Paul Gauguin

gigatos | Novembre 12, 2021

Post Views: 130

Riassunto

Eugène Henri Paul Gauguin (7 giugno 1848 – 8 maggio 1903) è stato un artista francese post-impressionista. Non apprezzato fino a dopo la sua morte, Gauguin è ora riconosciuto per il suo uso sperimentale del colore e lo stile sintetista che erano distinti dall”impressionismo. Verso la fine della sua vita, trascorse dieci anni nella Polinesia francese. I dipinti di questo periodo raffigurano persone o paesaggi di quella regione.

Il suo lavoro ha influenzato l”avanguardia francese e molti artisti moderni, come Pablo Picasso e Henri Matisse, ed è ben noto per la sua relazione con Vincent e Theo van Gogh. L”arte di Gauguin divenne popolare dopo la sua morte, in parte grazie agli sforzi del mercante Ambroise Vollard, che organizzò mostre del suo lavoro alla fine della sua carriera e aiutò ad organizzare due importanti mostre postume a Parigi.

Gauguin fu una figura importante nel movimento simbolista come pittore, scultore, stampatore, ceramista e scrittore. La sua espressione del significato intrinseco dei soggetti nei suoi dipinti, sotto l”influenza dello stile cloisonnista, aprì la strada al Primitivismo e al ritorno al pastorale. Fu anche un influente sostenitore dell”incisione su legno e della xilografia come forme d”arte.

Storia familiare e prima vita

Gauguin è nato a Parigi da Clovis Gauguin e Aline Chazal il 7 giugno 1848. La sua nascita coincide con gli sconvolgimenti rivoluzionari di quell”anno in tutta Europa. Suo padre, un giornalista liberale di 34 anni, proveniva da una famiglia di imprenditori residenti a Orléans. Fu costretto a fuggire dalla Francia quando il giornale per il quale scriveva fu soppresso dalle autorità francesi. La madre di Gauguin era la figlia ventiduenne di André Chazal, un incisore, e Flora Tristan, un”autrice e attivista dei primi movimenti socialisti. La loro unione finì quando André aggredì sua moglie Flora e fu condannato alla prigione per tentato omicidio.

La nonna materna di Paul Gauguin, Flora Tristan, era la figlia illegittima di Thérèse Laisnay e Don Mariano de Tristan Moscoso. I dettagli del background familiare di Thérèse non sono noti; Don Mariano proveniva da una famiglia spagnola aristocratica della città peruviana di Arequipa. Era un ufficiale dei dragoni. I membri della ricca famiglia Tristan Moscoso occupavano posizioni potenti in Perù. Tuttavia, la morte inaspettata di Don Mariano gettò la sua amante e la figlia Flora nella povertà. Quando il matrimonio di Flora con André fallì, lei chiese e ottenne una piccola somma di denaro dai parenti peruviani di suo padre. Salpò per il Perù nella speranza di ampliare la sua parte della fortuna della famiglia Tristan Moscoso. Questo non si materializzò mai; ma pubblicò con successo un diario di viaggio popolare delle sue esperienze in Perù che lanciò la sua carriera letteraria nel 1838. Attiva sostenitrice delle prime società socialiste, la nonna materna di Gauguin contribuì a gettare le basi dei movimenti rivoluzionari del 1848. Messa sotto sorveglianza dalla polizia francese e sofferente per il troppo lavoro, morì nel 1844. Suo nipote Paul “idolatrava sua nonna, e tenne con sé copie dei suoi libri fino alla fine della sua vita”.

Nel 1850, Clovis Gauguin partì per il Perù con la moglie Aline e i figli piccoli nella speranza di continuare la sua carriera giornalistica sotto gli auspici delle relazioni sudamericane della moglie. Morì di un attacco di cuore durante il viaggio, e Aline arrivò in Perù come vedova con Paul di 18 mesi e sua sorella Marie di 21⁄2 anni. La madre di Gauguin fu accolta dal nonno paterno, il cui genero avrebbe presto assunto la presidenza del Perù. Fino all”età di sei anni, Paul godette di un”educazione privilegiata, assistito da bambinaie e servitori. Conserva un ricordo vivido di quel periodo della sua infanzia che gli infonde “impressioni indelebili sul Perù che lo perseguiteranno per il resto della sua vita”.

L”infanzia idilliaca di Gauguin finì bruscamente quando i suoi mentori di famiglia caddero dal potere politico durante i conflitti civili peruviani nel 1854. Aline tornò in Francia con i suoi figli, lasciando Paul con il nonno paterno, Guillaume Gauguin, a Orléans. Privata dal clan peruviano Tristan Moscoso di una generosa rendita disposta da suo prozio, Aline si stabilì a Parigi per lavorare come sarta.

Istruzione e primo lavoro

Dopo aver frequentato un paio di scuole locali, Gauguin fu mandato al prestigioso collegio cattolico Petit Séminaire de La Chapelle-Saint-Mesmin. Trascorse tre anni nella scuola. All”età di quattordici anni, entrò all”Istituto Loriol a Parigi, una scuola preparatoria per la marina, prima di tornare a Orléans per fare l”ultimo anno al Lycée Jeanne D”Arc. Gauguin si arruolò come assistente pilota nella marina mercantile. Tre anni dopo, si unì alla marina francese nella quale servì per due anni. Sua madre morì il 7 luglio 1867, ma lui non lo seppe per diversi mesi finché una lettera di sua sorella Marie lo raggiunse in India.

Nel 1871, Gauguin torna a Parigi dove si assicura un lavoro come agente di cambio. Un caro amico di famiglia, Gustave Arosa, gli procurò un lavoro alla Borsa di Parigi; Gauguin aveva 23 anni. Divenne un uomo d”affari parigino di successo e lo rimase per i successivi 11 anni. Nel 1879 guadagnava 30.000 franchi all”anno (circa 145.000 dollari nel 2019) come agente di cambio e altrettanti nel mercato dell”arte. Ma nel 1882 la borsa di Parigi crollò e il mercato dell”arte si contrasse. I guadagni di Gauguin si deteriorarono bruscamente e alla fine decise di dedicarsi alla pittura a tempo pieno.

Matrimonio

Nel 1873, sposò una donna danese, Mette-Sophie Gad (Clovis (e Paul Rollon (1883-1961). Nel 1884, Gauguin si trasferì con la sua famiglia a Copenaghen, Danimarca, dove perseguì una carriera commerciale come venditore di teloni. Non fu un successo: Non sapeva parlare danese e i danesi non volevano teloni francesi. Mette divenne la principale fonte di guadagno, dando lezioni di francese a diplomatici in formazione.

La sua famiglia borghese e il suo matrimonio andarono in pezzi dopo 11 anni quando Gauguin fu spinto a dipingere a tempo pieno. Tornò a Parigi nel 1885, dopo che sua moglie e la sua famiglia gli chiesero di andarsene perché aveva rinunciato ai valori che condividevano. L”ultimo contatto fisico di Gauguin con loro fu nel 1891, e Mette alla fine ruppe decisamente con lui nel 1894.

Leggi anche, biografie – Rosa Luxemburg

Primi dipinti

Nel 1873, più o meno nello stesso periodo in cui diventa agente di cambio, Gauguin inizia a dipingere nel suo tempo libero. La sua vita parigina si concentra nel 9° arrondissement di Parigi. Gauguin viveva al 15 di rue la Bruyère. Nelle vicinanze c”erano i caffè frequentati dagli impressionisti. Gauguin visitava anche frequentemente le gallerie e acquistava opere di artisti emergenti. Strinse amicizia con Camille Pissarro e andava a trovarlo la domenica per dipingere nel suo giardino. Pissarro lo presentò a vari altri artisti. Nel 1877 Gauguin “si trasferì verso il basso e dall”altra parte del fiume nei quartieri più poveri, più nuovi e più urbani” di Vaugirard. Qui, al terzo piano di 8 rue Carcel, ebbe la prima casa in cui aveva uno studio.

Il suo intimo amico Émile Schuffenecker, un ex agente di cambio che aspirava anch”egli a diventare un artista, viveva nelle vicinanze. Gauguin espose dei quadri nelle mostre impressioniste del 1881 e del 1882 (in precedenza, una scultura di suo figlio Émile era stata l”unica scultura della quarta mostra impressionista del 1879). I suoi dipinti ricevettero recensioni sprezzanti, anche se molti di essi, come I giardini del mercato di Vaugirard, sono oggi molto apprezzati.

Nel 1882, il mercato azionario crollò e il mercato dell”arte si contrasse. Paul Durand-Ruel, il principale mercante d”arte degli impressionisti, fu particolarmente colpito dal crollo e per un periodo di tempo smise di comprare quadri di pittori come Gauguin. I guadagni di Gauguin si ridussero bruscamente e nei due anni successivi formulò lentamente i suoi piani per diventare un artista a tempo pieno. Le due estati seguenti, dipinse con Pissarro e occasionalmente con Paul Cézanne.

Nell”ottobre del 1883, scrisse a Pissarro dicendo che aveva deciso di guadagnarsi da vivere con la pittura a tutti i costi e chiese il suo aiuto, che Pissarro all”inizio fornì prontamente. Il gennaio seguente, Gauguin si trasferì con la sua famiglia a Rouen, dove potevano vivere più economicamente e dove pensava di aver intravisto delle opportunità visitando Pissarro l”estate precedente. Tuttavia, l”impresa non ebbe successo, e alla fine dell”anno Mette e i bambini si trasferirono a Copenaghen, Gauguin li seguì poco dopo nel novembre 1884, portando con sé la sua collezione d”arte, che in seguito rimase a Copenaghen.

La vita a Copenaghen si rivelò ugualmente difficile e il loro matrimonio divenne teso. Su sollecitazione di Mette, sostenuta dalla sua famiglia, Gauguin tornò a Parigi l”anno seguente.

Leggi anche, biografie – Benito Juárez

Francia 1885-1886

Gauguin tornò a Parigi nel giugno 1885, accompagnato da suo figlio Clovis di sei anni. Gli altri bambini rimasero con Mette a Copenaghen, dove ebbero il sostegno della famiglia e degli amici, mentre Mette stessa riuscì a trovare lavoro come traduttrice e insegnante di francese. Gauguin inizialmente trovò difficile rientrare nel mondo dell”arte a Parigi e passò il suo primo inverno di ritorno in condizioni di vera povertà, obbligato a fare una serie di lavori umili. Clovis alla fine si ammalò e fu mandato in un collegio, la sorella di Gauguin, Marie, fornì i fondi. Durante questo primo anno, Gauguin produsse pochissima arte. Espose diciannove dipinti e un rilievo in legno all”ottava (e ultima) mostra impressionista nel maggio 1886.

La maggior parte di questi dipinti erano lavori precedenti di Rouen o Copenaghen e non c”era nulla di veramente nuovo nei pochi nuovi, anche se il suo Baigneuses à Dieppe (“Donne che fanno il bagno”) introdusse quello che sarebbe diventato un motivo ricorrente, la donna tra le onde. Tuttavia, Félix Bracquemond acquistò uno dei suoi quadri. Questa mostra stabilì anche Georges Seurat come leader del movimento d”avanguardia a Parigi. Gauguin rifiutò sprezzantemente la tecnica neoimpressionista puntinista di Seurat e più tardi nell”anno ruppe decisamente con Pissarro, che da quel momento in poi fu piuttosto antagonista di Gauguin.

Gauguin trascorse l”estate del 1886 nella colonia di artisti di Pont-Aven in Bretagna. Fu attratto in primo luogo perché era economico vivere lì. Tuttavia, si trovò un successo inaspettato con i giovani studenti d”arte che vi affluivano in estate. Il suo temperamento naturalmente pugilistico (era sia un abile pugile che uno schermidore) non era un impedimento nella località balneare socialmente rilassata. Fu ricordato in quel periodo tanto per il suo aspetto stravagante quanto per la sua arte. Tra questi nuovi soci c”era Charles Laval, che avrebbe accompagnato Gauguin l”anno seguente a Panama e in Martinica.

Quell”estate, esegue alcuni disegni a pastello di figure nude alla maniera di Pissarro e quelli di Degas esposti all”ottava mostra impressionista del 1886. Dipinge soprattutto paesaggi come La Bergère Bretonne (“La pastorella bretone”), in cui la figura ha un ruolo subordinato. Il suo Jeunes Bretons au bain (“Giovani ragazzi bretoni che fanno il bagno”), che introduce un tema su cui ritorna ogni volta che visita Pont-Aven, è chiaramente debitore di Degas nel suo disegno e nell”uso audace del colore puro. I disegni ingenui dell”illustratore inglese Randolph Caldecott, usati per illustrare una guida popolare sulla Bretagna, avevano catturato l”immaginazione degli studenti artisti d”avanguardia di Pont-Aven, ansiosi di liberarsi dal conservatorismo delle loro accademie, e Gauguin li imitò consapevolmente nei suoi schizzi di ragazze bretoni. Questi schizzi furono poi elaborati in dipinti nel suo studio di Parigi. Il più importante di questi è Quattro donne bretoni, che mostra un marcato allontanamento dal suo precedente stile impressionista, oltre a incorporare qualcosa della qualità ingenua dell”illustrazione di Caldecott, esagerando i tratti fino al punto di caricatura.

Gauguin, insieme a Émile Bernard, Charles Laval, Émile Schuffenecker e molti altri, rivisitò Pont-Aven dopo i suoi viaggi a Panama e Martinica. L”uso audace del colore puro e la scelta simbolista del soggetto distinguono quella che oggi viene chiamata la Scuola di Pont-Aven. Deluso dall”impressionismo, Gauguin sentì che la pittura tradizionale europea era diventata troppo imitativa e mancava di profondità simbolica. Al contrario, l”arte dell”Africa e dell”Asia gli sembrava piena di simbolismo mistico e di vigore. C”era una moda in Europa a quel tempo per l”arte di altre culture, specialmente quella del Giappone (Giapponismo). Fu invitato a partecipare alla mostra del 1889 organizzata da Les XX.

Cloisonnismo e sintetismo

Sotto l”influenza dell”arte popolare e delle stampe giapponesi, il lavoro di Gauguin si è evoluto verso il Cloisonnismo, uno stile a cui il critico Édouard Dujardin diede il suo nome per descrivere il metodo di pittura di Émile Bernard con aree piatte di colore e contorni audaci, che ricordava a Dujardin la tecnica medievale di smaltatura cloisonné. Gauguin apprezzava molto l”arte di Bernard e la sua audacia nell”impiego di uno stile che si adattava a Gauguin nella sua ricerca di esprimere l”essenza degli oggetti nella sua arte.

Nel Cristo giallo di Gauguin (1889), spesso citato come quintessenza dell”opera cloisonnista, l”immagine era ridotta ad aree di colore puro separate da pesanti contorni neri. In tali opere Gauguin prestò poca attenzione alla prospettiva classica ed eliminò audacemente le sottili gradazioni di colore, rinunciando così ai due principi più caratteristici della pittura post-rinascimentale. La sua pittura si è poi evoluta verso il sintetismo in cui né la forma né il colore predominano, ma ognuno ha un ruolo uguale.

Martinica

Nel 1887, dopo aver visitato Panama, Gauguin trascorse il periodo da giugno a novembre vicino a Saint Pierre nell”isola caraibica della Martinica, accompagnato dal suo amico artista Charles Laval. I suoi pensieri ed esperienze durante questo periodo sono registrati nelle sue lettere a sua moglie Mette e al suo amico artista Emile Schuffenecker. Arrivò in Martinica passando per Panama, dove si era trovato al verde e senza lavoro. All”epoca la Francia aveva una politica di rimpatrio in base alla quale se un cittadino fosse rimasto al verde o bloccato in una colonia francese, lo stato avrebbe pagato il viaggio di ritorno in barca. Dopo aver lasciato Panama, protetti dalla politica di rimpatrio, Gauguin e Laval decisero di scendere dalla nave nel porto martinicano di St Pierre. Gli studiosi non sono d”accordo se Gauguin decise intenzionalmente o spontaneamente di rimanere sull”isola.

All”inizio, la ”capanna negra” in cui vivevano gli andava bene, e gli piaceva osservare le persone nelle loro attività quotidiane. Tuttavia, il tempo in estate era caldo e la capanna perdeva sotto la pioggia. Gauguin soffriva anche di dissenteria e di febbre palustre. Mentre era in Martinica, produsse tra le 10 e le 20 opere (12 è la stima più comune), viaggiò molto e apparentemente entrò in contatto con una piccola comunità di immigrati indiani; un contatto che avrebbe poi influenzato la sua arte attraverso l”incorporazione di simboli indiani. Durante il suo soggiorno, anche lo scrittore Lafcadio Hearn si trovava sull”isola. Il suo racconto fornisce un confronto storico per accompagnare le immagini di Gauguin.

Gauguin finì 11 dipinti conosciuti durante il suo soggiorno in Martinica, molti dei quali sembrano essere derivati dalla sua capanna. Le sue lettere a Schuffenecker esprimono un”eccitazione per il luogo esotico e gli indigeni rappresentati nei suoi dipinti. Gauguin affermò che quattro dei suoi dipinti sull”isola erano migliori degli altri. Le opere nel loro complesso sono coloratissime, dipinte in modo sciolto, scene figurative all”aperto. Anche se il suo tempo sull”isola fu breve, fu sicuramente influente. Riciclò alcune delle sue figure e schizzi in dipinti successivi, come il motivo in Among the Mangoes che è replicato sui suoi ventagli. Le popolazioni rurali e indigene rimasero un soggetto popolare nel lavoro di Gauguin dopo che lasciò l”isola.

Vincent e Theo van Gogh

I dipinti di Gauguin in Martinica furono esposti nella galleria del suo mercante di colori Arsène Poitier. Lì furono visti e ammirati da Vincent van Gogh e da suo fratello mercante d”arte Theo, la cui ditta Goupil & Cie aveva rapporti con Portier. Theo acquistò tre dipinti di Gauguin per 900 franchi e fece in modo che fossero appesi da Goupil, introducendo così Gauguin a clienti facoltosi. Questo accordo con Goupil continuò dopo la morte di Theo nel 1891. Allo stesso tempo, Vincent e Gauguin divennero amici intimi (da parte di Vincent equivaleva a qualcosa di simile all”adulazione) e corrispondevano insieme sull”arte, una corrispondenza che fu determinante per Gauguin nel formulare la sua filosofia dell”arte.

Nel 1888, su istigazione di Theo, Gauguin e Vincent passarono nove settimane a dipingere insieme nella Casa Gialla di Vincent ad Arles, nel sud della Francia. La relazione di Gauguin con Vincent si rivelò difficile. La loro relazione si deteriorò e alla fine Gauguin decise di andarsene. La sera del 23 dicembre 1888, secondo un resoconto molto più tardi di Gauguin, Vincent affrontò Gauguin con un rasoio dritto. Più tardi la stessa sera, egli si tagliò l”orecchio sinistro. Avvolse il tessuto reciso in un giornale e lo consegnò ad una donna che lavorava in un bordello che Gauguin e Vincent avevano entrambi visitato, e le chiese di “tenere questo oggetto con cura, in ricordo di me”. Vincent fu ricoverato in ospedale il giorno seguente e Gauguin lasciò Arles. Non si videro mai più, ma continuarono a corrispondere, e nel 1890 Gauguin arrivò a proporre loro di formare uno studio d”artista ad Anversa. Un autoritratto scultoreo del 1889, Jug in the Form of a Head, sembra fare riferimento alla traumatica relazione di Gauguin con Vincent.

Gauguin in seguito affermò di essere stato determinante nell”influenzare lo sviluppo di Vincent van Gogh come pittore ad Arles. Mentre Vincent sperimentò brevemente la teoria di Gauguin di “dipingere dall”immaginazione” in dipinti come Memoria del giardino di Etten, non gli piacque e tornò rapidamente a dipingere dalla natura.

Edgar Degas

Anche se Gauguin fece alcuni dei suoi primi passi nel mondo dell”arte sotto Pissarro, Edgar Degas fu l”artista contemporaneo più ammirato da Gauguin e una grande influenza sul suo lavoro fin dall”inizio, con le sue figure e gli interni così come un medaglione intagliato e dipinto della cantante Valérie Roumi. Aveva una profonda riverenza per la dignità artistica e il tatto di Degas. Fu l”amicizia più sana e duratura di Gauguin, che abbracciò tutta la sua carriera artistica fino alla sua morte.

Oltre ad essere uno dei suoi primi sostenitori, tra cui l”acquisto di opere di Gauguin e la persuasione del mercante Paul Durand-Ruel a fare lo stesso, non c”è mai stato un sostegno pubblico per Gauguin più incrollabile di quello di Degas. Anche Gauguin acquistò opere di Degas all”inizio e alla metà degli anni 1870 e la sua predilezione per la monotipia fu probabilmente influenzata dai progressi di Degas in questo campo.

La mostra Durand-Ruel di Gauguin nel novembre 1893, che Degas organizzò principalmente, ricevette recensioni contrastanti. Tra gli schernitori c”erano Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir e l”ex amico Pissarro. Degas, tuttavia, lodò il suo lavoro, acquistando Te faaturuma e ammirando la sontuosità esotica del folklore evocato da Gauguin. In segno di riconoscenza, Gauguin regalò a Degas La luna e la terra, uno dei quadri esposti che aveva attirato le critiche più ostili. La tarda tela di Gauguin Riders on the Beach (due versioni) ricorda i quadri di cavalli di Degas che iniziò negli anni 1860, in particolare Racetrack e Before the Race, testimoniando il suo effetto duraturo su Gauguin. Degas acquisterà in seguito due quadri all”asta di Gauguin del 1895 per raccogliere fondi per il suo ultimo viaggio a Tahiti. Si tratta di Vahine no te vi (Donna con mango) e la versione che Gauguin dipinse dell”Olympia di Manet.

Prima visita a Tahiti

Nel 1890, Gauguin aveva concepito il progetto di fare di Tahiti la sua prossima destinazione artistica. Un”asta di quadri di successo a Parigi all”Hôtel Drouot nel febbraio 1891, insieme ad altri eventi come un banchetto e un concerto di beneficenza, fornì i fondi necessari. L”asta era stata notevolmente aiutata da una recensione lusinghiera di Octave Mirbeau, corteggiato da Gauguin attraverso Camille Pissarro. Dopo aver visitato la moglie e i figli a Copenaghen, per quella che si rivelò essere l”ultima volta, Gauguin salpò per Tahiti il 1° aprile 1891, promettendo di tornare ricco e di ricominciare da capo. Il suo intento dichiarato era quello di sfuggire alla civiltà europea e a “tutto ciò che è artificiale e convenzionale”. Ciononostante, si preoccupò di portare con sé una collezione di stimoli visivi sotto forma di fotografie, disegni e stampe.

Trascorse i primi tre mesi a Papeete, la capitale della colonia e già molto influenzata dalla cultura francese ed europea. La sua biografa Belinda Thomson osserva che deve essere rimasto deluso dalla sua visione di un idillio primitivo. Non poteva permettersi lo stile di vita di piacere a Papeete, e un primo tentativo di ritratto, Suzanne Bambridge, non era ben visto. Decise di stabilire il suo studio a Mataiea, Papeari, a circa 45 chilometri da Papeete, installandosi in una capanna di bambù in stile nativo. Qui eseguì dipinti che rappresentavano la vita tahitiana come Fatata te Miti (In riva al mare) e Ia Orana Maria (Ave Maria), quest”ultimo divenne il suo dipinto tahitiano più apprezzato.

Molti dei suoi migliori dipinti risalgono a questo periodo. Il suo primo ritratto di una modella tahitiana è ritenuto essere Vahine no te tiare (Donna con un fiore). Il dipinto è notevole per la cura con cui delinea i tratti polinesiani. Invia il quadro al suo mecenate George-Daniel de Monfreid, amico di Schuffenecker, che diventerà il devoto campione di Gauguin a Tahiti. Alla fine dell”estate del 1892 questo quadro fu esposto nella galleria di Goupil a Parigi. La storica dell”arte Nancy Mowll Mathews ritiene che l”incontro di Gauguin con la sensualità esotica a Tahiti, così evidente nel dipinto, fu di gran lunga l”aspetto più importante del suo soggiorno lì.

A Gauguin furono prestate copie del Voyage aux îles du Grand Océan di Jacques-Antoine Moerenhout del 1837 e dell”État de la société tahitienne à l”arrivée des Européens di Edmond de Bovis del 1855, contenenti resoconti completi della cultura e della religione dimenticata di Tahiti. Gauguin fu affascinato dai resoconti della società Arioi e del loro dio ”Oro. Poiché questi racconti non contenevano illustrazioni e i modelli tahitiani erano comunque scomparsi da tempo, poté dare libero sfogo alla sua immaginazione. Eseguì una ventina di dipinti e una dozzina di sculture in legno nel corso dell”anno successivo. Il primo di questi fu Te aa no areois (Il seme degli Areoi), che rappresenta la moglie terrestre di Oro, Vairaumati, oggi conservato al Metropolitan Museum of Art. Il suo quaderno illustrato dell”epoca, Ancien Culte Mahorie , è conservato al Louvre ed è stato pubblicato in facsimile nel 1951.

In tutto, Gauguin mandò nove dei suoi dipinti a Monfreid a Parigi. Questi furono infine esposti a Copenhagen in una mostra congiunta con il defunto Vincent van Gogh. I resoconti che erano stati ben accolti (anche se in realtà solo due dei dipinti tahitiani furono venduti e i suoi primi dipinti furono paragonati sfavorevolmente a quelli di van Gogh) furono sufficientemente incoraggianti per Gauguin da contemplare il ritorno con circa settanta altri che aveva completato. In ogni caso aveva ampiamente esaurito i fondi, dipendendo da una sovvenzione statale per un passaggio gratuito a casa. Inoltre aveva alcuni problemi di salute diagnosticati come problemi di cuore dal medico locale, che Mathews suggerisce possano essere stati i primi segni di sifilide cardiovascolare.

Gauguin scrisse in seguito un diario di viaggio (pubblicato per la prima volta nel 1901) intitolato Noa Noa, originariamente concepito come commento ai suoi dipinti e che descrive le sue esperienze a Tahiti. I critici moderni hanno suggerito che il contenuto del libro era in parte fantasticato e plagiato. In esso egli rivelò di aver preso in quel periodo una ragazza di tredici anni come moglie nativa o vahine (la parola tahitiana per “donna”), un matrimonio contratto nel corso di un solo pomeriggio. Questa era Teha”amana, chiamata Tehura nel diario di viaggio, che rimase incinta di lui alla fine dell”estate 1892. Teha”amana fu il soggetto di diversi dipinti di Gauguin, tra cui Merahi metua no Tehamana e il celebre Spirito del morto che veglia, così come una notevole scultura in legno Tehura ora al Museo d”Orsay. Alla fine di luglio del 1893, Gauguin aveva deciso di lasciare Tahiti e non avrebbe mai più rivisto Teha”amana o suo figlio anche dopo essere tornato sull”isola diversi anni dopo.

Ritorno in Francia

Nell”agosto del 1893, Gauguin tornò in Francia, dove continuò ad eseguire dipinti su soggetti tahitiani come Mahana no atua (Giorno del Dio) e Nave nave moe (Primavera sacra, dolci sogni). Una mostra alla galleria Durand-Ruel nel novembre 1894 ebbe un discreto successo, vendendo a prezzi piuttosto elevati undici dei quaranta quadri esposti. Si stabilisce in un appartamento al 6 di rue Vercingétorix, ai margini del quartiere di Montparnasse frequentato dagli artisti, e comincia a condurre un salotto settimanale. Si atteggia a personaggio esotico, vestendosi in costume polinesiano, e conduce una relazione pubblica con una giovane donna ancora adolescente, “metà indiana, metà malese”, conosciuta come Annah la Giavanese

Nonostante il moderato successo della sua mostra di novembre, perse successivamente il patrocinio di Durand-Ruel in circostanze che non sono chiare. Mathews caratterizza questo fatto come una tragedia per la carriera di Gauguin. Tra l”altro ha perso la possibilità di un”introduzione al mercato americano. All”inizio del 1894 preparò delle xilografie con una tecnica sperimentale per il suo proposto diario di viaggio Noa Noa. Torna a Pont-Aven per l”estate. Nel febbraio del 1895 tentò un”asta dei suoi quadri all”Hotel Drouot di Parigi, simile a quella del 1891, ma non ebbe successo. Il mercante Ambroise Vollard, tuttavia, mostrò i suoi quadri nella sua galleria nel marzo 1895, ma sfortunatamente non arrivarono a un accordo in quella data.

Presentò una grande scultura in ceramica che chiamò Oviri e che aveva cotto l”inverno precedente al salone della Société Nationale des Beaux-Arts del 1895 che si apriva in aprile. Ci sono versioni contrastanti su come fu accolta: il suo biografo e collaboratore di Noa Noa, il poeta simbolista Charles Morice, sostenne (1920) che l”opera fu “letteralmente espulsa” dalla mostra, mentre Vollard disse (1937) che il lavoro fu ammesso solo quando Chaplet minacciò di ritirare tutte le sue opere. In ogni caso, Gauguin colse l”opportunità di aumentare la sua esposizione pubblica scrivendo una lettera indignata sullo stato della ceramica moderna a Le Soir.

A questo punto era diventato chiaro che lui e sua moglie Mette erano irrevocabilmente separati. Anche se c”era stata la speranza di una riconciliazione, avevano subito litigato per questioni di denaro e nessuno dei due aveva fatto visita all”altro. Gauguin inizialmente si rifiutò di condividere qualsiasi parte di un”eredità di 13.000 franchi da suo zio Isidore che aveva ricevuto poco dopo il ritorno. Alla fine Mette ricevette 1.500 franchi, ma lei si indignò e da quel momento in poi rimase in contatto con lui solo attraverso Schuffenecker – doppiamente irritante per Gauguin, dato che il suo amico conosceva così la vera portata del suo tradimento.

A metà del 1895 i tentativi di raccogliere fondi per il ritorno di Gauguin a Tahiti erano falliti, ed egli iniziò ad accettare la carità dagli amici. Nel giugno 1895 Eugène Carrière organizzò un passaggio economico per tornare a Tahiti, e Gauguin non vide più l”Europa.

Residenza a Tahiti

Gauguin parte di nuovo per Tahiti il 28 giugno 1895. Il suo ritorno è caratterizzato da Thomson come essenzialmente negativo, la sua disillusione con la scena artistica parigina aggravata da due attacchi su di lui nello stesso numero del Mercure de France; uno di Emile Bernard, l”altro di Camille Mauclair. Mathews osserva che il suo isolamento a Parigi era diventato così amaro che non aveva altra scelta che cercare di recuperare il suo posto nella società di Tahiti.

Arrivò nel settembre del 1895 e trascorse i sei anni successivi vivendo, per la maggior parte, una vita apparentemente confortevole come artista-colono vicino, o a volte a Papeete. Durante questo periodo fu in grado di mantenersi con un flusso sempre più costante di vendite e il sostegno di amici e benefattori, anche se ci fu un periodo di tempo 1898-1899 in cui si sentì costretto a prendere un lavoro d”ufficio a Papeete, di cui non c”è molta documentazione. Costruì una spaziosa casa di canne e paglia a Puna”auia, in una zona benestante a dieci miglia a est di Papeete, abitata da famiglie benestanti, nella quale installò un grande studio, senza badare a spese. Jules Agostini, un conoscente di Gauguin e un abile fotografo dilettante, fotografò la casa nel 1896. Più tardi una vendita di terreni lo obbligò a costruirne una nuova nello stesso quartiere.

Manteneva un cavallo e una trappola, quindi era in grado di viaggiare quotidianamente a Papeete per partecipare alla vita sociale della colonia, se lo desiderava. Si abbonò al Mercure de France (in effetti era un azionista), all”epoca la più importante rivista critica francese, e mantenne una corrispondenza attiva con colleghi artisti, commercianti, critici e mecenati a Parigi. Durante il suo anno a Papeete e in seguito, giocò un ruolo crescente nella politica locale, contribuendo in modo abrasivo a un giornale locale che si opponeva al governo coloniale, Les Guêpes (Le Vespe), che era stato recentemente formato, e alla fine curò la sua pubblicazione mensile Le Sourire: Journal sérieux (Il Sorriso: un giornale serio), più tardi intitolato semplicemente Journal méchant (Un giornale malvagio). Una certa quantità di opere d”arte e xilografie del suo giornale sopravvivono. Nel febbraio 1900 divenne l”editore di Les Guêpes stesso, per il quale riceveva uno stipendio, e continuò come editore fino a quando lasciò Tahiti nel settembre 1901. Il giornale sotto la sua direzione era noto per i suoi attacchi scurrili contro il governatore e l”amministrazione in generale, ma non era in realtà un campione delle cause indigene, anche se percepito come tale.

Almeno per il primo anno non produsse dipinti, informando Monfreid che si proponeva d”ora in poi di concentrarsi sulla scultura. Poche delle sue sculture in legno di questo periodo sopravvivono, la maggior parte delle quali raccolte da Monfreid. Thomson cita Oyez Hui Iesu (Cristo sulla croce), un cilindro di legno alto mezzo metro con un curioso ibrido di motivi religiosi. Il cilindro potrebbe essere stato ispirato da simili incisioni simboliche in Bretagna, come a Pleumeur-Bodou, dove antichi menhir sono stati cristianizzati da artigiani locali. Quando riprese a dipingere, fu per continuare la sua lunga serie di nudi a sfondo sessuale in dipinti come Te tamari no atua (Figlio di Dio) e O Taiti (Mai più). Thomson osserva una progressione nella complessità. Mathews nota un ritorno al simbolismo cristiano che lo avrebbe fatto apprezzare dai colonizzatori dell”epoca, ora ansiosi di preservare ciò che restava della cultura nativa sottolineando l”universalità dei principi religiosi. In questi dipinti, Gauguin si rivolgeva a un pubblico tra i suoi compagni di colonia a Papeete, non al suo precedente pubblico d”avanguardia a Parigi.

La sua salute prese una piega decisamente peggiore e fu ricoverato più volte in ospedale per una serie di disturbi. Mentre si trovava in Francia, ebbe una caviglia frantumata in una rissa tra ubriachi durante una visita al mare a Concarneau. La ferita, una frattura aperta, non è mai guarita bene. Allora cominciarono a spuntare su e giù per le sue gambe delle piaghe dolorose e debilitanti che limitavano i suoi movimenti. Queste furono trattate con l”arsenico. Gauguin incolpò il clima tropicale e descrisse le piaghe come “eczema”, ma i suoi biografi concordano sul fatto che si trattava del progresso della sifilide.

Nell”aprile del 1897, ricevette la notizia che la sua figlia preferita Aline era morta di polmonite. Questo fu anche il mese in cui apprese che doveva lasciare la sua casa perché il suo terreno era stato venduto. Prese un prestito bancario per costruire una casa di legno molto più stravagante con una bella vista sulle montagne e sul mare. Ma così facendo si spinse troppo oltre, e alla fine dell”anno si trovò di fronte alla reale prospettiva che la sua banca gli pignorasse la casa. La salute cagionevole e i debiti pressanti lo portarono sull”orlo della disperazione. Alla fine dell”anno completò il suo monumentale Where Do We Come From? Cosa siamo? Dove stiamo andando, che considerava il suo capolavoro e l”ultimo testamento artistico (in una lettera a Monfreid spiegò che tentò di uccidersi dopo averlo finito). Il dipinto fu esposto alla galleria di Vollard nel novembre dell”anno successivo, insieme a otto dipinti tematicamente correlati che aveva completato entro luglio. Questa fu la sua prima grande mostra a Parigi dalla sua mostra Durand-Ruel nel 1893 e fu un successo deciso, i critici lodarono la sua nuova serenità. Da dove veniamo, tuttavia, ricevette recensioni contrastanti e Vollard ebbe difficoltà a venderlo. Alla fine lo vendette nel 1901 per 2.500 franchi (circa 10.000 dollari nel 2000) a Gabriel Frizeau, di cui la commissione di Vollard fu forse di 500 franchi.

Georges Chaudet, il mercante di Gauguin a Parigi, morì nell”autunno del 1899. Vollard aveva acquistato i quadri di Gauguin attraverso Chaudet e ora fece un accordo direttamente con Gauguin. L”accordo prevedeva per Gauguin un regolare anticipo mensile di 300 franchi a fronte di un acquisto garantito di almeno 25 dipinti inediti all”anno a 200 franchi ciascuno, e in più Vollard si impegnava a fornirgli i suoi materiali artistici. Ci furono alcuni problemi iniziali da entrambe le parti, ma Gauguin fu finalmente in grado di realizzare il suo piano a lungo desiderato di ristabilirsi nelle isole Marchesi alla ricerca di una società ancora più primitiva. Trascorse i suoi ultimi mesi a Tahiti vivendo in un comfort considerevole, come testimonia la liberalità con cui intratteneva i suoi amici in quel periodo.

Gauguin non poté continuare il suo lavoro di ceramica nelle isole per la semplice ragione che non era disponibile l”argilla adatta. Allo stesso modo, non avendo accesso a una pressa da stampa (Le Sourire era ettografato), fu obbligato a ricorrere al processo del monotipo nel suo lavoro grafico. Gli esemplari sopravvissuti di queste stampe sono piuttosto rari e hanno prezzi molto alti in vendita.

Durante questo periodo Gauguin mantenne una relazione con Pahura (Pau”ura) una Tai, la figlia dei vicini di Puna”auia. Gauguin iniziò questa relazione quando Pau”ura aveva quattordici anni e mezzo. Con lei ebbe due figli, di cui una figlia morì nell”infanzia. L”altro, un maschio, lo allevò lei stessa. I suoi discendenti abitavano ancora a Tahiti all”epoca della biografia di Mathews. Pahura si rifiutò di accompagnare Gauguin nelle Marchesi lontano dalla sua famiglia a Puna”auia (in precedenza lo aveva lasciato quando lui prese lavoro a Papeete a sole 10 miglia di distanza). Quando lo scrittore inglese Willam Somerset Maugham la visitò nel 1917, lei non poté offrirgli alcun ricordo utile di Gauguin e lo rimproverò per essere andato a trovarla senza portare denaro dalla famiglia di Gauguin.

Isole Marchesi

Gauguin aveva coltivato il suo progetto di stabilirsi nelle Marchesi da quando, durante i suoi primi mesi a Tahiti, aveva visto a Papeete una collezione di ciotole e armi marchesiane riccamente intagliate. Tuttavia, trovò una società che, come a Tahiti, aveva perso la sua identità culturale. Di tutti i gruppi di isole del Pacifico, le Marchesi furono le più colpite dall”importazione di malattie occidentali (specialmente la tubercolosi). Una popolazione del XVIII secolo di circa 80.000 persone era scesa a soli 4.000. I missionari cattolici tenevano il potere e, nel loro sforzo di controllare l”ubriachezza e la promiscuità, obbligarono tutti i bambini nativi a frequentare le scuole dei missionari fino alla loro adolescenza. Il dominio coloniale francese era fatto rispettare da una gendarmeria nota per la sua malevolenza e stupidità, mentre i commercianti, sia occidentali che cinesi, sfruttavano i nativi in modo spaventoso.

Gauguin si stabilì ad Atuona sull”isola di Hiva-Oa, arrivando il 16 settembre 1901. Questa era la capitale amministrativa del gruppo di isole, ma considerevolmente meno sviluppata di Papeete, anche se c”era un servizio di vapore efficiente e regolare tra i due. C”era un medico militare ma nessun ospedale. Il medico fu trasferito a Papeete il febbraio successivo e da allora Gauguin dovette fare affidamento sui due operatori sanitari dell”isola, l”esule vietnamita Nguyen Van Cam (Ky Dong), che si era stabilito sull”isola ma non aveva una formazione medica formale, e il pastore protestante Paul Vernier, che aveva studiato medicina oltre alla teologia. Entrambi sarebbero diventati amici intimi.

Comprò un terreno nel centro della città dalla missione cattolica, dopo essersi prima ingraziato il vescovo locale partecipando regolarmente alla messa. Questo vescovo era Monseigneur Joseph Martin, inizialmente ben disposto verso Gauguin perché era consapevole che Gauguin si era schierato con il partito cattolico a Tahiti nel suo giornalismo.

Gauguin costruì una casa a due piani sul suo terreno, abbastanza robusta da sopravvivere a un successivo ciclone che spazzò via la maggior parte delle altre abitazioni della città. Fu aiutato nel compito dai due migliori falegnami marchesiani dell”isola, uno dei quali si chiamava Tioka, tatuato dalla testa ai piedi nel modo tradizionale marchesiano (una tradizione soppressa dai missionari). Tioka era diacono nella congregazione di Vernier e divenne il vicino di Gauguin dopo il ciclone quando Gauguin gli regalò un angolo del suo terreno. Il piano terra era all”aperto e veniva usato per mangiare e vivere, mentre il piano superiore era usato per dormire e come studio. La porta dell”ultimo piano era decorata con un architrave e stipiti di legno intagliato in policromia che sopravvivono ancora nei musei. L”architrave chiamava la casa Maison du Jouir (cioè Casa del Piacere), mentre gli stipiti riecheggiavano la sua precedente scultura in legno del 1889 Soyez amoureuses vous serez heureuses (cioè Sii innamorato, sarai felice). Le pareti erano decorate, tra le altre cose, con la sua preziosa collezione di quarantacinque fotografie pornografiche che aveva acquistato a Port Said mentre usciva dalla Francia.

Almeno nei primi tempi, fino a quando Gauguin trovò una vahine, la casa attirava la sera folle riconoscenti di indigeni, che venivano a guardare i quadri e a fare festa per metà della notte. Inutile dire che tutto questo non ha reso Gauguin simpatico al vescovo, tanto meno quando Gauguin ha eretto due sculture che ha messo ai piedi dei suoi gradini per sbeffeggiare il vescovo e una serva che si ritiene essere l”amante del vescovo, e ancora meno quando Gauguin ha attaccato più tardi l”impopolare sistema scolastico missionario. La scultura del vescovo, Père Paillard, si trova alla National Gallery of Art di Washington, mentre il suo pezzo pendente Thérèse ha realizzato un record di 30.965.000 dollari per una scultura di Gauguin in una vendita Christie”s New York 2015. Queste erano tra almeno otto sculture che adornavano la casa secondo un inventario postumo, la maggior parte delle quali sono oggi perdute. Insieme rappresentavano un attacco molto pubblico all”ipocrisia della chiesa in materia sessuale.

Il finanziamento statale delle scuole missionarie era cessato in seguito alla legge sulle associazioni del 1901 promulgata in tutto l”impero francese. Le scuole continuarono con difficoltà come istituzioni private, ma queste difficoltà furono aggravate quando Gauguin stabilì che la frequenza a qualsiasi scuola era obbligatoria solo all”interno di un bacino di utenza di circa due miglia e mezzo di raggio. Questo portò al ritiro di numerose figlie adolescenti dalle scuole (Gauguin chiamò questo processo “salvataggio”). Egli prese come vahine una di queste ragazze, Vaeoho (chiamata anche Marie-Rose), la figlia quattordicenne di una coppia nativa che viveva in una valle adiacente a sei miglia di distanza. Questo non può essere stato un compito piacevole per lei, dato che le piaghe di Gauguin erano ormai estremamente nocive e richiedevano una medicazione quotidiana. Ciononostante, visse volentieri con lui e l”anno seguente diede alla luce una figlia sana i cui discendenti continuano a vivere sull”isola.

A novembre si era stabilito nella sua nuova casa con Vaeoho, un cuoco (Kahui), altri due servitori (nipoti di Tioka), il suo cane, Pegau (un gioco di parole con le sue iniziali PG), e un gatto. La casa stessa, sebbene si trovasse nel centro della città, era immersa tra gli alberi e appartata alla vista. Le feste cessarono e iniziò un periodo di lavoro produttivo, inviando venti tele a Vollard nell”aprile seguente. Aveva pensato di trovare nuovi motivi nelle Marchesi, scrivendo a Monfreid:

Penso che nelle Marchesi, dove è facile trovare modelli (cosa che diventa sempre più difficile a Tahiti), e con un nuovo paese da esplorare – con nuovi e più selvaggi soggetti in breve – farò cose belle. Qui la mia immaginazione ha cominciato a raffreddarsi, e poi, anche, il pubblico si è così abituato a Tahiti. Il mondo è così stupido che se gli si mostrano tele contenenti elementi nuovi e terribili, Tahiti diventerà comprensibile e affascinante. I miei quadri della Bretagna sono ora all”acqua di rose a causa di Tahiti; Tahiti diventerà acqua di Colonia a causa delle Marchesi.

Infatti, i suoi lavori delle Marchesi per la maggior parte possono essere distinti dai suoi lavori di Tahiti solo dagli esperti o dalle loro date, dipinti come Two Women rimangono incerti nella loro collocazione. Per Anna Szech, ciò che li distingue è il loro riposo e la loro malinconia, anche se contengono elementi di inquietudine. Così, nella seconda delle due versioni di Cavaliers sur la Plage (Cavalieri sulla spiaggia), le nuvole che si addensano e le onde spumeggianti suggeriscono una tempesta imminente, mentre le due figure lontane su cavalli grigi fanno eco a figure simili in altri dipinti che vengono prese come simbolo di morte.

Gauguin scelse di dipingere paesaggi, nature morte e studi di figure in questo periodo, con un occhio alla clientela di Vollard, evitando i temi primitivi e del paradiso perduto dei suoi dipinti di Tahiti. Ma c”è un significativo trio di quadri di quest”ultimo periodo che suggerisce preoccupazioni più profonde. I primi due sono Jeune fille à l”éventail (Giovane ragazza con ventaglio) e Le Sorcier d”Hiva Oa (Uomo marchesiano con il mantello rosso). La modella di Jeune fille era la rossa Tohotaua, figlia di un capo tribù di un”isola vicina. Il ritratto sembra essere stato preso da una fotografia che Vernier inviò più tardi a Vollard. La modella per Le sorcier potrebbe essere stata Haapuani, un”abile ballerina oltre che una temuta maga, amica intima di Gauguin e, secondo Danielsson, sposata con Tohotau. Szech nota che il colore bianco del vestito di Tohotau è un simbolo di potere e di morte nella cultura polinesiana, la persona seduta fa il suo dovere per una cultura Maohi nel suo insieme minacciata di estinzione. Le Sorcier sembra essere stato eseguito nello stesso periodo e raffigura un giovane dai capelli lunghi che indossa un esotico mantello rosso. La natura androgina dell”immagine ha attirato l”attenzione della critica, dando origine all”ipotesi che Gauguin intendesse raffigurare un māhū (cioè una persona del terzo sesso) piuttosto che un taua o un sacerdote. Il terzo quadro del trio è il misterioso e bellissimo Contes barbares (Racconti primitivi) con Tohotau di nuovo a destra. La figura di sinistra è Jacob Meyer de Haan, un pittore amico di Gauguin dai tempi di Pont-Aven che era morto qualche anno prima, mentre la figura centrale è di nuovo androgina, identificata da alcuni come Haapuani. La posa da Buddha e i fiori di loto suggeriscono a Elizabeth Childs che il quadro è una meditazione sul ciclo perpetuo della vita e la possibilità di rinascita. Poiché questi dipinti arrivarono a Vollard dopo la morte improvvisa di Gauguin, non si sa nulla delle intenzioni di Gauguin nella loro esecuzione.

Nel marzo 1902, il governatore della Polinesia francese, Édouard Petit , arrivò nelle Marchesi per fare un”ispezione. Era accompagnato da Édouard Charlier come capo del sistema giudiziario. Charlier era un pittore dilettante che era stato amico di Gauguin quando arrivò come magistrato a Papeete nel 1895. Tuttavia la loro relazione si era trasformata in inimicizia quando Charlier si rifiutò di perseguire l”allora vahine di Gauguin, Pau”ura, per una serie di reati banali, presumibilmente effrazione e furto, che aveva commesso a Puna”auia mentre Gauguin era via per lavoro a Papeete. Gauguin era arrivato al punto di pubblicare su Les Guêpes una lettera aperta che attaccava Charlier sulla vicenda. Petit, presumibilmente adeguatamente avvertito, rifiutò di vedere Gauguin per consegnargli le proteste dei coloni (Gauguin era il loro portavoce) riguardo all”iniquo sistema di tassazione, che vedeva la maggior parte delle entrate delle Marchesi spese a Papeete. Gauguin rispose in aprile rifiutandosi di pagare le tasse e incoraggiando i coloni, commercianti e piantatori, a fare altrettanto.

Più o meno nello stesso periodo, la salute di Gauguin cominciò a deteriorarsi di nuovo, rivisitata dalla stessa costellazione familiare di sintomi che coinvolgono il dolore alle gambe, le palpitazioni cardiache e la debolezza generale. Il dolore alla caviglia ferita divenne insopportabile e in luglio fu costretto a ordinare una trappola da Papeete per potersi muovere in città. A settembre il dolore era così forte che ricorse alle iniezioni di morfina. Tuttavia era sufficientemente preoccupato per l”abitudine che stava sviluppando da girare il suo set di siringhe ad un vicino, affidandosi invece al laudano. Anche la sua vista cominciava a venir meno, come attestano gli occhiali che indossa nel suo ultimo autoritratto conosciuto. Questo era in realtà un ritratto iniziato dal suo amico Ky Dong che egli stesso completò, spiegando così il suo stile poco caratteristico. Mostra un uomo stanco e invecchiato, ma non del tutto sconfitto. Per un po” considerò di tornare in Europa, in Spagna, per farsi curare. Monfreid lo consigliò:

Tornando indietro rischieresti di danneggiare quel processo di incubazione che sta avvenendo nell”apprezzamento del pubblico nei tuoi confronti. Attualmente sei un artista unico e leggendario, che ci manda dai remoti mari del sud opere sconcertanti e inimitabili che sono le creazioni definitive di un grande uomo che, in un certo senso, è già uscito da questo mondo. I tuoi nemici – e come tutti coloro che sconvolgono le mediocrità hai molti nemici – sono silenziosi; ma non osano attaccarti, non ci pensano nemmeno. Sei così lontano. Non dovresti tornare… Sei già inattaccabile come tutti i grandi morti; appartieni già alla storia dell”arte.

Nel luglio 1902, Vaeoho, ormai incinta di sette mesi, lasciò Gauguin per tornare a casa nella vicina valle di Hekeani e partorire tra la famiglia e gli amici. Partorì a settembre ma non fece ritorno. Gauguin non prese in seguito un”altra vahine. Fu in questo periodo che il suo litigio con il vescovo Martin sulle scuole missionarie raggiunse l”apice. Il gendarme locale, Désiré Charpillet, inizialmente amichevole con Gauguin, scrisse un rapporto all”amministratore del gruppo di isole, che risiedeva nella vicina isola di Nuku Hiva, criticando Gauguin per aver incoraggiato gli indigeni a ritirare i loro figli dalla scuola e per aver incoraggiato i coloni a trattenere il pagamento delle tasse. Il caso volle che il posto di amministratore fosse stato recentemente occupato da François Picquenot, un vecchio amico di Gauguin di Tahiti ed essenzialmente simpatico a lui. Picquenot consigliò a Charpillet di non intraprendere alcuna azione sulla questione delle scuole, dato che Gauguin aveva la legge dalla sua parte, ma autorizzò Charpillet a sequestrare beni a Gauguin al posto del pagamento delle tasse se tutto il resto fosse fallito. Forse spinto dalla solitudine, e a volte incapace di dipingere, Gauguin si mise a scrivere.

Nel 1901, il manoscritto di Noa Noa che Gauguin aveva preparato insieme alle xilografie durante la sua parentesi in Francia fu finalmente pubblicato con le poesie di Morice in forma di libro nell”edizione La Plume (il manoscritto stesso è ora conservato nel museo del Louvre). Sezioni di esso (incluso il suo racconto di Teha”amana) erano state precedentemente pubblicate senza xilografie nel 1897 su La Revue Blanche, mentre lui stesso ne aveva pubblicato degli estratti su Les Guêpes mentre era editore. L”edizione de La Plume prevedeva di includere le sue xilografie, ma egli rifiutò il permesso di stamparle su carta liscia come volevano gli editori. In realtà si era disinteressato dell”impresa con Morice e non ne vide mai una copia, rifiutando un”offerta di cento copie omaggio. Tuttavia, la sua pubblicazione lo ispirò a considerare la scrittura di altri libri. All”inizio dell”anno (1902), aveva rivisto un vecchio manoscritto del 1896-97, L”Esprit Moderne et le Catholicisme (Lo spirito moderno e il cattolicesimo), sulla Chiesa cattolica romana, aggiungendo una ventina di pagine contenenti intuizioni ricavate dai suoi rapporti con il vescovo Martin. Inviò questo testo al vescovo Martin, che rispose inviandogli una storia illustrata della Chiesa. Gauguin restituì il libro con osservazioni critiche che più tardi pubblicò nelle sue reminiscenze autobiografiche. Successivamente preparò un saggio arguto e ben documentato, Racontars de Rapin (Racconti di un dilettante) sulla critica e la critica d”arte, che inviò per la pubblicazione ad André Fontainas, critico d”arte del Mercure de France la cui recensione favorevole di Da dove veniamo? Cosa siamo? Where Are We Going? aveva fatto molto per ristabilire la sua reputazione. Fontainas, tuttavia, rispose che non osava pubblicarlo. In seguito fu pubblicato solo nel 1951.

Il 27 maggio di quell”anno, la nave a vapore Croix du Sud naufragò al largo dell”atollo di Apataki, e per un periodo di tre mesi l”isola rimase senza posta né rifornimenti. Quando il servizio postale riprese, Gauguin scrisse un attacco furioso al governatore Petit in una lettera aperta, lamentandosi tra l”altro del modo in cui erano stati abbandonati dopo il naufragio. La lettera fu pubblicata da L”Indepéndant, il giornale successore di Les Guêpes, quel novembre a Papeete. Petit aveva infatti seguito una politica indipendente e pro-nativi, con il disappunto del partito cattolico romano, e il giornale stava preparando un attacco contro di lui. Gauguin inviò la lettera anche al Mercure de France, che ne pubblicò una versione ridotta dopo la sua morte. Seguì una lettera privata al capo della gendarmeria di Papeete, lamentandosi degli eccessi del suo gendarme locale Charpillet nel far lavorare i prigionieri per lui. Danielsson nota che, mentre queste e simili lamentele erano ben fondate, la motivazione di tutte era vanità ferita e semplice animosità. Il relativamente favorevole Charpillet fu sostituito quel dicembre da un altro gendarme, Jean-Paul Claverie, di Tahiti, molto meno ben disposto verso Gauguin e che infatti lo aveva multato nei suoi primi giorni a Mataiea per pubblica indecenza, avendolo sorpreso a fare il bagno nudo in un ruscello locale in seguito alle lamentele dei missionari.

La sua salute peggiorò ulteriormente in dicembre, al punto che fu a malapena in grado di dipingere. Iniziò un libro di memorie autobiografiche che chiamò Avant et après (Prima e dopo) (pubblicato in traduzione negli Stati Uniti come Intimate Journals), che completò nei due mesi successivi. Il titolo doveva riflettere le sue esperienze prima e dopo l”arrivo a Tahiti e come tributo alle memorie inedite di sua nonna, Past and Future. Il suo libro di memorie si rivelò essere una raccolta frammentata di osservazioni sulla vita in Polinesia, la sua vita, e commenti sulla letteratura e la pittura. Includeva attacchi a soggetti diversi come la gendarmeria locale, il vescovo Martin, sua moglie Mette e i danesi in generale, e concludeva con una descrizione della sua filosofia personale che concepisce la vita come una lotta esistenziale per conciliare binomi opposti. Mathews annota due osservazioni conclusive come un distillato della sua filosofia:

Nessuno è buono, nessuno è cattivo, tutti sono entrambi, allo stesso modo e in modi diversi. … È una cosa così piccola, la vita di un uomo, eppure c”è tempo per fare grandi cose, frammenti del compito comune.

Mandò il manoscritto a Fontainas per l”editing, ma i diritti tornarono a Mette dopo la morte di Gauguin, e non fu pubblicato fino al 1918 (la traduzione americana appare nel 1921.

Leggi anche, storia – Età elisabettiana

Morte

All”inizio del 1903, Gauguin si impegna in una campagna volta a denunciare l”incompetenza dei gendarmi dell”isola, in particolare Jean-Paul Claverie, per aver preso direttamente le parti degli indigeni in un caso di presunta ubriachezza di un gruppo di loro. Claverie, tuttavia, sfuggì alla censura. All”inizio di febbraio, Gauguin scrisse all”amministratore, François Picquenot, denunciando la corruzione di uno dei subordinati di Claverie. Picquenot indagò sulle accuse ma non poté provarle. Claverie rispose presentando un”accusa contro Gauguin di diffamazione di un gendarme. In seguito fu multato di 500 franchi e condannato a tre mesi di prigione dal magistrato locale il 27 marzo 1903. Gauguin presentò immediatamente un appello a Papeete e si mise a raccogliere i fondi per recarsi a Papeete per ascoltare il suo appello.

In questo periodo Gauguin era molto debole e soffriva molto e ricorse ancora una volta all”uso della morfina. Morì improvvisamente la mattina dell”8 maggio 1903.

Prima, aveva mandato a chiamare il suo pastore, Paul Vernier, lamentandosi di svenimenti. Avevano chiacchierato insieme e Vernier se ne era andato, credendolo in condizioni stabili. Tuttavia, il vicino di Gauguin, Tioka, lo trovò morto alle 11, confermando il fatto nel modo tradizionale marchesiano masticandogli la testa nel tentativo di rianimarlo. Al suo capezzale c”era una bottiglia vuota di laudano, il che ha fatto pensare che fosse stato vittima di un”overdose. Vernier credeva che fosse morto per un attacco di cuore.

Gauguin fu sepolto nel cimitero cattolico del Calvario (Cimetière Calvaire), Atuona, Hiva ”Oa, alle 14 del giorno dopo. Nel 1973, un calco in bronzo della sua figura di Oviri fu posto sulla sua tomba, come egli aveva indicato come suo desiderio. Ironicamente, il suo vicino più prossimo nel cimitero è il vescovo Martin, la cui tomba è sormontata da una grande croce bianca. Vernier ha scritto un resoconto degli ultimi giorni di Gauguin e della sua sepoltura, riprodotto nell”edizione di O”Brien delle lettere di Gauguin a Monfreid.

La notizia della morte di Gauguin non arriva in Francia (a Monfreid) fino al 23 agosto 1903. In assenza di un testamento, i suoi effetti meno preziosi furono messi all”asta ad Atuona mentre le sue lettere, i manoscritti e i dipinti furono messi all”asta a Papeete il 5 settembre 1903. Mathews nota che questa rapida dispersione dei suoi effetti ha portato alla perdita di molte informazioni preziose sui suoi ultimi anni. Thomson nota che l”inventario dell”asta dei suoi effetti (alcuni dei quali furono bruciati come pornografia) rivelò una vita che non era così impoverita o primitiva come gli era piaciuto sostenere. Mette Gauguin ricevette a tempo debito il ricavato dell”asta, circa 4.000 franchi. Uno dei quadri messi all”asta a Papeete fu Maternité II, una versione più piccola di Maternité I nel museo dell”Hermitage. L”originale fu dipinto nel momento in cui la sua vahine di allora, Pau”ura, a Puna”auia, diede alla luce il loro figlio Emile. Non si sa perché abbia dipinto la copia più piccola. Fu venduto per 150 franchi a un ufficiale della marina francese, il comandante Cochin, che disse che lo stesso governatore Petit aveva offerto fino a 135 franchi per il dipinto. Fu venduto da Sotheby”s per 39.208.000 dollari nel 2004.

Il Centro Culturale Paul Gauguin di Atuona ha una ricostruzione della Maison du Jouir. La casa originale rimase vuota per alcuni anni, la porta portava ancora l”architrave intagliato di Gauguin. Questo è stato alla fine recuperato, quattro dei cinque pezzi si trovano al Musée D”Orsay e il quinto al Museo Paul Gauguin di Tahiti.

Nel 2014, l”esame forense di quattro denti trovati in un barattolo di vetro in un pozzo vicino alla casa di Gauguin ha messo in discussione la convinzione convenzionale che Gauguin avesse sofferto di sifilide. L”esame del DNA ha stabilito che i denti erano quasi certamente di Gauguin, ma non sono state trovate tracce del mercurio che era usato per trattare la sifilide all”epoca, suggerendo che Gauguin non soffriva di sifilide o che non era in cura per essa. Nel 2007, quattro molari marci, che potrebbero essere stati di Gauguin, sono stati trovati dagli archeologi sul fondo di un pozzo che aveva costruito sull”isola di Hiva Oa, nelle isole Marchesi.

Bambini

Gauguin sopravvisse a tre dei suoi figli; la sua figlia preferita Aline morì di polmonite, suo figlio Clovis morì di un”infezione del sangue dopo un”operazione all”anca, e una figlia, la cui nascita fu ritratta nel dipinto di Gauguin del 1896 Te tamari no atua, la figlia della giovane amante tahitiana di Gauguin, Pau”ura, morì solo pochi giorni dopo la sua nascita il giorno di Natale 1896. Suo figlio, Émile Gauguin, lavorò come ingegnere edile negli Stati Uniti ed è sepolto nel Lemon Bay Historical Cemetery, in Florida. Un altro figlio, Jean René, divenne un noto scultore e un socialista convinto. Morì il 21 aprile 1961 a Copenhagen. Pola (Paul Rollon) divenne un”artista e un critico d”arte e scrisse un libro di memorie, My Father, Paul Gauguin (1937). Gauguin ebbe diversi altri figli dalle sue amanti: Germaine (e una figlia (nata nel 1902) con Vaeoho (Marie-Rose). Si ipotizza che l”artista belga Germaine Chardon fosse la figlia di Gauguin. Emile Marae un Tai, analfabeta e cresciuto a Tahiti da Pau”ura, fu portato a Chicago nel 1963 dalla giornalista francese Josette Giraud e fu un artista a pieno titolo, i suoi discendenti vivono ancora a Tahiti dal 2001.

Il primitivismo fu un movimento artistico della pittura e della scultura della fine del XIX secolo, caratterizzato da proporzioni esagerate del corpo, totem animali, disegni geometrici e contrasti netti. Il primo artista a usare sistematicamente questi effetti e a raggiungere un ampio successo di pubblico fu Paul Gauguin. L”élite culturale europea, scoprendo l”arte dell”Africa, della Micronesia e dei nativi americani per la prima volta, fu affascinata, incuriosita ed educata dalla novità, dalla selvatichezza e dal forte potere incarnato dall”arte di quei luoghi lontani. Come Pablo Picasso nei primi giorni del 20° secolo, Gauguin fu ispirato e motivato dalla cruda potenza e semplicità della cosiddetta Arte Primitiva di quelle culture straniere.

Gauguin è anche considerato un pittore post-impressionista. I suoi dipinti audaci, colorati e orientati al design influenzarono significativamente l”arte moderna. Artisti e movimenti all”inizio del XX secolo ispirati da lui includono Vincent van Gogh, Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque, André Derain, Fauvismo, Cubismo e Orfismo, tra gli altri. Più tardi, influenzò Arthur Frank Mathews e il movimento americano Arts and Crafts.

John Rewald, riconosciuto come una delle maggiori autorità sull”arte del tardo 19° secolo, ha scritto una serie di libri sul periodo post-impressionista, tra cui Post-Impressionismo: From Van Gogh to Gauguin (1956) e un saggio, Paul Gauguin: Letters to Ambroise Vollard and André Fontainas (incluso in Rewald”s Studies in Post-Impressionism, 1986), discute gli anni di Gauguin a Tahiti e le lotte della sua sopravvivenza viste attraverso la corrispondenza con il mercante d”arte Vollard e altri.

Le mostre retrospettive postume di Gauguin al Salon d”Automne di Parigi nel 1903, e una ancora più grande nel 1906, ebbero una sorprendente e potente influenza sull”avanguardia francese e in particolare sulla pittura di Pablo Picasso. Nell”autunno del 1906, Picasso fece dipinti di donne nude sovradimensionate e figure scultoree monumentali che ricordavano il lavoro di Paul Gauguin e mostravano il suo interesse per l”arte primitiva. I dipinti di Picasso di figure massicce del 1906 furono direttamente influenzati dalla scultura di Gauguin, dalla pittura e anche dalla sua scrittura. La potenza evocata dal lavoro di Gauguin portò direttamente a Les Demoiselles d”Avignon nel 1907.

Secondo il biografo di Gauguin, David Sweetman, Picasso, già nel 1902, divenne un fan del lavoro di Gauguin quando incontrò e fece amicizia con lo scultore e ceramista spagnolo Paco Durrio, a Parigi. Durrio aveva diverse opere di Gauguin a portata di mano perché era un amico di Gauguin e un agente non pagato del suo lavoro. Durrio cercò di aiutare il suo amico povero a Tahiti promuovendo le sue opere a Parigi. Dopo il loro incontro, Durrio presentò a Picasso il gres di Gauguin, aiutò Picasso a realizzare alcuni pezzi di ceramica e regalò a Picasso una prima edizione di Noa Noa di La Plume: The Tahiti Journal of Paul Gauguin. Oltre a vedere il lavoro di Gauguin da Durrio, Picasso lo vide anche nella galleria di Ambroise Vollard, dove sia lui che Gauguin erano rappresentati.

Riguardo all”impatto di Gauguin su Picasso, John Richardson ha scritto:

L”esposizione del 1906 dell”opera di Gauguin lasciò Picasso più che mai affascinato da questo artista. Gauguin dimostrò che i tipi più disparati di arte – per non parlare degli elementi della metafisica, dell”etnologia, del simbolismo, della Bibbia, dei miti classici e molto altro ancora – potevano essere combinati in una sintesi che era del suo tempo ma senza tempo. Un artista può anche confondere le nozioni convenzionali di bellezza, ha dimostrato, imbrigliando i suoi demoni agli dei oscuri (non necessariamente quelli tahitiani) e attingendo a una nuova fonte di energia divina. Se negli anni successivi Picasso ha minimizzato il suo debito con Gauguin, non c”è dubbio che tra il 1905 e il 1907 sentì una parentela molto stretta con quest”altro Paul, che si vantava dei geni spagnoli ereditati dalla nonna peruviana. Picasso non si era firmato “Paul” in onore di Gauguin.

Sia David Sweetman che John Richardson indicano la scultura di Gauguin chiamata Oviri (che letteralmente significa ”selvaggio”), la macabra figura fallica della dea tahitiana della vita e della morte che era destinata alla tomba di Gauguin, esposta nella mostra retrospettiva del 1906 che portò ancora più direttamente a Les Demoiselles. Sweetman scrive: “La statua Oviri di Gauguin, esposta in modo prominente nel 1906, stimolerà l”interesse di Picasso sia per la scultura che per la ceramica, mentre le xilografie rafforzeranno il suo interesse per la stampa, anche se è l”elemento del primitivo in tutti loro che condiziona maggiormente la direzione che prenderà l”arte di Picasso. Questo interesse sarebbe culminato nel seminale Les Demoiselles d”Avignon”.

Secondo Richardson,

L”interesse di Picasso per il gres fu ulteriormente stimolato dagli esempi che vide alla retrospettiva di Gauguin del 1906 al Salon d”Automne. La più inquietante di queste ceramiche (una che Picasso potrebbe aver già visto da Vollard) era il macabro Oviri. Fino al 1987, quando il Museo d”Orsay acquisì quest”opera poco conosciuta (esposta solo una volta dal 1906) non era mai stata riconosciuta come il capolavoro che è, e tanto meno riconosciuta per la sua rilevanza nelle opere che precedono le Demoiselles. Sebbene sia alta poco meno di 30 pollici, Oviri ha una presenza impressionante, come si addice a un monumento destinato alla tomba di Gauguin. Picasso fu molto colpito da Oviri. 50 anni dopo fu felicissimo quando Cooper ed io gli dicemmo che ci eravamo imbattuti in questa scultura in una collezione che comprendeva anche il gesso originale della sua testa cubista. È stata una rivelazione, come la scultura iberica? L”alzata di spalle di Picasso è stata a malincuore affermativa. È sempre stato restio ad ammettere il ruolo di Gauguin nel metterlo sulla strada del Primitivismo.

La guida artistica iniziale di Gauguin fu quella di Pissarro, ma la relazione lasciò un segno più a livello personale che stilistico. I maestri di Gauguin furono Giotto, Raffaello, Ingres, Eugène Delacroix, Manet, Degas e Cézanne. Le sue convinzioni, e in alcuni casi la psicologia dietro il suo lavoro, furono anche influenzate dal filosofo Arthur Schopenhauer e dal poeta Stéphane Mallarmé.

Gauguin, come alcuni dei suoi contemporanei come Degas e Toulouse-Lautrec, impiegò una tecnica di pittura su tela conosciuta come peinture à l”essence. Per questo, l”olio (legante) viene drenato dalla pittura e il fango rimanente di pigmento viene mescolato con trementina. Potrebbe aver usato una tecnica simile nella preparazione dei suoi monotipi, usando la carta invece del metallo, perché avrebbe assorbito l”olio dando alle immagini finali l”aspetto opaco che desiderava. Ha anche provato alcuni dei suoi disegni esistenti con l”aiuto del vetro, copiando un”immagine sottostante sulla superficie del vetro con acquerello o gouache per la stampa. Le xilografie di Gauguin non erano meno innovative, anche per gli artisti d”avanguardia responsabili del revival della xilografia di quel periodo. Invece di incidere i suoi blocchi con l”intento di fare un”illustrazione dettagliata, Gauguin inizialmente scalpellava i suoi blocchi in un modo simile alla scultura del legno, seguito da strumenti più sottili per creare dettagli e tonalità nei suoi contorni audaci. Molti dei suoi strumenti e tecniche erano considerati sperimentali. Questa metodologia e l”uso dello spazio erano paralleli alla sua pittura di rilievi piatti e decorativi.

A partire dalla Martinica, Gauguin iniziò a usare colori analoghi in stretta vicinanza per ottenere un effetto smorzato. Poco dopo, fece anche le sue scoperte nel colore non rappresentativo, creando tele che avevano un”esistenza indipendente e una vitalità tutta loro. Questo divario tra la realtà di superficie e se stesso dispiacque a Pissarro e portò rapidamente alla fine del loro rapporto. Le sue figure umane in questo periodo sono anche un ricordo della sua storia d”amore con le stampe giapponesi, gravitando in particolare sull”ingenuità delle loro figure e sull”austerità compositiva come influenza sul suo manifesto primitivo. Proprio per questo, Gauguin si ispirava anche all”arte popolare. Cercava una purezza emotiva nuda dei suoi soggetti trasmessi in modo diretto, enfatizzando le forme principali e le linee verticali per definire chiaramente forma e contorno. Gauguin usò anche un”elaborata decorazione formale e la colorazione in modelli di astrazione, cercando di armonizzare l”uomo e la natura. Le sue rappresentazioni dei nativi nel loro ambiente naturale sono spesso evidenti di serenità e di una sostenibilità autonoma. Questo complimentava uno dei temi preferiti di Gauguin, che era l”intrusione del soprannaturale nella vita quotidiana, in un caso arrivando a ricordare antichi rilievi tombali egizi con Her Name is Vairaumati e Ta Matete.

In un”intervista a L”Écho de Paris pubblicata il 15 marzo 1895, Gauguin spiega che il suo approccio tattico in via di sviluppo sta raggiungendo la sinestesia. Egli afferma:

In una lettera del 1888 a Schuffenecker, Gauguin spiega l”enorme passo che aveva fatto lontano dall”impressionismo e che ora era intento a catturare l”anima della natura, le antiche verità e il carattere dei suoi paesaggi e dei suoi abitanti. Gauguin scrisse:

Gauguin iniziò a realizzare stampe nel 1889, evidenziate da una serie di zincografie commissionate da Theo van Gogh note come la Suite Volpini, che apparve anche nella mostra del Cafe des Arts del 1889. Gauguin non fu ostacolato dalla sua inesperienza nella stampa, e fece una serie di scelte provocatorie e poco ortodosse, come una lastra di zinco invece di calcare (litografia), ampi margini e grandi fogli di carta gialla da poster. Il risultato era vivido al punto di essere sgargiante, ma prefigura i suoi esperimenti più elaborati con la stampa a colori e l”intento di elevare le immagini monocromatiche. I suoi primi capolavori di stampa furono quelli della Noa Noa Suite del 1893-94 dove fu uno dei tanti artisti che reinventarono la tecnica della xilografia, portandola nell”era moderna. Iniziò la serie poco dopo essere tornato da Tahiti, desideroso di reclamare una posizione di leadership all”interno dell”avanguardia e di condividere immagini basate sulla sua escursione nella Polinesia francese. Queste xilografie furono mostrate alla sua mostra del 1893, che non ebbe successo, da Paul Durand-Ruel, e la maggior parte erano direttamente collegate ai suoi dipinti in cui aveva rivisto la composizione originale. Furono mostrate di nuovo in una piccola mostra nel suo studio nel 1894, dove raccolse rare lodi dalla critica per i suoi eccezionali effetti pittorici e scultorei. La preferenza emergente di Gauguin per la xilografia non era solo un”estensione naturale dei suoi rilievi in legno e della scultura, ma potrebbe anche essere stata provocata dal suo significato storico per gli artigiani medievali e i giapponesi.

Gauguin iniziò a fare monotipi ad acquerello nel 1894, probabilmente sovrapponendosi alle sue xilografie Noa Noa, forse anche servendo come fonte di ispirazione per esse. Le sue tecniche rimasero innovative ed era una tecnica adatta a lui in quanto non richiedeva attrezzature elaborate, come una pressa da stampa. Nonostante sia spesso una fonte di pratica per i relativi dipinti, sculture o xilografie, la sua innovazione del monotipo offre un”estetica distintamente eterea; postumi spettrali che possono esprimere il suo desiderio di trasmettere le verità immemorabili della natura. Il suo prossimo grande progetto di xilografia e monotipo non fu fino al 1898-99, conosciuto come la Suite Vollard. Completò questa intraprendente serie di 475 stampe da una ventina di composizioni diverse e le inviò al mercante Ambroise Vollard, pur non accettando la sua richiesta di un lavoro vendibile e conforme. Vollard non fu soddisfatto e non fece alcuno sforzo per venderle. La serie di Gauguin è nettamente unificata con un”estetica in bianco e nero e potrebbe aver inteso le stampe come un insieme di carte myriorama, in cui possono essere disposte in qualsiasi ordine per creare molteplici paesaggi panoramici. Questa attività di disporre e riordinare era simile al suo processo di riproporre le sue immagini e motivi, così come una tendenza al simbolismo. Stampò l”opera su carta giapponese sottilissima e le prove multiple di grigio e nero potevano essere disposte l”una sull”altra, ogni trasparenza di colore mostrata per produrre un ricco effetto chiaroscurale.

Nel 1899 iniziò il suo esperimento radicale: i disegni a trasferimento d”olio. Molto simile alla sua tecnica del monotipo ad acquerello, era un ibrido tra disegno e stampa. I trasferimenti furono il grande culmine della sua ricerca di un”estetica della suggestione primordiale, che sembra essere trasmessa nei suoi risultati che riecheggiano antichi sfregamenti, affreschi consumati e pitture rupestri. Il progresso tecnico di Gauguin dalla monotipia ai trasferimenti a olio è abbastanza evidente, avanzando da piccoli schizzi a fogli ambiziosamente grandi e molto rifiniti. Con questi trasferimenti creava profondità e consistenza stampando più strati sullo stesso foglio, iniziando con matita di grafite e inchiostro nero per la delineazione, prima di passare al pastello blu per rinforzare le linee e aggiungere ombreggiature. Spesso completava l”immagine con un lavaggio di olio d”oliva o inchiostro marrone. Questa pratica consumò Gauguin fino alla sua morte, alimentando la sua immaginazione e la concezione di nuovi soggetti e temi per i suoi dipinti. Questa collezione fu anche inviata a Vollard che rimase indifferente. Gauguin apprezzava i trasferimenti ad olio per il modo in cui trasformavano la qualità della linea disegnata. Il suo processo, di natura quasi alchemica, aveva elementi di casualità per cui nascevano regolarmente segni e texture inaspettate, cosa che lo affascinava. Nel metamorfosare un disegno in una stampa, Gauguin prese la decisione calcolata di rinunciare alla leggibilità per ottenere mistero e astrazione.

Lavorò in legno per tutta la sua carriera, in particolare durante i suoi periodi più prolifici, ed è noto per aver raggiunto risultati radicali nell”intaglio prima di farlo con la pittura. Anche nelle sue prime mostre, Gauguin includeva spesso sculture in legno nella sua esposizione, da cui costruì la sua reputazione di conoscitore del cosiddetto primitivo. Alcune delle sue prime sculture sembrano essere influenzate dall”arte gotica ed egizia. Nella corrispondenza, afferma anche una passione per l”arte cambogiana e la magistrale colorazione dei tappeti persiani e orientali.

La moda delle opere di Gauguin iniziò subito dopo la sua morte. Molti dei suoi ultimi dipinti furono acquistati dal collezionista russo Sergei Shchukin. Una parte sostanziale della sua collezione è esposta al Museo Pushkin e all”Hermitage. I quadri di Gauguin sono raramente messi in vendita, i loro prezzi raggiungono decine di milioni di dollari in sala d”asta quando vengono offerti. Il suo Nafea Faa Ipoipo (Quando ti sposerai?) del 1892 è diventato la terza opera d”arte più costosa del mondo quando il suo proprietario, la famiglia di Rudolf Staechelin, lo ha venduto privatamente per 210 milioni di dollari nel settembre 2014. Si ritiene che l”acquirente sia il Qatar Museums.

Il Museo Gauguin in stile giapponese, di fronte ai Giardini Botanici di Papeari a Papeari, Tahiti, contiene alcuni reperti, documenti, fotografie, riproduzioni e schizzi originali e stampe in blocco di Gauguin e dei tahitiani. Nel 2003, il Centro Culturale Paul Gauguin è stato aperto ad Atuona nelle isole Marchesi.

Nel 2014 è stato ritrovato in Italia il quadro Frutta su un tavolo (1889), con un valore stimato tra i 10 e i 30 milioni di euro (da 8,3 a 24,8 milioni di sterline), che era stato rubato a Londra nel 1970. Il quadro, insieme a un”opera di Pierre Bonnard, era stato acquistato da un dipendente della Fiat nel 1975, in occasione di una vendita di oggetti smarriti delle ferrovie, per 45.000 lire (circa 32 sterline).

Per una lista completa dei dipinti di Gauguin, vedi Elenco dei dipinti di Paul Gauguin.

Autoritratti:

Fonti