è disposto a prendersi la briga, supera qualsiasi altra esperienza, ciò che più tardi chiamerà “regni d”oro”, una frase usata per la prima volta nel verso di apertura del sonetto After First Opening Chapman”s Homer.

Fu quando aveva circa tredici anni che i suoi insegnanti notarono il suo zelo, che fu coronato dal premio per il miglior saggio nei suoi ultimi due o tre termini, per il quale ricevette il Dizionario delle merci di C. H. Kauffman e, l”anno seguente, l”Introduzione all”astronomia di Bonnycastle. Nel frattempo, il figlio quindicenne del preside, Charles Cowden Clarke, gli fece amicizia e gli fece da mentore, guidandolo nelle sue letture, introducendolo agli autori rinascimentali, Le Tasse, Edmund Spenser e le traduzioni di Omero di George Chapman. Charles Cowden ricorda Keats come un ragazzo determinato, non timido, disposto a farsi degli amici e all”occasione a difenderli impetuosamente, libero da meschinità, gradito a tutti, compagni di studio come pure maestri e amministratori. Detto questo, un altro amico, Edward Holmes, lo descrisse come “volubile”, “sempre agli estremi”, volentieri indolente, e che non aveva paura di tirare pugni, anche con un maestro di scuola quando voleva riparare un torto fatto a suo fratello Tom.

Quando John Keats aveva solo otto anni e mezzo, si verificò il primo evento di una serie di lutti familiari e dislocazioni che lo avrebbero perseguitato per tutta la sua breve vita. La notte del 15 aprile 1804, di ritorno da una visita alla scuola del figlio, dove andava regolarmente dopo cena a Southgate, il padre cadde da cavallo in City Road all”una di notte. Un guardiano notturno, John Watkins, notò il cavallo tornare da solo alla stalla e trovò il cavaliere privo di sensi. Ha subito un trauma cranico con frattura dell”occipite ed è morto la mattina nella sua locanda, dove era stato portato.

Lo shock è stato grave, sia emotivamente che finanziariamente. Il 27 giugno, Frances Keats, che si era appena risposata, affidò i suoi figli, John, George, di sette anni, Tom, di cinque, e Fanny, di uno, a sua madre, Alice Whalley Jennings, di settantacinque anni, che era rimasta vedova nel 1805 e si era trasferita a Edmonton nel nord di Londra. Questa nonna aveva ereditato una notevole somma di denaro dal suo defunto marito e si era rivolta a un commerciante di tè di fiducia, Richard Abbey, associato a John Sandell, che aveva nominato tutore dei bambini. La maggior parte dei problemi finanziari di Keats deriva da questa decisione. Non che Abbey fosse disonesta, ma piuttosto testarda, riluttante a spendere e talvolta bugiarda. Il denaro dei bambini fu distribuito con parsimonia, al limite dell”avarizia, e fu solo nel 1833, molto tempo dopo che erano diventati maggiorenni, che Fanny costrinse il mercante a rinunciare alla sua tutela attraverso il tribunale.

La madre di John Keats si risposò due mesi dopo la morte improvvisa del marito con un certo William Rawlings, un ex direttore di stalla diventato piccolo banchiere. Il matrimonio fu infelice: Frances lasciò la sua nuova casa nel 1806, non senza lasciare buona parte delle stalle e della sua eredità al suo secondo marito, e poi scomparve, forse per seguire un altro uomo, un certo Abraham, che viveva a Enfield, secondo Abbey. Quel che è certo è che sprofonda nell”alcolismo e ritorna nel 1808 ancora giovane, 34 anni, ma depressa, morta, afflitta dai reumatismi e tormentata dalla febbre, di cui muore due anni dopo a casa della madre (John ha sostituito la nonna durante le sue assenze e l”ha accudita con appassionata devozione). Secondo Andrew Motion, nella misura in cui le leggeva romanzi tra un attacco e l”altro, cominciò ad associare la letteratura alla possibilità di recupero, uno dei temi comuni della sua opera. La contemplazione della sofferenza gli insegna anche che può essere una fonte di conoscenza, non solo di se stessi ma anche della condizione umana. Si rese conto che il piacere è inseparabile dal dolore, il guadagno dalla perdita: questo fu espresso più tardi quando scrisse: “Le difficoltà rafforzano l”energia interiore di un uomo – fanno delle nostre aspirazioni principali un rifugio oltre che una passione”.

La doppia perdita della madre, prima quando si dona a Rawlings, e poi dopo il suo ritorno quando muore, crea in Keats un modello di possesso e abbandono che percorre tutta la sua opera, in La Belle Dame sans Merci così come in Lamia, Endymion e anche in Othon the Great, la sua unica opera scritta con Charles Brown. Inoltre, come scrisse a Bailey nel luglio 1818, aveva “una sensazione ingiusta sulle donne”: per lui le donne rientravano in due categorie, o perfette o corrotte. La frase è tratta da un lungo documento in cui Keats utilizza un processo che anticipa la psicoanalisi, in quanto risale all”infanzia per cercare di spiegare il suo disagio e la sua opinione. Nei suoi anni più giovani (scolaro), spiega in sostanza, la donna è per lui una dea eterea, molto al di sopra dell”uomo. Da adolescente (ragazzo), il mito è crollato e ha sperimentato la delusione. Da allora, ha scoperto che in compagnia degli uomini si sente libero e a suo agio, ma con le donne è senza parole, impacciato, sospettoso, inaffidabile. C”è quello che chiama “una perversione” o “un pregiudizio” che lascia irrisolto, perché dopo tutto, dubita “che al genere femminile importi se al signor John Keats, taglia quinta, piaccia o no”. A questo Andrew Motion aggiunge che gli conviene non cambiare nulla: La Belle Dame sans Merci, Lamia e molte delle odi composte nel 1819 dipendono proprio da ciò che critica in se stesso.

Ormai orfano, John Keats assume ferocemente il ruolo di protettore dei suoi fratelli, specialmente della giovane Fanny. Come segno della sua fiducia in loro, le sue meditazioni più profonde sulla sua arte sono quasi esclusivamente riservate a loro, per esempio il lunghissimo diario-lettera sulle sue odi, scritto per George e sua moglie Georgiana.

Presumibilmente sotto la pressione di Richard Abbey, Keats lasciò Enfield nel 1811 per fare l”apprendista da Thomas Hammond a Edmonton, un vicino della nonna Jennings, un rispettato chirurgo e speziale e il medico di famiglia. Il nuovo apprendista fu alloggiato in una soffitta che dominava la pratica al 7 di Church Street, dove rimase fino al 1815. Il suo amico Charles Cowden disse che questo fu “il periodo più tranquillo di tutta la sua dolorosa vita”. Con questo intende dire che, nell”insieme – i due uomini si lasciavano facilmente trasportare l”uno dall”altro – le cose andarono bene: gli Hammond erano ospitali e i metodi di apprendimento attuati molto gradualmente; Hammond, praticante coscienzioso, rimase in contatto con l”ospedale che lo aveva formato e che in seguito raccomandò a Keats.

Primi passi

Nel 1814, John Keats aveva a disposizione due grandi doni al momento della maggiore età: 800 sterline lasciate dal nonno John Jennings e una parte dell”eredità della madre di 80.000 sterline, una somma stimata intorno alle 500.000 sterline all”inizio del XXI secolo, ulteriormente aumentata dalla morte di Tom nel 1818.

Sembrerebbe che non ne abbia mai saputo nulla, visto che non ha fatto nulla per recuperare il suo denaro. La storia tende ad incolpare Abbey per la sua negligenza come tutore legale, ma alcuni critici gli danno il beneficio del dubbio e ipotizzano che dopo tutto, lui stesso potrebbe essere stato male informato, se non del tutto.

Invece, l”avvocato della madre e della nonna di Keats, William Walton, che aveva l”obbligo di cura, avrebbe dovuto farglielo sapere. Questo denaro avrebbe potuto cambiare il corso della sua vita, dato che lottava con molte difficoltà, comprese quelle finanziarie, e il suo più grande desiderio era quello di vivere in totale indipendenza.

L”apprendistato a Hammond continuò e John Keats studiò anatomia e fisiologia. All”epoca, la professione di chirurgo non richiedeva una laurea, ma solo una licenza, e Keats fu talvolta tentato di seguire questa strada. Sapeva come medicare le ferite, dare le vaccinazioni, sistemare le ossa rotte e applicare le sanguisughe. Tuttavia, con il passare dei mesi e degli anni, il suo entusiasmo si affievolì, soffriva di solitudine nella sua piccola stanza e passava sempre più tempo nei boschi o in giro per la campagna. Molto spesso trovava rifugio presso la famiglia Clarke a Enfield, a circa sette chilometri di distanza. Quando le serate erano belle, la famiglia si sedeva sotto un pergolato in fondo al grande giardino. Questo fu il periodo in cui Keats finì la sua traduzione dell”Eneide e lesse – voracemente, scrisse Charles Cowden Clarke – le Metamorfosi di Ovidio, le Buccole di Virgilio e il Paradiso Perduto di John Milton. The Faerie Queene di Spenser, tuttavia, gli rivelò improvvisamente la potenza poetica della sua immaginazione. Dopo questa lettura, ricorda Cowden Clarke, John Keats non fu più lo stesso e divenne un altro essere, interamente assorbito dalla poesia, “galoppando da un palco all”altro come un giovane cavallo in un prato primaverile”.

L”influenza di John Clarke e di suo figlio Cowden è notevole in questa fase della sua vita: l”intimità tra l”ex allievo e l”insegnante, le serate passate alla tavola di famiglia, le lunghe conversazioni serali discutendo di libri presi in prestito dalla biblioteca, fecero molto per favorire la sua passione poetica e per confermare la sua vocazione. Nel settembre 1816, Keats scrisse un”epistola a Charles Cowden Clarke e ricordò queste visite con gratitudine.

Finito il suo apprendistato con Hammond, si iscrisse nell”ottobre 1815 come studente di medicina al Guy”s Hospital di Londra. Dopo un mese fu considerato abbastanza competente per servire come assistente dei chirurghi durante le operazioni. Si trattava di una promozione significativa, che indicava una reale attitudine alla medicina, ma che lo caricava anche di nuove responsabilità. La famiglia di Keats era convinta che, dopo il costoso apprendistato da Hammond”s e l”altrettanto costoso soggiorno al Guy”s Hospital, il giovane studente avesse trovato la strada per una carriera lunga e di successo, e sembra che Keats approvasse questa opinione. In questo periodo condivise un alloggio vicino all”ospedale al 28 di St. Thomas”s Street a Southwark; tra gli inquilini c”era Henry Stephens, un futuro inventore di grande fama e un magnate dell”industria dell”inchiostro. Fu istruito dal principale chirurgo del luogo, il dottor Astley Cooper, e approfondì le sue conoscenze in molte materie scientifiche e nella pratica dell”arte.

Tuttavia, dalla primavera del 1816, stava diventando sempre più impaziente, e si comportava verso i suoi compagni di studio come un cavaliere dall”armatura splendente della poesia, in particolare quella di Wordsworth, che lo eccitava fino all”esaltazione. Era affascinato dal naturalismo del poeta, il suo appello a un”immaginazione laica, il suo uso di un linguaggio semplice e naturale – molto diverso dallo stile del romanticismo spenseriano. La poesia, in breve, è tutta la sua vita: “La scienza medica sfugge alla sua attenzione”, scrive Henry Stephens, “per lui la poesia è la più alta delle aspirazioni umane, l”unica degna di una mente superiore. Parla e cammina tra i suoi compagni di studio come se fosse un dio che condiscende a mescolarsi ai mortali”.

Se la vocazione della medicina si è indebolita in lui, la vocazione della poesia si è risvegliata con forza – e una certa arroganza. Il suo poema An Imitation of Spenser risale al 1814, quando aveva 19 anni. Da allora in poi frequentò i circoli di Leigh Hunt e, con più parsimonia perché il giovane signore era spesso via, Lord Byron, che erano molto apprezzati dai suoi amici Clarke, a loro volta molto liberali. Con le scelte di carriera da fare e la pressione dei creditori, John Keats visse momenti di grave depressione. Suo fratello George scrisse che “temeva che non sarebbe mai diventato un poeta e se lo avesse fatto, si sarebbe tolto la vita”. Tuttavia, i suoi studi continuarono e nel 1816 Keats ottenne la licenza di speziale, che gli dava il diritto di praticare la medicina, la farmacia e la chirurgia.

Durante mesi di superlavoro e malinconia, George Keats presentò al fratello le sue amiche Caroline e Anne Matthew, figlie di un commerciante di vini, e il loro cugino, il ”cosiddetto” poeta George Felton Mathew. L”amicizia tra questi giovani è breve ma reale, e senza dubbio fornisce a Keats un certo divertimento. Egli mantiene una relazione letteraria scherzosa e stuzzicante con le due sorelle, scrivendo loro piccole parole in anapesti, come O Come, dearest Emma! o To Some Ladies, nello stile di Thomas More, popolare durante la Reggenza. Da suo cugino Mathew ricevette un incoraggiamento molto apprezzato, soprattutto perché i due giovani condividevano le stesse opinioni politiche. John Keats gli fece conoscere Shakespeare. Trent”anni dopo, Mathew riferì le sue impressioni al biografo Richard Monckton Milnes, assicurandogli che Keats “era in buona salute, si sentiva bene in compagnia, sapeva divertirsi di cuore con le frivolezze della vita, e aveva ogni fiducia in se stesso”. Aggiunge che la sua sensibilità era ancora molto viva e che, per esempio, quando leggeva ad alta voce passi del Cimbellino, i suoi occhi si inumidivano di lacrime e la sua voce incespicava per l”emozione.

Nell”ottobre del 1816, Charles Brown presentò John Keats a Leigh Hunt, un amico di Byron e Shelley, che erano molto influenti nei circoli letterari. Gli ultimi due poeti, nonostante la loro riserva di classe nei confronti del londinese cockney e di bassa lega, provano simpatia per lui: il primo si definisce “suo ammiratore”, il secondo “suo amico”. Tre anni prima, nel 1813, Leigh Hunt e suo fratello John erano stati incarcerati per aver pubblicato un manifesto contro il Reggente. Questo episodio diede a Keats l”opportunità di comporre una poesia, Sonnet, scritta il giorno in cui Hunt fu rilasciato dalla prigione, il 1° ottobre. Da allora, mentre ha scritto vari pezzi brevi come la sua Epistola a George Felton Mathew, la sua prima opera conosciuta è un sonetto, O Solitude! che Leigh Hunt si è offerto di pubblicare nella sua rivista letteraria liberale The Examiner. Dopo una notte di settembre passata a leggere con Clarke la traduzione di Omero di George Chapman, On First Looking into Chapman”s Homer apparve il 1° dicembre 1816 attraverso lo stesso canale:

Charles Cowden Clarke scrive che per John Keats il giorno della pubblicazione è un giorno da lettera rossa, la prima manifestazione riconosciuta della validità delle sue ambizioni”, il sonetto mostra una vera unità, l”immagine della scoperta, che culmina nell”immagine di Cortés in piedi sulla cima, è implicita fin dal primo verso; L”ottava e la sestina hanno ciascuna il proprio crescendo, e il poeta passa dall”esplorazione alla rivelazione, la sua ricerca appassionata trova il suo Graal nell”ultimo verso della seconda quartina: ”Prima di sentire la voce alta e forte di Chapman. Poi l”esploratore dei mari rivolge il suo sguardo al cielo e sembra intravedere un nuovo pianeta. Come spesso nelle sue poesie successive, risponde qui alla potenza immaginativa di un altro poeta. L”inarrestabile dizione poetica, la disposizione stessa dei suoni, per esempio la visione metaforica dell”oceano di meraviglia amplificata dalle vocali lunghe, selvaggia (waɪld), surmise (sɜː”maɪz), che presto sfumano in una serie di sillabe deboli, silenziose (ˈsaɪlənt), picco (piːk), Darien (”darɪən), testimoniano la sua padronanza.

Albert Laffay elogia l”influenza di Leigh Hunt su John Keats. Ricorda la gioia del giovane nel visitare il suo cottage di Hampstead, “in assoluto contrasto con il suo quartiere nero e i suoi studi di medicina”. Keats descrive il ritorno a Londra di notte e gli dedica due sonetti nell”autunno del 1816, Keen fitful gusts… e On leaving some Friend at an early Hour. Hunt, l””usignolo parlante”, ha ispirato un fascino.

D”altra parte, l”autore (anonimo) dell”articolo della Poetry Foundation sul poeta ha alcune riserve su questo modello di costruzione della personalità letteraria del poeta: Deplora il suo stile lussureggiante, ornato da troppi aggettivi “-y” o “-ly”, come bosomy, scattery, tremblingly, il suo uso sistematico di un inglese non pulito, la colorazione militante dei suoi versi, L”uso dell”enjambment, il rifiuto della cesura fuori dalla metà del verso per collocarla dopo una sillaba debole, che equivale a “rompere” il distico eroico “aristocratico” ancora favorito dai poeti più conservatori. Per tutto questo, John Keats ha altri modelli oltre a lui, e uno dei ruoli di Hunt è quello di nutrire la fede poetica in lui e alla fine – anche se inconsciamente – di invitarlo a superarla.

Fine degli studi e inizio di un poeta

Anche se il suo obiettivo principale era la poesia, Keats continuò la sua formazione al Guy”s Hospital (due termini all”anno, da ottobre a metà gennaio e dal 21 gennaio a metà maggio), poiché aveva intenzione di diventare un membro del famoso Royal College of Surgeons.

Nel 1816, pubblica il sonetto To my Brothers e si trasferisce all”inizio dell”estate all”8 di Dean Street vicino al Guy”s Hospital a Southwark. Il 25 luglio, Keats superò gli esami per il certificato chirurgico: era stato un anno difficile (il suo amico Stephens fu bocciato). Poi andò al mare con Clarke per sfuggire al caldo schifoso del suo quartiere di Londra, per riprendersi e scrivere. Prima soggiornarono a Carisbrooke sull”isola di Wight, poi a Margate dove furono raggiunti da Tom e, dopo una deviazione a Canterbury, Keats rimandò Tom a Londra e si diresse a sud su consiglio di Haydon. La sua destinazione è un piccolo villaggio, Bulverhythe, conosciuto anche come West St Leonards, Bo Peep, Filsham, West Marina, o Harley Shute, vicino a Hastings nel Sussex. Lì incontrò Isabella Jones, una donna bella, talentuosa e piuttosto colta che rimane una figura enigmatica. Anche se non proveniva dalla migliore società, era molto benestante dal punto di vista finanziario. John Keats non fa mistero del desiderio che lei risveglia in lui, anche se, secondo Gittings, gli incontri si limitano a giochi preliminari. Scrisse a suo fratello George che “frequentava la sua stanza” nell”inverno del 1818-19, “scaldandosi a lei e baciandola” (in breve, aggiunge Robert Gittings, questa fu probabilmente la sua iniziazione sessuale). Isabella gli serve persino come musa, fornisce i temi per La veglia di Sant”Agnese e persino per il breve poema Hush, Hush! la prima versione di Bright star (vorrei essere saldo come te). Nel 1821, Isabella Jones fu la prima ad essere informata della morte di Keats.

Durante tutto il suo soggiorno, scrisse molto, poesie, Calidore per esempio, e anche lettere, nelle quali mostrò un vero virtuosismo nel collegare barzellette e aneddoti, cattiverie o bawdiness, imitazioni della verve comica di Shakespeare, pettegolezzi e prese in giro, e molte sciocchezze.

Tornato a Well Walk all”inizio di giugno, non aveva finito con la medicina, avvicinandosi all”ospedale al 9 di Dean Street e riprendendo il suo lavoro di assistente medico tra i vicoli bui, che gli permise di sopravvivere prima che la sua maggiore età a ventuno anni gli aprisse la piena pratica della sua scienza.

La fine del 1816 e l”inizio del 1817 furono ricchi di pubblicazioni più o meno riuscite. Dopo il successo iniziale del sonetto sulla traduzione di Omero, apparve una raccolta che includeva I stood tip-toe e Sleep and Poetry, entrambi i quali portavano l”influenza di Leigh Hunt. Durante i soggiorni di Keats nel suo cottage, un piccolo letto fu aperto per lui nella biblioteca e fu lì che furono scritti i sonetti. John Hamilton Reynolds fu l”unico a dargli una recensione favorevole su The Champion, ma Charles Cowden Clarke disse che, dato il suo successo, “in un pizzico il libro avrebbe avuto una possibilità a Timbuktu”. Gli editori di Keats, Charles e James Ollier, si vergognavano del fallimento e, secondo Andrew Motion, chiesero al poeta di andarsene. Furono immediatamente sostituiti da Taylor e Hessey di Fleet Street, che erano entusiasti della poesia. Hanno immediatamente pianificato un nuovo volume prepagato e Hessey è diventato amico di Keats. Inoltre, la loro casa editrice metteva da parte delle stanze dove i giovani scrittori potevano incontrarsi e lavorare. Gradualmente, la loro lista di scrittori crebbe fino ad includere Coleridge, William Hazlitt, John Clare, Thomas Jefferson Hogg, Thomas Carlyle e Charles Lamb.

John Taylor e Hessey presentano John Keats al loro consigliere, l”ex Etoniano Richard Woodhouse, che si dimostra un”eccellente guida letteraria e prezioso nelle questioni legali. Ammirava le Poesie appena pubblicate, ma notava “l”instabilità, i tremori e la tendenza a scoraggiarsi facilmente” dell”autore, ma era convinto del suo genio, che prevedeva lo avrebbe reso un maestro della letteratura inglese. Poco dopo, i due giovani formarono un”amicizia indissolubile. Woodhouse si mise a raccogliere tutti gli scritti di Keats e i documenti relativi alla sua poesia (Keatseriana). Questo archivio sopravvive come una delle più importanti fonti di informazione sulla sua arte. Andrew Motion paragona Woodhouse a James Boswell al servizio di un nuovo Samuel Johnson, promuovendo costantemente le opere del maestro e difendendolo quando le penne maligne si alzano per attaccarlo.

Nonostante il contraccolpo della critica quando Poems fu pubblicato, Leigh Hunt pubblicò un saggio intitolato Three Young Poets, Shelley, John Keats e John Hamilton Reynolds. Aggiunge il sonetto On First Looking in Homer di Chapman e conclude che il futuro poetico è molto promettente. Presentò Keats a un certo numero di membri importanti dell”intellighenzia, il direttore del Times, il giornalista Thomas Barnes, lo scrittore Charles Lamb, il direttore d”orchestra Vincent Novello e il poeta John Hamilton Reynolds. John Keats incontrò anche William Hazlitt, uno dei reggenti delle lettere dell”epoca. Ora era visto dal pubblico illuminato come parte della “nuova scuola di poesia”, come la chiamava Hunt. Questo fu il momento in cui, il 22 novembre 1817, scrisse al suo amico Benjamin Bailey: “Non sono sicuro di nulla se non della santità degli affetti del cuore e della verità dell”immaginazione”. La bellezza che l”immaginazione cattura è sicuramente la verità”, un passaggio che prefigura la fine dell”Ode su un”urna greca.

All”inizio del dicembre 1816, spinto dai suoi amici, Keats annunciò a Richard Abbey che avrebbe abbandonato la medicina per dedicarsi alla poesia. Abbey era furioso, soprattutto perché lunghi anni di apprendistato e di studio avevano reso il giovane un buon professionista. Inoltre, era in enormi difficoltà economiche, indebitato ma sempre generoso, prestando grandi somme al pittore Benjamin Haydon, 700 sterline a suo fratello George che era emigrato in America, al punto che non era in grado di soddisfare gli interessi sui propri prestiti. John Keats più tardi diede una spiegazione a questa decisione: non era solo dovuta alla sua vocazione di poeta, ma anche il risultato della sua avversione per la chirurgia.

Aprile 1817: l”ospedale è un ricordo; John Keats, che soffre di raffreddori incessanti, lascia l”umido appartamento londinese e si trasferisce con i suoi fratelli al 1 Well Walk nel villaggio di Hampstead, una zona ricca di Londra nord. Tom è malato e i suoi due fratelli si prendono cura di lui. La casa è vicina a quella di Leigh Hunt e a quelle dei poeti che protegge. Coleridge, il più anziano della prima generazione di romantici, viveva nelle vicinanze, a Highgate, e l”11 aprile 1818 lui e Keats fecero una lunga passeggiata nella brughiera. In una lettera a George, Keats dice che hanno parlato di “mille cose, usignoli, poesia, sentimento poetico, metafisica”. In questo periodo fu anche presentato a Charles Wentworth Dilke, scrittore e critico liberale, e a sua moglie Maria, per la quale scrisse un sonetto.

Nel giugno 1818, John Keats lasciò il malato Tom alle cure della padrona di casa, la signora Bentley, e partì per un lungo viaggio attraverso il Lake District e la Scozia con Brown. Suo fratello George e la sua giovane moglie Georgina li accompagnarono a Lancaster, poi proseguirono in carrozza fino a Liverpool, da dove si imbarcarono per l”America. Infatti, decisero di trasferirsi a Louiseville, nel Kentucky, per diventare agricoltori. George è diventato gradualmente una figura rispettata, gestendo prima una segheria e poi un”impresa edile. Rovinato per aver garantito dei prestiti contratti da amici, morì senza un soldo, di ftide come i suoi due fratelli secondo alcuni critici, o secondo altri, di una malattia gastrointestinale. Per quanto riguarda Georgina, ha sposato due anni dopo la morte di George, un certo John Jeffrey nel 1843, con il quale si è trasferita a Cincinnati, Ohio, poi a Lexington, Kentucky, dove è morta.

Nel luglio 1818, sull”isola di Mull, Keats prese un raffreddore e soffrì di un persistente mal di gola. “Troppo magro e febbricitante, non poteva continuare il viaggio. Fu sull”isola di Mull”, scrisse Andrew Motion, “che iniziò la fine della sua breve vita e l”inizio della sua lenta morte. La mattina del 2 agosto salì sulle pendici del Ben Nevis e scrisse un sonetto sulla sua cima. Poco dopo aver lasciato Inverness, arriva una lettera di Dilke: Tom sta male. John Keats torna a Londra da solo ed è inorridito da quello che trova a casa: il suo fratellino costretto a letto, emaciato, senza forze, febbricitante, come se fosse invecchiato, e con un dolore intollerabile ai fianchi e alle spalle. Si impegnò immediatamente a curarlo, esponendosi al contagio in un modo tanto più rischioso perché era lui stesso indebolito: la tisi era la maledizione di questa famiglia, e questa malattia, che non avrebbe ricevuto il nome di tubercolosi fino al 1839, rimase stigmatizzata, presumibilmente tradendo una debolezza congenita della costituzione, desideri sessuali repressi e l”abitudine alla masturbazione. Inoltre, Keats non la nomina mai. Tom morì il 1° dicembre 1818.

Piazza Wentworth

Nell”ottobre del 1818, John Keats incontrò Fanny Brawne, la figlia di un ex inquilino estivo del suo amico Charles Armitage Brown che, come molti londinesi, affittava la sua casa durante le sue assenze estive. Conquistata da Hampstead, la signora Brawne si trasferì e divenne una vicina.

Dal febbraio 1819 ha raggiunto Charles Brown su suo invito nella sua nuovissima casa a Wentworth Place, una villa georgiana ai margini di Hampstead Heath, a quindici minuti a piedi dalla sua vecchia casa a Well Walk. È un edificio bifamiliare con i Dilke che occupano l”altra metà; l”affitto annuale è di 5 sterline e include una parte del conto delle bevande. In ogni caso, fu Brown che mantenne il giovane poeta quasi completamente, gli diede dei prestiti e curò anche i suoi manoscritti. I due amici si misero a scrivere una tragedia, Otho the Great, con entrambe le mani. Speravano che sarebbe stato eseguito dal famoso Kean e che avrebbe avuto abbastanza successo da portare un po” di soldi.

Nell”inverno del 1818-19 Keats cominciò a scrivere le sue opere più mature, ispirato da una serie di conferenze tenute da William Hazlitt sui poeti inglesi e l”identità poetica, e dalla sua associazione più regolare con William Wordsworth. Già autore di alcuni grandi poemi, come Isabella, l”adattamento di Basilio di Pot de Basile dal Decamerone di Boccaccio (IV, V), si accinse a completare Endimione, di cui rimase insoddisfatto e che fu disprezzato dalla critica. Tuttavia, fu durante il 1819, e in particolare in primavera, che la sua più grande poesia fu composta o completata, Lamia, le due versioni di Hyperion, iniziate nel settembre 1818, La Vigile de la sainte Agnès e soprattutto le sei grandi odi, Ode à Psyché, Ode sur une urne grecque, Ode sur l”indolence, Ode sur la mélancolie, Ode à un rossignol e Ode à l”automne, quest”ultima scritta in una bella serata di settembre: tutti trascritti da Charles Armitage Brown e presentati all”editore Richard Woodhouse. La data esatta di composizione rimane sconosciuta: solo le parole “maggio 1819″ appaiono sui primi cinque. Sebbene l”insieme condivida la stessa struttura formale e tematica, non c”è nulla all”interno di questa unità che indichi l”ordine in cui sono stati completati. L”Inno a Psiche apre forse la serie. L”Ode a un usignolo dà luogo a una controversia postuma tra vicini che differiscono sull”origine della poesia. Charles Brown, l”inquilino di Keats, sostiene che l”episodio si svolge a Wentworth Place, la sua casa ad Hampstead. Aggiunge che il poeta ha scritto il poema in una sola mattina:

Brown si vanta del fatto che il poema è stato conservato solo da lui e che è stato direttamente influenzato dalla sua casa, ma secondo Andrew Motion questo è soggettivo, Keats si è invece affidato alla propria immaginazione – e a una serie di fonti letterarie – per meditare sul canto dell”usignolo. Il suo vicino, Charles Wentworth Dilke, nega l”affermazione di Brown e l”aneddoto, riportato nella biografia di Richard Monckton Milnes del 1848, che si tratta di “pura delusione”, che implica un”illusione dei sensi.

Fu attraverso i Dilkes che John Keats incontrò la diciottenne Fanny Brawne nel novembre 1818). Sua madre, la signora Brawne, vedova dal 1810, amava il poeta e ne parlava spesso bene ai suoi conoscenti. Fanny, che era ben parlata e vivace, parlava francese e tedesco, era una grande ammiratrice di Shakespeare e Byron, con una predilezione per i romanzi trumpiani, spiritosa e vivace, e si divertiva a discutere di politica e letteratura con lui, come faceva con i suoi vicini inglesi e anche con gli esuli francesi che si erano stabiliti a Hampstead dopo la rivoluzione. Più tardi, sottolinea l”allegria e il buon umore del suo interlocutore, che vengono messi in ombra solo quando la salute di Tom lo preoccupa. Dopo la morte dell”amato fratello, per alleviare la sua sofferenza – “l”amore fraterno è più forte dell”amore per una donna”, aveva scritto – lei lo incoraggia ad allontanarsi dal passato e dall”introspezione, e la sua vivacità gli restituisce l”amore per la vita: “presto ritrovò la sua allegria. Ben presto si innamora appassionatamente della ragazza; secondo Richardson, la idealizza fino alla profonda sofferenza e la sua immaginazione la trasforma in una principessa leggendaria. John Keats chiede la sua mano il 18 ottobre; Fanny gliela dà e la coppia mantiene il segreto.

Fanny va spesso a Wentworth Place. Il poeta non balla bene e, in ogni caso, si sente troppo stanco per portarla fuori. Così a volte si lascia invitare dagli ufficiali, amici di sua madre e dei Dilke, il che rende Keats ansioso. Eppure sentiva che la sua presenza piacevole e quasi costante lo distraeva dalla sua vocazione di poeta. Maggio vide nascere una successione di capolavori sotto la sua penna, ma luglio – bisogna lasciare spazio agli affitti stagionali, e per diversi mesi, con qualche interruzione, i due giovani si scambiarono una corrispondenza ricca di emozioni, riflessioni (sull”amore e la morte), e talvolta gelosie. Stanco dell”isola, lui e Charles Armitage Brown camminarono fino a Winchester dove finirono la loro tragedia (Otho the Great), e nel febbraio 1820, dopo un viaggio a Londra per discutere le difficoltà di George e Georgiana con Abbey, Keats tornò esausto, febbricitante, barcollante al punto che Brown pensò che fosse ubriaco.

Mentre era a letto, ebbe un leggero colpo di tosse e, vedendo una goccia di sangue sul lenzuolo, fece immediatamente la sua diagnosi di medico con annessa prognosi fatale, dicendo a Brown: “Conosco il colore di questo sangue; viene da un”arteria. Più tardi quella notte ha subito una massiccia emorragia polmonare che lo ha fatto soffocare. Fanny lo visita raramente per paura di stancarlo, ma a volte passa davanti alla sua finestra mentre torna da una passeggiata, e i due si scambiano frequenti paroline.

Ultimi mesi, ultimi amori, la fine

Il 3 febbraio 1820, quando gli sputi di sangue divennero più frequenti, Keats offrì a Fanny la sua parola, che lei rifiutò. In maggio, mentre Brown era in viaggio in Scozia, soggiornò a Kentish Town vicino a Leigh Hunt, e poi a casa di Hunt. Sempre più spesso, i medici raccomandano un clima mite, come quello italiano. Shelley, che si trovava a Pisa, invitò il paziente a raggiungerlo, ma questi rispose senza entusiasmo. In agosto, la signora Brawne lo riportò a Hampstead e, assistita da Fanny, si prese cura di lui. Il 10 agosto tornò a Wentworth Place per l”ultima volta.

La signora Brawne ancora non acconsente al matrimonio, anche se promette che “quando John Keats tornerà dall”Italia sposerà Fanny e vivrà con loro”. Il 13 settembre, Fanny trascrive l”addio che John Keats detta per sua sorella, poi brucia le sue lettere d”amore per lui. Si scambiano dei regali: Keats dà la sua copia di The Cenci, la tragedia in versi di Shelley pubblicata nel 1819, il suo foglio annotato di Shakespeare, la sua lampada etrusca e la sua stessa miniatura; Fanny presenta un nuovo quaderno, un tagliacarte, un fiocco per capelli, e ne prende uno in cambio; raddoppia il berretto di seta di Keats e ne tiene un pezzo come ricordo; infine, come ultima offerta, gli affida una corniola. Secondo Plumly, questo addio segna l”ingresso del poeta in quella che lui chiama “la sua esistenza postuma”.

Charles Armitage Brown era in vacanza, Leigh Hunt non era disponibile, e fu Joseph Severn, forse il meno intimo degli amici ma in definitiva il più devoto, che, contro la volontà del padre, lo accompagnò il 17 settembre sulla Maria Crowther in Italia. I venti contrari hanno tenuto la nave nella Manica per una settimana e i passeggeri sono sbarcati di nuovo a Portsmouth. John Keats e Severn colsero l”occasione per visitare degli amici. Salparono di nuovo e le stesse raffiche di vento, e questa volta Lulworth Cove accolse la nave. Keats ha copiato il suo sonetto Bright Star. Napoli era in vista il 21 ottobre, ma la nave fu tenuta in quarantena per sei settimane a causa di un”epidemia di tifo a Londra. Solo il 4 o 5 novembre iniziò l”ultima tappa verso Roma in una piccola auto a noleggio. Severn passava il tempo a intrattenere il suo compagno di viaggio come meglio poteva; attirava la sua attenzione sui bufali, sui villaggi bianchi, sui vigneti; a volte saltava fuori dalla carrozza e correva, raccogliendo fiori dai campi e gettandoli dentro. Arrivati il 17 novembre, i due viaggiatori consultarono il medico della colonia inglese, il dottor James Clark, e si stabilirono al 26 di Place d”Espagne, ai piedi delle scale della Trinité des Monts, in un appartamento con vista sulla Fontaine Barcaccia. Le settimane che seguirono furono simili: Keats sputava sangue, soprattutto al mattino; ma finì i romanzi di Maria Edgeworth, scrisse ai suoi amici e si preoccupò del morale di Joseph Severn, bloccato nel suo ruolo di bambinaia. Il medico viene quattro o cinque volte al giorno. Il Natale è “il più strano e triste”, ha scritto Severn. I soldi finirono e fu lanciato un abbonamento a Londra. Il paziente è diventato debole, moroso e a volte arrabbiato.

Severn si occupa di tutto, cucina, asciuga le labbra sporche, pulisce la fronte che brucia. All”inizio del febbraio 1821, Keats dichiara che “le margherite stanno crescendo su di me” e dà istruzioni. (le margherite stanno crescendo sopra di me) e dà le sue istruzioni. Il 23, verso le quattro, sussurra: ”Severn – sollevami – io – sto morendo – morirò dolcemente; non aver paura – sii forte, grazie a Dio lei è qui”; alle undici il gorgogliare del muco rallenta, e Keats sprofonda nella morte, così dolcemente che Severn, che lo tiene, pensa che stia ancora dormendo. Come scrive Alain Suied, il suo più recente traduttore in francese, “non avrà visto i fiori di primavera, né sentito l”usignolo”.

Le sue ultime volontà sono più o meno rispettate. Keats è sepolto nel cimitero protestante di Roma (Cimitero Acattolico di Roma). Come aveva richiesto, nessun nome appare sulla sua lapide ed è inciso l”epitaffio “Qui giace colui il cui nome fu scritto sull”acqua”, una frase criptica che ricorda il poeta latino Catullo (LXX): “Chi non sa che i giuramenti dei belli sono scritti sulle ali delle farfalle e sul cristallo delle onde”. Alain Suied interpreta la parola nome in modo diverso, non come ”nome” ma come ”reputazione”, e così lo traduce: ”Qui giace colui la cui gloria era scritta sull”acqua”.

Joseph Severn – che esitò – e Charles Brown – che più tardi se ne pentì, “una specie di profanazione”, scrisse – fecero iscrivere l”epitaffio sopra:

Con questa aggiunta, Severn e Brown intendono protestare con il mondo contro le critiche che Keats dovette subire, soprattutto durante la pubblicazione di Endymion, sotto la penna di John Gibson Lockhart nel Blackwood”s Edinburgh Magazine: Johnny, Johnny Keats, Mr John, Mr John Keats, della scuola cockney (effeminato e incolto, politicamente poco gradevole), un impudente fante di lettere, uno speziale specializzato in poesia diuretica e soporifera. Leigh Hunt incolpa addirittura la rivista di questa morte prematura, il che porta a un passaggio perfidamente ironico su (snuffed out) nel Don Juan di Lord Byron (Canto 11, strofa 60, verso 480):

Nell”indignazione della sofferenza, Brown e Severn possono aver sovrainterpretato i guai editoriali di Keats. In realtà, non si fa beffe degli attacchi contro di lui e il suo epitaffio non è il prodotto dell”amarezza. Egli adatta la traduzione di un proverbio greco e rimane volutamente ambiguo: il suo nome è iscritto “nell” e non “sull” acqua, che lo condanna alla dissoluzione immediata, ma con la sua reintegrazione nel seno della natura, conferisce l”eternità. Come scrive Andrew Motion, “la poesia è arrivata a lui come “le foglie arrivano all”albero”; ora appartiene alla natura e al flusso della storia”.

Sette settimane dopo il funerale, in luglio, Shelley scrisse Adonaïs (æ”doʊ”neɪᵻs), un”elegia in memoria di Keats. È un lungo poema di 495 versi e 55 strofe spenseriane, alla maniera pastorale del Lycidas (”lɪsɪdəs) di Milton, che piange la tragedia, sia pubblica che personale, di una morte così prematura:

Charles Cowden Clarke ha fatto seminare delle margherite sulla tomba, che secondo lui John Keats avrebbe apprezzato. Per ragioni di salute pubblica, le autorità italiane bruciarono i mobili del paziente, cambiarono le finestre, le porte e le assi del pavimento, spogliarono i muri e mandarono il conto ai suoi amici.

Stefanie Marsh descrive il sito come si presenta al visitatore: “Nel vecchio cimitero, poco più di un terreno incolto quando John Keats vi fu sepolto, ci sono ora pini a ombrello, letti di mirto, rose e tappeti di viole selvatiche.

Nel 1828, le Reminiscenze di Leigh Hunt rafforzarono la leggenda di Keats come un uomo fragile e abbattuto, ma in una lettera a Brown scritta nel 1829, Fanny Brawne sostenne che qualsiasi debolezza non poteva essere attribuita solo alla malattia. Era ora, aggiunse, che la personalità del poeta fosse portata alla luce come era stata realmente. Ha anche espresso la speranza che l”imminente pubblicazione di una raccolta di opere di Keats, Coleridge e Shelley “lo salverà dall”oscurità e dal travisamento”.

Fanny Brawne, dopo

Charles Armitage Brown ha paura di dire a Fanny la triste notizia. La lettera di Joseph Severn impiega tre settimane per raggiungere Londra. Fanny si ammala, perde molto peso, si taglia i capelli e piange come se fosse la moglie del defunto. Passa ore da sola a rileggere le sue lettere e vaga per la brughiera, spesso a notte fonda. Mantiene un”affettuosa corrispondenza con Fanny Keats, la sorella minore del poeta. È solo dopo tre anni che esce ufficialmente dal suo dolore. Due disgrazie l”hanno colpita quasi simultaneamente: suo fratello Sam è morto di ftide nel 1828 e sua madre è stata bruciata a morte l”anno seguente.

A poco a poco il suo spirito tornò e nel 1833 sposò Louis Lindo, un ebreo sefardita – un fatto che dispiacque a Fanny Keats, che non lo sentì più – che poi cambiò il suo nome in ”Lindon”, e le diede due figli. La famiglia trascorse molti anni in Europa, tornando a Londra nel 1859. Fanny morì nel 1865 ed è sepolta nel cimitero di Brompton. Durante tutta la sua vita, mantenne vivo in lei il ricordo di Keats, ma non ne fece parola. Solo nel 1878 furono pubblicate le lettere che ricevette da Keats e, curiosamente, fecero scandalo: mentre John Keats fu definito “maleducato”, “un piagnone”, ecc., Fanny fu vilipesa per la sua incostanza e soprattutto per la sua freddezza. Questa voce, anche se mitigata, persisteva in una ristampa del 1936. La discrezione di Fanny Brawne fu dunque fraintesa: non l”indifferenza – era convinta del genio del poeta – ma il timore, come si espresse nel 1829, che egli fosse esposto a un ridicolo ancora maggiore; “è insopportabile per lei”, scrisse Motion, “che egli debba essere così grottescamente frainteso nella sua “esistenza postuma” come lo era stato in vita”.

John Keats leggeva i grandi poeti prima di lui con “squisito piacere”. Gli estratti che copia sono pieni di annotazioni sia entusiastiche che critiche. È una vera e propria manna poetica evocata prima di girare una pagina, un rituale di benvenuto alla “folla dei bardi” (How many Bards), o un rifugio nei momenti di disperazione, o un”ispirazione per trattare un nuovo tema. Queste interazioni gli sembrano una fraternità, una “massoneria immortale”, come scrive nel suo racconto dell”attore Edmund Kean.

Geoffrey Chaucer

Keats lesse Geoffrey Chaucer già nel 1817 e tornò a lui in seguito, soprattutto quando incontrò Fanny Brawne, che gli diede l”opportunità di identificarsi con Troilo di Troilo e Criseide. L”ambientazione di The Vigil of St. Agnes deve molto agli splendori gotici di Geoffrey Chaucer, e la sua Veglia di San Marco è sottotitolata “Un”imitazione degli autori al tempo di Chaucer”. Questa infatuazione per le storie di cavalleria medievale fu ulteriormente rafforzata dalla Storia di Rimini di Leigh Hunt del 1816, ispirata al tragico episodio di Francesca da Rimini raccontato nell”Inferno, Parte I della Divina Commedia di Dante. La preferenza di Hunt era fermamente con lo stile in versi di Chaucer, adattato all”inglese moderno da John Dryden, in opposizione al distico epigrammatico di Alexander Pope che lo aveva sostituito.

Edmund Spenser

Un”altra grande ispirazione fu Edmund Spenser, in particolare in The Faerie Queene, che ispirò John Keats ad abbracciare la poesia. I suoi manoscritti rivelano che nel corso della sua lettura segna la cesura di certi versi, o i suoni di nenia in passaggi ritmici, cadenze e passaggi eufonici. In una lettera in versi a Charles Cowden Clarke nel settembre 1816, menziona

Infatti, è a Edmund Spenser che deve parte del suo stile sensuale, denso e melodioso, ancor più quando scrive nella strofa del suo modello, come in The Vigil of St Agnes. Spenser era una passione nella cerchia di Leigh Hunt e William Hazlitt, ma mentre l”entusiasmo per la sua estetica era totale, l”allegoria morale era di scarso interesse. Alcuni luoghi iconici della Fairy Queen, come ”The Bower of Bliss”, si trovano nella poesia di John Keats, da Calidore, il poema omonimo del cavaliere di Spenser (Sir Calidore, il cavaliere di ”Courtesie”) a Endymion e l”Ode to a Nightingale. Keats elogia la proverbiale gentilezza di Edmund Spenser e non esita a parodiarlo, per esempio in The Cap and Bells; or, the Jealousies, a Faery Tale, dicembre 1819.

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William Shakespeare

John Keats aveva una profonda affinità con William Shakespeare. In una delle sue lettere, lo chiama Presider, colui che presiede la tavola, e trova nella sua opera una ricchezza di tesori poetici, comprese le lezioni di psicologia umana e politica. Per molto tempo, Shakespeare sembrava “abbastanza per noi”, e scrivere qualche bella opera teatrale divenne la sua “più grande ambizione”.

La dizione teatrale di Edmund Kean, il più importante attore shakespeariano, che Keats riportò in una recensione pubblicata nel Champion il 21 dicembre 1817, lo affascinò. Nel suo breve saggio, il signor Kean, spicca una frase che implica che a coloro che sanno decifrarli, i segni segreti sono rivelati in tali declamazioni:

Un frammento di un”opera teatrale, King Stephen, ma ciò che conta è la smania di Keats di leggere e rileggere e annotare le opere e i sonetti di Shakespeare nella sua edizione in sette volumi del 1814, portata in Italia nel suo ultimo viaggio. Sature di fraseggi, allusioni e giochi di parole shakespeariani, le sue lettere e poesie si impegnano in un vero e proprio dialogo a distanza: Endymion abbonda di espressioni debitrici del Bardo di Stratford-upon-Avon, Broad-fronted Caesar (Cleopatra, I, 5, 29), milk-livered man (King Lear, IV, 2, 50), etc., insomma tutti i suddetti ”geroglifici della bellezza”.

Da Shakespeare, John Keats conserva anche l”idea dell”inevitabilità della sofferenza inerente alla condizione umana. Ne parla nella sua lettera in versi a John Hamilton Reynolds nel maggio 1818, quando suo fratello Tom è malato. Un anno dopo, nel maggio 1819, spiegò di essersi riconciliato con questo stato di cose, convinto ormai che, come gli insegnamenti di Re Lear, l”uomo ha bisogno della sofferenza per “scolarizzare un”intelligenza e farne un”anima” (II, 101, 2).

John Milton

Se Edmund Spenser gli sembrava benevolo, John Milton impressionò Keats con la sua forza di espressione, intimidatoria, quasi minacciosa, non nei poemi brevi come Lycidas o L”Allegro et Il Penseroso, ma nel Paradiso Perduto. Con Milton, Keats rimane in guardia: “La vita per lui sarebbe la morte per me”. (La vita per lui sarebbe la morte per me), ha scritto. Questo sacro terrore è ampiamente condiviso da tutti gli aspiranti poeti epici che, in un modo o nell”altro (imitazione, integrazione, parodia, revisione), si obbligano a confrontarsi con l”inaccessibile presenza arroccata all”apice della tradizione poetica inglese. Keats intraprende la sfida di riscrivere la cosmologia miltoniana secolarizzandola. I suoi primi approcci furono cauti, allusioni, ceppo alto e tuoni melodiosi nell”Ode ad Apollo, Vecchio studioso delle sfere in Alla vista di un ricciolo di capelli di Milton. Ben presto la sua ambizione si indurì, sotto l”influenza di William Wordsworth, il “nuovo genio e guida”, che aveva definito un modo epico diverso, “la passione epica”, non più dedicata al grande disegno della Provvidenza, ma riservata ai “tormenti del cuore umano, la regione principale del suo canto” (Martyr himself to the human heart

Tale è la gestazione della seconda versione di Hyperion, la più miltoniana delle poesie di Keats, strutturata come una copia dei primi tre libri del Paradiso perduto, con un verso bianco muscoloso di trochees (- u), inversioni intrise di latinismi (Rumbles reluctantly al verso 61, per esempio, che ricorda le fiamme riluttanti che accompagnano l”ira di Dio (con reluctant Flames, il segno

Thomas Chatterton

John Keats dedica il suo Endymion a Chatterton. Non è solo la tragica morte di questo giovane poeta che onora, ma anche la sua lingua, che dice essere paragonabile a quella di Shakespeare (The most English of poets except Shakespeare). L”influenza di Chatterton può essere vista nella Veglia di San Marco, e subito dopo aver composto la sua Ode all”autunno, Keats scrisse a Reynolds: “In qualche modo associo sempre Chatterton all”autunno”.

La conversazione di Keats con i poeti si concentra sulla sua passione per una lingua complessa e sontuosa, il suo fascino per i contrasti, la sua intensa preoccupazione di essere incluso nella fraternità della poesia inglese. Al di là degli aspetti formali della sua arte, la capacità della poesia di esprimere il pathos dell”esperienza è sempre presente. Non riuscendo a scrivere alla fine della sua vita, sceglie bellissimi passaggi da The Faerie Queene di Edmund Spenser per sottolineare la loro rilevanza per Fanny Brawne, e uno dei suoi ultimi discorsi a lei riguarda Marinell, affranto per aver rifiutato Florinell (IV, 12, 10), la cui descrizione ricorda ciò che lui stesso è diventato, distrutto dalla malattia, frustrato nella sua ambizione e ammaccato dal rifiuto dell”amore:

Quando morì all”età di venticinque anni, Keats aveva solo sei anni di pratica poetica seria, dal 1814 al 1820, e quattro pubblicazioni. Secondo Andrew Motion, i tre volumi delle sue opere non hanno venduto più di duecento copie.

Un fondo piuttosto sottile

Alain Suied, il più recente traduttore di Keats in francese, scrive che “la sua vita di poeta folgorante durò solo cinque anni, dal 1816 al 1821. Cinque anni intensi, fiammeggianti, durante i quali provò ogni strada, ogni ricerca fervida, ogni stile dall”ode al sonetto, dall”intimo all”epico. Da solo ha trovato verità e bellezza, mito e semplicità.

Infatti, la sua prima poesia, O Solitude, apparve sull”Examiner di Leigh Hunt nel maggio 1816, e la sua raccolta Lamia, Isabella, The Eve of St. Agnes and other poems fu pubblicata nel luglio 1820, poco prima della sua partenza per Roma. Che la sua maturità poetica possa essere compressa in un tempo così breve è di per sé un fenomeno. In questa breve carriera, i periodi, l”evoluzione e il progresso sono evidenti: Dall”Epistola a Matteo all”Inno all”Autunno”, scrive Albert Laffay, “la differenza è prodigiosa. Così la reputazione di uno dei poeti più studiati e ammirati della letteratura britannica poggia su una base piuttosto sottile. Da Endymion, scritto nel 1817, promettente ma ancora vago, a Isabella, adattato dal Decameron (IV-V) e datato primavera 1818, già un capolavoro ma in cui il poeta, secondo Laffay, “non ha impegnato l”essenza della sua anima”, e Hyperion, una grande parentesi miltoniana di breve durata, il Keats supremo si rivela nello spazio di pochi mesi, dal gennaio 1819 al settembre dello stesso anno, dalla Veglia di Sant”Agnese all”Inno all”Autunno.

Fu solo nei suoi ultimi anni che la sua intensità si realizzò pienamente. Il poeta, da parte sua, rimane convinto di non aver lasciato alcun segno nella storia della letteratura: “Non ho lasciato nulla di immortale”, scrive a Fanny Brawne, “nulla che renderebbe i miei amici orgogliosi di avermi conosciuto, ma ho amato il principio della bellezza in tutte le cose, e se avessi avuto il tempo, avrei composto qualche opera degna di essere ricordata.

I sonetti

John Keats cercò una forma poetica che potesse esprimere il momento. Così si rivolse al sonetto che, come scrisse Dante Gabriel Rossetti, “è il monumento di un momento dedicato alla morte di un”ora immortale”. Il genere, caduto in disuso durante la Restaurazione, fu ripreso all”inizio del XIX secolo e i poeti romantici cedettero tutti al suo fascino. Il sonetto richiede una disciplina rigorosa, quattordici righe, dieci sillabe per riga, un ritmo giambico e un forte schema di rime. Keats dedicò molta cura ed energia al genere e lo illustrò con sessantaquattro composizioni, delle quali trentacinque su trentasette seguono il modello petrarchesco (ottava + sizain), da dicembre 1814 ad aprile 1817, poi da gennaio a ottobre 1818, quindi da novembre fino alla sua morte, seguendo la forma shakespeariana (12 + 2). Il primo di questi è uno stato d”animo chiaramente espresso in una lettera del 22 novembre al suo amico Benjamin Bailey: “O per una vita di sensazioni piuttosto che di pensieri! Infatti, il pensiero in questo periodo si converte in simboli, la logica in immagini e sentimenti. Al contrario, i cosiddetti sonetti shakespeariani riflettono un”intensa riflessione come annunciato nella lettera del 4 aprile 1818 a John Taylor: “Intendo seguire le raccomandazioni di Salomone: acquisire saggezza, acquisire comprensione. Mi sembra che i giorni della sciatteria siano passati.

Detto questo, Keats non era veramente soddisfatto di nessuna delle due strutture: la forma italiana lo costringeva, secondo lui, a usare rime troppo “balzane”, e la forma shakespeariana rimaneva troppo elegiaca, per non parlare del fatto che il distico finale non è mai perfetto, nemmeno in Shakespeare. Così sperimentò, provò una forma ABC ABD CAB CDE DE, scrisse What the thrust said (19 febbraio 1818) in blank verse, cioè in decasillabi non rimati, tranne il distico finale, qui con una rima piuttosto fantasiosa (ˈaɪdl

Tra i sonetti di John Keats, alcuni sono dedicati ad amici, come Benjamin Haydon, Leigh Hunt, esq, i suoi fratelli, George in particolare, ammiravano i poeti (Lord Byron, Thomas Chatterton, Edmund Spenser), uno il gatto della signora Reynolds, altri il Nilo, il sonno, la morte, il disgusto della superstizione, e altri ancora questioni letterarie, filosofiche o legate agli eventi, la fama, i fregi del Partenone, il Re Lear di Shakespeare, la pace, la solitudine, l”Inghilterra, lo stesso sonetto, ecc. È inclusa anche una traduzione di un sonetto di Ronsard e un sonetto scritto in fondo a una pagina contenente un racconto di Chaucer.

Il sonetto che rivelò John Keats prima a se stesso, poi al mondo letterario, è After First Looking into Chapman”s Homer, analizzato brevemente sopra (influenza di Leigh Hunt). Altri celebrano vari entusiasmi, per esempio la scoperta dei ”Marmi di Elgin”, come testimonia questo sonetto ekphrastic del 1817 in stile petrarchesco, dove l”incontro con la grandezza greca induce il sentimento della morte. La vastità della storia porta alle vertigini e a un conflitto tra la mente e il cuore, la prima anticipando una morte imminente e il secondo respingendo con orrore la prospettiva. Il cuore prevale, e gli ultimi versi sprofondano nella disperazione, il disordine della sintassi riflette la confusione dell”essere.

Un esempio di sonetto shakespeariano, con il distico finale con la rima ɛθ (respiro

Secondo Joseph Severn, questa è l”ultima poesia scritta da Keats, ma i critici non sono d”accordo su questo punto, così come sul suo destinatario, generalmente considerato Fanny Brawne. In ogni caso, ciò che spicca è il virtuosismo della scrittura, le sue immagini luminose e soprattutto un”unica frase che serpeggia, collegando a turno il cosmico e il domestico, l”amore e la morte, il desiderio e il tempo. Un evento raro per una poesia così breve, Sparkling Star ha ispirato il film di Jane Campion con lo stesso titolo (2009), ed echi di esso possono essere trovati nel Sonetto XVII di Pablo Neruda così come in Christmas Tree, l”ultima opera di James Merrill.

I grandi poemi narrativi

Affinché un autore si affermi all”inizio del XIX secolo, deve comporre un poema di una certa lunghezza. Le pensioni governative stavano diventando scarse, il titolo di Poeta Laureato sembrava screditato, ma la poesia nutre il suo uomo per coloro che hanno successo. Keats, che intendeva stare in piedi da solo, aspirava a tale successo, che portava sia ricchezza materiale che conferma morale.

Endymion è sottotitolato “una storia d”amore poetica”, suggerendo che è una storia d”amore. In effetti, come indica il Libro I, uno dei suoi temi principali riguarda la natura della felicità: infatti, il 30 gennaio 1818, Keats scrive al suo editore John Taylor che il ruolo di Peona, la sorella dell”eroe sconvolto, è “stabilire le gradazioni della felicità anche come una specie di termometro del piacere”. In fondo alla scala c”è il rapporto tra l”uomo e la natura, poi l”amore per l”umanità in generale e il sentimento per un essere particolare, e infine la passione per un immortale, dio o dea. Così, l”amore dell”eroe per Psiche rappresenta il culmine dell”estasi, che dà senso alla sua vita e svaluta de facto il suo ruolo di pastore che ne è ormai privo.

La leggenda di Endimione ha sempre interessato Keats, e l”ha già usata nel sonetto Sleep and Poetry. Il mito è fiorito nella poesia inglese dalla fine del XVI secolo, in John Lily, Endimion, Shakespeare, The Merchant of Venice, V, I, 19, Fletcher, The Faithful Shepherdess, Drummond, love sonnets, Michael Drayton, The Man in the Moon. Eppure, secondo Laffay, “niente di meno greco dell”Endymion di Keats”. Un”opera di 4.050 righe, la storia è una tortuosa passeggiata attraverso quella che Keats chiama “una piccola regione” dove gli amanti della poesia vagano liberamente. Le avventure di Venere e Adone, Pan, Cibele, Nettuno e la processione di Bacco si intrecciano. L”apertura, che contiene il verso più famoso della poesia, “A thing of beauty is a joy for ever”, dà la concezione di Keats della bellezza come una realtà che, nonostante il male inerente all”ordine delle cose, lega l”uomo alla terra e gli permette di “sopportare e persino desiderare la vita”.

Come il suo eroe che, alla fine del suo viaggio, incontra il successo, Keats arriva dopo più di 4.000 versi alla meta che si è fissato, questa “canzone primogenita”. Il suo carattere lo ha aiutato (non mi hai aiutato? (verso 775). Secondo Ramadier, la conclusione del poema prefigura la sua estetica futura, certi passaggi di Hyperion, l”Ode a Psiche e “la forma perfetta delle odi in cui il contemplatore si fonde nell”oggetto contemplato e in cui ogni momento è così prezioso che il linguaggio poetico mira a pietrificarlo per preservarne la dinamica potenziale”.

Endymion fallì: gli attacchi del Blackwood”s Magazine e della Quarterly Review furono feroci e Keats stesso giudicò severamente il suo lavoro. Secondo Laffay, “l”aveva condannato prima di averlo finito”, trovando il suo stile diffuso e poco attraente. Mentre non si è pentito di averlo scritto, perché questo “salto nell”oceano” aveva affinato la sua penna, si è pentito di averlo dato al pubblico.

Hyperion esiste in due versioni, la seconda, rivista, con un lungo prologo. Il primo manoscritto fu iniziato nell”autunno del 1818 e completato nell”aprile del 1819. John Keats scrisse a Reynolds che l”aveva abbandonato, ma lo riprese in un”altra forma, che abbandonò a sua volta, secondo una lettera del 22 a Bailey, in settembre: era il secondo Hyperion, che divenne The Fall of Hyperion. I primi due libri, iniziati mentre Keats era al capezzale del fratello Tom, furono composti durante la sua lunga agonia.

Il poema è inteso come un”epopea in versi, a differenza di Endimione, che è presentato come un “romanzo”. Di nuovo, Keats prende in prestito pesantemente dagli autori elisabettiani, specialmente le traduzioni di Ovidio di George Sandys, per non parlare della traduzione di Esiodo di George Chapman. La Faerie Queene di Spenser, che contiene riferimenti alla guerra del Titanic, è menzionata nel margine di un foglio, e l”Ode a Michel de l”Hospital di Pierre de Ronsard è aggiunta a questa lista. La maggior parte dei nomi dei Titani citati provengono direttamente dalle Recherches Celtiques di Edward Davies. Infine, il Paradise Lost di Milton presta almeno un episodio alla poesia di Keats, quello del grande “Consiglio dell”Inferno” (II, 5, 110f).

Apollo, cioè il poeta, ha raggiunto la divinità grazie a Mnemosine, la Memoria. Nella mitologia, Mnemosine, figlia di Ouranos (Cielo) e Gaia (Terra), appartiene inizialmente all”ordine antico, ma abbandona i Titani per vegliare su Apollo e la bellezza che egli incarna. La sogna prima di conoscerla, il che lo rende immediatamente un poeta – quando si sveglia, una lira lo aspetta al suo fianco. Torturato dal non “sapere” (ignoranza dolorosa), la scienza che vede passare attraverso gli occhi di Memory racchiude tutti i mali della storia, quelli degli dei e degli uomini, tutti gli eventi terreni passati e futuri. Keats chiama questa conoscenza “l”amore del bene e del male”, in altre parole il raggiungimento della saggezza.

Varie tesi riguardanti il poema sono ricordate nell”analisi di Albert Laffay: La confutazione di Ernest de Sélincourt delle dichiarazioni di William Wordsworth e degli editori, questi ultimi in una nota allegata all”edizione del 1820, che sostengono che l”opera era originariamente destinata a coprire dieci canzoni; L”affermazione di John Middleton Murry che il primo Hyperion è un”opera finita – che il vero eroe è Apollo, dio della musica e della poesia, John Keats stesso insomma; la rivelazione di Murry del “lato oscuro del poema” e il ruolo giocato dalle “astrazioni miltoniane”.

Il giovane poeta veglia sul fratello morente; inoltre, se non ha mai amato prima, conosce i temperamenti della sua età. Nonostante la sua diffidenza verso le donne, è combattuto per una certa Miss Cox, un incontro fugace ma rivelatore del desiderio e della paura dell”amore: “Povero Tom – questa donna – la poesia si è combinata nella mia anima come una suoneria”, scrive a John Hamilton Reynolds. Così, attraverso l”imitazione di Milton, il linguaggio nobile, la sintassi ellittica, i latinismi e le inversioni – normalmente poco usati da Keats – e le reminiscenze dirette, Keats “si avvolge in Hyperion come in un mantello”; un travestimento protettivo, dunque, ma, secondo Laffay (che si contraddice su questo punto subito dopo: vedi sotto), non appena appare Fanny Brawne, “i miltonismi svaniscono di loro iniziativa”.

Una nuova opera narrativa, Lamia, anch”essa una favola mitologica, scritta nel 1819 tra le cinque odi della primavera e l”Ode à l”automne de septembre, racconta la storia del dio Hermes alla ricerca di una ninfa che supera in bellezza tutte le sue sorelle. Incontra Lamia, trasformata in serpente, che gli rivela l”ambita ninfa e alla quale, in cambio, presta una forma umana. Lei parte subito per raggiungere Licio, un giovane di Corinto, mentre Hermes e la sua ninfa si addentrano nella foresta. L”amore fin troppo rapido di Licio e Lamia crolla quando, alla loro festa di nozze, viene rivelata la vera identità della sposa (è una “lamia”) e lei scompare immediatamente, lasciando Licio a morire di dolore per averla persa.

Alla fine della poesia (verso 354), John Keats accenna alle sue fonti, l”Anatomia della malinconia di Robert Burton.

Iniziato a Hampstead, il primo libro di Lamia fu completato l”11 giugno 1819 a Shanklin, nell”isola di Wight, e fu solo alla fine di agosto, a Winchester, che John Keats lo completò. Aggiunge ai dati di Burton (vedi nota sopra), Appolonius, il maestro dell”eroe, l”episodio di Hermes e la ninfa, la morte di Licio, ecc. Le fonti classiche sono le stesse dei precedenti poemi mitologici, Sandys, Spenser, con l”aggiunta del trattato Archaeologia Greca di John Potter. Le Favole di Dryden (1698) servono da modello per la versificazione, l”alessandrino, la tripla rima e i distici. Infatti, scrive Laffay, “gli stili romantico e classico si mescolano”. Keats ha sempre espresso una preferenza per questa poesia rispetto a opere come The Vigil of St Agnes.

Canzoni di ”romanticismo” (esempi)

Tra le poesie più gotiche di Keats ci sono The Vigil of Saint Agnes e The Beautiful Lady without Mercy.

La vigilia di Sant”Agnese ha titoli varianti in francese: ”Veille de

L”attenzione di John Keats è probabilmente richiamata, durante una visita a Londra, dalla sua amica Isabella Jones, che gli ricorda che il 20 gennaio è la vigilia di Sant”Agnese e gli presta un libro ambulante che evoca la leggenda di quella notte, Mother Bunch”s Closet nuovamente costretto alla sua attenzione. Del resto, l”Anatomia della Melanconia ne contiene uno schizzo: “È il loro unico piacere, se l”arte può soddisfarle, di vedere in uno specchio l”immagine del loro marito; darebbero qualsiasi cosa per sapere quando si sposeranno e quanti mariti avranno, grazie alla Crommiomanzia, un metodo divinatorio che consiste nel mettere cipolle sull”altare la vigilia di Natale o nel digiunare durante la notte di Sant”Agnese per scoprire chi sarà il loro primo marito.

Keats iniziò costruendo un”ambientazione medievale, la cui autenticità poté verificare mentre passeggiava con Charles Wentworth Dilke per le strette strade di mattoni rossi di Chichester. Le reminiscenze di Chatterton e dei romanzi gotici gli forniscono una luna piena, corridoi bui, una balia timorosa ma fedele e il necessario piano drammatico alla signora Radcliffe. Nella grande lettera-diario a suo fratello George, datata 14 febbraio-3 maggio 1819, scrive: “Ti manderò a vedere i bei nomi degni di Madre Radcliff . È in questo spirito che imposta la storia della “Madeline premurosa”.

Quando fu pubblicato, il poema causò uno scandalo, con troppa sensualità mostrata dalla giovane coppia. Infatti, viene descritta solo una scena appassionata, circondata da episodi gelidi. Il messaggero con il rosario rimane ambiguo, ispirando rispetto o – al contrario – ridicolo. In contrasto, gli ospiti del castello sono riccamente adornati (di nuovo, la pietà di Madeleline, che digiuna, si inginocchia, prega, una santa, un angelo del cielo, tutta purezza (versi 219-225), e infine, il contrasto supremo, il cuore di Porfirio in fiamme (versi 75), quello che vuole parlare, inginocchiarsi, toccare, baciare (versi 81). La purezza di Madeline cede appena il suo sogno si confronta con la realtà, e la fuga dei due amanti lascia il mondo antico al suo lusso o all”ascetismo, e infine alla morte.

Se The Vigil of St Agnes prende in prestito dai Misteri di Udolpho, da Romeo e Giulietta (attraverso la bambinaia), da The Lay of the Last Minstrel di Walter Scott, se condivide l”atmosfera romantica dell”epoca, è comunque probabilmente più debitrice di Edmund Spenser, anche solo per la sua strofa spenseriana: La destrezza di Keats nell”usare le possibilità del pentametro giambico suggellato dall”ampiezza dell”alessandrino finale dispiega una narrazione di quadri, ognuno indipendente ma collegato al tutto, che costruisce sul contrasto freddo (gelo, vecchiaia, morte) – caldo (passione, colori, vetrate, ricchezza gustativa), delicatamente sfumato per tutto, “una sorta di memento mori per la gioventù e l”amore”.

In un paesaggio freddo e sterile, un cavaliere sconosciuto incontra una misteriosa giovane donna dagli “occhi selvaggi” che afferma di essere “figlia di una fata”. Lui la fa salire sul suo cavallo e lei lo porta al galoppo fino all”abisso elfico dove “piangeva e sospirava”. Si addormenta e ha una visione di cavalieri che lo deridono, gridando “La Belle Dame sans merci ti ha stregato! Finalmente si sveglia, ma si ritrova sul lato della stessa “collina fredda”. La spietata signorina è scomparsa e lui continua il suo vagabondaggio.

La Belle Dame Sans Merci è una delle opere più famose in lingua inglese. La scuola preraffaellita la rivendicò come propria. Tuttavia, il poema non fu incluso nell”edizione del 1820 e fu pubblicato in maggio da Leigh Hunt nel suo giornale l”Indicatore. Il titolo è dovuto a un poema di Alain Chartier composto nel 1424, ed è menzionato nella strofa XXXIII de La veglia di Sant”Agnese. John Keats probabilmente lo scrisse direttamente nella sua lettera-diario di febbraio-maggio a George e Georgina. L”influenza di Coleridge è evidente, una sorta di “magia concentrata e primitiva” ereditata dalla scuola tedesca. La sua cadenza è in parte ispirata da un pastiche di John Hamilton Reynolds del Peter Bell di Wordsworth, un racconto eponimo in versi con il protagonista un povero eroe che le circostanze portano alla differenza tra giusto e sbagliato, e alla compassione:

a cui si aggiunge il ritmo delle vecchie ballate inglesi.

In La Belle Dame sans Merci, vari espedienti sono utilizzati per suggerire un”impressione di inquietudine e anche di ammaliamento: scelta del verso, tre tetrametri seguiti da un dimetro, ripetizione di parole e ripetizione da una strofa all”altra di espressioni simili, uso di uno spondeo per terminare ogni strofa, talvolta sostituito da un anapeste, uno iambe aumentato, che prolunga l”effetto.

(strofe 1 e 2 di 12)

La Belle Dame Sans Merci è una delle poesie più musicali di Keats. Nella descrizione iniziale del cavaliere “che vaga solitario e bighellona pallidamente”, la consonanza della l, cantata e ripetuta tre volte, per non parlare del trasferimento del pallore al vagabondaggio, e l”indirizzo ail thee, in rima interna con palely (verso 2), aggiungono, per accrescimenti successivi, il languore. Il pallore, che ricorre cinque volte, e l”aggettivo selvaggio, che descrive gli occhi della bella creatura (versi 16 e 31), fanno presagire una tragica beatitudine, che è ulteriormente sottolineata dal silenzio degli uccelli. La frase di apertura si ripete di strofa in strofa, creando un ritmo da ninna nanna simile a una ballata.

Le grandi odi del 1819

Per molti commentatori, i testi più completi sono le odi scritte nel 1819: Ode sur l”indolence, Ode sur la mélancolie, Ode sur une urne grecque, Ode à un rossignol, Ode à Psyché, Ode à l”automne. Tutte – ad eccezione dell”Ode sur l”indolence, pubblicata nel 1848 – furono pubblicate nel 1820, ma nessuno sa in che ordine furono composte. Per la maggior parte, i loro temi sono eminentemente romantici: la bellezza della natura, il rapporto tra immaginazione e creatività, la reazione alla passione della bellezza e della sofferenza, il passaggio della vita nel tempo.

Prese insieme, le odi non raccontano davvero una storia. Non hanno una trama, non hanno personaggi; e non c”è alcun suggerimento che John Keats li intendesse come un insieme coerente, anche se le molteplici interrelazioni che li collegano rendono difficile l”interpretazione. Gli stessi temi sono più o meno presenti, le immagini sono simili, e da una all”altra, prese in qualsiasi ordine, si può rilevare un”evoluzione psicologica. I critici mettono in dubbio le voci narrative: chi parla in queste odi, lo stesso narratore dall”inizio alla fine, o uno diverso in ognuna? La coscienza che concepisce, scrive e parla è ovviamente quella dell”autore, Keats stesso, ma il tutto non è necessariamente autobiografico, alcuni degli eventi menzionati non sono mai stati vissuti.

Tuttavia, l”Ode sull”Indolenza, l”Ode sulla Malinconia, l”Ode a un Usignolo e l”Ode su un”Urna Greca condividono uno scenario naturale, abbozzato nell”Ode a Pyche, che sembra piacere a Keats. Gittings parla addirittura di una sensazione di “ritorno alle sue radici”: i rigogliosi giardini di Wentworth Place – era la sua prima estate da Charles Armitage Brown – i loro prati, i fiori, la frutta, il sottobosco e il canto degli uccelli, ricordano i luoghi della sua prima giovinezza, quelli di Enfield e Edmonton. A questo incanto si aggiungono l”amata presenza di Fanny Brawne e il conforto un po” maniacale del padrone di casa, così che dai loro versi emerge una nuova “allegria”, ciò che Gittings chiama una “riconciliazione delle luci e delle ombre della sua vita”.

Walter Jackson Bate si riferisce a loro come “perfezione”. Così mette l”Inno all”autunno in cima alla gerarchia e aggiunge che “non è indecente considerare l”Inno all”usignolo “meno perfetto” del suo predecessore, pur essendo un poema migliore”. Charles Patterson continua nella vena dei giudizi di valore e conclude che, considerando la complessità della saggezza umana, l”Ode a un”urna greca merita il premio. Più tardi, Ayumi Mizukoshi afferma che i contemporanei di John Keats avevano difficoltà ad accettare l”Ode a Psiche perché “la sua interiorità riflessiva impedisce di assaporarla come un quadro mitologico”. Herbert Grierson colloca l”Ode a un usignolo al livello più alto a causa del suo “argomento logico superiore”.

A parte il loro valore intrinseco, le odi devono molto alle conoscenze mediche di Keats, che spesso usa termini – precisi o grafici – che hanno una base scientifica. L”esempio più eclatante è l”Ode a Psiche, che esplora i passaggi oscuri della mente, le regioni inesplorate della mia mente. Keats li veste di api, uccelli, driadi e fiori soprannaturali, passando così dalla scienza al mito con i tradizionali topoi poetici. Il titolo del poema, Ode a Psiche, contiene in sé, attraverso l”ambivalenza del nome proprio, l”essenza del problema: Psiche è la dea ritardataria dell”Olimpo, ma anche la “psiche”, lo spirito non disincarnato, in altre parole il cervello. Questo rifiuto della separazione tra mente e corpo può essere visto in molte delle opere di Keats, nelle “fronti arrossate”, gli “amanti palpitanti”, i riferimenti agli effetti di sostanze deleterie, vino, oppio, cicuta (vedi i versi iniziali dell”Ode a un usignolo). Così, gran parte della potenza poetica delle odi si basa sulla capacità del poeta-medico di esprimere le impressioni del corpo in una “felice combinazione di audacia lessicale e tatto prosodico”.

Dopo averle composte, Keats perse interesse per le sue odi e tornò a uno stile narrativo più drammatico. Eppure, ognuno in modo diverso, esplorano la natura e il valore del processo creativo e il ruolo giocato dalla “capacità negativa”. Riguardano le forze della coscienza e dell”incoscienza, il rapporto tra arte e vita. Parallelamente alla sessualità e all”attività mentale, si sforzano di trascendere il tempo, pur sapendo di essere legati ad esso. Contemplare Psiche, scrutare i dettagli dell”urna greca, ascoltare il canto dell”usignolo, analizzare la malinconia e l”indolenza, permettono a Keats di definirsi come un ”io”, pur riconoscendo la sua dipendenza dal mondo esterno. La sua ricerca della verità e della bellezza (Ode su un”urna greca

Trecentoventi lettere di Keats sopravvivono e quarantadue sono note per essere scomparse. L”ultimo ad essere scritto, a Roma, fu a Charles Armitage Brown il 20 novembre 1820, meno di tre mesi prima della sua morte.

Questa corrispondenza, pubblicata nel 1848 e nel 1878, fu trascurata nel XIX secolo e divenne di reale interesse solo nel secolo successivo, che la considerò un modello nel suo genere. È la principale fonte di informazioni fattuali sulla vita di Keats e, soprattutto, sulle sue opinioni filosofiche, estetiche e poetiche. Le lettere più ricche sono indirizzate ai fratelli del poeta, specialmente a George e a sua moglie Georgiana – Tom, morto troppo giovane, non poté beneficiarne a lungo – e occasionalmente a sua sorella Fanny e alla sua fidanzata Fanny Brawne. Queste missive diventano un vero e proprio diario e servono come una bozza, o addirittura un laboratorio di idee per le poesie in gestazione.

In queste migliaia di pagine, tuttavia, non c”è una parola sui suoi genitori, appena uno scorcio della sua infanzia, un disagio palpabile nel discutere i suoi imbarazzi finanziari. Nell”ultimo anno della sua vita, man mano che la sua salute veniva meno, John Keats cedeva talvolta alla disperazione e alla morbosità. La pubblicazione nel 1870 delle sue lettere a Fanny Brawne si concentra su questo periodo drammatico, che a suo tempo provocò molte polemiche.

Un”opera letteraria a sé stante

Molti vanno ad amici stretti, ex compagni di scuola di John Clarke o a poeti affermati. Ogni giorno, questi intellettuali si scambiano almeno una lettera per trasmettere notizie, indulgere nella parodia o commentare eventi sociali. Brillanti, frizzanti di umorismo, intelligenti e critici, hanno alimentato i progetti e mantenuto l”emulazione. Gli scritti spontanei e impulsivi di John Keats seguono il flusso dei suoi pensieri, lucidi su se stesso, comprese le sue debolezze, riflettendo l”evoluzione del suo pensiero e delle sue concezioni, pur conservando un”originale libertà di tono, fatta di viva spontaneità – come una conversazione, John Barnard scrive, con le parole che sostituiscono i gesti e Keats che riesce a cancellare l”ostacolo dell””ora” -, della leggerezza spesso (discorso popolare, giochi di parole, volgarità, poesie senza capo né coda per sua sorella Fanny), che li colloca, come ha osservato T. S. Eliot, tra i migliori dei poeti. S. Eliot ha osservato, tra i migliori mai scritti da un poeta inglese. Ecco perché questa corrispondenza merita di essere considerata un”opera letteraria a sé stante. Secondo John Barnard, queste lettere possono essere paragonate al Preludio di William Wordsworth e, come quel poema, corrispondono al suo sottotitolo: Growth of a Poet”s Mind.

La qualità letteraria della corrispondenza di Keats si rivela in un piccolo poema (o frammento) in cui il corrispondente immagina la propria morte e chiede che la morte del suo lettore, in modo che il suo sangue possa farlo rivivere. Grottesco nella sua argomentazione, ma abile nella sua disposizione e pseudo-dimostrazione, agisce come una parabola, essendo la reciprocità all”ordine del giorno mentre il messaggio passa dall”uno all”altro, come espresso, a parte ogni decoro, dall”immagine del flusso di sangue condiviso:

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Un laboratorio di idee

L”argomento principale della corrispondenza ruota intorno al concetto di poesia, mentre la maggior parte degli interlocutori di Keats sono più interessati alla scienza, alla politica, alla metafisica o alla moda. La precisione delle sue analisi è sottolineata da T.S. Eliot, che ne nota anche la maturità. Da febbraio a maggio 1819, una valanga di idee assalì John Keats: domenica 14 febbraio, per esempio, spiegò a suo fratello George la sua concezione della “valle dell”anima”, che conteneva i semi delle grandi odi di maggio.

In effetti, molte delle lettere danno conto dei concetti che Keats ha utilizzato per sostenere la sua creazione poetica. A John Hamilton Reynolds la domenica 3 maggio 1818, per esempio, espose la sua teoria della ”Mansion of Many Apartments”, e a Richard Woodhouse il 27 ottobre dello stesso anno, quella del ”Chameleon Poet”, idee menzionate solo una volta, ma che, per la loro rilevanza e originalità, colpirono la critica e il pubblico.

A large Mansion of Many Apartments” è una metafora della vita umana, che passa dall”innocenza all”esperienza, non diversamente dalla visione di William Blake e William Wordsworth: “Ebbene, io vedo la vita umana come un palazzo con molte stanze, di cui posso descrivere solo due, essendo le altre ancora chiuse per me. Quella in cui entriamo per prima la chiameremo la camera dell”innocenza infantile, dove resteremo finché non saremo in grado di pensare. Rimaniamo lì per molto tempo, e non importa che le porte della seconda camera siano spalancate in piena luce, non mostriamo alcuna fretta di avventurarci dentro; Ma qui siamo impercettibilmente spinti dal risveglio nell”intimo del nostro essere della facoltà di pensare, e non appena raggiungiamo la seconda camera, che chiamerò la camera del pensiero vergine, ci gustiamo fino all”ebbrezza della luce e di questa nuova atmosfera, dove non vediamo altro che meraviglia, così attraente che ci soffermeremmo volentieri in tali delizie. Tuttavia, questo respiro ha i suoi effetti, soprattutto nell”acuire la nostra percezione della natura e del cuore umano – nel persuaderci che il mondo è solo frustrazione e strazio, sofferenza, malattia e oppressione, così che la camera del pensiero intatto si oscura gradualmente mentre tutte le porte rimangono aperte, ma immerse nel buio, conducendo a corridoi oscuri. Non possiamo vedere l”equilibrio del bene e del male. Siamo nella nebbia. Sì, questo è lo stato in cui ci troviamo e sentiamo il peso di questo mistero.

Il “poeta camaleonte” è una spugna; senza un ego, è tutto o niente, che piova o nevichi, che sia alla luce o all”ombra, che sia ricco o miserabile, ecc., prova lo stesso piacere nel ritrarre il cattivo o la vergine, Iago (ciò che sconvolge il filosofo virtuoso lo delizia; si diletta nel lato oscuro delle cose così come nel loro lato solare. È l”essere meno poetico che ci sia, perché privo di identità, la sua missione è quella di abitare altri corpi, il sole, la luna, il mare, e uomini e donne, anche divinità, Saturno o Ops (Rhea).

Nel suo libro su Keats, Albert Laffay spiega lo sviluppo del concetto di “capacità negativa” nella mente del giovane poeta. Sottolinea l”importanza, dopo la lettera a Bailey del 22 novembre 1817, della lettera-diario del 21 dicembre 1817 a suo fratello George e alla cognata Georgiana. Di questo “poema in prosa”, come lo chiama lui, cita la conversazione tra Keats e il suo vicino Dilke in cui l”espressione “capacità negativa” è usata per la prima – e ultima – volta. Da questo scambio, Keats conserva l”impressione che “a coda di rondine” abbia avuto luogo nella sua mente e che sia giunto alla certezza che un “Man of Achievement”, Shakespeare all”avanguardia della letteratura, deve la sua supremazia alla sua capacità “di stare in mezzo a incertezze, misteri, dubbi, senza essere obbligato ad arrivare a fatti e ragionevolezza. In altre parole, aggiunge Laffay, “Shakespeare è colui che non cede alla tentazione di mettere le cose in ordine logico, ma riesce a trasfigurare il male attraverso la mediazione della bellezza, a far ”evaporare” gli elementi sgradevoli portandoli in intima relazione con la bellezza e la verità”. Il potere ispiratore della bellezza trascende la ricerca dell”oggettività: come esprime l”Ode su un”urna greca nella sua conclusione, La bellezza è verità, la verità bellezza – questo è tutto

I temi che costituiscono la sostanza della poesia di John Keats sono numerosi, ma la maggior parte di essi si riferisce ad alcuni grandi concetti o percezioni in cui si intrecciano mito e simbolismo: la morte, la bellezza e, più incidentalmente, l”antichità greco-latina, che si presenta come un tema in sé, ma anche come sfondo da cui attingere per ambientazioni e personaggi.

Morte

Anche prima dell”inizio della sua malattia, Keats era perseguitato dall”inevitabilità della morte. Per lui, nell”ordinarietà della giornata, avvengono costantemente piccole morti, che registra con cura: la fine di un bacio amoroso, l”immagine di un”urna antica, la raccolta del grano in autunno, non segni o simboli di morte, ma morti accumulate. Se gli oggetti di grande bellezza artistica si offrono al poeta, la morte si presenta per accompagnare il suo pensiero; così, in At the Sight of the Elgin Marbles (1817), la meditazione conduce immediatamente all”idea della scomparsa:

A livello personale, Keats spera di vivere abbastanza a lungo per emulare la gloria di William Shakespeare e John Milton, come espresso in Sleep and Poetry, dove si dà un decennio per leggere, imparare, capire e superare i suoi predecessori. Il poema (diciotto strofe di lunghezza variabile) contiene, tra l”altro, una tabella di marcia poetica molto precisa: tre tappe, prima oltre Flora, cioè il romanticismo pastorale, poi Pan, cioè la narrazione epica, e infine la maturità che sonda i lombi e i cuori:

Coesiste con questo sogno iniziatico la sensazione che la morte possa porre fine a questi progetti, una premonizione che Keats rende ancora più esplicita nel suo sonetto del 1818, When I have fears that I may cease to be:

L”Ode a un usignolo riprende alcune delle nozioni viste in Sonno e Poesia, come il semplice piacere di vivere e il generale umore ottimista della creazione poetica, ma solo per rifiutarle: il senso di perdita del mondo fisico, la consapevolezza di entrare in uno stato di morte, e, in particolare, la metafora finale della “zolla di terra”, sod, una parola che connota anche la stupidità e la viltà. Così, è appollaiato su questo piccolo mucchio di cenere – o mediocrità, anche cattiveria – che l”uccello bello e invisibile canta.

Un approccio simile si ritrova nell”Ode sur la mélancolie, dove il vocabolario, incentrato sull”idea di morte e di oscurità, evoca senza nominare gli Inferi, con Lethe e Proserpina, in una scenografia ridotta a un semplice tasso, l”albero che assicura il legame tra i vivi e i morti, e come oggetti di scena, una pletora di veleni nocivi o di insetti che portano l”oscurità e la morte. Così la morte, anche se elevata al livello del piacere supremo, “porta con sé l”impossibilità di goderne”. Qui troviamo l”argomento di Epicuro: “Il più spaventoso dei mali, la morte non è niente per noi, ho detto: quando siamo, la morte non c”è, e quando la morte c”è, siamo noi che non siamo.

Sia come sia, la morte e il dolore, “il suo sostituto”, affascinano entrambi: la caduta irreparabile della durata, come in J”ai peur parfois de cesser d”être (vedi sopra), certamente un piacere riconosciuto, ma anche temuto perché destinato alla corruzione, che si elude o si adultera. Così, nell”Ode a un usignolo, “Sono stato mezzo innamorato della morte utile”, o in Perché ho riso ieri sera, “La morte è la grande ricompensa della vita”.

Certamente Keats, che in un momento cruciale della sua vita perse quasi tutti quelli che amava, i suoi genitori, suo fratello in particolare, era ossessionato dalla morte – morire ed essere morti – e spesso condivideva con i suoi lettori i pensieri positivi e negativi che lo assillavano sull”argomento. Nel complesso, egli trovava anormale che una persona sguazzasse nella “valle di lacrime” e che camminasse solo sul “sentiero del dolore”.

La contemplazione della bellezza

La contemplazione della bellezza non ha lo scopo di ritardare lo stadio finale, ma di migliorare la vita attraverso il godimento estetico. Oggetti d”arte, paesaggi della natura, il narratore sviene davanti a un”urna post-ellenica (Ode su un”urna greca), rimane estasiato dalla lettura di una raccolta tradotta da Omero da George Chapman (1816) (Alla prima lettura dell”Omero di Chapman), (Sedersi per leggere di nuovo Re Lear), o rendere grazie alla brillantezza della Stella del Pastore (Stella scintillante), o alle melodie dell”uccello canterino (Ode a un usignolo). A differenza dei mortali che, come il narratore, sono condannati alle ferite e ai rottami del tempo, queste bellezze appartengono all”eternità. Il narratore dell”Ode su un”urna greca invidia gli alberi che non perderanno mai le loro foglie o i suonatori di pipa i cui accenti trascendono i secoli. Il loro canto stimola così tanto l”immaginazione che le loro melodie sono rese ancora più dolci dal fatto che sono congelate nel silenzio. Se l”amante non torna mai dalla sua amata, almeno è sicuro che lei è ancora attraente come sempre, proprio come l”urna dedicata alla bellezza eterna e all”ammirazione generale.

A volte il sentimento estetico ha un effetto così profondo sul narratore che lascia il mondo reale per entrare nel regno della trascendenza e del mito, e alla fine del poema ritorna armato di un nuovo potere di comprensione. Se l”assenza non è materiale, almeno prende la forma di una fantasticheria che porta la coscienza fuori dalla sfera razionale e nell”immaginario. Così, in Étincelante Étoile, si crea uno stato di “dolce inquietudine” (verso 12) che lo tiene sempre cullato dal gonfiore del respiro della bellezza che ama.

L”aforisma conclusivo dell”Ode su un”urna greca cristallizza la concezione della bellezza di Keats in due righe:

È l”urna che parla, altrimenti John Keats avrebbe usato il pronome personale we invece di ye. L”aforisma “La verità è bellezza” può essere compreso solo in relazione a questa “capacità negativa” immaginata da Keats. Nulla si raggiunge con una catena di ragionamenti e, in ogni caso, “la vita del sentimento è preferibile alla vita del pensiero” (O per una vita di sensazioni piuttosto che di pensieri!). Così l”Ode su un”urna greca è un tentativo di catturare un momento in una forma d”arte. Quanto alla verità, “intravista, persa, ritrovata, è la vita segreta della poesia di Keats, anche se non è mai assicurata una volta per tutte”. John Keats, infatti, rifugge il dogma, la definizione e le posizioni definitive: la ”capacità negativa” lo aiuta ad accettare il mondo così com”è, luminoso o scuro, gioioso o doloroso.

Natura

Come i suoi colleghi romantici, John Keats adorava la natura e la trovava una fonte infinita di ispirazione. A differenza di William Wordsworth, non discerneva in essa la presenza di un Dio immanente, ma la vedeva semplicemente come una fonte di bellezza che trasformava in poesia senza passare dalla memoria, che il suo anziano chiamava raccoglimento in tranquillità. Preferisce l”immaginazione che esalta la bellezza di ogni cosa, come gli accenti emanati dall”urna greca che sono tanto più dolci perché non si sentono.

Oltre ai sentimenti che la natura suscita, amore, indifferenza, a volte odio, si stabilisce un dialogo tra il poeta e il mondo che lo circonda, sempre antropomorfo – la natura, per definizione, non parla il linguaggio degli uomini -, la grande questione riguarda la sua reazione agli impulsi o alle afflizioni del poeta: simpatia, amore, indifferenza, impassibilità? La stessa ansia abita William Wordsworth (Tintern Abbey), Coleridge (Frost at Midnight), Shelley (Ode to the West Wind) in Inghilterra, e Lamartine (The Lake), Hugo (Sadness of Olympio), Musset (December Night) e Vigny (The Shepherd”s House) in Francia.

Per Keats, l”associazione con la natura richiama invariabilmente paragoni con l”arte e

Spesso le ambientazioni naturali emergono solo dall”immaginazione. La fantasia è un buon esempio. Composto subito dopo il fidanzamento segreto del poeta con Fanny Brawne, il poema è intitolato Fancy piuttosto che Imagination, che si riferisce alla distinzione di Coleridge: “Imagination is the power of representing reality in its absence, in its organic unity; fancy, on the contrary, concerns the faculty of inventing unreal, but new, objects by recombining the elements of reality”. Diversamente dalla concezione di Coleridge, Fancy sottolinea il distacco da ciò che è: consumo immaginario dell”amore, fuga dalla vita. Anche qui si sente l”influenza di John Milton, in una felicità misurata che ricorda l”Allegro bucolico, con un ritmo sostenuto ma calmo, “per lo più sillabe brevi che sollevano il verso, mentre il martellamento di quattro toniche lo tira a terra.

Inoltre, Keats entra in dettaglio sulle “delizie” di ogni stagione, i fiori di maggio, il chiaro canto dei mietitori, l”allodola dei primi di aprile, la margherita e la calendula, i gigli, le primule, i giacinti, ecc. Rivolgendosi a “loro”, presumibilmente i poeti, li esorta a dare libero sfogo alla “Dolce immaginazione! Dategli la libertà! Lascia che l”immaginazione alata ti trovi…”. Tuttavia, poiché l”immaginazione si nutre solo di percezioni vissute, c”è un processo di rivivere simile a quello di Sant”Agostino che, nelle sue Confessioni, convoca i suoi ricordi a volontà nelle immense camere del tesoro della sua memoria:

“E arrivo ai vasti palazzi della memoria, dove giacciono i tesori di innumerevoli immagini. Quando sono lì, richiamo tutti i ricordi che voglio. Alcuni si fanno avanti subito. Li spingo via con la mano dello spirito dal volto della mia memoria, fino a quando quello che voglio spinge via le nuvole e dalle profondità della sua grotta appare ai miei occhi. Posso essere nell”oscurità e nel silenzio, ma posso, a mio piacimento, immaginare i colori nella mia memoria, distinguere il bianco dal nero, e tutti gli altri colori l”uno dall”altro; le mie immagini uditive non disturbano quelle visive: sono anche lì, tuttavia, come in agguato nel loro rifugio isolato. Posso distinguere il profumo dei gigli da quello delle violette, senza annusare alcun fiore; posso preferire il miele al vino cotto, il lucido al grezzo, senza assaggiare o toccare nulla, solo per memoria. È dentro di me che tutto questo si fa, nell”immenso palazzo della mia memoria. È lì che ho il cielo, la terra, il mare e tutte le sensazioni al mio comando. È lì che incontro me stesso. Grande è questo potere della memoria, prodigiosamente grande, o mio Dio! È un santuario di grandezza infinita. Gli uomini vanno ad ammirare le cime delle montagne, le enormi onde del mare, l”ampio corso dei fiumi, le coste dell”oceano, le rivoluzioni e le stelle, e si allontanano da se stessi.

Antichità greco-latina

Fin dalla sua infanzia, passione confermata durante gli anni trascorsi alla scuola di John Clarke, John Keats visse nell”immaginazione gli splendori e le miserie della mitologia e della letteratura dell”Antichità. È soprattutto, per forza di cose, dato che non aveva studiato il greco, che si interessa alla parte romana. Ovidio e Virgilio sono i suoi preferiti, e per la parte greca trova molte informazioni negli Archaelogia Graeca di John Potter. Lo sfondo classico è l”ambientazione o il soggetto di molte poesie, sonetti ed epopee. I suoi poemi più lunghi, La caduta di Iperone e Lamia, per esempio, sono ambientati in uno spazio storico mitico vicino a quello di Virgilio, e la mitologia non è mai lontana quando evoca Psiche o l”urna greca. Infatti, se l”urna può ancora parlare agli osservatori due millenni dopo la sua creazione, si spera che una bella poesia o qualche opera d”arte di successo attraversino i confini della posterità. In una lettera a suo fratello George, datata 14 o 15 ottobre 1818, profetizzò che sarebbe stato “tra i più riconosciuti poeti inglesi del suo tempo”.

“Per Keats, le vocali sono una passione, le consonanti un”estasi, la sintassi una forza vitale. L”oralità domina la sua opera e, scrive Marc Porée, “portare la ricchezza e la sensualità del mondo alla bocca, masticarlo, assaggiarlo, schiacciarlo contro il palato, ingerirlo, digerirlo, persino ridigitarlo, tale è il bene sovrano. “Prendi la sua dolce mano e lasciala stravagante

L”anatomista della lingua

Anatomista intuitivo della lingua, del suo scheletro finemente articolato, dei suoi legamenti e fibre, delle sue tensioni e rilassamenti muscolari, dei corridoi del respiro ritmico, Keats è anche un innato specialista delle origini del vocabolario e delle sue mutazioni. Con la sua penna – come con lo stetoscopio da medico – prende il polso di ogni parola, la ascolta e fa una diagnosi.

Keats coltiva il suo dono della parola con meticolosità, testando i giri di frase, misurando il potere suggestivo delle immagini. Per lui, le parole diventano inevitabili nell”immenso spazio di libertà che è la sua immaginazione. Secondo Stewart, questo vale sia per le sue lettere che per la sua poesia: i manoscritti abbondano di commenti marginali, la sua verve è soprattutto su Shakespeare e Milton, a meno che non si concentri su se stesso.

John Keats ha sempre messo la sonorità al centro delle sue preoccupazioni, ma – almeno durante il suo apprendistato – mai a spese della tradizione inglese. A partire dalle sue Imitazioni di Spenser, le sue poesie sono rimaste disciplinate, nonostante le occasionali esplosioni. Così, O Chatterton, un sonetto dedicato a un poeta che si suicidò a diciotto anni, suona come un grido, un inno alla purezza di una lingua senza prestiti stranieri, né latino né greco che inquinano la bella sequenza anglosassone. Questo permette sottili scorciatoie fonetiche, come nella frase O how nigh

In Keats, scrive Stewart, “le parole sono il teatro di un mondo pregnante di affetti”. Il poema Lamia ne è un esempio eloquente, con i suoi leggeri spostamenti di parole che sollevano immediatamente nuove implicazioni, attraverso la metafora e le sue approssimazioni, inversioni e sospensioni sintattiche, rime interne, etimologie ironiche, eccentricità prosodiche ed enjambments. A poche righe dalla fine estrema, sotto gli occhi del filosofo Apollonio, parodia di Apollo, Licio muore, dopo l”evanescenza di Lamia. I limiti dell”emozione sono raggiunti grazie a uno zeugma stilistico, combinando il registro astratto e quello concreto nella stessa costruzione:

In effetti, la frase empty of si riferisce all”oggetto dell”abbraccio e, applicata alle membra, significa ”svuotata della vita”. Così, la morte biologica è istantanea, ma è la grammatica che la rende concomitante alla perdita subita.

Il poeta del silenzio

Vuoto di qui, spazio silenzioso in Sonno e Poesia, silenzio a priori della poesia convenzionale settecentesca, ma soprattutto una riflessione sull”arte del poeta. Keats intuisce un vuoto nel cuore di un testo poetico o dell”esperienza che lo conduce, quando si rende conto che le visioni fuggono per far posto al nulla della realtà (II, 155-159). La poesia serve a riempire di meraviglia i vuoti dell”anima, come nel sonetto di Chapman su Omero, in Bright Star, At the Sight of Elgin”s Marbles, certi passaggi di Endymion.

In ognuno di essi, tuttavia, Keats parla dello shock di vedere una cosa bella che può sia dispensare piacere che travolgere l”essere con quello che Keats chiama “stupore sospeso”, uno stato di stupefazione che nasce dall”ambivalenza con cui l”osservatore si confronta. L”urna greca è sublime, ma rimane un vaso funerario; e in Ode a un usignolo, la felicità sorprende il narratore al canto dell”uccello, ma troppo felice per il dolore di appartenere a un mondo così imperfetto (strofa 3 e 4). Alla fine, c”è un desiderio ambiguo di “cessare di esistere a mezzanotte senza il dolore della morte di sbieco”, come scrive Laffay.

L”Ode sull”Indolenza mostra una risoluzione più assertiva: invece di arrendersi alle immaginarie Ombre senza parole, Keats termina il suo poema con una veemente ritrattazione. Che le tentazioni dell”immaginazione spariscano: Sparite, fantasmi!

Negli ultimi testi, l”Ode à l”automne per esempio, lo splendore della visione è relegato in secondo piano dalla sinfonia del suono che riempie gli spazi vuoti. Questa, spiega Fournier, è una musica che sa valorizzare il silenzio, annunciando Mallarmé e Rimbaud in Francia, Swinburne in Inghilterra, John Cage in America. Questo tipo di poesia disturba la scansione, che è costantemente dislocata: nelle grandi odi, la disposizione prosodica rimane spesso indistinta, per difetto o per eccesso. Incertezza nel verso 21 dell”Ode a un usignolo: “Fade far a”way o Fade ”far a”way? Una profusione di sillabe sottolineate nel verso 25: ”Dove la ”paralisi” scuote alcuni ”tristi ”ultimi ”capelli grigi”. Questa è una nuova esperienza poetica, che fa venire le vertigini, come se, scrive Fournier, “la mente stessa vacillasse nella brezza”.

Il poeta della lentezza

Charles Du Bos scrive di Keats che il suo tempo permette ad ogni termine, uno dopo l”altro, di “sviluppare in noi la sua virtù”. Infatti, Laffay spiega che Keats è un poeta estremamente lento. Paragonato a Shelley, che è eterea e abbagliante, può sembrare terroso. Con lui, le sillabe hanno peso e, secondo Sidney Colvin, “le parole non sono le stesse”. Così, in questo estratto della prima strofa dell”Ode su un”urna greca, versi 4 e 5:

I giambici, a causa della loro pesantezza non anulare, si distinguono male dalle sponde, il che porta a un”erosione del ritmo prosodico, mentre il trochee (- u), più usuale nelle sostituzioni, soprattutto all”inizio del verso, lo interrompe momentaneamente e lo restituisce presto al suo slancio giambico. Inoltre, la desinenza vocale ”-ed”, come in leaf-fring”d (anche se la ”e” elisa taglia la parola dalla sillaba ”-”), è un”aggiunta molto utile alla parola.

Una caratteristica nuova, ma un residuo delle prime opere, è l”abbondanza dei fonemi ɪ e iː, come in celeste e divinità, che, combinati con i participi passati aggettivali, ricorrono in molte poesie. C”è una spiegazione storica per questo che De Sélincourt ha evidenziato: “Se questa finale riesce a modulare il verso, ha anche la conseguenza di produrre una miriade di aggettivi per così dire eccessivamente succulenti, come se per passare dal sostantivo all”epiteto si esprimesse tutto il sapore del sostantivo: è un altro modo di premere su un sostantivo e dilatarlo. In questo senso, aggiunge Garrod, la poesia di Keats “non canta”.

La lentezza in Keats non è solo una questione di ritmo. La cadenza misurata è accoppiata a una quasi-immobilità delle immagini. All”inizio di Ode to a Nightingale, l”accumulo di assonanze mute crea e sostiene uno stato semi-ipnotico (intorpidimento, sonnolenza, bevanda, pieno). Questa apparente stasi nasconde una dinamica potenziale. Così, nell”Inno a Psiche, la coppia Cupido e Psiche, congelata in una “immobilità fremente”, presenta una virtualità di movimento. Inoltre, gli oggetti appaiono gonfi di sensazioni, carichi di un”intensità che la poesia cerca di catturare: nel sonetto On a Dream, su un poeta che si addormenta, è il mondo che per primo perde coscienza. Laffay riassume questa interazione tra il soggetto e l”oggetto esterno: “si perde nelle cose e”.

La tessitura dei sensi

Per Keats, l”esperienza sensoriale ha la precedenza sul pensiero. Anche la sensazione si dimostra portatrice di un significato filosofico necessario alla creazione poetica;

Come per la maggior parte dei poeti, è soprattutto la vista che è strettamente legata all”immaginazione e alla creazione. Si tratta di formare immagini nella mente, un processo contenuto nella frase inglese the mind”s eye, apparsa in Chaucer intorno al 1390 e sancita nell”Amleto di William Shakespeare. Immaginare è vedere dall”interno, una relazione illustrata in diversi scritti del poeta, per il quale l”immaginazione ha una propria funzione visiva, intimamente legata alla creazione. La visione poetica è ciò che solo il poeta può percepire e rendere evidente nella sua arte. Nella sua lettera-diario a George e Georgiana del 17-27 settembre 1819, John Keats paragona lo stile di scrittura di Lord Byron al suo: “Lui descrive ciò che vede – io descrivo ciò che immagino – il che è molto più difficile.

Questa relazione immaginazione-percezione si estende agli altri sensi, l”udito, che Keats chiama l”orecchio della mia fantasia. In quanti bardi gildano le ragazze del tempo! (il poeta sta per comporre quando viene interrotto dai bardi di un tempo che gli sussurrano all”orecchio. I suoni della natura arrivano a lui e i suoi versi diventano il canto degli uccelli, il rollio delle onde, tutto trasformato in musica. La melodia avvolge il suo orecchio e lui inizia immediatamente a lavorare e a creare.

Keats aveva già notato diverse forme di tatto fin dal 1816, nel Guy”s Hospital, che metteva in relazione con le papille, ovunque fossero situate, nel palato, nelle dita delle mani e dei piedi. Così, quando si riferisce al “palato della mia mente” nel verso 13 della sua poesia Lines to Fanny, rivela un”immaginazione dell”odore e del tatto, e nel verso 4 aggiunge che “il tatto ha una memoria”. Così, il petto, il respiro caldo, le labbra, è il ricordo di queste sensazioni tattili che esalta la sua creazione poetica.

Nella prima strofa dell”Inno a Psiche, l”immagine di Cupido e Psiche che si abbracciano è piena di parole ed espressioni relative in primo luogo al tatto e in secondo luogo all”udito e all”olfatto:

Infatti, qui tutti i sensi sono chiamati in causa e l”immagine diventa sinestetica. Il narratore si rivolge all”eroina descrivendo il suo orecchio morbido e poi evoca sottilmente il letto condiviso, gli amanti che giacciono “fianco a fianco”, accoccolati. Le sonorità delle due espressioni si rispondono a vicenda, il secondo participio passato (kaʊtʃt) fa eco al primo (kɒŋkt), un”eco leggermente alterata come per diffrazione acustica. In questo avvicinamento, la vista e il tatto (quest”ultimo virtuale) si mescolano e si uniscono: basta una sostituzione di lettere, la “n” lascia il posto alla “u”, perché la fusione sia completa. Più avanti, nei fiori dalle radici fresche, dagli occhi profumati, la combinazione di due aggettivi composti, separati dal sostantivo comune fiori, evoca almeno tre sensi, il tatto (freschezza, presa), la vista (occhio) e l”olfatto (profumo), così che l”occhio diventa la pseudo-metafora del carpello di un fiore. Allo stesso modo, alla fine della strofa, tutto sembra essere visto da un occhio-alba (un

In Ode à un rossignol, poiché la vista non è l”unica cosa da fare, l”immaginazione olfattiva ci aiuta a capire il mondo e a creare la poesia. Alla panoplia dei sensi si aggiunge la respirazione, in varie forme, aria, respiro, vapori. Nel sonetto After Dark Vapours have Oppressed our Plains, il poeta evoca il passaggio dall”inverno alla primavera, ma piuttosto che dipingere il sole caldo e il germogliare, si concentra sugli effluvi nauseabondi del freddo residuo che opprime e angoscia; presto il dolce vento del sud, con il suo respiro calmante, restituisce alla natura e all”umanità la beata salute simboleggiata dal soffice respiro di un bambino. Infatti, tutto è respiro e respirazione nell”opera di John Keats, il soffio calmante dei boudoir vegetali in Endymion (verso 5), del seno dell”amante in Étincelante étoile (verso 13), o il soffio della morte in Lamia quando la creatura svanisce e Licio muore (verso 299).

Nel complesso, l”esperienza sensoriale è sotto forma di intreccio, treccia, ghirlanda. La radice wreath e il prefisso -inter ricorrono ripetutamente, come in Endimione con interkint, intertwin”d, interlace, interbreath”d (versi I, 813, II, 412, 604, 666). Envelopment, entanglement, l”esperienza intreccia i sensi, e la sinestesia appare come un ipersenso, “un intreccio di sensazioni”. In Je me tenais sur la pointe des pieds au sommet d”une petite colline c”è un pergolato che funge da boudoir vegetale da cui il poeta raccoglie un intricato bouquet di rosa di maggio, calendula, giacinto di bosco e maggiociondolo, circondato da erba punteggiata da viole, piselli dolci, caprifoglio e muschio. Il buco verde diventa luminoso, lattiginoso e roseo, facendo appello a quattro domini sensoriali: vista, gusto, tatto e odore. La barriera è scomparsa e le sensazioni si fondono nell”immagine della vegetazione.

L”aggettivo lush per laburnum richiama sia il tatto che il gusto, ma Keats lo usa anche per i colori brillanti. Non si tratta più di sinestesia, ma di iperestesia secondo John Barnard, un insieme che comprende tutti i domini sensoriali. Al contrario, se manca un senso, avviene un transfert, come mostra Helen Vendler in Ode to a Nightingale, dove il narratore perde la vista e il tatto, Il mormorio delle mosche nelle solitarie vigilie estive (verso 50), e poi l”olfatto, attraverso il quale “indovina” il nome e il colore dei fiori, rosa canina, biancospino, viola e altre rose muschiate.

Prosodia

John Keats usò una varietà di schemi prosodici nel corso della sua carriera, dettati non da ultimo dai generi a cui era interessato.

Del sonetto, ha conservato tutte le forme, prima quella italiana o petrarchesca o anche pindarica, poi quella shakespeariana, e infine quella spenseriana, vicina alla prima, con tre quartine fuse e un distico, che dà lo schema di rima ABAB, BCBC, CDCD, EE. On First Looking into Chapman”s Homer è petrarchesco, con uno schema di rime ABBA ABBA CDCDCD; al contrario, If dull rhymes or English must be chain”d, un sonetto nonce, ha ironicamente uno schema di rime insolito, ABCADE CADC EFEF

Un altro insieme prestigioso è la strofa spenseriana, composta da otto pentametri giambici e un alessandrino finale (un esametro giambico) in uno schema a rime incrociate: ABAB BCBC C (La Veglia di Sant”Agnese). Le configurazioni tradizionali includono il pentametro giambico non rimato (Hyperion), il distico eroico a coppie (Endymion) e la ballata (La Belle Dame sans Merci), una quartina di due tetrametri giambici alternati a due trimetri, nella sequenza ABCD.

Infatti, è solo nelle sue odi del 1819 che John Keats rompe un nuovo terreno. Ecco tre esempi:

Riflette al meglio l”evoluzione del suo stile poetico. Per esempio, mentre le sue prime composizioni ne abbondano, presenta un solo esempio di inversione mediale, la sostituzione di una iambe (u -) a metà del verso, mentre trenta trochees (- u) sono incorporate in tutti i duecentocinquanta piedi, e la cesura non cade mai prima della quarta sillaba.

Si compone di tre strofe, ciascuna composta da undici righe. In questo senso segue lo schema dell”ode antica, una triade sia cantata che danzata, la ”strofa” (un giro a sinistra), l””antistrofe” (un giro a destra) e l””epodo”, cantato dopo (ritorno al punto di partenza). Questa strofa differisce dalle sue controparti in quanto è una riga più lunga di loro, il che permette l”inserimento di un distico (distico), cioè due pentametri giambici rimati prima dell”ultima riga. Inoltre, non avendo un narratore o fasi drammatiche, si concentra su oggetti concreti. Paradossalmente, progredisce mentre gli oggetti evocati non cambiano. C”è, secondo Walter Jackson Bate, “un”unione di movimento e stasi”, una concentrazione di energia a riposo, un effetto che Keats stesso chiama stazionamento, una progressione interna senza riferimento al tempo cronologico. All”inizio della terza strofa, Keats impiega il processo drammatico di ubi sunt, ”dove sono”, che associa a un senso di malinconia, per interrogare il destino sul destino delle cose che non ci sono più, in questo caso le canzoni della primavera.

John Keats privilegie les monosyllabes, tels que dans le vers: how to load and bless with fruit the vines that round the thatch-eves run (” pour dispenser tes bienfaits

Come per le altre odi, il verso scelto è il pentametro giambico, con cinque accenti tonici preceduti da una sillaba non compressa. Keats varia questo schema con la cosiddetta inversione “augustiana”, derivata dalla dizione poetica dei secoli precedenti, sostituendo una spondee a una iambe (, specialmente all”inizio del verso, come in “Season of ”mists and ”mellow” fruitfulness”, che viene ripetuta per ciascuna delle domande poste, il cui vantaggio è di ritardare il volo giambico e di appesantire il significato dall”apertura del verso.

Riconosciuta come una delle più belle poesie di Keats, compatta, drammatica, solida, i versi si susseguono con una rara felicità. Questo vagabondaggio poetico è dovuto soprattutto alla regolarità giambica dei pentametri, il cui peso è dovuto a due processi complementari: lo iambe e lo spondee o trochee, benché antagonisti, si assomigliano, ed è talvolta difficile distinguere tra i due, tanto che sillabe che si suppone siano atoniche sono accentuate, e viceversa. Così, nel primo verso, i piedi del primo emistichio sono tutti sottolineati perché sono monosillabi, e questo stress non può che essere melodico: “NO, no! non andare a Lethe, né torcere” [nəʊ – nəʊ –

L”irruzione della negazione colpisce ancora di più per la sua repentinità: ripetuta su otto righe, immerge immediatamente il lettore in un mondo di protesta infuocata che cresce con gli esempi: evocazione degli Inferi e dei veleni, a sua volta condita dalla semantica negativa degli aggettivi o degli avverbi (luttuoso, sonnolento, ecc.), che vengono ripetuti in assonanza dalla corona che segue:

Ci sono anche suoni ripetuti, principalmente nella loro forma breve: alcuni sono usati per la rima, gli altri rimangono incorporati nel corpo del verso, ma di solito in posizione esposta, per esempio alla fine di un emistichio (rosario, scarabeo, Psiche, angoscia). Come nell”Ode su un”urna greca, c”è una spiegazione storica per questa pletora: Secondo De Sélincourt, “la lingua inglese, avendo perso le sue finali, in particolare la ”-e” non accentata, è privata di molti degli effetti prosodici abituali in Chaucer (XIV secolo). Se questa finale riesce a modulare il verso, ha anche la conseguenza di produrre una miriade di aggettivi che sono, per così dire, eccessivamente succulenti, come se per passare dal nome all”epiteto, si esprimesse tutto il sapore del nome: Questo è un altro modo di premere su un sostantivo ed espanderlo.

In questo senso, l”Ode sulla malinconia non è diversa dalle sue controparti, che, secondo Garrod, “non cantano” (in contraddizione con, per esempio, l”opera di Shelley, non è, leggera, ariosa, fugace, un poema “lirico” nel senso originale della parola, destinato ad essere accompagnato dalla lira. Si declama e si assapora allo stesso tempo: vedi le emistiche… mentre la bocca dell”ape sorseggia, immagine di un”ape che succhia il nettare dal fiore che porta già sul palato la dolcezza appiccicosa. Nei suoi Études sur le genre humain, Georges Poulet paragona questa tecnica di scrittura a quella di Proust, che in À la recherche du temps perdu scrive: “Ero rinchiuso nel presente momentaneamente eclissato, il mio passato non proiettava più davanti a me quell”ombra di se stesso che chiamiamo futuro; ponendo la meta della mia vita non nei sogni di quel passato, ma nella felicità del minuto presente, non vedevo oltre. Ero incollato alla sensazione del presente. Come Proust, Keats “diventava ciò che sentiva; si escludeva da se stesso invece di andare oltre l”oggetto, vi affondava dentro”.

“La critica vale qualcosa”, scrisse Keats a margine della sua copia dello studio di Samuel Johnson su As You Like It (e in una lettera al suo editore John Taylor, aggiunse: “È più facile decidere cosa dovrebbe essere la poesia che scriverla”.

La ferocia dei primi attacchi

Come mostra la sua biografia, mentre il genio di John Keats fu apprezzato da molti dei suoi contemporanei, specialmente Shelley e Leigh Hunt, che ammirarono il suo pensiero impulsivo e il suo stile sensuale e voluttuoso – in breve, ciò che Keats raccomandò a Shelley in una lettera dell”agosto 1820: “riempi ogni fessura del tuo soggetto con minerale (d”oro)” – la critica ufficiale non fu gentile con il giovane Keats. John Wison Croker diffamò il suo primo volume di poesie nella Quarterly Review dell”aprile 1818, ma sembra che non si sia quasi mai preoccupato di leggerlo tutto (soprattutto Endymion) e che il suo obiettivo fosse piuttosto la poesia di Leigh Hunt. Sulla stessa linea, John Gibson Lockhart del Blackwood”s Edinburgh Magazine, mentre faceva una serie di oltraggi linguistici contro i versi di Keats in agosto con lo pseudonimo ”Z”, attaccava soprattutto la cerchia dei suoi compagni. Keats, tuttavia, mantenne un ragionevole sangue freddo: in una lettera a James Hessey, disse in sostanza che la lode e il biasimo non sono nulla in confronto alle critiche che l”amante della bellezza rivolge a se stesso; e nel 1819, nella sua lettera-diario a George, paragonò questi attacchi alla “superstizione” che si gonfia in proporzione alla sua inerente inanità (crescente debolezza).

Un adolescente autodidatta

Se Keats scrisse che “se la poesia non arriva con la stessa naturalezza con cui le foglie arrivano all”albero, è meglio che non arrivi affatto”, la sua opera è il prodotto di una lunga erudizione da autodidatta. La sua sensibilità innata è eccezionale, ma le sue prime poesie sono chiaramente il lavoro di un adolescente che sta ancora imparando, coltivando la vaghezza, una sorta di languore narcotico, e questo in conformità con i consigli del suo amico Charles Cowden Clarke che lo ha introdotto ai classici. Gli articoli sul giornale dell”altro suo amico Leigh Hunt, l”Explicator, fanno parte di questo modo di scrivere: Hunt disprezza la poesia della cosiddetta ”scuola francese” e attacca i primi romantici come Wordsworth e Coleridge, il che fa guadagnare a Keats una temporanea freddezza da questi poeti e anche da Lord Byron, tutte armi per futuri attacchi su Blackwood”s e sul Quarterly.

La scuola cockney

Al momento della sua morte, l”opera di John Keats era contaminata da due influenze ritenute inammissibili. In primo luogo, una presunta oscurità per aver rotto anche con la tradizione di Alexander Pope e rifiutato il linguaggio obbligato, la dizione poetica del secolo precedente, allontanandosi allo stesso tempo dalla semplicità di espressione ricercata dalla prima ondata romantica di Wordsworth, Coleridge e, in misura minore, Robert Southey; in secondo luogo, la tendenza deliberatamente plebea della cosiddetta Cockney School – in realtà, solo Keats, un puro londinese del nord, era davvero un Cockney – coltivata da Leigh Hunt e dalla sua cerchia, cui si aggiunse William Hazlitt.

Infatti, come la prima, ma con delle differenze, anche questa seconda generazione romantica pretendeva di essere politicamente ed esteticamente rivoluzionaria, sfidando lo status quo che, l””establishment” temeva, avrebbe promosso le cosiddette classi inferiori. Da qui la creazione da parte dei critici conservatori dell”epiteto cockney, un riferimento bellicoso al ventre molle di Londra. Ironicamente, il termine fu ripreso dai poeti della classe operaia negli anni 1890, ma nonostante questa moda della Belle Époque, rimase legato alla generazione di poeti di cui John Keats faceva allora parte. Non è sorprendente, quindi, che la sua reputazione postuma sia stata a lungo derisa dai caricaturisti che lo ritraevano come un semplicistico imbranato ucciso da un eccesso di sensibilità.

Anni 1830: finalmente la lode

Tra gli ardenti ammiratori di Keats negli anni ”30 c”erano gli Apostoli di Cambridge. Erano guidati dal giovane Tennyson, che imitò lo stile di Keats e affrontò le sue stesse critiche, ma che più tardi divenne un popolare Poet Laureate e lo classificò tra i più grandi poeti del suo secolo. Constance Naden, una grande ammiratrice del suo lavoro, credeva che il suo genio stesse nella sua “squisita sensibilità per tutto ciò che è bello”. Nel 1848, ventisette anni dopo la morte di Keats, Richard Monckton Milnes pubblicò la sua biografia, che contribuì a collocarlo nel canone della letteratura inglese. La Confraternita dei Preraffaelliti, tra cui John Everett Millais e Dante Gabriel Rossetti, furono ispirati dalla sua opera e dipinsero quadri che illustrano La veglia di Sant”Agnese, Isabella e La bella signora senza pietà, lussureggianti, voluttuosi, in perfetto accordo con la lettera e lo spirito del testo dell”autore.

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Litania di giudizi di valore

Nel 1882 Algernon Swinburne scrisse nell”Encyclopædia Britannica che l”Ode a un usignolo era tra i più grandi capolavori di tutti i tempi mai scritti. Nel XX secolo, John Keats divenne il poeta di culto di Wilfred Owen, il poeta-soldato, che piangeva ogni anniversario della morte del suo idolo, prima di essere lui stesso ucciso al fronte due giorni prima dell”armistizio dell”11 novembre 1918. William Butler Yeats e T. S. Eliot, da parte loro, esaltarono costantemente la bellezza delle odi del 1819. Sulla stessa linea, Helen Vendler ritiene che tali poesie incarnino la lingua inglese nella sua più profonda pienezza, e Jonathan Bate aggiunge che “ogni generazione ha visto in Ode to Autumn la più vicina alla perfezione nella letteratura inglese”, un”opinione che è corroborata da M. R. Ridley quando aggiunge: “la poesia più serenamente compiuta che sia mai stata scritta nella nostra lingua”.

Conservazione di archivi

La maggior parte delle lettere, dei manoscritti e delle carte di John Keats sono conservate nella Houghton Library della Harvard University. Altre collezioni sono conservate nella British Library alla Keats House di Hampstead, nella Keats-Shelley House di Roma e nella Pierpont Morgan Library di New York.

Traduzioni in francese

La vita e l”opera del giovane poeta hanno ispirato i romanzi dello scrittore di fantascienza Dan Simmons, in particolare nei cicli Hyperion ed Endymion, così come parti del concept album The Lamb Lies Down on Broadway del gruppo musicale inglese Genesis.

Bright Star di Jane Campion, selezionato per il Festival di Cannes 2009, presenta il poeta all”epoca del suo incontro con Fanny Brawne, che aveva già ispirato il racconto Wireless (1902) di Rudyard Kipling.

Tim Powers ha anche incorporato elementi reali della vita di John Keats, così come quelli di altri autori come Percy Shelley e Lord Byron, in un romanzo di fantasia The Stress of Her Regard.

È possibile che il nome del poeta abbia ispirato il nome del professore di letteratura inglese John Keating, interpretato da Robin Williams, nel film The Dead Poets Society.

Molte citazioni o allusioni alle poesie di Keats appaiono in varie opere. Per esempio:

Il National Curriculum in Inghilterra elenca John Keats nelle liste di importanti poeti e scrittori pre-1914 nel syllabus di lingua inglese per le fasi chiave 2, 3 e 4.

Negli Stati Uniti e in Canada, il College Board ha incluso John Keats come poeta rappresentativo per il suo Advanced Placement English Literature and Composition.

La poesia Bright star, would I were steadfast as thou art è studiata dagli studenti del Nuovo Galles dell”anno 12 che prendono l”Higher School Certificate (en) in Advanced English.

La prima biografia di Keats, di Richard Monckton Milnes, fu pubblicata nel 1848 come Life, Letters, and Literary Remains, of John Keats, basata su materiale fornito dall”amico del poeta Charles Armitage Brown. Tuttavia, secondo Robert Gittings, vede il “John Keats della Reggenza con occhiali vittoriani, che ha dato il tono a quasi tutte le biografie successive”: la ragione di ciò sarebbe la caduta tra gli amici del poeta poco dopo la sua morte che ritardò la produzione di un”opera simile.

Nella prefazione alla sua biografia di Keats (edizione 1968), lo stesso Robert Gittings rende omaggio a tre dei suoi predecessori, tutti americani: C. L. Finney, W. J. Bate e Aileen Ward. Spiega che l”interesse mostrato dai critici d”oltreoceano per il poeta è dovuto a “un paradosso della storia letteraria”: infatti, la maggior parte dei manoscritti, delle poesie, delle lettere e delle note di Keats sono conservati negli Stati Uniti, mentre gli elementi relativi alla sua vita rimangono sparsi in Inghilterra in varie collezioni.

Il poeta francese Albert Erlande è l”autore di una biografia intitolata The life of John Keats, tradotta in inglese come The life of John Keat, con una prefazione di John Middleton Murry.

W. J. Bate ha vinto il premio Pulitzer 1964 per la biografia o l”autobiografia per la sua biografia di Keats.

La pagina del Poetry Network elenca 91 articoli su varie sfaccettature di Keats: ”John Keats” (accesso 9 febbraio 2019).

Il capitolo 17 del Cambridge Companion to John Keats, pp. 261-266, fornisce una bibliografia selettiva ma estesa di Susan J. Wolfson, che include edizioni, facsimili, biografie importanti, articoli pubblicati durante la vita del poeta, riferimenti bibliografici e studi critici fino al 2001, data di pubblicazione del libro.

Una bibliografia critica di Keats, risalente al 2008, è proposta da Caroline Bertonèche, John Keats – Bibliographie critique, Lyon, ENS de LYON

Il sito Questia offre una panoramica completa della ricerca su Keats: “John Keats” (accesso 9 gennaio 2019).

In occasione del bicentenario delle odi del 1819, la Société des Anglicistes de l”Enseignement Supérieur (SAES), sotto l”egida delle università di Caen-Normandie e Grenoble-Alpes, ha organizzato il 1° febbraio 2019 un simposio presieduto da Stanley Plumly (University of Maryland), autore, tra l”altro, di una Biografia personale di Keats (Keats, a Personal Biography) pubblicata da Norton nel 2019.

La medaglia d”oro della regina per la poesia contiene una citazione dalla conclusione dell”Ode su un”urna greca: La bellezza è verità e la verità bellezza.

La Royal Mail ha emesso un francobollo con l”immagine del poeta per celebrare il 150° anniversario della sua morte nel 1971.

Dal 1998, la Keats-Shelley British Society organizza un premio annuale per la migliore poesia romantica, e su iniziativa della Royal Association for the Encouragement of the Arts, una targa blu che commemora Keats fu apposta nel 1896 sulla facciata della casa dove visse.

John Keats

Riassunto

Nascita e fratelli

I primi anni

Primi passi

Fine degli studi e inizio di un poeta

Piazza Wentworth

Ultimi mesi, ultimi amori, la fine

Fanny Brawne, dopo

Geoffrey Chaucer

Edmund Spenser

William Shakespeare

John Milton

Thomas Chatterton

Un fondo piuttosto sottile

I sonetti

I grandi poemi narrativi

Canzoni di ”romanticismo” (esempi)

Le grandi odi del 1819

Un”opera letteraria a sé stante

Un laboratorio di idee

Morte

La contemplazione della bellezza

Natura

Antichità greco-latina

L”anatomista della lingua

Il poeta del silenzio

Il poeta della lentezza

La tessitura dei sensi

Prosodia

La ferocia dei primi attacchi

Un adolescente autodidatta

La scuola cockney

Anni 1830: finalmente la lode

Litania di giudizi di valore

Conservazione di archivi

Traduzioni in francese

Riferimento all”articolo in inglese

Citazioni originali dei commentatori

Riferimenti

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