Robert Rauschenberg

gigatos | Gennaio 12, 2022

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Riassunto

Milton Ernest “Robert” Rauschenberg (22 ottobre 1925 – 12 maggio 2008) è stato un pittore e grafico americano le cui prime opere hanno anticipato il movimento della Pop Art. Rauschenberg è noto per i suoi Combines (1954-1964), un gruppo di opere d”arte che incorporava oggetti quotidiani come materiali artistici e che confondeva le distinzioni tra pittura e scultura. Rauschenberg fu sia pittore che scultore, ma lavorò anche con la fotografia, la stampa, la carta e la performance.

Rauschenberg ha ricevuto numerosi premi durante i suoi quasi 60 anni di carriera artistica. Tra i più importanti, il Gran Premio Internazionale di Pittura alla 32a Biennale di Venezia nel 1964 e la Medaglia Nazionale delle Arti nel 1993.

Rauschenberg ha vissuto e lavorato a New York City e a Captiva Island, in Florida, fino alla sua morte il 12 maggio 2008.

Rauschenberg nacque Milton Ernest Rauschenberg a Port Arthur, Texas, figlio di Dora Carolina (nata Matson) e Ernest R. Rauschenberg. Suo padre aveva origini tedesche e Cherokee e sua madre era di origine olandese. Suo padre lavorava per la Gulf States Utilities, una compagnia elettrica. I suoi genitori erano cristiani fondamentalisti. Aveva una sorella minore di nome Janet Begneaud.

A 18 anni, Rauschenberg fu ammesso all”Università del Texas ad Austin, dove iniziò a studiare farmacologia, ma abbandonò poco dopo a causa della difficoltà del corso – senza rendersi conto a questo punto di essere dislessico – e a causa della sua riluttanza a sezionare una rana in classe di biologia. Fu arruolato nella Marina degli Stati Uniti nel 1944. Con base in California, ha servito come tecnico neuropsichiatrico in un ospedale della Marina fino al suo congedo nel 1945 o 1946.

In seguito Rauschenberg studiò al Kansas City Art Institute e all”Académie Julian di Parigi, in Francia, dove incontrò la collega Susan Weil. Nel 1948 Rauschenberg si unì alla Weil per iscriversi al Black Mountain College nel North Carolina.

A Black Mountain, Rauschenberg cercò Josef Albers, un fondatore del Bauhaus in Germania, di cui aveva letto in un numero di agosto 1948 della rivista Time. Sperava che i rigorosi metodi di insegnamento di Albers potessero frenare la sua abituale sciatteria. I corsi preliminari di design di Albers si basavano su una rigida disciplina che non permetteva alcuna “sperimentazione non influenzata”.

Rauschenberg divenne, secondo le sue stesse parole, “l”asino di Albers, l”esempio eccezionale di ciò di cui non parlava”. Sebbene Rauschenberg considerasse Albers il suo maestro più importante, trovò una sensibilità più compatibile in John Cage, un affermato compositore di musica d”avanguardia. Come Rauschenberg, Cage si era allontanato dagli insegnamenti disciplinari del suo istruttore, Arnold Schönberg, in favore di un approccio più sperimentale alla musica. Cage fornì a Rauschenberg il sostegno e l”incoraggiamento di cui aveva bisogno durante i primi anni della sua carriera, e i due rimasero amici e collaboratori artistici per i decenni successivi.

Dal 1949 al 1952 Rauschenberg studiò con Vaclav Vytlacil e Morris Kantor all”Art Students League di New York, dove incontrò i colleghi artisti Knox Martin e Cy Twombly.

Rauschenberg sposò Susan Weil nell”estate del 1950 nella casa della famiglia Weil a Outer Island, Connecticut. Il loro unico figlio, Christopher, è nato il 16 luglio 1951. I due si separarono nel giugno 1952 e divorziarono nel 1953. In seguito, Rauschenberg ebbe relazioni romantiche con i colleghi artisti Cy Twombly e Jasper Johns, tra gli altri. Il suo partner per gli ultimi 25 anni della sua vita fu l”artista Darryl Pottorf,

Negli anni ”70 si è trasferito a NoHo, a Manhattan, a New York.

Rauschenberg acquistò la Beach House, la sua prima proprietà a Captiva Island, il 26 luglio 1968. Tuttavia, la proprietà non divenne la sua residenza permanente fino all”autunno del 1970.

Rauschenberg è morto di insufficienza cardiaca il 12 maggio 2008, a Captiva Island, in Florida.

L”approccio di Rauschenberg fu talvolta chiamato “neodadaista”, un”etichetta che condivise con il pittore Jasper Johns. Rauschenberg dichiarò notoriamente che “la pittura si riferisce sia all”arte che alla vita” e voleva lavorare “nello spazio tra le due cose”. Come molti dei suoi predecessori dadaisti, Rauschenberg mise in discussione la distinzione tra oggetti d”arte e oggetti quotidiani, e il suo uso di materiali ready-made riprendeva le questioni intellettuali sollevate da Fontana di Marcel Duchamp (1917). L”influenza dadaista di Duchamp può essere osservata anche nei dipinti di Jasper Johns di bersagli, numeri e bandiere, che erano simboli culturali familiari: “cose che la mente conosce già”.

Al Black Mountain College, Rauschenberg sperimentò una varietà di mezzi artistici tra cui la stampa, il disegno, la fotografia, la pittura, la scultura e il teatro; le sue opere spesso presentavano qualche combinazione di questi. A Black Mountain ha creato i suoi dipinti Night Blooming (1951) premendo sassolini e ghiaia nel pigmento nero su tela. Nello stesso anno realizzò, in collaborazione con Susan Weil, nel suo appartamento di New York, dei progetti di corpi interi che “sperano di trasformare in disegni di schermi e carte da parati”.

Dall”autunno del 1952 alla primavera del 1953, Rauschenberg viaggiò in Italia e in Nord Africa con il suo compagno e artista Cy Twombly. Lì ha creato collage e piccole sculture, tra cui le Scatole Personali e i Feticci Personali, con materiali trovati. Le espose in gallerie di Roma e Firenze. Con sorpresa di Rauschenberg, un certo numero di opere furono vendute; molte di quelle che non furono vendute le gettò nel fiume Arno, seguendo il suggerimento di un critico d”arte che recensì la sua mostra.

Al suo ritorno a New York City nel 1953, Rauschenberg iniziò a creare sculture con materiali trovati nel suo quartiere di Lower Manhattan, come metallo di scarto, legno e spago. Per tutti gli anni ”50, Rauschenberg si mantenne progettando vetrine per Tiffany & Co. e Bonwit Teller, prima con Susan Weil e poi in collaborazione con Jasper Johns sotto lo pseudonimo di Matson Jones.

In un famoso incidente del 1953, Rauschenberg chiese un disegno al pittore espressionista astratto Willem de Kooning con l”espresso scopo di cancellarlo come dichiarazione artistica. Questo lavoro concettuale, intitolato Erased de Kooning Drawing, fu eseguito con il consenso dell”anziano artista.

Nel 1961, Rauschenberg esplorò un simile approccio concettuale presentando un”idea come l”opera stessa. Fu invitato a partecipare a una mostra alla Galerie Iris Clert a Parigi, dove gli artisti dovevano presentare ritratti di Clert, la proprietaria della galleria. La presentazione di Rauschenberg consisteva in un telegramma che dichiarava “Questo è un ritratto di Iris Clert se lo dico io”.

Dal 1962, i dipinti di Rauschenberg cominciano a incorporare non solo oggetti trovati ma anche immagini trovate. Dopo una visita allo studio di Andy Warhol quell”anno, Rauschenberg iniziò a usare un processo di serigrafia, solitamente riservato ai mezzi di riproduzione commerciale, per trasferire fotografie sulla tela. Le serigrafie realizzate tra il 1962 e il 1964 portarono i critici a identificare il lavoro di Rauschenberg con la Pop Art.

Rauschenberg aveva sperimentato la tecnologia nelle sue opere d”arte fin dalla realizzazione dei suoi primi Combines a metà degli anni ”50, dove a volte usava radio, orologi e ventilatori elettrici funzionanti come materiali scultorei. In seguito esplorò il suo interesse per la tecnologia mentre lavorava con il ricercatore dei Bell Laboratories Billy Klüver. Insieme hanno realizzato alcuni degli esperimenti più ambiziosi di Rauschenberg basati sulla tecnologia, come Soundings (1968), un”installazione luminosa che rispondeva al suono ambientale. Nel 1966, Klüver e Rauschenberg lanciarono ufficialmente Experiments in Art and Technology (E.A.T.), un”organizzazione no-profit fondata per promuovere collaborazioni tra artisti e ingegneri.

Nel 1969, la NASA invitò Rauschenberg ad assistere al lancio dell”Apollo 11. In risposta a questo evento storico, Rauschenberg creò la sua serie di litografie Stoned Moon. Questo comportava la combinazione di diagrammi e altre immagini dagli archivi della NASA con i suoi propri disegni e testi scritti a mano.

Dal 1970, Rauschenberg lavorò dalla sua casa e dal suo studio a Captiva, in Florida. Le prime opere che creò nel suo nuovo studio furono Cardboards (1971-72) e Early Egyptians (1973-74), per le quali si affidò a materiali di provenienza locale come cartone e sabbia. Mentre i suoi lavori precedenti avevano spesso evidenziato immagini e materiali urbani, Rauschenberg ora favorisce l”effetto delle fibre naturali che si trovano nel tessuto e nella carta. Stampò su tessuti usando la sua tecnica di trasferimento a solvente per fare gli Hoarfrost (questi ultimi presentavano grandi tratti di tessuto collocato su pannelli di legno. Rauschenberg creò la serie Jammer (1975-76) usando tessuti colorati ispirati dal suo viaggio ad Ahmedabad, India, una città famosa per i suoi tessuti. La semplicità senza immagini della serie Jammer è un contrasto sorprendente con gli Hoarfrosts, pieni di immagini, e la ruvidezza dei suoi primi lavori realizzati a New York.

I viaggi internazionali diventano una parte centrale del processo artistico di Rauschenberg dopo il 1975. Nel 1984, Rauschenberg annunciò alle Nazioni Unite l”inizio del suo Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI). Quasi interamente finanziato dall”artista, il progetto ROCI consisteva in un tour di sette anni in dieci paesi del mondo. Rauschenberg ha scattato fotografie in ogni luogo e ha realizzato opere d”arte ispirate alle culture che ha visitato. Le opere risultanti venivano esposte in una mostra locale in ogni paese. Rauschenberg spesso donava un”opera a un”istituzione culturale locale.

A partire dalla metà degli anni ”80, Rauschenberg si è concentrato sulla serigrafia di immagini su una varietà di metalli trattati in modo diverso, come l”acciaio e l”alluminio a specchio. Ha creato molte serie di cosiddetti “dipinti metallici”, tra cui: Borealis (1988-92), Urban Bourbons (1988-1996), Phantoms (1991) e Night Shades (1991). Inoltre, nel corso degli anni Novanta, Rauschenberg ha continuato a utilizzare nuovi materiali pur lavorando ancora con tecniche più rudimentali. Come parte del suo impegno con le ultime innovazioni tecnologiche, nella sua ultima serie di dipinti ha trasferito immagini fotografiche digitali a getto d”inchiostro su una varietà di supporti per la pittura. Per il suo Arcadian Retreats (1996) ha trasferito le immagini all”affresco bagnato. In linea con il suo impegno per l”ambiente, Rauschenberg ha usato coloranti e pigmenti biodegradabili e acqua piuttosto che prodotti chimici nel processo di trasferimento.

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I quadri bianchi, i quadri neri e i quadri rossi

Nel 1951 Rauschenberg creò la sua serie White Painting nella tradizione della pittura monocromatica stabilita da Kazimir Malevich, che ridusse la pittura alle sue qualità più essenziali per un”esperienza di purezza estetica e di infinito. I White Paintings furono esposti alla Stable Gallery di Eleanor Ward a New York nell”autunno del 1953. Rauschenberg usò la comune vernice bianca per la casa e rulli di vernice per creare superfici lisce e senza orpelli che a prima vista appaiono come tela bianca. Invece di percepirli come privi di contenuto, tuttavia, John Cage descrisse i White Paintings come “aeroporti per le luci, le ombre e le particelle”; superfici che riflettevano delicati cambiamenti atmosferici nella stanza. Lo stesso Rauschenberg disse che erano influenzati dalle condizioni ambientali, “così si potrebbe quasi dire quante persone sono nella stanza”. Rauschenberg applicava vernice nera opaca e lucida a fondi strutturati di giornale su tela, permettendo occasionalmente al giornale di rimanere visibile.

Dal 1953 Rauschenberg si era spostato dalle serie di White Painting e black painting all”espressionismo accentuato della sua serie Red Painting. Considerava il rosso come “il colore più difficile” con cui dipingere, e accettò la sfida sgocciolando, incollando e spremendo strati di pigmento rosso direttamente su fondi di tela che includevano tessuto modellato, giornali, legno e chiodi. Le complesse superfici materiali dei Red Paintings furono i precursori della ben nota serie Combine di Rauschenberg (1954-1964).

Combina

Rauschenberg raccoglieva oggetti scartati per le strade di New York City e li portava nel suo studio dove li integrava nel suo lavoro. Sosteneva che “voleva qualcosa di diverso da quello che potevo fare io e volevo usare la sorpresa e la collettività e la generosità di trovare sorprese. Così l”oggetto stesso è stato cambiato dal suo contesto e quindi è diventato una cosa nuova”.

Il commento di Rauschenberg sul divario tra arte e vita fornisce il punto di partenza per la comprensione dei suoi contributi come artista. Vedeva la bellezza potenziale in quasi ogni cosa; una volta disse: “Mi dispiace molto per le persone che pensano che cose come portasapone o specchi o bottiglie di Coca Cola siano brutte, perché sono circondati da cose del genere tutto il giorno, e questo deve renderli infelici”. La sua serie Combine ha dotato gli oggetti quotidiani di un nuovo significato portandoli nel contesto dell”arte accanto ai materiali tradizionali della pittura. I Combines eliminarono i confini tra arte e scultura in modo che entrambi fossero presenti in un”unica opera d”arte. Mentre “Combines” tecnicamente si riferisce al lavoro di Rauschenberg dal 1954 al 1964, Rauschenberg ha continuato a utilizzare oggetti quotidiani come vestiti, giornali, detriti urbani e cartone per tutta la sua carriera artistica.

Le sue opere di transizione che portarono alla creazione dei Combines furono Charlene (1954) e Collection (1954-1955), dove colloca oggetti come sciarpe, lampadine elettriche, specchi e fumetti. Anche se Rauschenberg aveva utilizzato giornali e tessuti a motivi nei suoi quadri neri e nei Red Paintings, nei Combines diede agli oggetti quotidiani un rilievo pari a quello dei materiali tradizionali della pittura. Considerato uno dei primi Combines, Bed (1955) fu creato spalmando vernice rossa su una trapunta, un lenzuolo e un cuscino ben consumati. L”opera fu appesa verticalmente al muro come un dipinto tradizionale. A causa dell”intima connessione dei materiali con la vita dell”artista, Bed è spesso considerato un autoritratto e un”impronta diretta della coscienza interiore di Rauschenberg. Alcuni critici hanno suggerito che l”opera potrebbe essere letta come un simbolo di violenza e stupro, ma Rauschenberg ha descritto Bed come “uno dei quadri più amichevoli che abbia mai dipinto”. Tra i suoi Combines più famosi ci sono quelli che incorporano animali tassidermizzati, come Monogram (1955-1959) che include una capra d”angora impagliata, e Canyon (1959), che presenta un”aquila dorata impagliata. Anche se l”aquila è stata recuperata dalla spazzatura, Canyon ha attirato le ire del governo a causa del Bald and Golden Eagle Protection Act del 1940.

I critici originariamente consideravano i Combines in termini di qualità formali: colore, struttura e composizione. La visione formalista degli anni Sessanta fu poi confutata dal critico Leo Steinberg, che disse che ogni Combine era “una superficie ricettiva su cui sono sparsi oggetti, su cui vengono inseriti dati”. Secondo Steinberg, l”orizzontalità di quello che chiamava il “piano d”immagine piatto” di Rauschenberg aveva sostituito la tradizionale verticalità della pittura, e di conseguenza permetteva le superfici unicamente legate alla materia del lavoro di Rauschenberg.

Performance e danza

Rauschenberg iniziò a esplorare il suo interesse per la danza dopo essersi trasferito a New York nei primi anni cinquanta. Fu esposto per la prima volta alla danza d”avanguardia e alla performance art al Black Mountain College, dove partecipò al Theatre Piece No. 1 (1952) di John Cage, spesso considerato il primo Happening. Ha iniziato a disegnare scenografie, luci e costumi per Merce Cunningham e Paul Taylor. Nei primi anni sessanta fu coinvolto negli esperimenti radicali di teatro-danza alla Judson Memorial Church nel Greenwich Village, e coreografò la sua prima performance, Pelican (1963), per il Judson Dance Theater nel maggio 1963. Rauschenberg era molto amico di ballerini affiliati a Cunningham, tra cui Carolyn Brown, Viola Farber e Steve Paxton, tutti presenti nelle sue coreografie. Il legame a tempo pieno di Rauschenberg con la Merce Cunningham Dance Company terminò dopo il suo tour mondiale del 1964. Nel 1966, Rauschenberg creò la performance Open Score come parte di 9 Evenings: Theatre and Engineering al 69th Regiment Armory di New York. La serie fu determinante per la formazione di Experiments in Art and Technology (E.A.T.).

Nel 1977 Rauschenberg, Cunningham e Cage si riunirono come collaboratori per la prima volta dopo tredici anni per creare Travelogue (1977), per il quale Rauschenberg contribuì con i costumi e le scenografie. Rauschenberg non ha coreografato le sue opere dopo il 1967, ma ha continuato a collaborare con altri coreografi, tra cui Trisha Brown, per il resto della sua carriera artistica.

Commissioni

Nel corso della sua carriera, Rauschenberg disegnò numerosi manifesti a sostegno di cause per lui importanti. Nel 1965, quando la rivista Life gli commissionò di visualizzare un moderno Inferno, non esitò a sfogare la sua rabbia contro la guerra del Vietnam e altre questioni sociopolitiche contemporanee, tra cui la violenza razziale, il neonazismo, gli assassinii politici e il disastro ecologico.

Il 30 dicembre 1979, il Miami Herald stampò 650.000 copie di Tropic, la sua rivista della domenica, con una copertina disegnata da Rauschenberg. Nel 1983 vinse un Grammy Award per il design dell”album Speaking in Tongues dei Talking Heads. Nel 1986 Rauschenberg fu incaricato dalla BMW di dipingere una BMW 635 CSi a grandezza naturale per la sesta puntata del famoso BMW Art Car Project. L”auto di Rauschenberg fu la prima del progetto a presentare riproduzioni di opere del Metropolitan Museum of Art di New York, così come le sue stesse fotografie.

Nel 1998, il Vaticano ha commissionato un”opera di Rauschenberg in onore del Giubileo del 2000 da esporre nell”Aula Liturgica di Padre Pio a San Giovanni Rotondo, in Italia. Lavorando sul tema del Giudizio Universale, Rauschenberg ha creato The Happy Apocalypse (1999), una maquette lunga sei metri. Alla fine è stata rifiutata dal Vaticano con la motivazione che la raffigurazione di Dio come un”antenna satellitare era un riferimento teologico inappropriato.

Rauschenberg ebbe la sua prima mostra personale alla Betty Parsons Gallery nella primavera del 1951. Nel 1953, mentre era in Italia, fu notato da Irene Brin e Gaspero del Corso e loro organizzarono la sua prima mostra europea nella loro famosa galleria di Roma. Nel 1953, Eleanor Ward invitò Rauschenberg a partecipare a una mostra congiunta con Cy Twombly alla Stable Gallery. Nella sua seconda mostra personale a New York alla Charles Egan Gallery nel 1954, Rauschenberg presentò i suoi Red Paintings (1953-1953) e Combines (1954-1964). Leo Castelli allestì una mostra personale di Combines di Rauschenberg nel 1958. L”unica vendita fu un”acquisizione da parte di Castelli stesso di Bed (1955), ora nella collezione del Museum of Modern Art, New York.

La prima retrospettiva della carriera di Rauschenberg fu organizzata dal Jewish Museum di New York nel 1963. Nel 1964 divenne uno dei primi artisti americani a vincere il Gran Premio Internazionale di Pittura alla Biennale di Venezia (Mark Tobey e James Whistler avevano precedentemente vinto premi di pittura rispettivamente nel 1895 e nel 1958). Una retrospettiva di metà carriera fu organizzata dalla National Collection of Fine Arts (ora Smithsonian American Art Museum), Washington, D.C., e viaggiò in tutti gli Stati Uniti tra il 1976 e il 1978.

Negli anni ”90 si è tenuta una retrospettiva al Solomon R. Guggenheim Museum di New York (1997), che ha viaggiato nei musei di Houston, Colonia e Bilbao fino al 1999. Una mostra di Combines è stata presentata al Metropolitan Museum of Art, New York (ha viaggiato al Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Centre Georges Pompidou, Parigi, e Moderna Museet, Stoccolma, fino al 2007). La prima retrospettiva postuma di Rauschenberg è stata allestita alla Tate Modern (ha viaggiato al Museum of Modern Art di New York e al San Francisco Museum of Modern Art fino al 2017).

Altre mostre includono: Robert Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery, Londra ( A Visual Lexicon, Leo Castelli Gallery (Rauschenberg in China, Ullens Center for Contemporary Art, Beijing (e Rauschenberg: The 14 Mile al Los Angeles County Museum of Art (2018-2019).

Rauschenberg credeva fortemente nel potere dell”arte come catalizzatore del cambiamento sociale. Il Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) iniziò nel 1984 come uno sforzo per accendere il dialogo internazionale e migliorare la comprensione culturale attraverso l”espressione artistica. Una mostra ROCI è stata esposta alla National Gallery of Art, D.C., nel 1991, concludendo un tour di dieci paesi: Messico, Cile, Venezuela, Cina, Tibet, Giappone, Cuba, URSS, Germania e Malesia.

Nel 1970, Rauschenberg ha creato un programma chiamato Change, Inc. per assegnare sovvenzioni di emergenza una tantum fino a 1.000 dollari ad artisti visivi in base al bisogno finanziario. Nel 1990, Rauschenberg ha creato la Robert Rauschenberg Foundation (RRF) per promuovere la consapevolezza delle cause che gli stanno a cuore, come la pace nel mondo, l”ambiente e le questioni umanitarie. Nel 1986, Rauschenberg ha ricevuto il Golden Plate Award dell”American Academy of Achievement. È stato premiato dal presidente Bill Clinton con la National Medal of Arts nel 1993. Nel 2000, Rauschenberg è stato onorato con il premio di eccellenza di amfAR per i contributi artistici alla lotta contro l”AIDS.

La RRF possiede oggi molte opere di Rauschenberg di ogni periodo della sua carriera. Nel 2011, la fondazione ha presentato The Private Collection of Robert Rauschenberg in collaborazione con la Gagosian Gallery, con selezioni dalla collezione d”arte personale di Rauschenberg. I proventi della mostra hanno contribuito a finanziare le attività filantropiche della fondazione. Sempre nel 2011, la fondazione ha lanciato il suo progetto “Artist as Activist” e ha invitato l”artista Shepard Fairey a concentrarsi su un tema di sua scelta. L”opera in edizione da lui realizzata è stata venduta per raccogliere fondi per la Coalition for the Homeless. La RRF continua a sostenere artisti emergenti e organizzazioni artistiche con sovvenzioni e collaborazioni filantropiche ogni anno. La RRF ha diversi programmi di residenza che si svolgono nella sede della fondazione a New York e nella proprietà del defunto artista a Captiva Island, in Florida.

Nel 2013, Dale Eisinger di Complex ha classificato Open Score (1966) al settimo posto nella sua lista delle più grandi opere di performance art di tutti i tempi.

Nel 2010 Studio Painting (1960-61), uno dei Combines di Rauschenberg originariamente stimato da 6 a 9 milioni di dollari, è stato acquistato dalla collezione di Michael Crichton per 11 milioni di dollari da Christie”s, New York. Nel 2019, Christie”s ha venduto il dipinto serigrafico Buffalo II (1964) per 88,8 milioni di dollari, frantumando il precedente record dell”artista.

Lobbying per i diritti di rivendita degli artisti

All”inizio degli anni Settanta, Rauschenberg fece pressione sul Congresso degli Stati Uniti per far passare una legge che compensasse gli artisti quando le loro opere venivano rivendute sul mercato secondario. Rauschenberg ha preso la sua lotta per le royalties di rivendita degli artisti dopo che il barone dei taxi Robert Scull ha venduto parte della sua collezione di opere d”arte espressionista astratta e pop per 2,2 milioni di dollari. Scull aveva originariamente acquistato i dipinti di Rauschenberg Thaw (circa un decennio dopo Scull vendette i pezzi per 85.000 e 90.000 dollari in un”asta del 1973 da Sotheby Parke Bernet a New York.

Gli sforzi di lobbying di Rauschenberg furono premiati nel 1976 quando il governatore della California Jerry Brown firmò la legge del California Resale Royalty Act del 1976. Dopo la vittoria californiana, l”artista ha continuato a perseguire una legislazione sui diritti di rivendita a livello nazionale.

Fonti