Roy Lichtenstein

gigatos | Marzo 28, 2022

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Riassunto

Roy Fox Lichtenstein (27 ottobre 1923 – 29 settembre 1997) è stato un artista pop americano. Durante gli anni sessanta, insieme a Andy Warhol, Jasper Johns e James Rosenquist tra gli altri, divenne una figura di spicco del nuovo movimento artistico. Il suo lavoro definì la premessa della pop art attraverso la parodia. Ispirato dal fumetto, Lichtenstein produceva composizioni precise che documentavano mentre parodiavano, spesso in modo ironico. Il suo lavoro fu influenzato dalla pubblicità popolare e dallo stile dei fumetti. Le sue opere erano considerate “dirompenti”. Ha descritto la pop art come “non la pittura ”americana” ma in realtà la pittura industriale”. I suoi dipinti sono stati esposti alla Leo Castelli Gallery di New York City.

Whaam! e Drowning Girl sono generalmente considerate le opere più famose di Lichtenstein. Drowning Girl, Whaam! e Look Mickey sono considerate le sue opere più influenti. Il suo pezzo più costoso è Masterpiece, che è stato venduto per 165 milioni di dollari nel gennaio 2017.

Lichtenstein nacque in una famiglia ebreo-tedesca dell”alta borghesia a New York City. Suo padre, Milton, era un agente immobiliare, sua madre, Beatrice (Werner), una casalinga. Fu cresciuto nell”Upper West Side di New York City e frequentò la scuola pubblica fino all”età di dodici anni. Ha poi frequentato la Dwight School di New York, dove si è diplomato nel 1940. Lichtenstein si interessò per la prima volta all”arte e al design per hobby, attraverso la scuola. Era un appassionato di jazz e spesso assisteva ai concerti all”Apollo Theater di Harlem. Disegnava spesso ritratti dei musicisti che suonavano i loro strumenti. Nel suo ultimo anno di scuola superiore, il 1939, Lichtenstein si iscrisse ai corsi estivi alla Art Students League di New York, dove lavorò sotto la tutela di Reginald Marsh.

Lichtenstein lasciò poi New York per studiare alla Ohio State University, che offriva corsi di studio e una laurea in belle arti. I suoi studi furono interrotti da un periodo di tre anni nell”esercito durante e dopo la seconda guerra mondiale tra il 1943 e il 1946. Dopo essere stato nei programmi di addestramento per le lingue, l”ingegneria e l”addestramento dei piloti, che furono tutti cancellati, servì come inserviente, disegnatore e artista.

Lichtenstein tornò a casa per visitare il padre morente e fu congedato dall”esercito con l”idoneità per il G.I. Bill. Tornò a studiare in Ohio sotto la supervisione di uno dei suoi insegnanti, Hoyt L. Sherman, che è ampiamente considerato per aver avuto un impatto significativo sul suo lavoro futuro (Lichtenstein avrebbe poi chiamato un nuovo studio da lui finanziato alla OSU come Hoyt L. Sherman Studio Art Center).

Lichtenstein entrò nel programma di laurea alla Ohio State e fu assunto come istruttore d”arte, un posto che tenne saltuariamente per i successivi dieci anni. Nel 1949 Lichtenstein ricevette un Master of Fine Arts dalla Ohio State University.

Nel 1951, Lichtenstein fece la sua prima mostra personale alla Carlebach Gallery di New York e nello stesso anno si trasferì a Cleveland, dove rimase per sei anni, anche se tornava spesso a New York. Durante questo periodo intraprese i lavori più disparati, da disegnatore a decoratore di finestre, tra un periodo di pittura e l”altro. Il suo lavoro in questo periodo oscillava tra il cubismo e l”espressionismo. Nel 1954 nacque il suo primo figlio, David Hoyt Lichtenstein, ora cantautore. Il suo secondo figlio, Mitchell Lichtenstein, è nato nel 1956.

Nel 1957, si trasferì di nuovo a nord di New York e ricominciò a insegnare. Fu in questo periodo che adottò lo stile dell”Espressionismo astratto, essendo un tardivo convertito a questo stile di pittura. Lichtenstein iniziò a insegnare a New York presso la State University of New York a Oswego nel 1958. Più o meno in questo periodo, cominciò a incorporare immagini nascoste di personaggi dei cartoni animati come Mickey Mouse e Bugs Bunny nelle sue opere astratte.

Salire alla ribalta

Nel 1960, iniziò a insegnare alla Rutgers University dove fu fortemente influenzato da Allan Kaprow, che era anche un insegnante dell”università. Questo ambiente contribuì a riaccendere il suo interesse per l”immaginario proto-pop. Nel 1961, Lichtenstein iniziò i suoi primi dipinti pop utilizzando immagini di cartoni animati e tecniche derivate dall”aspetto della stampa commerciale. Questa fase continuerà fino al 1965 e include l”uso di immagini pubblicitarie che suggeriscono il consumismo e l”economia domestica. La sua prima opera che presenta l”uso su larga scala di figure dai bordi duri e punti Ben-Day è Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Washington, D.C.). Quest”opera nacque da una sfida di uno dei suoi figli, che indicò un fumetto di Topolino e disse: “Scommetto che non sai dipingere bene come quello, eh, papà? Nello stesso anno produsse altre sei opere con personaggi riconoscibili da carte di gomme da masticare e cartoni animati.

Nel 1961, Leo Castelli iniziò a esporre le opere di Lichtenstein nella sua galleria di New York. Lichtenstein ebbe la sua prima mostra personale alla galleria Castelli nel 1962; l”intera collezione fu acquistata da influenti collezionisti prima ancora che la mostra fosse aperta. Un gruppo di dipinti prodotti tra il 1961 e il 1962 si concentrò su oggetti domestici solitari come scarpe da ginnastica, hot dog e palline da golf. Nel settembre 1963 prese un congedo dalla sua posizione di insegnante al Douglass College di Rutgers.

Le sue opere erano ispirate da fumetti con storie di guerra e romantiche “A quel tempo”, ha raccontato più tardi Lichtenstein, “ero interessato a qualsiasi cosa che potessi usare come soggetto che fosse emotivamente forte – di solito l”amore, la guerra, o qualcosa che fosse altamente carico ed emotivo per essere opposto alle tecniche di pittura rimossa e deliberata”.

Periodo di massimo profilo di Lichtenstein

Fu in questo periodo che Lichtenstein iniziò a trovare la fama non solo in America ma in tutto il mondo. Si trasferì di nuovo a New York per essere al centro della scena artistica e si dimise dalla Rutgers University nel 1964 per concentrarsi sulla sua pittura. Lichtenstein usò l”olio e la vernice Magna (i primi acrilici) nelle sue opere più note, come Drowning Girl (1963), che si appropriò della storia principale di Secret Hearts No. 83 della DC Comics. (Drowning Girl è ora appeso al Museum of Modern Art, New York.) Drowning Girl presenta anche contorni spessi, colori audaci e punti Ben-Day, come se fosse creato da una riproduzione fotografica. Del suo lavoro Lichtenstein direbbe che gli espressionisti astratti “mettevano le cose sulla tela e rispondevano a ciò che avevano fatto, alle posizioni dei colori e alle dimensioni. Il mio stile sembra completamente diverso, ma la natura del mettere giù le linee è più o meno la stessa; solo che il mio non sembra calligrafico, come quello di Pollock o di Kline”.

Piuttosto che tentare di riprodurre i suoi soggetti, il lavoro di Lichtenstein ha affrontato il modo in cui i mass media li ritraggono. Non si sarebbe mai preso troppo sul serio, tuttavia, dicendo: “Penso che il mio lavoro sia diverso dai fumetti – ma non lo chiamerei trasformazione; non credo che qualsiasi cosa si intenda con ciò sia importante per l”arte”. Quando il lavoro di Lichtenstein fu esposto per la prima volta, molti critici d”arte dell”epoca ne contestarono l”originalità. Il suo lavoro fu aspramente criticato come volgare e vuoto. Il titolo di un articolo della rivista Life nel 1964 chiedeva: “È il peggior artista degli Stati Uniti? Lichtenstein rispose a tali affermazioni offrendo risposte come le seguenti: “Più il mio lavoro è vicino all”originale, più il contenuto è minaccioso e critico. Tuttavia, il mio lavoro è completamente trasformato nel senso che il mio scopo e la mia percezione sono completamente diversi. Penso che i miei dipinti siano criticamente trasformati, ma sarebbe difficile dimostrarlo con qualsiasi linea razionale di argomentazione”. Ha discusso l”esperienza di questa pesante critica in un”intervista con April Bernard e Mimi Thompson nel 1986. Suggerendo che a volte era difficile essere criticato, Lichtenstein disse: “Non dubito quando sto effettivamente dipingendo, è la critica che ti fa riflettere, è così”.

La sua immagine più celebre è probabilmente Whaam! (1963, Tate Modern, Londra), uno dei primi esempi conosciuti di pop art, adattato da una tavola di fumetto disegnata da Irv Novick in un numero del 1962 di All-American Men of War della DC Comics. Il dipinto raffigura un aereo da combattimento che spara un razzo contro un aereo nemico, con un”esplosione rossa e gialla. Lo stile cartoon è accentuato dall”uso del lettering onomatopeico “Whaam!” e dalla didascalia “Ho premuto il controllo del fuoco… e davanti a me i razzi sfolgoravano nel cielo…” Questo dittico è in grande scala, misura 1,7 x 4,0 m (5 ft 7 in x 13 ft 4 in). Whaam segue i temi basati sul fumetto di alcuni dei suoi dipinti precedenti e fa parte di un corpo di lavori a tema bellico creati tra il 1962 e il 1964. È uno dei suoi due notevoli dipinti di grandi dimensioni a tema bellico. Fu acquistato dalla Tate Gallery nel 1966, dopo essere stato esposto alla Galleria Leo Castelli nel 1963, e (ora alla Tate Modern) è rimasto nella loro collezione da allora. Nel 1968, l”imprenditore di Darmstadt Karl Ströher acquistò diverse opere importanti di Lichtenstein, come Nurse (1964), Compositions I (1964), We rose up slowly (1964) e Yellow and Green Brushstrokes (1966). Dopo essere stato in prestito al Hessiches Landesmuseum Darmstadt per diversi anni, il direttore fondatore del Museum für Moderne Kunst di Francoforte, Peter Iden, ha potuto acquistare un totale di 87 opere nel 1981, principalmente Pop Art americana e Minimal Art per il museo in costruzione fino al 1991.

Lichtenstein iniziò a sperimentare con la scultura intorno al 1964, dimostrando un talento per la forma che era in contrasto con l”insistente piattezza dei suoi dipinti. Per Head of Girl (1964) e Head with Red Shadow (1965), collaborò con un ceramista che scolpì la forma della testa nell”argilla. Lichtenstein ha poi applicato uno smalto per creare lo stesso tipo di motivi grafici che usava nei suoi dipinti; l”applicazione di linee nere e punti Ben-Day a oggetti tridimensionali ha portato a un appiattimento della forma.

La maggior parte delle opere più note di Lichtenstein sono copie relativamente vicine, ma non esatte, di pannelli di fumetti, un soggetto che abbandonò in gran parte nel 1965, anche se avrebbe occasionalmente incorporato i fumetti nel suo lavoro in modi diversi nei decenni successivi. Questi pannelli sono stati originariamente disegnati da artisti di fumetti come Jack Kirby e gli artisti della DC Comics Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick, e Jerry Grandenetti, che raramente hanno ricevuto alcun credito. Jack Cowart, direttore esecutivo della Lichtenstein Foundation, contesta l”idea che Lichtenstein fosse un copista, dicendo: “Il lavoro di Roy era una meraviglia delle formule grafiche e la codificazione del sentimento che era stato elaborato da altri. I pannelli erano cambiati nella scala, nel colore, nel trattamento e nelle loro implicazioni. Non c”è una copia esatta”. sono stati critici dell”uso di Lichtenstein dell”immaginario dei fumetti e dei pezzi d”arte, specialmente nella misura in cui tale uso è stato visto come l”approvazione di una visione paternalistica dei fumetti da parte del mainstream dell”arte; il fumettista Art Spiegelman ha commentato che “Lichtenstein non ha fatto né più né meno per i fumetti di quanto Andy Warhol abbia fatto per la zuppa”.

Le opere di Lichtenstein basate su pannelli ingranditi di fumetti hanno generato un ampio dibattito sui loro meriti come arte. Lichtenstein stesso ha ammesso: “nominalmente sto copiando, ma in realtà sto riproponendo la cosa copiata in altri termini. Facendo questo, l”originale acquisisce una consistenza totalmente diversa. Non sono pennellate spesse o sottili, sono punti e colori piatti e linee inflessibili”. Eddie Campbell ha scritto nel suo blog che “Lichtenstein ha preso un”immagine minuscola, più piccola del palmo della mano, stampata con inchiostri a quattro colori su carta da giornale e l”ha ingrandita fino alle dimensioni convenzionali in cui si fa e si espone l””arte” e l”ha rifinita con vernice su tela”. Riguardo a Lichtenstein, Bill Griffith una volta disse: “C”è l”arte alta e c”è l”arte bassa. E poi c”è l”arte alta che può prendere l”arte bassa, portarla in un contesto di arte alta, appropriarsene ed elevarla in qualcos”altro”.

Anche se il lavoro di Lichtenstein basato sui fumetti ha guadagnato una certa accettazione, le preoccupazioni sono ancora espresse dai critici che dicono che Lichtenstein non ha accreditato, pagato alcuna royalty a, o cercato il permesso dagli artisti originali o dai titolari del copyright. In un”intervista per un documentario della BBC Four nel 2013, Alastair Sooke chiese al fumettista Dave Gibbons se considerava Lichtenstein un plagiatore. Gibbons ha risposto: “Direi ”imitatore”. Nella musica, per esempio, non si può fischiettare la melodia di qualcun altro o eseguire la melodia di qualcun altro, non importa quanto male, senza in qualche modo accreditare e pagare l”artista originale. Vale a dire, questo è ”WHAAM! di Roy Lichtenstein, dopo Irv Novick””. Lo stesso Sooke sostiene che “Lichtenstein ha trasformato l”opera di Novick in una serie di modi sottili ma cruciali”.

Il fondatore della rivista, Ernesto Priego, docente della City University di Londra e dottorando dell”University College di Londra, nota che il fallimento di Lichtenstein di accreditare i creatori originali delle sue opere a fumetti era una riflessione sulla decisione della National Periodical Publications, il predecessore della DC Comics, di omettere qualsiasi credito per i loro scrittori e artisti:

Oltre a incarnare il pregiudizio culturale contro i fumetti come veicoli d”arte, esempi come l”appropriazione da parte di Lichtenstein del vocabolario dei fumetti evidenziano l”importanza di prendere in considerazione il formato della pubblicazione quando si definisce il fumetto, così come l”economia politica implicata da specifici tipi di pubblicazioni storiche, in questo caso il fumetto mainstream americano. In che misura la National Periodical Publications (più tardi la DC) fu responsabile del rifiuto del ruolo di Kanigher e Novick come artisti a pieno titolo, non concedendo loro pieno credito autoriale sulla pubblicazione stessa?

Inoltre, Campbell nota che c”è stato un tempo in cui i fumettisti spesso rifiutavano l”attribuzione del loro lavoro.

In un resoconto pubblicato nel 1998, Novick ha detto che aveva incontrato Lichtenstein nell”esercito nel 1947 e, come suo ufficiale superiore, aveva risposto alle lamentele lacrimose di Lichtenstein sui compiti umili che gli venivano assegnati raccomandandolo per un lavoro migliore. Jean-Paul Gabilliet ha messo in dubbio questo resoconto, dicendo che Lichtenstein aveva lasciato l”esercito un anno prima del momento in cui Novick dice che l”incidente ebbe luogo. Bart Beaty, notando che Lichtenstein si era appropriato di Novick per opere come Whaam! e Ok Hot-Shot, Ok!, dice che la storia di Novick “sembra essere un tentativo di sminuire personalmente” l”artista più famoso.

Nel 1966, Lichtenstein si allontanò dal suo tanto celebrato immaginario dei primi anni sessanta e iniziò la sua serie di Modern Paintings, che comprendeva oltre 60 dipinti e disegni di accompagnamento. Usando i suoi caratteristici punti Ben-Day e forme e linee geometriche, ha reso immagini incongrue e stimolanti da strutture architettoniche familiari, modelli presi in prestito dall”Art Déco e altri motivi sottilmente evocativi, spesso sequenziali. La serie Modern Sculpture del 1967-8 faceva riferimento a motivi dell”architettura Art Déco.

Lavoro successivo

Nei primi anni sessanta, Lichtenstein riprodusse capolavori di Cézanne, Mondrian e Picasso prima di intraprendere la serie Brushstrokes nel 1965. Lichtenstein ha continuato a rivisitare questo tema più tardi nella sua carriera con opere come Bedroom at Arles che deriva da Bedroom in Arles di Vincent van Gogh.

Nel 1970, Lichtenstein fu incaricato dal Los Angeles County Museum of Art (nell”ambito del suo programma Art and Technology sviluppato tra il 1967 e il 1971) di realizzare un film. Con l”aiuto degli Universal Film Studios, l”artista concepì e produsse Three Landscapes, un film di paesaggi marini, direttamente collegato a una serie di collage con temi paesaggistici che aveva creato tra il 1964 e il 1966. Anche se Lichtenstein aveva previsto di produrre 15 cortometraggi, l”installazione a tre schermi – realizzata con il regista indipendente Joel Freedman di New York – si è rivelata l”unica impresa dell”artista nel mezzo.

Sempre nel 1970, Lichtenstein acquistò un”ex casa di carrozze a Southampton, Long Island, costruì uno studio sulla proprietà e trascorse il resto degli anni Settanta in relativa solitudine. Negli anni Settanta e Ottanta, il suo stile cominciò ad allentare e si espanse su ciò che aveva fatto prima. Lichtenstein iniziò una serie di dipinti Mirrors nel 1969. Nel 1970, mentre continuava la serie Mirrors, iniziò a lavorare sul tema delle entablature. Le Entablatures consistevano in una prima serie di dipinti dal 1971 al 1972, seguita da una seconda serie nel 1974-76, e la pubblicazione di una serie di stampe in rilievo nel 1976. Ha prodotto una serie di “Artists Studios” che hanno incorporato elementi del suo lavoro precedente. Un esempio notevole è Artist”s Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis) che incorpora altre cinque opere precedenti, inserite nella scena.

Durante un viaggio a Los Angeles nel 1978, Lichtenstein rimase affascinato dalla collezione di stampe espressioniste tedesche e libri illustrati dell”avvocato Robert Rifkind. Cominciò a produrre opere che prendevano in prestito elementi stilistici presenti nei dipinti espressionisti. L”albero bianco (1980) evoca i paesaggi lirici di Der Blaue Reiter, mentre Dr. Waldmann (1980) ricorda il Dr. Mayer-Hermann (1926) di Otto Dix. Piccoli disegni a matita colorata sono stati usati come modelli per le xilografie, un mezzo favorito da Emil Nolde e Max Pechstein, così come Dix e Ernst Ludwig Kirchner. Sempre alla fine degli anni Settanta, lo stile di Lichtenstein fu sostituito da opere più surreali come Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen). Una serie importante di dipinti surrealisti-pop dal 1979 al 1981 è basata su temi nativi americani. Queste opere vanno da Amerind Figure (1981), una scultura stilizzata a grandezza naturale che ricorda un totem aerodinamico in bronzo patinato nero, al monumentale arazzo di lana Amerind Landscape (1979). Le opere “indiane” presero i loro temi, come le altre parti della serie surrealista, dall”arte contemporanea e da altre fonti, compresi i libri sul design degli indiani americani della piccola biblioteca di Lichtenstein.

I dipinti, le sculture e i disegni Still Life di Lichtenstein, che vanno dal 1972 ai primi anni ”80, coprono una varietà di motivi e temi, compresi i più tradizionali come frutta, fiori e vasi. Nel 1983 Lichtenstein realizza due manifesti anti-apartheid, intitolati semplicemente “Against Apartheid”. Nella serie Reflection, prodotta tra il 1988 e il 1990, Lichtenstein riutilizza i suoi stessi motivi delle opere precedenti. Interiors (1991-1992) è una serie di opere che raffigurano banali ambienti domestici ispirati da annunci di mobili che l”artista ha trovato negli elenchi telefonici o sui cartelloni pubblicitari. Avendo tratto ispirazione dalle stampe monocromatiche di Edgar Degas presentate in una mostra del 1994 al Metropolitan Museum of Art di New York, i motivi della serie Landscapes in the Chinese Style sono formati da punti Benday simulati e contorni a blocchi, resi con colori duri e vividi, con ogni traccia della mano rimossa. Il nudo è un elemento ricorrente nell”opera di Lichtenstein degli anni Novanta, come nel Collage for Nude with Red Shirt (1995).

Oltre ai dipinti e alle sculture, Lichtenstein ha anche realizzato più di 300 stampe, per lo più in serigrafia.

Commissioni

Nel 1969, Lichtenstein fu incaricato da Gunter Sachs di creare Composition e Leda and the Swan, per la suite da letto del collezionista di Pop Art al Palace Hotel di St. Alla fine degli anni ”70 e durante gli anni ”80, Lichtenstein ricevette importanti commissioni per opere in luoghi pubblici: le sculture Lamp (la Brushstrokes in Flight alta 26 piedi) e El Cap de Barcelona (1992) a Barcellona. Nel 1994, Lichtenstein ha creato il Times Square Mural lungo 53 piedi, smalto su metallo, nella stazione della metropolitana di Times Square. Nel 1977, fu incaricato da BMW di dipingere una versione da corsa del Gruppo 5 della BMW 320i per la terza puntata del BMW Art Car Project. Il logo della DreamWorks Records fu il suo ultimo progetto completato. “Non sono nel business di fare qualcosa del genere (un logo aziendale) e non ho intenzione di farlo di nuovo”, permette Lichtenstein. “Ma conosco Mo Ostin e David Geffen e mi sembrava interessante”.

Riconoscimento

Lichtenstein ha ricevuto numerosi dottorati onorari, tra gli altri, dalla George Washington University (1996), Bard College, Royal College of Art (1993), Ohio State University (1987), Southampton College (1980), e il California Institute of the Arts (1977). È stato anche membro del consiglio della Brooklyn Academy of Music.

Nel 1949, Lichtenstein sposò Isabel Wilson, che in precedenza era stata sposata con l”artista dell”Ohio Michael Sarisky. Tuttavia, i brutali inverni dell”Upstate hanno preso un pedaggio su Lichtenstein e sua moglie, dopo che lui ha iniziato a insegnare alla State University of New York a Oswego nel 1958. La coppia vendette la casa di famiglia a Highland Park, New Jersey, nel 1963 e divorziò nel 1965.

Lichtenstein sposò la sua seconda moglie, Dorothy Herzka, nel 1968. Nel 1966, affittarono una casa a Southampton, New York, che Larry Rivers aveva comprato dietro l”angolo di casa sua. Tre anni dopo, comprarono una rimessa del 1910 di fronte all”oceano su Gin Lane. Dal 1970 fino alla sua morte, Lichtenstein si divise tra Manhattan e Southampton. Aveva anche una casa a Captiva Island.

Nel 1991, Lichtenstein iniziò una relazione con la cantante Erica Wexler che divenne la musa per la sua serie Nudes, tra cui il “Nudes with Beach Ball” del 1994. Lei aveva 22 anni e lui 68. La relazione durò fino al 1994 e finì quando la Wexler andò in Inghilterra con il futuro marito Andy Partridge degli XTC. Secondo Wexler, Lichtenstein e sua moglie Dorothy avevano un”intesa ed entrambi avevano altre persone significative oltre al loro matrimonio.

Lichtenstein morì di polmonite il 29 settembre 1997 al New York University Medical Center, dove era stato ricoverato per diverse settimane, quattro settimane prima del suo 74° compleanno. Sopravvive alla sua seconda moglie, Dorothy Herzka, e ai suoi figli, David e Mitchell, dal suo primo matrimonio.

La pop art continua a influenzare il XXI secolo. Lichtenstein e Andy Warhol sono stati usati nel PopMart Tour degli U2 nel 1997, nel 1998 e in una mostra nel 2007 alla British National Portrait Gallery.

Tra le molte altre opere d”arte perse negli attacchi al World Trade Center l”11 settembre 2001, un dipinto della serie The Entablature di Lichtenstein fu distrutto nel successivo incendio.

La sua opera Crying Girl è stata una delle opere portate in vita in Night at the Museum: Battle of the Smithsonian.

Nel 1964, Lichtenstein divenne il primo americano ad esporre alla Tate Gallery di Londra, in occasione della mostra “”54-”64: Painting and Sculpture of a Decade”. Nel 1967, la sua prima retrospettiva in un museo si tenne al Pasadena Art Museum in California. Lo stesso anno, la sua prima mostra personale in Europa fu tenuta nei musei di Amsterdam, Londra, Berna e Hannover. Lichtenstein partecipò in seguito a documentas IV (1968) e VI (1977). Lichtenstein ebbe la sua prima retrospettiva al Guggenheim Museum nel 1969, organizzata da Diane Waldman. Il Guggenheim ha presentato una seconda retrospettiva di Lichtenstein nel 1994. Lichtenstein è diventato il primo artista vivente ad avere una mostra personale di disegni al Museum of Modern Art da marzo a giugno 1987. Recenti retrospettive includono il 2003 “All About Art”, Louisiana Museum of Modern Art, in Danimarca (che ha viaggiato alla Hayward Gallery, Londra, Museo Reina Sofia, Madrid, e il San Francisco Museum of Modern Art, fino al 2005); e “Classic of the New”, Kunsthaus Bregenz (2005), “Roy Lichtenstein: Meditations on Art” Museo Triennale, Milano (2010, ha viaggiato al Museum Ludwig, Colonia). Alla fine del 2010 la Morgan Library & Museum ha esposto Roy Lichtenstein: The Black-and-White Drawings, 1961-1968. Un”altra grande retrospettiva ha aperto all”Art Institute di Chicago nel maggio 2012 prima di andare alla National Gallery of Art di Washington, alla Tate Modern di Londra e al Centre Pompidou di Parigi nel 2013. 2013: Roy Lichtenstein, Olyvia Fine Art. 2014: Roy Lichtenstein: Intimate Sculptures, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein: Opera Prima, Galleria Civica d”Arte Moderna e Contemporanea, Torino. 2018: Mostra presso The Tate Liverpool, Merseyside, Regno Unito.

Nel 1996 la National Gallery of Art di Washington, D.C. divenne il più grande deposito singolo del lavoro dell”artista quando Lichtenstein donò 154 stampe e 2 libri. L”Art Institute di Chicago ha diverse opere importanti di Lichtenstein nella sua collezione permanente, tra cui Brushstroke with Spatter (1966) e Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Le collezioni personali della vedova di Lichtenstein, Dorothy Lichtenstein, e della Roy Lichtenstein Foundation sono centinaia. In Europa, il Museum Ludwig di Colonia ha una delle collezioni più complete di Lichtenstein con Takka Takka (1962), Nurse (1964), Compositions I (1964), oltre al Frankfurt Museum für Moderne Kunst con We rose up slowly (1964) e Yellow and Green Brushstrokes (1966). Fuori dagli Stati Uniti e dall”Europa, la National Gallery of Australia”s Kenneth Tyler Collection possiede un”ampia collezione di stampe di Lichtenstein, con più di 300 opere. In totale ci sono circa 4.500 opere che si pensa siano in circolazione.

Dopo la morte dell”artista nel 1997, la Roy Lichtenstein Foundation è stata creata nel 1999. Nel 2011, il consiglio della fondazione ha deciso che i benefici dell”autenticazione erano superati dai rischi di lunghe cause legali.

Alla fine del 2006, la fondazione ha inviato un biglietto d”auguri con una foto di Electric Cord (1961), un dipinto che era scomparso dal 1970 dopo essere stato inviato al restauratore Daniel Goldreyer dalla Galleria Leo Castelli. Il biglietto invitava il pubblico a riferire qualsiasi informazione sulla sua posizione. Nel 2012, la fondazione ha autenticato il pezzo quando è emerso in un magazzino di New York City.

Tra il 2008 e il 2012, dopo la morte del fotografo Harry Shunk nel 2006, la Fondazione Lichtenstein ha acquisito la collezione di materiale fotografico scattato da Shunk e dal suo János Kender, nonché i diritti d”autore dei fotografi. Nel 2013, la fondazione ha donato la collezione Shunk-Kender a cinque istituzioni – il Getty Research Institute di Los Angeles, il Museum of Modern Art di New York, la National Gallery of Art di Washington, il Centre Pompidou di Parigi e la Tate di Londra – che permetteranno a ciascun museo di accedere alla quota degli altri.

Dagli anni ”50 il lavoro di Lichtenstein è stato esposto a New York e altrove con Leo Castelli nella sua galleria e alla Castelli Graphics, nonché con Ileana Sonnabend nella sua galleria di Parigi, e alla Ferus Gallery, Pace Gallery, Gagosian Gallery, Mitchell-Innes & Nash, Mary Boone, Brooke Alexander Gallery, Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind, Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon, e Sperone Westwater Galleries tra gli altri. La Leo Castelli Gallery ha rappresentato Lichtenstein in esclusiva dal 1962, quando una mostra personale dell”artista andò esaurita prima dell”apertura.

A partire dal 1962, la Leo Castelli Gallery di New York ha tenuto mostre regolari del lavoro dell”artista. La Gagosian Gallery espone opere di Lichtenstein dal 1996.

Big Painting No. 6 (1965) divenne l”opera di Lichtenstein più costosa nel 1970. Come l”intera serie Brushstrokes, il soggetto del dipinto è il processo della pittura espressionista astratta attraverso ampie pennellate e sgocciolamenti, ma il risultato della semplificazione di Lichtenstein che utilizza uno sfondo di punti Ben-Day è una rappresentazione della meccanica

Il dipinto di Lichtenstein Torpedo … Los! (1963) è stato venduto da Christie”s per 5,5 milioni di dollari nel 1989, una somma record all”epoca, rendendolo uno dei soli tre artisti viventi ad aver attirato somme così ingenti. Nel 2005, In the Car fu venduto per la cifra record di 16,2 milioni di dollari (10 milioni di sterline).

Nel 2010, il suo dipinto del 1964 in stile cartone animato Ohhh…Alright…, precedentemente posseduto da Steve Martin e successivamente da Steve Wynn, è stato venduto alla cifra record di 42,6 milioni di dollari (26,7 milioni di sterline) in una vendita da Christie”s a New York.

Basato su un disegno di William Overgard del 1961 per una storia a fumetti di Steve Roper, I Can See the Whole Room…and There”s Nobody in It! (1961) raffigura un uomo che guarda attraverso un buco in una porta. È stato venduto dal collezionista Courtney Sale Ross per 43 milioni di dollari, il doppio della stima, da Christie”s a New York City nel 2011; il marito della venditrice, Steve Ross, lo aveva acquistato all”asta nel 1988 per 2,1 milioni di dollari. Il dipinto misura quattro piedi per quattro piedi ed è in grafite e olio.

Il dipinto comico Sleeping Girl (1964) dalla collezione di Beatrice e Phillip Gersh ha stabilito un nuovo record di Lichtenstein di 44,8 milioni di dollari da Sotheby”s nel 2012.

Nell”ottobre 2012, il suo quadro Electric Cord (1962) è stato restituito alla vedova di Leo Castelli, Barbara Bertozzi Castelli, dopo essere stato perso per 42 anni. Castelli aveva inviato il dipinto a un restauratore d”arte per la pulizia nel gennaio 1970, e non l”ha mai ricevuto indietro. Morì nel 1999. Nel 2006, la Roy Lichtenstein Foundation ha pubblicato un”immagine del dipinto sul suo biglietto d”auguri per le vacanze e ha chiesto alla comunità artistica di aiutare a trovarlo. Il dipinto è stato trovato in un magazzino di New York, dopo essere stato esposto a Bogotà, in Colombia.

Nel 2013, il quadro Donna con cappello a fiori ha stabilito un altro record con 56,1 milioni di dollari, quando è stato acquistato dal gioielliere britannico Laurence Graff dall”investitore americano Ronald O. Perelman.

Questo è stato superato nel 2015 dalla vendita di Nurse per 95,4 milioni di dollari in un”asta di Christie”s.

Nel gennaio 2017, Masterpiece è stato venduto per 165 milioni di dollari. Il ricavato di questa vendita sarà utilizzato per creare un fondo per la riforma della giustizia penale.

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Opere:

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Fonti