Oleksandr Archypenko

gigatos | Agosto 17, 2022

Riassunto

Alexander Porfyrovych Archipenko è stato uno scultore americano di origine ucraina, nato a Kiev il 30 maggio 1887 e morto a New York il 25 febbraio 1964.

Figlio di un ingegnere, Alexander Archipenko ha studiato anche matematica. L”artista era affascinato dal rapporto tra arte e scienza. Si è formato in pittura e scultura a Kiev e a Mosca dal 1902 al 1906. In questo periodo si appassiona alle icone bizantine, agli affreschi e ai mosaici di Kiev. Dopo un soggiorno a Mosca, nel 1908 si trasferisce a Parigi dove entra in contatto con le avanguardie, in particolare con il gruppo cubista. Si stabilisce a La Ruche, 2, passage de Dantzig, un ex padiglione del vino dell”Esposizione Universale del 1889 trasformato in atelier di artisti. Lavorò da solo, preferendo andare al Louvre per studiare la scultura greca arcaica piuttosto che andare alle Beaux-Arts, dove disprezzava l”insegnamento accademico. L”artista aveva già rimproverato i suoi insegnanti della scuola d”arte di Kiev, che finirono per espellerlo. Influenzato da Rodin fino alle opere presentate a Mosca nel 1906, a 24 anni si afferma come uno dei leader della scultura d”avanguardia.

Nel 1910 espone al Salon des indépendants di Parigi. Venerdì 21 aprile 1911, in occasione del 27° Salon des indépendants, le opere di Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, André Lhote, Joseph Csaky e Archipenko furono oggetto di critiche incendiarie degne di quelle suscitate dalla mostra dei Fauve. Considerati dei “master-cubes”, persino Guillaume Apollinaire rimase sconcertato da questa mostra. Gli si rimprovera la deviazione del cubismo, la sua caricatura e persino il suo antiaccademismo. L”assenza di Picasso e Braque (che esposero esclusivamente con la galleria di Daniel-Henry Kahnweiler) a questa mostra fu rimpianta.

La sua prima mostra personale ha avuto luogo in Germania, al Folkwang Hagen Museum, nel 1912. Nello stesso anno apre una scuola d”arte a Parigi ed entra a far parte della Section d”Or, realizzando i suoi primi dipinti a rilievo: gli sculpto-pitture. Nell”ottobre 1912, alla Galerie de la Boétie, viene organizzata la prima mostra del gruppo Section d”Or, con Léger, Gleizes, Metzinger, Gris, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Villon, Lhote, La Fresnaye, Marcoussis e Archipenko. Trentuno artisti con duecento dipinti senza la presenza di Picasso. Questa mostra ha un carattere didattico: il Cubismo entrò in una fase teorica quattro anni dopo la sua nascita. La mostra del gruppo Section d”Or provocò aspre critiche a queste opere rivoluzionarie: Apollinaire le difese nelle sue rubriche su L”Intransigeant o nelle prefazioni ai cataloghi.

Nel 1913, quattro delle sue opere furono esposte all”Armory Show di New York. Realizza le sue prime incisioni che vengono riprodotte nella pubblicazione futurista italiana Lacerba nel 1914. Partecipa al Salon des Indépendants nel 1914 e alla Biennale di Venezia nel 1920. Durante gli anni della guerra, l”artista vive a Cimiez, vicino a Nizza. Dal 1919 al 1921 si reca a Ginevra, Zurigo, Parigi, Londra, Bruxelles, Atene e altre città europee per esporre le sue opere. La sua prima mostra personale negli Stati Uniti ha luogo nel 1921 a New York presso la Société Anonyme. Nel 1923 lasciò Berlino per gli Stati Uniti dove, nel corso degli anni, aprì diverse scuole d”arte a New York, Woodstock, Los Angeles e Chicago. Nei trent”anni successivi insegnò negli Stati Uniti presso scuole d”arte e università, anche presso il New Bauhaus, che ebbe vita breve. Divenne cittadino americano nel 1928.

Nel 1933 espone al Padiglione dell”Ucraina a Chicago, nell”ambito dell”Esposizione Universale Century of Progress. Dal 1937 al 1939 è stato istruttore associato presso la New Bauhaus School of Industrial Arts di Chicago. La maggior parte delle opere dell”artista presenti nei musei tedeschi furono confiscate dai nazisti con l”intento di eliminare l”arte degenerata. Nel 1947 ha creato sculture illuminate dall”interno. Ha accompagnato una mostra itinerante delle sue opere in tutta la Germania nel 1955 e nel 1956. Inizia a scrivere il libro Archipenko: 50 anni di creazione 1908-1958, pubblicato nel 1960. Il libro contiene contributi di cinquanta storici dell”arte e testi di Archipenko sulla creazione artistica. Nel 1962 è stato eletto membro dell”American Academy of Arts and Letters.

Per Archipenko, “è difficile classificare il lavoro di un artista in periodi”. E aggiunge: “Non ho mai fatto parte di scuole: sono stato espulso dalle scuole. Ho fatto ricerca, ho inventato e sperimentato, poi sono stato imitato… Per ogni artista, l”arte è un flusso creativo ascendente verso la scoperta individuale della verità nelle forme della natura e i periodi sono solo scatole nella mente dei critici.

Il problema sollevato dalla scultura secondo Archipenko è il volume e la connessione delle masse tra loro. In questo è ancora più estremo di scultori moderni come Brancusi o Duchamp-Villon che, come lui, fanno parte del gruppo della Sezione Aurea. Il suo tema principale è quello del vuoto, che ha la forza dell”oggetto assente e quindi crea volume. La semplificazione e l”ovvietà dei volumi, pur mantenendo l”aspetto figurativo, sono i principi della sua scultura. La sua arte, caratterizzata da un grande rigore matematico, lascia un posto predominante al corpo femminile. Gli piace ricordare l”onnipresenza degli idoli di pietra degli antichi slavi nella sua infanzia.

Picasso aveva sviluppato le prime regole di questa grammatica scultorea: la policromia, l”integrazione dei materiali più diversi, l”uso ritmico dei piani e l”aspetto di forme aperte. Come la pittura, la scultura cubista si occupa principalmente del rapporto tra gli oggetti e lo spazio, dei volumi e dei vuoti che li separano o in cui sono inseriti. L”influenza del Futurismo italiano, soprattutto attraverso Boccioni, che Archipenko incontra nel 1912, porta alla formazione di forme dinamiche. Archipenko ha esplorato in particolare la dialettica delle forme concave e convesse.

Sviluppò uno stile personale con masse corporee stereometricamente semplificate, figure spazialmente erette, forme smussate, angoli acuti, fratture cristalline dall”inventario formale del cubismo e si ispirò anche al manierismo.

Ad eccezione di Boccioni, nessuno scultore si è posto l”analisi dello spazio, il problema centrale di questo decennio, come un assoluto. Nessun artista ha spinto l”interazione tra volume e vuoto in modo così personale verso domini espressivi e lirici, dinamici e statuari. Ha raggiunto un”unione tra rigore formale e fascino ludico. Ha unificato in un”unica forma i quattro elementi inafferrabili: spazio, trasparenza, luce e riflessione, dando vita a una scultura moderna dalla forma concava.

Torso (1909) è la sua prima scultura con tendenze cubiste. Mostra come disarticola i volumi e li perfora per far penetrare lo spazio.

Nel 1909 e nell”anno successivo non conosceva ancora il cubismo e si ispirò alle sculture piegate di Barlach o Köllwitz (Donna e gatto del 1910 o Donna con gatto del 1911). Nel 1911-12 si dispiegano e si avverte l”influenza cubista nelle cosce e nelle braccia gonfie o, al contrario, un eticismo (Donna che cammina del 1912). A partire dal 1911 partecipa attivamente al movimento cubista. I problemi plastici che la sua scultura affronta in quel periodo sono decisamente nuovi: i volumi pieni, il rapporto tra i vuoti e i volumi pieni nelle cavità. Voleva simboleggiare la “realtà assente”. Con Femme qui marche del 1912, per la prima volta risparmia una testa in negativo. Nel 1912 individua il suo tema preferito: la compenetrazione di corpo e spazio, lo sviluppo di curve concave e convesse in modo che la forma scultorea diventi in qualche modo percepibile attraverso la sua matrice. Sviluppa una propria teoria delle forme complementari: ogni vuoto genera la sua antitesi immaginaria.

Con Medrano, realizzato nel 1912, crea il suo primo assemblaggio di vari materiali dipinti (vetro, legno e metallo). In una costante ricerca artistica, ha sviluppato nuovi metodi di creazione e ha creato un”interazione tra pittura e scultura. Con Medrano I Le Jongleur, nel 1912, utilizza legno, vetro e filo metallico. I Medrano sono bambole articolate che assomigliano ad arlecchini di legno e che utilizzano vetro, lamine metalliche, filo di ferro, coni cilindrici e dischi energizzati da vernici policrome. Con questa liberazione della forma, Archipenko rompe con la scultura tradizionale e si afferma come uno dei maestri dell”avanguardia. Egli ha fatto rivivere un genere trascurato dal XVII secolo dalla scultura occidentale, la policromia.

Le sue sculpto-pitture create nel 1912 sono rilievi in gesso dipinti. Tra pittura e scultura, ha studiato il rapporto reciproco tra forma e colore, l”uno accentuando o diminuendo l”altro. Queste due arti si uniscono o si contrappongono a livello visivo e spirituale, a seconda dell”obiettivo.

Dal 1913 al 1916 la forma domina la realtà. Con La danza, nel 1912, definisce uno spazio interno ascendente intriso di leggerezza attraverso l”arabesco formato da una coppia. Ha organizzato questa scultura intorno al vuoto. In questo lavoro sul vuoto e sul pieno, si è guardato bene dal completare i corpi, le cui membra ha fermato quando la plasticità glielo ha comandato, introducendo il vuoto come elemento portante, come in Donna del 1915, la cui testa è disegnata intorno a un vuoto.

Nel 1913 crea una scultura in filo metallico che Apollinaire chiama “en baleine de parapluie”. In seguito, il suo trattamento del cubismo si orienterà verso il costruttivismo.

Con La Boxe del 1913, l”artista cerca di tradurre in forme astratte l”energia brutale dello sport. I pugili sono ridotti a forme appuntite che si incastrano tra loro e si scontrano violentemente, i muscoli sono sostituiti da un”energia ritmica.

Tête constructiviste (1913) è costituita da un assemblaggio di piani. Il Gondoliere (1914) è composto in sezioni leggermente spostate per dare un senso di movimento nella prospettiva futurista. Con Natura morta (1915), questo innovatore dà anche uno dei suoi rari dipinti in rilievo.

Al suo arrivo negli Stati Uniti, all”inizio degli anni Venti, abbraccia la tradizione: prevale la morbidezza, la perfezione e la rilassatezza. Con Femme (1920), torna immediatamente alla scultura con un”alta figura in metallo su pannello dipinto. È diventato tradizionale.

Dal 1924 al 1928 sviluppa l”Archipentura.  Gli archipeintura del 1924 sono tele messe in movimento da motori abilmente nascosti: un meccanismo elettrico alla base del dispositivo mette in moto il telaio centrale e migliaia di frammenti dipinti appaiono in successione sulla superficie per formare un quadro completo. Questa invenzione è stata realizzata a New York. La sua ricerca è sempre stata l”animazione visiva delle sue opere, sia perforandole nella massa in modo che lo spazio le penetri, sia utilizzando materiali come il vetro, il legno o il metallo e persino per le sue sculture-pittura aggiungendo il colore.

En Famille (1935) è un”opera concentrata influenzata dal costruttivismo.

Nelle due dimensioni si trovano anche opere eccezionali come questa figura femminile a guazzo, le cui masse brune e bianche alternate creano il rilievo del corpo (Moonlight in 1937).

Negli anni ”40 e ”50 continua le sue esplorazioni artistiche utilizzando materiali e tecniche. Per la Figura assise, ad esempio, ha utilizzato plastica tagliata e illuminata. Riprende le forme iniziali, in gran parte scomparse, in formati giganteschi (Figures d”acier nel 1951, Cléopâtre nel 1957). Negli anni Cinquanta si rese conto di aver sbagliato a orientarsi per un certo periodo e si accinse a pasticheggiare i suoi inizi o a ricostruirli, dato che molte delle sue opere non sopravvissero alla Prima guerra mondiale.

A partire dalla fine degli anni Cinquanta, ritorna al suo stile cubo-costruttivista, con figure fortemente geometriche, che conservano vuoti significativi, e il più delle volte simmetriche (Kimono del 1961 o Roi Salomon del 1963).

Leggi anche, civilta – Impero seleucide

Collegamenti esterni

Fonti

1. Alexander Archipenko
2. Oleksandr Archypenko
3. ^ “Alexander Archipenko”. Retrieved 27 July 2022.
4. ^ Donald H. Karshan, Archipenko, Content and Continuity 1908–1963, Kovlan Gallery, Chicago, 1968. p. 40.
5. https://www.collectienederland.nl/dimcon/defundatie/1998
6. a b Integrált katalógustár. (Hozzáférés: 2014. április 26.)
7. a b SNAC (angol nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)