Man Ray

gigatos | Gennaio 2, 2022

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Riassunto

Man Ray (in realtà Emmanuel Rudnitzky o Emmanuel Radnitzky) è stato un fotografo, regista, pittore e artista di oggetti americano. Man Ray è uno degli artisti importanti del Dadaismo e del Surrealismo, ma a causa della complessità del suo lavoro è generalmente assegnato al Modernismo ed è considerato un importante iniziatore della storia della fotografia e del cinema moderno fino al film sperimentale. Le sue numerose fotografie di ritratti di artisti contemporanei documentano la fase alta della vita culturale di Parigi negli anni 1920.

Infanzia e primi anni

Man Ray nacque a Filadelfia, primo di quattro figli di genitori ebrei russi, Melech (Max) Rudnitzky e Manya nata Luria. Sul suo certificato di nascita, il ragazzo era registrato come “Michael Rudnitzky”, ma secondo sua sorella Dorothy, la famiglia lo chiamava “Emmanuel” o “Manny”. La famiglia si chiamò in seguito “Ray” per americanizzare il suo nome. Lo stesso Man Ray fu anche molto riservato sulle sue origini negli anni successivi.

Insieme ai suoi fratelli, il giovane Emmanuel ricevette un”educazione severa. Suo padre lavorava in casa come sarto e i bambini furono coinvolti nel lavoro; fin da piccoli impararono a cucire e ricamare e ad unire una grande varietà di tessuti nella tecnica del patchwork. Questa esperienza si rifletterà in seguito nell”opera di Man Ray: La manipolazione giocosa di diversi materiali si può trovare in molti dei suoi assemblaggi, collage e altri dipinti; inoltre, gli piaceva citare utensili del mestiere di sarto, per esempio aghi o rocchetti di filo, nel suo linguaggio visivo.

Nel 1897, la famiglia di Man Ray si trasferì a Williamsburg, Brooklyn. Lì il testardo ragazzo iniziò a fare i suoi primi disegni a matita all”età di sette anni, cosa che i suoi genitori non approvavano, così che dovette tenere segrete le sue inclinazioni artistiche per molto tempo. “D”ora in poi farò le cose che non devo fare” divenne il suo primo principio guida, che avrebbe seguito per il resto della sua vita. Al liceo, tuttavia, gli fu permesso di seguire corsi d”arte e di disegno tecnico e presto acquisì gli strumenti per la sua carriera di artista. Dopo il diploma, a Emmanuel fu offerta una borsa di studio per studiare architettura, che rifiutò nonostante le insistenze dei suoi genitori, poiché un”educazione tecnica era contraria alla sua ferma volontà di diventare un artista. All”inizio si dilettò, in modo piuttosto insoddisfacente, nella ritrattistica e nella pittura di paesaggio; alla fine, nel 1908, si iscrisse alla National Academy of Design e alla Art Students League di Manhattan, New York. Come disse in seguito, in realtà seguì i corsi di pittura di nudo solo perché “voleva vedere una donna nuda”. Le lezioni didatticamente conservative, lunghe e faticose non erano per lo studente impaziente. Su consiglio dei suoi insegnanti, abbandonò presto gli studi e cercò di lavorare in modo indipendente.

New York 1911-1921

Nell”autunno del 1911, Man Ray si iscrisse alla Modern School del Ferrer Center di New York, una scuola liberal-anarchica; vi fu accettato l”anno seguente e frequentò i corsi serali d”arte. Al Centro Ferrer ha potuto finalmente lavorare liberamente e spontaneamente grazie ai metodi di insegnamento non convenzionali. Le convinzioni a volte radicali dei suoi insegnanti, plasmate da ideali liberali, avranno un”influenza decisiva sulla sua successiva carriera artistica, compreso il suo passaggio al Dada. Nel periodo che seguì, l”artista – nel frattempo aveva semplificato il suo nome e cognome in “Man Ray” – lavorò come calligrafo e disegnatore di mappe per una casa editrice di Manhattan. Fu nella nota “Galerie 291″ di Alfred Stieglitz che entrò per la prima volta in contatto con le opere di Rodin, Cézanne, Brâncuși e con i disegni e i collage di Picasso e sentì subito un”affinità più forte con questi artisti europei che con i loro contemporanei americani. Attraverso Alfred Stieglitz, Man Ray trovò rapidamente accesso all”idea artistica completamente nuova dell”avanguardia europea. Sperimentò ossessivamente vari stili pittorici in rapida successione: partendo dagli impressionisti, arrivò presto a paesaggi espressivi che ricordavano un Kandinsky (poco prima che quest”ultimo facesse il passo verso l”astrazione), per trovare infine la propria figurazione futurista-cubista, che conservò in forma modificata per tutta la vita.

L”Armory Show, una vasta mostra d”arte tenutasi a New York all”inizio del 1913, lasciò un”impressione duratura su di lui. Le dimensioni dei quadri europei lo hanno sopraffatto. Ray disse in seguito: “Non ho fatto nulla per sei mesi – mi ci è voluto così tanto tempo per digerire ciò che avevo visto”. D”altra parte, con l”arte “bidimensionale” del paese in cui era nato, come lui vedeva, “aveva un”avversione per i dipinti che non lasciavano spazio alle sue riflessioni.

Sempre nella primavera del 1913, Man Ray lascia la casa dei genitori e si trasferisce in una colonia di artisti a Ridgefield, New Jersey, dove incontra il poeta belga Adon Lacroix, nome civile Donna Lecoeur; i due si sposano nel maggio 1913. Intorno al 191415, Man Ray si comprò una macchina fotografica per poter riprodurre le proprie opere. Il 31 marzo 1915 pubblicò un numero di The Ridgefield Gazook, un pamphlet satirico anarchico di sua concezione, che aveva già le caratteristiche di base delle successive riviste Dada, così come A Book of Diverse Writings con testi di Donna e illustrazioni di lui. Nell”autunno del 1915, Man Ray ebbe la sua prima mostra personale alla Daniel Gallery di New York, dove vendette sei dipinti. Presumibilmente incontrò lì Marcel Duchamp, che era appena diventato noto in America per il suo sensazionale dipinto Nude, Descending a Staircase No. 2, che aveva mostrato all”Armory Show. Furono soprattutto le idee e le teorie rivoluzionarie di Duchamp a fare un”impressione brusca ma duratura su Man Ray. Duchamp e Man Ray divennero presto buoni amici.

Man Ray era affascinato dal lavoro di Duchamp, specialmente dalle sue rappresentazioni di macchine semplici, tecnicamente “assurde” e illogiche con le loro forme pseudo-meccaniche che fingevano un”apparente funzione “misteriosa”, così come dal modo di Duchamp di dichiarare semplici oggetti quotidiani come objet trouvés per essere oggetti d”arte, che lui chiamava readymade. Un”altra importante fonte d”ispirazione fu Francis Picabia con il suo pensiero sull””esaltazione della macchina”: “La macchina è diventata più di un semplice accessorio della vita; è davvero una parte della vita umana – forse persino la sua anima. Probabilmente verso la fine del 1915, anche Man Ray cominciò a sperimentare con tali oggetti e lentamente fece il passo dall”arte bidimensionale a quella tridimensionale. Man Ray creò presto i suoi primi assemblaggi da oggetti trovati, come l”Autoritratto del 1916, che formava un volto da due campane, un”impronta di mano e un bottone di campana. Ora Man Ray cominciò anche a partecipare regolarmente alle mostre; è così che il collezionista Ferdinand Howald venne a conoscenza dell”artista emergente e cominciò a sponsorizzarlo come mecenate per diversi anni.

Su suggerimento di Marcel Duchamp, Man Ray si dedicò presto intensamente alla fotografia e al cinema. Insieme a Duchamp, il cui lavoro Man Ray ha documentato in diverse fotografie, numerosi esperimenti fotografici e cinematografici sono stati creati a New York. Intorno al 1920, Marcel Duchamp e Man Ray inventarono la creatura artistica Rose Sélavy. Il nome era un gioco di parole da “Eros c”est la vie”, Eros è la vita. Rose Sélavy era Duchamp stesso, vestito da donna, che firmava opere con questo nome mentre Man Ray lo fotografava mentre lo faceva.

Sempre più spesso, l”artista si interessa all”inconscio, all”apparente e al mistico implicito, che sembra nascondersi dietro ciò che viene rappresentato e “non rappresentato”. Nel corso del 1917, sperimentò tutti i materiali e le tecniche disponibili e scoprì l”aerografia, una prima tecnica di aerografo, oltre alla stampa su vetro (cliché verre), spruzzando carta fotografica con vernice o prodotti chimici fotografici.

Ha chiamato una prima aerografia Suicidio (1917), un tema con il quale Man Ray – come molti altri dadaisti e surrealisti della sua cerchia di conoscenze – ha spesso trattato (cfr. Jacques Rigaut). Man Ray si familiarizzò rapidamente con le tecniche della camera oscura. Se questo fu fatto inizialmente per il semplice motivo di riprodurre i suoi dipinti, presto trovò una somiglianza con l”aerografia nel processo di ingrandimento fotografico e scoprì le possibilità creative di questa “pittura leggera”.

Insieme al suo lavoro nella camera oscura, Man Ray sperimentò i fotogrammi intorno al 191920. Come ha detto, ha agito “in modo completamente meccanico e intuitivo” nella scoperta della tecnica.

Fotografare senza macchina” era del tutto in linea con il suo desiderio di poter “catturare e riprodurre automaticamente e come una macchina” la metafisica che stava già cercando nei suoi dipinti e oggetti. In una lettera a Katherine Dreier scrisse: “Sto cercando di automatizzare la mia fotografia, di usare la mia macchina fotografica come userei una macchina da scrivere – col tempo ci riuscirò”. Questa idea va di pari passo con il metodo della “scrittura automatica” che André Breton adattò per il surrealismo.

Anche se l”idea di disporre gli oggetti su carta fotosensibile ed esporli alla luce è vecchia quanto la storia della fotografia stessa – Fox Talbot aveva già creato i primi fotogrammi nel 1835 – Man Ray coniò immediatamente il termine rayography per il processo che aveva sviluppato. Negli anni seguenti, produsse diversi “rayographs” come in una catena di montaggio: quasi la metà della sua intera opera di rayographs o “rayograms” fu creata nei primi tre anni dopo la scoperta della “sua invenzione”. All”inizio del 1922, aveva già sperimentato tutte le possibilità tecniche dell”epoca sul fotogramma.

Più tardi, a Parigi, alla fine del 1922, pubblicò un”edizione limitata di dodici rayographs con il titolo Les Champs délicieux (la prefazione fu scritta da Tristan Tzara, che ancora una volta si riferiva chiaramente al neologismo “rayography”. La rivista Vanity Fair ha ripreso questo “nuovo” tipo di arte fotografica in un articolo a tutta pagina. Da quel momento in poi, le opere fotografiche di Man Ray faranno il giro di tutte le riviste d”avanguardia europee. Questo ha portato a numerose riproduzioni delle opere cliché verre di Man Ray del suo periodo newyorkese (Man Ray aveva realizzato gli originali su negativi di vetro 18 × 24 cm).

Durante tutta la sua carriera d”artista, Man Ray non si è mai fissato su un mezzo particolare: “Fotografo ciò che non voglio dipingere, e dipingo ciò che non posso fotografare”, disse una volta. Attraverso le molteplici possibilità della fotografia, la pittura aveva adempiuto il suo scopo artistico per lui, per il momento. In questo modo, si mise alla pari con il suo modello Duchamp, che produsse il suo ultimo quadro già nel 1918; alla fine, però, l”eterno enigma della pittura e della fotografia pervase l”intera opera di Man Ray. Lui stesso ha spiegato in modo contraddittorio: “Forse non ero tanto interessato alla pittura quanto allo sviluppo delle idee.

Negli anni 1918-1921, Man Ray scoprì che l”arte fotografica e oggettuale gli servivano, per il momento, come il miglior mezzo per esprimere le sue idee. In effetti, dal 1921, Man Ray aveva temporaneamente abbandonato del tutto la pittura tradizionale per sperimentare esclusivamente le possibilità di disporre e “de-arrangiare” gli oggetti. A differenza di Duchamp, ha fatto questo “appropriandosi” deliberatamente di oggetti o presentando un oggetto familiare in un contesto diverso. Di solito fotografava questi oggetti e dava loro dei titoli che evocavano deliberatamente altre associazioni; per esempio, la fotografia ad alto contrasto di una frusta da neve intitolata Uomo e, per analogia, Donna (entrambe del 1918), composta da due riflettori che possono essere visti come seni e una lastra di vetro dotata di sei mollette da bucato come “spina dorsale”. Uno degli oggetti più famosi nello stile dei ready-made di Duchamp fu il successivo Cadeau (1921): un ferro tempestato di puntine da disegno, inteso come “regalo” umoristico per il musicista Erik Satie, che Man Ray avrebbe incontrato in occasione di una mostra a Parigi presso la libreria e galleria Librairie Six.

Anche se il suo matrimonio con Adon Lacroix, che lo aveva introdotto alla letteratura francese e alle opere di Baudelaire, Rimbaud o Apollinaire, fu di breve durata – il matrimonio fu divorziato nel 1919 – l”artista continuò a impegnarsi con la letteratura francese. L”influenza è particolarmente evidente nella fotografia di Man Ray The Riddle or The Enigma of Isidore Ducasse del 1920, che mostra un pacco legato con la tela di sacco, ma il suo contenuto rimane nascosto allo spettatore. La soluzione dell”enigma poteva essere trovata solo attraverso la conoscenza degli scritti dell”autore francese Isidore Ducasse, conosciuto anche come il Conte di Lautréamont. Ray ha preso come punto di partenza il famoso passaggio del sesto canto dei “Cantos of Maldoror”, in cui Lautréamont descrive “l”incontro casuale di una macchina da cucire e un ombrello su un tavolo da dissezione” come metafora della bellezza di un giovane. L”interesse dei dadaisti per Ducasse, che era morto 50 anni prima, era stato suscitato da André Breton, che vide negli scritti le prime idee dadaiste-surrealiste. Il soggetto dell”oggetto avvolto nel tessuto, tuttavia, può anche essere interpretato come la riflessione di Man Ray sulla sua infanzia nel laboratorio di sartoria del padre; Man Ray aveva creato l”oggetto “in sé” solo ai fini della fotografia.

Il 29 aprile 1920, Man Ray fonda la Société Anonyme Inc. insieme a Marcel Duchamp e all”artista Katherine Dreier come associazione per la promozione dell”arte moderna in America. Nell”aprile 1921, New York Dada fu pubblicato insieme a Duchamp. A New York, Man Ray era nel frattempo considerato il principale rappresentante del poco notato dadaismo americano; non si sa esattamente quando entrò in contatto con il movimento Dada europeo, ma presumibilmente intorno al 191920 si stabilì un “contatto triangolare” per lettera tra Marcel Duchamp, che però non fu mai attivamente coinvolto in Dada, e Tristan Tzara, portavoce e cofondatore del movimento. In una lettera a Tzara, Man Ray si lamentava dell”ignoranza della scena artistica di New York: “… Dada non può vivere a New York. New York è Dada e non tollererà un rivale – è vero: sono stati fatti tutti gli sforzi per pubblicizzarlo, ma non c”è nessuno che ci sostenga”. Man Ray dichiarò più tardi che “non c”è mai stata una cosa come New York Dada perché l”idea dello scandalo e della provocazione come uno dei principi di Dada era totalmente estraneo alla mente americana”.

L”ambivalenza di Man Ray verso l”America e il suo entusiasmo per la Francia, così come il suo urgente desiderio di appartenere finalmente al mondo dell”arte progressista europeo, culminarono nel luglio 1921 nella decisione dell”artista di seguire i suoi amici Marcel Duchamp e Francis Picabia in Francia.

Gli anni di Parigi 1921-1940

Man Ray arriva in Francia il 22 luglio 1921. Duchamp lo presentò immediatamente ad André Breton, Louis Aragon, Paul Éluard e sua moglie Gala (più tardi musa e moglie dell”artista spagnolo Salvador Dalí) e Jacques Rigaut nel popolare luogo di incontro dadaista Café Certa nel Passage de l”Opéra a Parigi. Gli europei accettarono rapidamente Man Ray, che presto divenne fluente in francese, come uno di loro.

Man Ray inizialmente passò molto tempo ad esplorare la metropoli di Parigi, ma presto si concentrò sul centro della scena artistica parigina: Montparnasse. Nei caffè della Rive Gauche, sul Boulevard du Montparnasse, incontrò una grande varietà di artisti: Matisse, Diego Rivera, Piet Mondrian, Salvador Dalí, Max Ernst, Yves Tanguy, Joan Miró e molti altri. La maggior parte di loro ha poi trovato la loro strada nel lavoro fotografico di Man Ray come ritratti.

Verso la fine dell”anno, Man Ray si trasferisce nel famoso hotel per artisti Hôtel des Ecoles a Montparnasse. All”inizio di novembre, Man Ray partecipa a una mostra collettiva nella galleria del mercante d”arte Alfred Flechtheim a Berlino, insieme a Max Ernst, Hans Arp e Marcel Duchamp. Man Ray, che non si recò personalmente a Berlino, inviò una foto di Tristan Tzara con un”ascia sulla testa e seduto su una scala, accanto a lui il ritratto sovradimensionato di un nudo femminile (Portrait Tristan Tzara Tzara and the Axe, 1921). Per volere di Tzara, che voleva stabilire il nuovo artista dadaista americano per il “suo movimento”, la prima mostra di Man Ray a Parigi ebbe luogo nel dicembre di quell”anno alla Librairie Six.

Più o meno nello stesso periodo, la “fotografia ufficiale” di Man Ray fu creata dai dadaisti, che nel frattempo erano caduti in disaccordo tra loro. Nell”egocentrico gruppo Dada, che indulgeva in un”eccessiva dissolutezza, Man Ray non trovò il sostegno che aveva sperato, soprattutto perché gli artisti visivi non ricevevano molta attenzione in questa scena dominata dai letterati. I dadaisti avevano già laconicamente e scherzosamente dichiarato Dada morto nella sua assurdità: “Si legge ovunque nelle riviste che Dada è morto da molto tempo – resta da vedere se Dada è veramente morto o ha solo cambiato tattica”; e così la prima mostra di Man Ray con i dadaisti divenne più di una farsa; anche la mancanza di vendite preoccupò segretamente l”artista. Causata da una polemica scatenata dal ribelle André Breton in preparazione dei suoi “Manifesti surrealisti”, e una relativa disputa tra Breton e Tzara, Satie, Eluard e altri dadaisti, il 17 febbraio 1922 si verificò una scissione tra dadaisti e surrealisti con una decisione di censurare Breton. Man Ray era tra i 40 firmatari della risoluzione. Questa fu la prima e ultima volta che Man Ray prese posizione su una dottrina artistica.

Senza successo nella pittura, Man Ray decise all”inizio del 1922 di dedicarsi seriamente alla fotografia. Anche se aveva già fatto numerosi ritratti di Picabia, Tzara, Cocteau e molti altri protagonisti della scena artistica parigina dal suo arrivo a Parigi, ora voleva assicurarsi la fotografia di ritratto come fonte di reddito e cercare specificamente dei clienti. “Ora ho rivolto la mia attenzione all”affitto di uno studio e alla sua sistemazione in modo da poter lavorare in modo più efficiente. Questa decisione era accompagnata da un desiderio pressante di liberarsi dalla precedente situazione di stress di “competere con gli altri pittori”. Le sue prime commissioni arrivarono, naturalmente, dalla scena artistica: Picasso, Georges Braque, Juan Gris, Henri Matisse e molti altri si fecero fotografare da lui nella primavera-estate del 1922. Vivendo e lavorando ancora in una stanza d”albergo, Man Ray si lamentò in una lettera al suo amico e mecenate Ferdinand Howald: “Vivo e lavoro ancora in una stanza d”albergo, che è molto angusta e costosa. Ma i monolocali qui sono impossibili – senza acqua né luce per la notte a meno che non si possa pagare un prezzo molto alto, e anche allora bisogna prima trovarne uno”.

Nel luglio 1922, Man Ray trovò finalmente uno studio residenziale adatto con cucina e bagno al 31 di Rue Campagne Première. Il suo nuovo studio divenne rapidamente un popolare luogo di incontro per pittori e scrittori. Gli emigrati anglo-americani divennero un”altra importante fonte di commissioni, e nel corso del tempo dipinse numerosi ritratti di artisti viaggiatori, soprattutto scrittori come James Joyce o Hemingway, che si incontravano in salotti letterari come quello di Gertrude Stein e Alice B. Toklas, o nella rinomata libreria Shakespeare and Company di Sylvia Beach. Anche se questa era la scena letteraria parigina consolidata, Man Ray non immortalò nessuno dei principali scrittori francesi, ad eccezione di Marcel Proust sul letto di morte, che fotografò su espressa richiesta di Cocteau. Ben presto, anche gli aristocratici parigini si accorsero dell”insolito americano: il ritratto sfocato dell”eccentrica Marchesa Casati, ex amante del poeta italiano Gabriele D”Annunzio, che mostra la Marchesa con tre paia di occhi, divenne una delle fotografie più significative di Man Ray, nonostante la sfocatura del movimento. La marchesa fu così entusiasta della foto sfocata che ordinò immediatamente decine di stampe, che inviò alla sua cerchia di conoscenti.

Fu in questo periodo che Man Ray scoprì la fotografia di nudo per se stesso e trovò la sua musa e amante in Kiki de Montparnasse, nome civile Alice Prin, una modella popolare per i pittori parigini. Kiki, che Man Ray aveva incontrato in un caffè nel dicembre 1922 e che fu la sua compagna fino al 1926, divenne rapidamente la modella preferita del fotografo; innumerevoli fotografie di lei furono scattate negli anni venti, compresa una delle più famose di Man Ray: la foto surrealista-umoristica Le Violon d”Ingres (1924), che mostra la schiena nuda di una donna (Kiki) che indossa un turbante con dipinte le due aperture a forma di f di un violoncello. La fotografia divenne una delle opere più pubblicate e riprodotte di Man Ray. Man Ray scelse il titolo Le Violon d”Ingres (Il violino di Ingres) come idioma francese per “hobby” o “hobbyhorse”, presumibilmente in un”ambigua allusione al pittore Jean-Auguste-Dominique Ingres, che preferiva suonare il violino e dipingere nudi. Il quadro di Ingres La Grande Baigneuse (Il bagno turco) è stato ovviamente il modello per lo spiritoso puzzle fotografico di Man Ray.

Man Ray aveva già realizzato alcuni cortometraggi sperimentali a New York con Marcel Duchamp; per esempio, la striscia più “disdicevole” mostrava una rasatura di peli pubici dell”eccentrica artista dadaista Baronessa Elsa von Freytag-Loringhoven. Più tardi a Parigi, Tristan Tzara lo associò immediatamente a questo film e presentò con orgoglio Man Ray come un “importante cineasta americano” in occasione di un evento Dada appropriatamente chiamato Soirée du cœur à barbe (La serata del cuore da bar). Quella sera del luglio 1923, Man Ray proiettò il suo primo “lungometraggio” in 35mm: il muto di tre minuti in bianco e nero Retour à la raison (Ritorno alla ragione), commissionato da Tzara. Il film mostra dei rayographs animati in staccato: aghi danzanti, granelli di sale, una puntina da disegno e altri oggetti che Man Ray aveva steso sulla striscia di pellicola e poi esposto, e infine frammenti di scrittura, rotoli di carta che girano e cartoni di uova. Il film termina con il torso rotante di Kiki de Montparnasse, sul quale una croce da finestra emerge come un gioco di luci. Il film sperimentale ricevette molta attenzione e lo studio di Man Ray al 31 di rue Campagne Première divenne presto un punto di riferimento per molti appassionati di cinema e giovani registi in cerca di consigli. Nel 1924, Man Ray stesso apparve come “performer”: Nei film Entr”acte e Cinè-sketch di René Clair, ha recitato accanto a Duchamp, Picabia, Eric Satie e Bronia Perlmutter, la successiva moglie di Clair.

Nel 1926, il successo finanziario arriva finalmente per Man Ray: lo speculatore di borsa americano Arthur S. Wheeler e sua moglie Rose si avvicinano all”artista con l”intenzione di entrare nel mondo del cinema. I Wheeler volevano promuovere i progetti cinematografici di Man Ray “senza condizioni”, solo un film doveva essere completato entro un anno. Arthur Wheeler ha assicurato una somma di 10.000 dollari per Man Ray. In breve, Man Ray consegnò tutti gli incarichi commerciali alla sua nuova assistente Berenice Abbott e si concentrò completamente sul nuovo progetto cinematografico grazie alla libertà artistica appena conquistata. Nel maggio 1926, Man Ray inizia a girare a Biarritz.

Infine, in autunno, il film di quasi venti minuti Emak Bakia, su musica jazz di Django Reinhardt, è stato proiettato a Parigi; ha debuttato a New York la primavera seguente. Man Ray definì la sua opera come una “pausa di riflessione sullo stato attuale del cinema”. Senza una trama specifica, Emak Bakia si basa su improvvisazioni che giocano con il ritmo, la velocità e la luce, riflettendo sul mezzo cinematografico stesso. Il film voleva essere un cinepoema, una “poesia visiva”, come sottolineava anche Man Ray nel sottotitolo.

Il film è stato accolto in modo ambivalente. Man Ray, che per lo più pianificava tutto con cura, aveva già una spiegazione adeguata per i possibili critici: “Potete anche guardare la traduzione del titolo ”Emak Bakia”: È una vecchia e bella espressione basca e significa ”dacci una pausa””. I critici diedero a Man Ray quella pausa e ignorarono il film. Il mezzo cinematografico non era considerato arte all”epoca e così Emak Bakia rimase sconosciuto al di fuori dell”avanguardia di New York.

Circa un mese dopo il suo deludente debutto cinematografico a New York, Man Ray tornò a Parigi. Con il suo assistente Jacques-André Boiffard, realizza altri due film surreali di natura simile: L”Étoile de mer (1928) e Le Mystère du château de dés (1929). Tuttavia, con l”introduzione del film sonoro e il successo sensazionale de L”Age d”Or di Buñuel e Salvador Dalí, Man Ray perse in gran parte l”interesse per questo mezzo. Nel 1932, vendette la sua macchina fotografica a pellicola. Durante il suo “esilio” a Hollywood all”inizio degli anni ”40, si dedicherà brevemente al cinema un”ultima volta.

All”inizio degli anni 30, Man Ray si dedica quasi esclusivamente all”arte fotografica, dopo aver rifiutato ancora una volta chiaramente la pittura: “La pittura è morta, io dipingo solo qualche volta per convincermi completamente della nullità della pittura. La rayografia – nel frattempo usava il termine per tutta la sua opera fotografica – era equivalente alla pittura per Man Ray. All”epoca, solo Raoul Hausmann, El Lissitzky, Moholy-Nagy e Christian Schad lavoravano in modo comparabilmente simile.

Oltre alle pubblicazioni progressiste come VU o Life, che si dedicavano principalmente alla fotografia artistica e pubblicavano grandi estensioni fotografiche, le riviste di moda come Vogue o Harper”s Bazaar si accorsero presto dell”inventiva dell”artista fotografico. Già nel 1922, Man Ray aveva prodotto fotografie di moda per lo stilista Paul Poiret. A partire dal 1930, scatta regolarmente fotografie di moda per Vogue e Harper”s. Famose fotografie di quel periodo mostrano, per esempio, le stiliste Coco Chanel o Elsa Schiaparelli (193435 circa). Nel corso della “vera” fotografia di moda, Man Ray abbandonò lo stile del fotogramma puramente astratto e si concentrò su disposizioni surreali-sognanti, che mescolò con tecniche sperimentali: per esempio, in questo periodo lavorò spesso con riflessi e doppie esposizioni. Una serie molto conosciuta fu il Portfolio electricité (1931) come nobile pubblicazione pubblicitaria per la compagnia elettrica parigina CPDE. Il portfolio fu prodotto in collaborazione con Lee Miller, un giovane americano ambizioso e di bell”aspetto che era determinato a diventare allievo di Man Ray. Miller era venuto a Parigi nel febbraio del 1929 su una lettera di raccomandazione di Edward Steichen e presto lavorò con Man Ray davanti e dietro la macchina fotografica. Con lei, Man Ray perfezionò la sua tecnica di solarizzazione e pseudo-solarizzazione (effetto Sabattier), che era stata tenuta segreta fino ad allora, e raggiunse possibilità completamente nuove nell”immagine attraverso la netta separazione di contrasto dell”effetto. Lee Miller è stata convincente anche come modella davanti alla macchina fotografica: gli eleganti nudi e le foto di moda con la bella bionda dall”aspetto poco raffinato assomigliavano a studi anatomici grazie alla nuova tecnica di solarizzazione accentuante ma non completamente astratta. In questo periodo, Man Ray sperimentò anche la fotografia a colori, scoprendo uno dei primi processi per produrre stampe su carta stampabili da negativi a colori. Nel 193334, la rivista di artisti surrealisti Minotaure pubblica un”immagine a colori di Man Ray, due anni prima che la prima pellicola Kodachrome arrivi sul mercato. In Minotaure, Man Ray aveva precedentemente pubblicato Les Larmes come pittrice in bianco e nero.

Lavorare con Lee Miller ebbe un effetto irritante su Man Ray. In contrasto con i suoi precedenti modelli e amanti, come la disinibita Kiki, Miller era sessualmente indipendente, intelligente e molto creativo. La sua fascinazione per Lee si sviluppò presto in una storia d”amore stranamente ossessivo-distruttiva, che si rifletteva anche nel lavoro di Man Ray. I suoi soggetti ruotano sempre più intorno a fantasie sadomasochiste, assumono un carattere feticista sessuale e giocano con l”idea di sottomissione femminile, già accennata nel suo famoso Oggetto di distruzione (1932), un metronomo che nella sua versione più famosa presentava una fotografia dell”occhio di Lee Miller e che nell”originale veniva fatto a pezzi, al suo più famoso dipinto a olio A l”heure de l”observatoire – Les Amoureux (L”ora dell”osservatorio – Gli amanti, 1932-1934), che presumibilmente mostra le labbra di Lee ma evoca l”associazione con una vagina sovradimensionata che si libra su un paesaggio. L”artista distrugge il “suo” modello, riducendolo o idealizzandolo, come nelle opere precedenti, nell”oggetto del suo desiderio. Man Ray era sempre più affascinato dagli scritti del Marchese de Sade; alcune delle sue opere si riferiscono direttamente al pensiero di de Sade, come il ritratto di Lee Miller con una gabbia di ferro sulla testa, una testa di donna sotto una campana di vetro, o fotografie di corpi femminili legati e spersonalizzati. Alla fine, la relazione artistica e privata tra Man Ray e Lee Miller fallì, e nel 1932 Miller tornò a New York. In seguito divenne una famosa fotografa di guerra.

Con la partenza di Lee Miller, la produzione creativa di Man Ray subì un crollo creativo. Negli anni che seguirono fino alla sua fuga in America nel 1940, attirò più attenzione attraverso mostre che consolidarono la sua reputazione internazionale come artista che attraverso innovazioni stilistiche. Anche se le sue fotografie commerciali di moda erano perfettamente e abitualmente messe in scena, non fornivano alcun nuovo impulso creativo reale. Accanto all”emergente fotogiornalismo moderno con i suoi “nuovi” fotografi innovativi come Henri Cartier-Bresson, Chim e Robert Capa nella loro emotività politica, le fredde produzioni in studio di Man Ray sembravano ormai “statiche” e superate.

Ben presto, vivaci reportage di strada, come quelli del molto più giovane Robert Doisneau o quelli di un Brassaï, che inizialmente avevano perseguito approcci altrettanto surrealisti, soppiantarono la fotografia d”arte di Man Ray dalle riviste. In un simposio culturale parigino del 1936, il surrealista Louis Aragon fece un confronto diretto tra il “fotografo istantaneo” Henri Cartier-Bresson e il fotografo di studio Man Ray: “… egli (Man Ray) incarna il classico nella fotografia un”arte di studio con tutto ciò che questo termine significa: Soprattutto, il carattere statico della fotografia in contrasto con le fotografie del mio amico Cartier, che contrasta con il pacifico periodo post-bellico e appartiene realmente a questo tempo di guerre e rivoluzioni attraverso il suo ritmo accelerato. “

Man Ray osservò questo sviluppo proprio come Aragon, ma alla fine non si unì alla “nuova” tendenza della fotografia realistica in rapido movimento; piuttosto, si ritirò ancora di più nel suo mondo di sogno. A volte ha persino abbandonato del tutto la fotografia – con l”eccezione di alcune fotografie commerciali di moda – per tornare alla pittura. Si sentì confermato nella sua decisione quando A l”heure de l”observatoire – Les Amoureux fu ben accolto in una grande retrospettiva di arte surrealista al Museo di Arte Moderna di New York. Il quadro era così importante per Man Ray che lo incluse ripetutamente in numerose fotografie: foto di moda, autoritratti e nudi.

Lo scultore Alberto Giacometti presentò Man Ray alla giovane artista Meret Oppenheim intorno al 1934. Oppenheim posò per lui nella serie fotografica Érotique voilée (1934). La fotografia più famosa mostra Oppenheim nuda, con la mano imbrattata d”inchiostro da stampa, davanti a un torchio per incisioni su rame. Altre due opere importanti sono state create in questo periodo: Facile (1935) e La Photographie n”est pas l”art (1937). Facile fu scritto con il vecchio amico di Man Ray, Paul Éluard, e la sua seconda moglie Nusch. Il libro ha affascinato con le più belle fotografie di nudo di Nusch Eluard, in parte solarizzate, in parte invertite o a doppia esposizione, e un”impaginazione inedita che, in equilibrio tra testo e immagine, ha lasciato molto spazio bianco meditativo per evocare la sensazione dell”infinito. Oltre a Nusch Eluard, solo un paio di guanti è raffigurato. L”altro lavoro, La Photographie n”est pas l”art, era più un portfolio creato in collaborazione con Breton. Voleva essere un”antitesi fotografica alle fotografie di Man Ray degli anni venti: Mentre questi ultimi erano caratterizzati dalla rappresentazione di cose “belle”, La Photographie n”est pas l”art forniva una risposta sarcastica alla società della fine degli anni trenta, minacciata dalla guerra e dalla decadenza, con soggetti duri, a volte ripugnanti e inquietanti.

Gli effetti fatali del nazionalsocialismo divennero presto evidenti a Parigi. A partire dal 1938 al più tardi, la situazione nella metropoli, un tempo ospitale, era cambiata drasticamente; la discriminazione e la persecuzione della popolazione ebraica degenerarono in atti di violenza contro tutto ciò che era “straniero”. Per Man Ray, l”immigrato con antenati ebrei, questo non era più il luogo dove era stato accolto così calorosamente quasi vent”anni prima. La fine del suo tempo a Parigi era arrivata. La sua ultima grande apparizione prima di andare in America fu nel 1938 all”Exposition Internationale du Surréalisme nella Galerie Beaux-Arts di Georges Wildenstein a Parigi, che segnò per lui l”apice personale del surrealismo. Da allora in poi, il linguaggio pittorico di Man Ray divenne sempre più cupo e pessimista. Un importante sunto pittorico dei suoi “bei tempi parigini” sarà il quadro Le Beau Temps, creato nel 1939 poco prima dell”inizio della seconda guerra mondiale e della sua partenza per l”America. È allo stesso tempo un bilancio autobiografico e una descrizione artistica della situazione. Il dipinto ha una struttura simile a molte opere di pittura metafisica:

Il quadro non è solo un bilancio della sua opera fino ad oggi, ma ha anche diversi elementi autobiografici; il Minotauro, per esempio, è un riferimento stilistico a Picasso, di cui Man Ray era amico e che ammirò per tutta la vita. Con Picasso, Dora Maar, gli Eluard, così come Lee Miller e Roland Penrose, Man Ray aveva trascorso molte ore felici nel sud della Francia insieme alla sua allora amante Adrienne. La porta, infine, è un”allusione ad André Breton, alla sua preoccupazione per il surrealismo e alla sua connotazione di “porta della realtà”. Per Man Ray, sembrava significare l”entrata dolorosa in una nuova realtà o un simbolo di “chiudere la porta dietro di sé”.

Subito dopo il completamento dell”opera, sarebbe iniziata un”odissea attraverso l”Europa. Dopo una fuga fallita da Parigi in aereo, ha finalmente raggiunto il Portogallo in treno via Spagna. L”8 agosto 1940 si imbarcò a Lisbona a bordo dell”Excambion per New York.

In esilio in America 1940-1951

Man Ray arrivò nel porto di New York alla fine dell”estate del 1940. Anche se era ancora un cittadino americano, era uno straniero nel paese in cui era nato. Ha lasciato non solo i suoi amici e il suo status di artista a Parigi, ma anche le sue opere più importanti degli ultimi venti anni: fotografie, negativi, oggetti e numerosi dipinti, tra cui il suo capolavoro A l”heure de l”observatoire – Les Amoureux. La maggior parte delle opere che aveva probabilmente nascosto da amici, ma numerose opere sono state distrutte o perse durante la guerra. Al suo arrivo, Man Ray fu preso da una profonda depressione. Inoltre, il suo compagno di viaggio e amico, l”esaltato Salvador Dalí, attirò immediatamente l”attenzione dei fotoreporter, mentre lui sprofondò nell”insignificanza. Dalí era stato in grado di far conoscere il suo nome e la sua arte oltreoceano per tutti questi anni, mentre Man Ray aveva passato quasi tutto il suo tempo in Europa; non sorprende quindi che gli americani non sapessero quasi nulla di lui. In una partecipazione ad una mostra al Museo d”Arte Moderna nel dicembre 1940, vennero mostrate solo tre sue vecchie opere fotografiche degli anni venti, che ricevettero poca attenzione accanto ad una moltitudine di opere più recenti degli “stay-at-home” Edward Weston e Alfred Stieglitz. Nonostante la sua mancanza di fama artistica, Man Ray trovò rapidamente commissioni come fotografo commerciale, ma la lotta per trovare di nuovo il riconoscimento come artista avrebbe occupato Man Ray per il resto della sua vita.

Senza un mecenate o una galleria rispettabile, la situazione per lui come artista a New York si presentava male e così niente lo tratteneva lì. Se il francofilo Man Ray aveva inizialmente considerato New Orleans, probabilmente seguì la chiamata generale, che molti europei seguivano all”epoca, di andare a Hollywood. Durante la guerra, Los Angeles, specialmente gli studi cinematografici locali, hanno sostenuto la scena artistica più di qualsiasi altra città degli Stati Uniti. Man Ray arrivò a Hollywood già nel novembre 1940. Dato che i suoi ex colleghi come Luis Buñuel e Fritz Lang vi lavoravano già con successo, sperava anche di poter riprendere il contatto con il mondo del cinema; ma questo si rivelò un errore: I capi dello studio, orientati al commercio, non erano interessati all””arte” nel senso di Man Ray. Ben presto vide la sua carriera nel cinema come finita. Deluso, Man Ray ricapitolò in seguito nella sua autobiografia che “… mise da parte la cinepresa sapendo che il suo approccio alle riprese era completamente diverso da quello che l”industria e il pubblico si aspettavano da lui”. Ciononostante, rimase a Hollywood per undici anni, lavorando come consulente non ufficiale in progetti cinematografici o contribuendo con oggetti o dipinti come oggetti di scena. Il suo unico contributo degno di nota rimase Ruth, Roses and Revolvers (1945), un episodio sceneggiato per il film di Hans Richter Dreams That Money Can”t Buy, completato due anni dopo, al quale parteciparono anche Alexander Calder, Marcel Duchamp, Max Ernst e Fernand Léger. In questi anni, Man Ray si dedicò di nuovo alla pittura, raggiungendo solo occasionalmente la macchina fotografica, e quando lo fece, la sua seconda moglie Juliet fu il soggetto principale. Juliet Browner, che Man Ray aveva incontrato a Hollywood nel 1940, era giovane e vivace e lo ispirava sempre a nuove idee. Ha creato numerose serie di ritratti di Giulietta, che ha continuato ad aggiungere durante la sua vita. Solo la sua prima moglie Adon Lacroix, Kiki de Montparnasse e Lee Miller avevano precedentemente avuto un”influenza altrettanto forte sull”artista.

A metà degli anni ”40, Man Ray cominciò a dare lezioni occasionali sul dadaismo e sul surrealismo. Durante questo periodo, Man Ray creò numerosi oggetti, che chiamò Objects Of My Affection. Ha esposto dieci di questi oggetti alla mostra Pioneers of Modern Art in America al Whitney Museum di New York nel 1946. Le nuove opere mostravano umorismo e una certa autoironia; Man Ray descrisse l”oggetto Silent Harp (1944), che consisteva nel collo di un violino, come il “Violon d”Ingres di un musicista frustrato”. Può sentire il colore con la stessa naturalezza con cui vede i toni”. Il 24 ottobre 1946, lui e Juliet Browner si sposarono in un doppio matrimonio insieme a Max Ernst e Dorothea Tanning a Beverly Hills. Intorno al 1947, Man Ray ricevette la buona notizia da Parigi che la sua casa a Saint-Germain-en-Laye e molte delle sue opere erano state risparmiate dalla guerra. Insieme a Giulietta, partì per Parigi in estate per setacciare la collezione. Con l”eccezione del quadro Le Beau Temps, Man Ray spedì tutte le opere a Hollywood. Tornò in America nell”autunno dello stesso anno. Nel 1948, combinò le opere portate da Parigi con il nuovo ciclo di pittura astratto-geometrica Equazioni per Shakespeare per una mostra intitolata Paintings Repatriated from Paris alla William Copley Gallery di Los Angeles. In senso stretto, Equazioni per Shakespeare era una ripresa di una serie iniziata a Parigi dieci anni prima. Per la mostra alla Copley Gallery, l”elaborato catalogo To Be Continued Unnoticed fu prodotto come una cartella non rilegata che, oltre al catalogo della mostra, includeva anche numerose riproduzioni di disegni di lavoro, oggetti e opere fotografiche, nonché recensioni di mostre degli anni precedenti nel caratteristico stile nonsense delle riviste Dada dell”epoca, riunite in un contesto concettuale. L”inaugurazione della mostra il 13 dicembre 1948 fu un grande evento e ricordò ancora una volta i “buoni” anni di Parigi. Numerosi artisti visivi, scrittori e registi internazionali erano tra gli ospiti del Café Man Ray, come veniva chiamato il vernissage in allusione ai caffè parigini. La mostra di Man Ray fu sia il culmine che la conclusione del suo lavoro a Los Angeles. Nonostante il rispettabile successo sulla West Coast, Man Ray sentì che la risposta del pubblico negli Stati Uniti era troppo bassa e così fu naturale il suo ritorno a Parigi nel 1951.

Ritorno a Parigi 1951-1976

Nel maggio 1951, Man Ray e sua moglie Juliet si trasferirono in un monolocale in Rue Férou a Parigi, dove visse fino alla fine della sua vita. Negli anni seguenti, nonostante un”intensa partecipazione a mostre in Europa e oltreoceano, la situazione si fa più tranquilla per l”artista, che preferisce ora dedicarsi a variazioni astratte o a riproduzioni di opere precedenti (tra cui Cadeau, riproduzione 1974) e sperimenta occasionalmente la fotografia a colori. Continuò anche a dedicarsi alla fotografia di ritratto; negli anni 1950-1960, per esempio, produsse fotografie di Juliette Gréco, Catherine Deneuve e altri colleghi artisti. In questo periodo produsse anche opere in acrilico, come i cosiddetti Natural Paintings tra il 1957 e il 1965, in cui sperimentò disposizioni casuali di stesure acriliche a impasto (Decembre ou le clown, Othello II, 1963). Nel 1958 partecipò alla mostra Dada, Dokumente einer Bewegung al Kunstverein Düsseldorf e a una mostra Dada allo Stedelijk Museum di Amsterdam. L”anno seguente, 1959, lavora come consulente cinematografico per il cortometraggio documentario Paris la belle di Pierre Prévert. Nel 1960, fu rappresentato alla Photokina di Colonia; alla Biennale di Venezia del 1961, ricevette la medaglia d”oro per la fotografia. Nel 1963, Man Ray presentò la sua autobiografia Self-Portrait a Londra. Per il cinquantesimo anniversario del dadaismo nel 1966, Man Ray prese parte a una grande retrospettiva dadaista esposta a Parigi al Musée National d”Art Moderne, alla Kunsthaus Zürich e al Civico Museo d”Arte Contemporanea di Milano. Nel 1966, Man Ray ricevette la sua prima grande retrospettiva al Los Angeles County Museum of Art. Nel 1974, in occasione del suo 85° compleanno, una mostra personale di 224 opere, organizzata da Roland Penrose e Mario Amaya, si tenne al New York Cultural Center con il motto Man Ray Inventore-Pittore-Poeta e fu poi esposta nel 1975 all”Institute of Contemporary Arts di Londra, alla Alexander Iolas Gallery di Atene e infine al Palazzo delle Esposizioni di Roma. Man Ray morì a Parigi il 18 novembre 1976. Fu sepolto al Cimetière Montparnasse. L”iscrizione sulla sua lapide recita: “non preoccupato, ma non indifferente”.

Sua moglie Juliet Browner Man Ray si prese cura del patrimonio di Man Ray fino alla sua morte nel 1991 e donò molte delle sue opere ai musei. Ha fondato il Man Ray Trust. Il trust possiede una grande collezione di opere originali e detiene i diritti d”autore dell”artista. Juliet è stata sepolta accanto a Man Ray.

Fotografie

Più in là:

Oggetti

Molti degli oggetti di Man Ray sono stati creati al solo scopo di essere fotografati e successivamente distrutti.

Filmografia

Man Ray è rimasto enigmatico per molte persone, difficile da raggiungere e ha guadagnato attenzione solo in tarda età. L”ampiezza della sua complessa opera rende difficile categorizzarlo in termini di forma e stile. Ha unito quasi tutte le direzioni dell”arte moderna all”inizio del XX secolo, motivo per cui è stato spesso generalizzato come “modernista” o “innovatore del modernismo”. Insieme a Marcel Duchamp e Francis Picabia, Man Ray fu la forza trainante del Dada di New York, ma anche lì era chiaramente sulla soglia del surrealismo. André Breton chiamò Man Ray un “pre-surrealista” perché molte delle sue opere indicavano la strada per il movimento successivo. Anche se Man Ray scrisse molti articoli con approcci e riflessioni teoriche sull”arte durante la sua vita, egli stesso non fu mai veramente interessato o coinvolto in una manifestazione o sovrastruttura dogmatica di un particolare movimento artistico. Con questa “posizione da outsider”, nata in parte per necessità, e l”urgente desiderio di reinventarsi costantemente, probabilmente seguì il suo amico e mentore Duchamp.

Il direttore del museo francese e organizzatore della mostra Jean-Hubert Martin ha descritto Man Ray come “un instancabile vagabondo nel regno sconfinato della creatività”. Nella fotografia, ha provato di tutto senza mai lasciarsi intrappolare dalle convenzioni. La sua opera è incredibilmente varia e quantitativamente ancora oggi non del tutto compresa. I suoi numerosi assemblaggi di oggetti, composti da ogni sorta di cose, hanno un effetto stimolante sull”immaginazione”.

Tipica dell”opera di Man Ray è l”idea della costante ripetizione e riproduzione meccanica, anche in termini commerciali, anticipando così un principio fondamentale di Andy Warhol e della Pop Art in generale. Man Ray ha anche delle somiglianze biografiche con Warhol: entrambi provenivano da famiglie di immigrati poveri e più tardi si trasferirono in circoli sociali più alti, da cui trassero per lo più le loro commissioni, ma erano essenzialmente dei solitari.

Significato per la fotografia

Man Ray passò dalla pittura alla fotografia e nel processo abolì i confini tra fotografia “documentaria-utilitaria” e “creativa”: Da un lato, come testimone contemporaneo, ha fornito importanti documenti fotografici degli “anni dell”infanzia” dell”arte moderna contemporanea del XX secolo; dall”altro, attraverso la sua gioia nella sperimentazione, ha ampliato lo spettro della “fotografia leggera” dell”epoca, in un momento in cui si credeva che “tutto fosse già stato fotografato attraverso”. Ha ritratto quasi tutti i personaggi importanti della scena culturale allo zenit creativo di Parigi negli anni 1920 e ha così creato un”opera come solo Nadar prima di lui.

Man Ray ha dato un impulso importante al surrealismo con la sua varietà di tecniche, il collage fotografico, il rayogram – o solarizzazione. Sospendendo il significato ordinario degli oggetti e dando loro una componente onirica, sensuale, persino erotica, si differenziò dai suoi contemporanei europei come Moholy-Nagy o Lissitzky, che, seguendo le idee del Bauhaus e del Costruttivismo, cercavano la sobria immagine non oggettiva.

Il teorico dell”arte Karel Teige, invece, lo descrisse come un “pittore cubista di seconda categoria che, grazie alla moda dell”epoca, divenne dadaista, smise di dipingere e cominciò a costruire costruzioni metameccaniche – simili alle costruzioni suprematiste dei russi Rodchenko e Lissitzky – per poterle infine fotografare con una precisa conoscenza del mestiere fotografico. Il che evidenzia il dilemma di Man Ray: la fotografia non è stata considerata “arte” per molto tempo: I dadaisti, che erano dominati dai letterati, lo apprezzavano come amico e documentarista, ma gli negavano il riconoscimento artistico come pittore e fotografo.

Mentre la maggior parte degli artisti e dei critici americani contemporanei, come Thomas Hart Benton, lo consideravano piuttosto distante e con disprezzo come un “artigiano” – poiché la fotografia era “inseparabile” dalla meccanica e al massimo riconosceva Alfred Stieglitz, Paul Strand e Edward Steichen – solo Georgia O”Keeffe, che era lei stessa interessata alle possibilità della fotografia, era pronta a metterlo in evidenza come un “giovane pittore con tendenze ultramoderne”. Il critico Henry McBride, in occasione di una mostra alla Vallentine Gallery di New York, lo definì “… un dadaista di origine e l”unico importante che l”America abbia prodotto”.

Per molti fotografi e cineasti, Man Ray è stato consigliere, scopritore, insegnante e spiritus rector allo stesso tempo: tra loro ci sono nomi noti come Eugène Atget, Berenice Abbott, Bill Brandt o Lee Miller.

Significato per il film

Man Ray produsse solo quattro cortometraggi negli anni ”20, che, insieme ai sensazionali Un cane dell”Andalusia (1928) e L”Age d”Or (L”Età dell”Oro) di Buñuel e Salvador Dalì, sono considerati opere pioniere del cinema sperimentale poetico-surrealista. Inoltre, ha lavorato soprattutto come consulente per altre produzioni cinematografiche. Attraverso le sue frequentazioni con René Clair, Jean Cocteau e altri cineasti nei primi anni ”30, Man Ray fu anche coinvolto nel realismo poetico del cinema francese. L”influenza stilistica di Man Ray sulla cinematografia si ritrova in numerosi film d”arte; per esempio, Marcel Carné, Jean Genet o Jean Renoir o nei film underground del dopoguerra di, per esempio, Kenneth Anger, Jonas Mekas o Andy Warhol.

Significato per la pittura

In pittura, Man Ray ha ricapitolato e riprodotto quasi tutti gli stili dei suoi contemporanei in un tempo molto breve, esplicitamente dal 1911 al 1917: A partire dall”impressionismo, la sua ricerca quasi ossessiva della propria iconografia lo portò agli elementi stilistici futuristi, alcuni dei quali si possono trovare anche nelle opere di Picabia. Man Ray si trovava quindi in un crocevia pittorico caratteristico dell”inizio del Precisionismo come primo movimento artistico americano “proprio” e come separazione dal Modernismo europeo allo stesso tempo. Tuttavia, Man Ray non ha seguito il percorso tradizionale della pittura su tavola. Il processo della sua creazione di immagini era più un processo seriale, guidato dalla ricerca “di un sistema che potesse sostituire il pennello, persino superarlo”. Tra il 1917 e il 1919, Man Ray utilizzò pistole a spruzzo e stencil per introdurre l”aerografia, che aveva sviluppato ulteriormente, nella pittura come un dispositivo stilistico multifunzionale “macchina”. Ha così anticipato il concetto delle serigrafie di Warhol e la loro riproducibilità arbitraria. Nell”opera cubista liricamente astratta Revolving Doors (191617), Man Ray mostra sovrapposizioni cromatiche in collage di carte trasparenti che seguono un principio costruttivista e sono apparenti “freeze frames” di un apparato artistico cinetico, come si può trovare più tardi, nel 1930, indipendentemente da Man Ray, nel Bauhaus come “modulatore luce-spazio” con Moholy-Nagy. Man Ray produsse le Revolving Doors come serie nel 1926.

In contrasto con le sue significative fotografie e oggetti, l”opera pittorica di Man Ray appare meno “giocosa” e più inaccessibile, culminando infine nel suo capolavoro surreale A l”heure de l”observatoire – Les Amoureux (1932-1934), che Man Ray era così preso che lui stesso lo ricevette ripetutamente. Le sue opere successive attingono al cubismo sintetico, riprendono le idee degli anni newyorkesi o, in quadri come La Fortune II, si appoggiano alle tautologie codificate di René Magritte e alle composizioni sceniche della Pittura metafisica. Man Ray, tuttavia, non riuscì a riprendere le tendenze pittoriche del modernismo dopo il 1945. Critici come l”esperto di surrealismo René Passeron hanno tuttavia valutato l”importanza di Man Ray per la pittura come meno rilevante: “Se Man Ray fosse stato solo un pittore, non sarebbe stato certamente uno degli artisti visivi più importanti del surrealismo.

Onorificenze

Nel 2017, un ragno originario di Cuba ha preso il suo nome: Spintharus manrayi.

Monografie

Basi di dati

Foto

Varie

Se non diversamente indicato, l”articolo principale si basa sulle monografie cronologicamente divergenti e sulle recensioni di opere di Merry Foresta, Stephen C. Foster, Billy Klüver, Julie Martin, Francis Naumann, Sandra S. Phillips, Roger Shattuck ed Elisabeth Hutton Turner, alcune delle quali apparvero in forma abbreviata nell”edizione originale in lingua inglese Perpetual Motif: The Art of Man Ray (edizione tedesca: Man Ray – Sein Gesamtwerk), Edition Stemmle, Zurigo, 1989, ISBN 3-7231-0388-X. Le note sulla tecnica sono basate su Floris M. Neusüss: Das Fotogramm in der Kunst des 20. Jahrhunderts. DuMont, Colonia 1990, ISBN 3-7701-1767-0.

Fonti