Salvador Dalí

gigatos | Novembre 29, 2021

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Riassunto

Salvador Dalí, nato a Figueras l”11 maggio 1904 e morto nella stessa città il 23 gennaio 1989, è stato un pittore, scultore, incisore, sceneggiatore e scrittore catalano di nazionalità spagnola. È considerato uno dei principali rappresentanti del surrealismo e uno dei pittori più famosi del XX secolo.

Influenzato dall”impressionismo fin dalla tenera età, lasciò Figueras per ricevere un”educazione artistica accademica a Madrid, dove fece amicizia con Federico García Lorca e Luis Buñuel e cercò il suo stile tra diversi movimenti artistici. Su consiglio di Joan Miró, dopo gli studi si trasferì a Parigi e si unì al gruppo surrealista, dove incontrò sua moglie Gala. Trovò il suo stile a partire dal 1929, quando divenne un surrealista a tutti gli effetti e inventò il metodo paranoico-critico. Escluso dal gruppo pochi anni dopo, visse la guerra civile spagnola in esilio in Europa, prima di lasciare la Francia durante la guerra per New York, dove visse per otto anni e fece fortuna. Al suo ritorno in Catalogna nel 1949, si rivolse al cattolicesimo, si avvicinò alla pittura rinascimentale e fu ispirato dagli sviluppi scientifici del suo tempo per sviluppare il suo stile verso quello che chiamava “misticismo corpuscolare”.

I suoi temi più frequenti erano i sogni, la sessualità, il cibo, sua moglie Gala e la religione. La persistenza della memoria è uno dei suoi più famosi dipinti surrealisti, Cristo di San Giovanni della Croce è uno dei suoi principali dipinti con un motivo religioso. Artista molto fantasioso, mostrò una notevole tendenza al narcisismo e alla megalomania, che gli permise di attirare l”attenzione del pubblico, ma irritò alcuni nel mondo dell”arte, che vedevano questo comportamento come una forma di pubblicità che a volte andava oltre il suo lavoro. Due musei sono stati dedicati a lui durante la sua vita, il Museo Salvador Dalí e il Teatro-Museo Dalí. Dalí stesso ha creato quest”ultimo come un”opera surrealista a tutti gli effetti.

La simpatia di Dalí per Francisco Franco, la sua eccentricità e le sue ultime opere rendono l”analisi del suo lavoro e della sua persona difficile e controversa.

Infanzia

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech è nato in via Monturiol 20. Questa zona, l”Empordà, con il porto di Cadaqués, servì come “sfondo, supporto e sipario” per il suo lavoro. Suo padre, Salvador Dalí y Cusi (1872-1952) era un notaio. Sua madre era Felipa Domènech Ferrés y Born (1874-1921). Nacque nove mesi dopo la morte di suo fratello, anche lui chiamato Salvador (1901-1903), che morì di gastroenterite infettiva. Quando aveva cinque anni, i suoi genitori lo portarono sulla tomba di suo fratello e gli dissero – secondo quanto riferito – che lui era la reincarnazione di suo fratello. Si dice che questa scena gli abbia dato il desiderio di dimostrare la sua unicità nel mondo, la sensazione di essere una copia di suo fratello e la paura della tomba di suo fratello.

“Sono nato doppio. Mio fratello, il primo tentativo di me stesso, un genio estremo e quindi non vitale, aveva ancora vissuto sette anni prima che i suoi circuiti cerebrali accelerati prendessero fuoco”.

Suo padre è descritto come autoritario o piuttosto liberale, a seconda della fonte. In ogni caso, accettò senza troppe difficoltà che suo figlio intraprendesse la carriera artistica, incoraggiato dalla rinascita artistica in Catalogna all”inizio del secolo. Sua madre compensava un po” questo carattere autoritario, sostenendo l”interesse artistico del figlio, tollerando i suoi capricci, la sua pipì a letto, i suoi sogni e le sue bugie.

Dalí aveva anche una sorella, Ana Maria, che aveva quattro anni meno di lui. Nel 1949 pubblicò un libro su suo fratello, Dalí visto da sua sorella. Durante la sua infanzia, Dalí divenne amico di futuri giocatori del Barcellona F.C., come Emilio Sagi-Barba o Josep Samitier. Durante le vacanze, il trio ha giocato a calcio a Cadaqués. Nel 1916, scopre la pittura contemporanea durante una visita familiare a Cadaqués, dove incontra la famiglia del pittore impressionista Ramón Pichot, un artista locale che viaggia regolarmente a Parigi, la capitale dell”arte dell”epoca.

Su consiglio di Pichot, suo padre lo mandò a prendere lezioni di pittura con Juan Núñez alla scuola comunale di incisione. L”anno seguente suo padre organizzò una mostra dei suoi disegni a matita nella casa di famiglia. All”età di quattordici anni, nel 1919, Dalí partecipò a una mostra collettiva di artisti locali nel teatro municipale di Figueras, dove alcuni dei suoi quadri furono notati da due famosi critici: Carlos Costa e Puig Pujades. Ha anche partecipato a una seconda mostra collettiva a Barcellona, sponsorizzata dall”Università, dove ha ricevuto il Premio del Rettore. L”influenza impressionista è chiaramente visibile nei dipinti di Dalí fino al 1919. La maggior parte di essi sono stati fatti a Cadaqués, ispirati dal villaggio e dalle sue scene di vita quotidiana.

Alla fine della prima guerra mondiale, si unì a un gruppo di anarchici e puntò allo sviluppo della rivoluzione marxista. L”anno seguente, nel 1919, quando era all”ultimo anno dell”Istituto Ramón Muntaner, pubblicò con alcuni amici una rivista mensile, Studium, con illustrazioni, testi poetici e una serie di articoli su pittori come Goya, Velázquez e Leonardo da Vinci. Nel 1921, insieme ad amici, fondò il gruppo socialista Renovació Social.

Nel febbraio 1921 sua madre morì di cancro all”utero. Dalí aveva allora 16 anni. In seguito ha detto che questo è stato “il colpo più duro che abbia mai ricevuto in vita mia”. La adoravo. Non potevo rassegnarmi alla perdita di un essere con il quale intendevo rendere invisibili le inevitabili macchie della mia anima”. Successivamente, il padre di Dalí si risposò con la sorella del defunto, cosa che Dalí non accettò mai. Ha ottenuto il suo baccalaureato nel 1922.

Gioventù a Madrid

Nel 1922 Dalí si trasferì nella famosa residenza studentesca di Madrid per iniziare i suoi studi alla Reale Accademia di Belle Arti di San Fernando. Ha subito attirato l”attenzione per il suo carattere eccentrico da dandy. Portava capelli lunghi e scuri, una gabardina e calze spesse in stile vittoriano. Tuttavia, furono i suoi quadri, che Dalí tingeva di cubismo, ad attirare l”attenzione dei suoi concittadini, soprattutto quelli che diventarono figure dell”arte spagnola: Federico García Lorca, Pepín Bello, Pedro Garfias, Eugenio Montes, Luis Buñuel, Rafael Barradas e, più in generale, la generazione del ”27. A quel tempo, tuttavia, è possibile che Dalí non comprendesse pienamente i principi cubisti. In effetti, le sue uniche fonti erano articoli pubblicati sulla stampa – L”Esprit Nouveau – e un catalogo datogli da Pichot, dato che non c”erano pittori cubisti a Madrid in quel momento. Anche se i suoi insegnanti erano aperti al nuovo, erano indietro rispetto all”allievo: adattavano l”impressionismo francese a temi ispanici, un approccio che Dalí aveva superato l”anno precedente.

Dalí si dedicò, insieme a Lorca e Buñuel, allo studio dei testi psicoanalitici di Sigmund Freud. Considerò la psicoanalisi come una delle scoperte più importanti della sua vita. Accusato ingiustamente di guidare un”agitazione in Catalogna, fu espulso dall”accademia nel 1923 e imprigionato dal 21 maggio all”11 giugno. Il motivo del suo arresto sembra essere legato alla denuncia di frode elettorale presentata dal padre di Dalí dopo il colpo di stato di Primo de Rivera. Dalí tornò all”Accademia l”anno seguente.

Nel 1924, ancora sconosciuto, Salvador Dalí illustrò per la prima volta un libro. Era una pubblicazione del poema catalano Les Bruixes de Llers (Le streghe di Llers) di uno dei suoi amici della residenza, il poeta Carles Fages de Climent. Dalí divenne presto familiare con il dadaismo, un”influenza che lo segnò per il resto della sua vita. Nella residenza rifiutò le avances amorose del giovane Lorca, che gli dedicò diverse poesie:

“Era omosessuale, lo sanno tutti, ed era follemente innamorato di me. Ha cercato di avvicinarmi alcune volte… e io ero molto imbarazzato, perché non ero omosessuale, e non ero disposto a cedere.

– Salvador Dalí; conversazioni con Alain Bosquet

I due artisti divennero amici. Insieme a Maruja Mallo e Margarita Manso, anche loro studentesse della Scuola di Belle Arti, parteciparono all”episodio di fondazione del movimento femminista Las Sinsombrero alla Puerta del Sol, che prende il nome dall”atto di togliersi il cappello in pubblico, un atto che allora era riservato agli uomini nella Madrid degli anni venti. È probabile che ognuno dei giovani abbia trovato nell”altro una passione per la scoperta estetica che corrispondeva ai propri desideri. Le richieste dello scrittore arrivarono in un momento di svolta nel lavoro di Dalí, che vedeva come un”eco delle sue ricerche sull”inconscio. Date le affabulazioni di Dalí, probabilmente non sapremo mai quale fosse la loro relazione, anche se i due artisti si ritraevano “amorevolmente”. I dipinti di questo periodo sono segnati dall”onanismo del pittore, che sosteneva di essere rimasto vergine prima del suo incontro con Gala. Dalí fu visitato da Federico García Lorca nel novembre 1925 a Cadaqués, e quello stesso anno Dalí tenne la sua prima mostra personale a Barcellona alla Galleria Dalmau, dove presentò Ritratto del padre dell”artista e Giovane ragazza alla finestra.

Alla fine del 1926, la stessa galleria espose altre opere di Dalí, tra cui La cesta di pane, dipinta durante l”anno. Questo fu il primo quadro dell”artista ad essere esposto fuori dalla Spagna, nel 1928, alla mostra Carnegie di Pittsburgh. La sua padronanza dei mezzi pittorici si riflette in modo impeccabile in quest”opera realista. Le prime recensioni di Barcellona erano calde. Per uno di loro, se questo “figlio di Figueras” si è rivolto verso la Francia, “è perché può farlo, perché le sue doti divine di pittore devono fermentare”. Cosa importa se Dalí usa la matita di piombo di Ingres o il legno spesso delle opere cubiste di Picasso per soffiare le fiamme? Dalí fu poi espulso dall”Accademia nell”ottobre 1926, poco prima dei suoi esami finali, per aver dichiarato che nessuno era in grado di esaminarlo.

Parigi, matrimonio con Gala

Nel 1927, probabilmente all”inizio dell”anno, Dalí visitò Parigi per la prima volta, con due lettere di raccomandazione a Max Jacob e André Breton. Secondo lui, questo viaggio “fu segnato da tre visite importanti: Versailles, il Museo Grévin e Picasso”, che il giovane Dalí ammirava profondamente. Picasso aveva già ricevuto commenti entusiastici su Dalí da Joan Miró.

Pablo Picasso aveva 23 anni più di lui. Dalí raccontò che durante questo incontro gli mostrò uno dei suoi piccoli quadri, La ragazza di Figueres, che Picasso contemplò per un quarto d”ora, e poi Picasso fece lo stesso con molti dei suoi, senza una parola. Ha aggiunto che quando è stato il momento di andarsene, “sulla porta di casa, ci siamo scambiati uno sguardo che diceva: ”Capito? – Capito!”.

Picasso rimase un riferimento costante per Dalí, ammirato e rivaleggiato. Nella sua Analisi daliniana dei valori comparativi dei grandi pittori, gli attribuì 2020 nella categoria del “genio”, alla pari con Leonardo da Vinci, Velázquez, Raffaello e Vermeer, mentre a se stesso attribuì “solo” 1920. Alla fine della sua vita, si permise di essere più critico nei confronti della pittura di Picasso: “Picasso rifiuta la legittimità; non si preoccupa di correggere, e i suoi quadri hanno sempre più gambe, tutti i suoi pentimenti affrettati vengono fuori con il tempo; si è affidato al caso; il caso si vendica”. Sono rimasti in contatto per tutta la vita.

Con il tempo, Dalí sviluppò il proprio stile e a sua volta divenne un punto di riferimento e un fattore influente nella pittura di questi pittori. Alcune delle caratteristiche della pittura di Dalí di questo periodo divennero i segni distintivi della sua opera. Ha assorbito le influenze di varie correnti artistiche, dall”accademismo e dal classicismo all”avanguardia. Le sue influenze classiche includevano Raffaello, Bronzino, Zurbarán, Vermeer e, naturalmente, Velázquez, di cui adottò i baffi storti che diventarono emblematici. Ha alternato tecniche tradizionali e metodi contemporanei, a volte nella stessa opera. Le mostre di questo periodo attirarono grande attenzione, provocarono dibattiti e divisero la critica. Sua sorella minore Anna-Maria servì spesso come modella durante questo periodo, spesso posando di spalle davanti a una finestra. Nel 1927, Dalí, all”età di 23 anni, raggiunse la sua maturità artistica, come si può vedere nelle sue opere Honey is Sweeter than Blood e Flesh of a Goose, la prima ispirata dalla sua relazione con Lorca e la seconda dal suo primo incontro intimo con Gala.

Qualche mese dopo, Luis Buñuel andò a Figueras dove i due amici scrissero la sceneggiatura del film surrealista Un chien andalou prima che Dalí tornasse a Parigi nel 1928, accompagnato da un altro catalano, Joan Miró. Per Robert Descharnes e Gilles Néret, il film ha lanciato Dalí e Buñuel “come un razzo”. Per il pittore, è stato “un pugnale nel cuore della Parigi spirituale, elegante e colta”, aggiungendo che il film è stato applaudito da un “pubblico muto che applaude tutto ciò che sembra nuovo e strano”.

Dopo la visita di René Magritte e Paul Éluard a Cadaqués nell”estate del 1929, e su consiglio di Joan Miró, Dalí si unisce al surrealismo. Al suo ritorno a Parigi cominciò a frequentare il gruppo surrealista composto da Hans Arp, André Breton, Max Ernst, Yves Tanguy, René Magritte, Man Ray, Tristan Tzara e Paul Éluard e sua moglie Helena, conosciuta da tutti come Gala. Nata con il nome di Elena Ivanovna Diakonova, era un”emigrante russa di cui Dalí si innamorò, e che fu sedotta da quest”uomo dieci anni più giovane di lei. Anche se Dalí sosteneva di essere completamente impotente e vergine, la sua opera riflette la sua ossessione sessuale. In particolare, ha rappresentato il desiderio sotto forma di teste di leoni.

Gala era la sua musa. Ha preso il posto della sua famiglia, ha organizzato le sue mostre e venduto i suoi quadri. In dicembre, a causa della sua relazione con Gala – una donna sposata – Salvador Dalí ha litigato con suo padre e sua sorella Anna-Maria. La leggenda di un”incisione mal interpretata completa il quadro di un figlio in contrasto con la sua famiglia. Il critico d”arte Eugenio d”Ors riportò in un giornale di Barcellona che Dalí aveva mostrato al gruppo surrealista un cromo raffigurante il Sacro Cuore, sul quale era scritto “a volte sputo per piacere sul ritratto di mia madre”, provocando l”ira di suo padre e costringendo Dalí a partire. Lui e Gala trascorsero gli anni 1930-1932 a Parigi. I primi mesi furono difficili, tuttavia, poiché i suoi quadri si vendevano poco e la coppia viveva con poco. Ma il pittore si fece un nome a Parigi, dove frequentava sia le cene sociali che i circoli surrealisti. Nel 1930, non potendo stabilirsi a Cadaqués a causa dell”ostilità di suo padre, Dalí e Gala comprarono una minuscola casetta di pescatori a poche centinaia di metri da Cadaqués, in riva al mare, nella piccola baia di Portlligat. Nel corso degli anni, con l”aiuto della fortuna, trasformò la sua proprietà in una sontuosa villa, oggi trasformata in museo. Il paesaggio della piccola insenatura divenne un riferimento pittorico permanente nell”opera del pittore che disse: “Qui sono solo a casa, altrove sono solo di passaggio. Gala e Dalí si sposarono civilmente nel 1934, prima di sposarsi religiosamente nel 1958.

Nel 1931 Dalí dipinse una delle sue tele più famose, La persistenza della memoria, conosciuta anche come Gli orologi molli, che, secondo alcune teorie, illustra il suo rifiuto del tempo come entità rigida o deterministica. Dalí, “in un patetico desiderio di eternità, fa del tempo dell”orologio, cioè del tempo meccanico della civiltà, una materia morbida e duttile che si può anche mangiare alla maniera di un camembert colato. Questa idea è sviluppata da altre figure dell”opera, come il grande paesaggio o certi orologi da tasca che vengono mangiati dagli insetti. D”altra parte, gli insetti fanno parte dell”immaginario daliniano come entità naturale distruttiva e, come spiega il pittore nelle sue memorie, ricordano la sua infanzia.

Dalí e il gruppo surrealista

Dalí continuò a esporre regolarmente e si unì ufficialmente al gruppo surrealista nel quartiere parigino di Montparnasse. Nell”ottobre e novembre 1933 partecipa al 6° Salon des Surindépendants con i membri del gruppo.

Nei due anni successivi, il suo lavoro influenzò fortemente il circolo surrealista, che lo acclamò come il creatore del metodo paranoico-critico, che si diceva permettesse l”accesso al subconscio, liberando le energie artistiche creative. È, secondo il pittore, un “metodo spontaneo di conoscenza irrazionale basato sull”oggettivazione critica e sistematica di associazioni e interpretazioni deliranti”. Breton ha reso omaggio a questa scoperta, che aveva appena dotato

“È il metodo critico paranoico che il Surrealismo si è dimostrato capace di applicare alla pittura, alla poesia, al cinema, alla costruzione di oggetti tipicamente surrealisti, alla moda, alla scultura, alla storia dell”arte e persino, se necessario, a qualsiasi tipo di esegesi.

– André Breton

In questo periodo, Dalí abbandona temporaneamente i suoi lavori con immagini a doppio senso, come L”uomo invisibile, mentre le figure di Guglielmo Tell, Lenin, paesaggi e figure antropomorfe, l”Angelus di Millet, Vermeer e Hitler appaiono sistematicamente nei suoi quadri. Un”attività significativa di questo periodo fu la creazione di oggetti surrealisti con lo scultore Giacometti. Secondo Dalí, sono dotati di un “minimo di funzionamento meccanico, basato sulle fantasie e rappresentazioni suscettibili di essere provocate dal compimento di atti inconsci”. Rimase impermeabile ai problemi dei surrealisti con la politica, un “aneddoto della storia” secondo lui. Ha infastidito il gruppo studiando sistematicamente Hitler e “la svastica vecchia come il sole cinese”.

Se le differenze politiche distanziarono gradualmente André Breton e Louis Aragon, quelle causate da Dalí non erano paragonabili. Per André Thirion, Dalí “non era marxista e non gli importava”, ma tra le fantasticherie erotiche di Dalí verso le dodicenni, che provocarono una reazione anche nel Comitato Centrale del Partito Comunista, e la sua ossessione per la figura di Hitler per due anni, il pittore fu convocato a casa di Breton nel gennaio 1934, dove si presentò vestito da malato, con un maglione e un termometro in bocca. Una volta finita l”accusa di Breton, lesse la sua arringa in striptease, sostenendo con un linguaggio fiorito che stava semplicemente trascrivendo i suoi – particolari – sogni e che, come risultato dei suoi sogni, lui e Breton sarebbero stati presto oggetto di una performance omosessuale. È stato espulso dopo questo incontro. Tuttavia, Dalí continuò a lavorare con il gruppo, che aveva bisogno di lui, soprattutto come agente pubblicitario, a Londra nel 1936 in uno scafandro, e a Parigi nel febbraio 1938, dove mostrò il suo Taxi pluvieux, in cui due manichini da vetrina ricevevano la pioggia tra insalate e lumache di Borgogna.

Alla fine del 1933, il loro mercante d”arte Julien Levy espose 25 opere di Dalí a New York. Dalí moriva dalla voglia di vedere gli Stati Uniti. Le opere di Picasso erano già esposte lì, a differenza dei musei francesi. È stato facilmente convinto da Caresse Crosby, una ricca donna americana, a fare il viaggio. Dalí e Gala andarono a New York per la prima volta nel 1934; Picasso anticipò il denaro per i loro biglietti. Gli americani furono catturati dall”eccentricità del personaggio e dall”audacia di un surrealismo con il quale allora non avevano quasi familiarità. Con grande disperazione di Breton, Dalí era considerato l”unico autentico surrealista, un fatto che il pittore, trionfante e ubriaco di megalomania, fu rapido a confermare il 14 novembre a New York: “I critici stanno già distinguendo tra il surrealismo prima o dopo Dalí. La mostra alla Julien Levy Gallery fu un grande successo e Dalí capì che il suo successo era negli Stati Uniti. La sua pittura cominciava ad essere apprezzata. Edward James – figlioccio del re Edoardo VII – divenne il suo mecenate e comprò tutti i suoi lavori dal 1935 al 1936. Metamorfosi di Narciso e Cannibalismo d”autunno sono tra i dipinti più famosi di questo periodo.

Guerra civile spagnola

Tornati in Catalogna, Dalí e Gala lasciarono Portlligat nel 1936 per sfuggire alla guerra civile spagnola e viaggiarono per l”Europa. Visse per un periodo nell”Italia fascista, dove trasse ispirazione dalle opere romane e fiorentine del Rinascimento, in particolare per creare immagini doppie come la Spagna. I suoi dipinti Costruzione morbida con fagioli bolliti (noto anche come Premonizione della guerra civile) e La giraffa in fiamme sono i più rappresentativi di questo periodo, che vide l”invenzione di questi mostri. Questi riflettono la sua visione della guerra, ma non il suo atteggiamento politico. Ha rappresentato la guerra civile come un fenomeno storico naturale, una catastrofe naturale, e non un evento politico, come Picasso aveva fatto con Guernica. Fu a Londra che apprese dell”assassinio del suo amico Federico García Lorca il 19 agosto 1936 a Granada da un franchista, facendolo cadere in una profonda depressione.

Durante il suo secondo viaggio negli Stati Uniti, la stampa e il pubblico diedero al “signor Surrealismo” un”accoglienza trionfale. Il ritratto di Dalí del fotografo Man Ray ha fatto la prima pagina della rivista Time nel dicembre 1936. Nel febbraio 1937, Dalí incontrò i fratelli Marx a Hollywood e dipinse un ritratto di Harpo Marx, completo di cucchiai, arpe e filo spinato. Il film che volevano fare non ha mai visto la luce. Nel 1938, attraverso l”intermediazione di Edward James e del suo amico Stefan Zweig, Dalí incontrò a Londra Sigmund Freud, che ammirava da tempo e la cui opera aveva ispirato la sua ricerca pittorica sui sogni e l”inconscio.

Secondo il racconto di Conroy Maddox, l”anziano Freud disse a Zweig in questa occasione di Dalí:

“Non ho mai visto un esemplare più perfetto di spagnolo; che fanatico!

– Conroy Maddox.

Nel 1939 Dalí pubblicò una Dichiarazione dell”indipendenza dell”immaginazione e dei diritti dell”uomo alla propria follia. Le sue peregrinazioni europee lo portarono in esilio per cinque mesi, dal settembre 1938, nella villa di Coco Chanel, La Pausa, dove preparò la mostra di New York alla galleria Julien Levy. In questa occasione, nel 1939, distrusse un”opera che aveva creato e che era stata modificata senza il suo consenso in un negozio della Fifth Avenue.

New York

Quando la Francia entrò in guerra nel 1939, Dalí e Gala erano a Parigi, che lasciarono per Arcachon. Poco prima dell”invasione tedesca, sono andati in Spagna e poi in Portogallo. Dalí, che aveva fatto una deviazione a Figueras per vedere la sua famiglia, raggiunse Gala a Lisbona da dove si imbarcarono per New York. Hanno vissuto lì per otto anni, dove vivono anche molti intellettuali francesi in esilio. Dalí si integrò perfettamente nell”alta società newyorkese, dipinse numerosi ritratti di ricchi americani – Helena Rubinstein – partecipò attivamente alla vita teatrale con grandi murales, realizzò i suoi primi gioielli e si interessò al cinema, in particolare ai fratelli Marx, a Walt Disney e ad Alfred Hitchcock. Dopo questo trasferimento, cercò anche la fede cattolica e di avvicinare la sua pittura al classicismo, cosa che non fece fino al 1945.

Nel 1941 Dalí inviò a Jean Gabin la sceneggiatura di un film, Moontide (The Love Boat). Alla fine di quell”anno, la prima mostra retrospettiva di Dalí fu tenuta al Museum of Modern Art, e queste sessanta opere – 43 oli e 17 disegni – viaggiarono per gli Stati Uniti per i due anni successivi. Le otto maggiori città ospitarono la mostra, assicurando la notorietà del pittore, e presto le proposte commerciali si moltiplicarono, permettendogli di accumulare una solida fortuna, che ispirò a Breton il feroce anagramma “Salvador Dalí – Avida Dollars”. Robert e Nicolas Descharnes spiegano che “durante questo periodo Dalí non smise mai di scrivere”.

Nel 1942 pubblicò la sua autobiografia, The Secret Life of Salvador Dalí. Scrisse regolarmente per i cataloghi delle sue mostre, come quella organizzata dalla Knoedler Gallery nel 1943. In esso ha dichiarato che “il surrealismo sarà servito almeno a dare la prova sperimentale della totale sterilità dei tentativi di automatizzare sono andati troppo lontano e generato un sistema totalitario. La pigrizia contemporanea e la mancanza di tecnica hanno raggiunto i loro parossismi nel significato psicologico dell”uso attuale dell”istituzione accademica. Scrisse anche un romanzo, pubblicato nel 1944, su una sfilata di automobili, che ispirò una caricatura di Erdwin Cox per il Miami Herald, in cui Dalí indossa un”automobile come costume da festa. Durante questi anni, Dalí produsse illustrazioni per edizioni in lingua inglese di classici come Don Chisciotte, l”autobiografia di Benvenuto Cellini e i Saggi di Michel de Montaigne. Ha anche disegnato le scenografie per il film Spellbound di Alfred Hitchcock e, insieme a Walt Disney, ha intrapreso la produzione del cartone animato incompiuto Destin, che è stato montato nel 2003, molto dopo la morte dei suoi autori.

Questo fu uno dei periodi più prolifici della sua vita, ma contestato da alcuni critici, che ritengono che Dalí stesse confondendo la linea tra arte e beni di consumo abbandonando la pittura per dedicarsi al design e agli articoli commerciali. I dipinti di questo periodo si ispirano ai ricordi della Catalogna nei loro colori e spazi, in cui il pittore rappresenta soggetti americani. In questo senso, la pittura Poetry of America è stata visionaria. Riunisce in un”opera la segregazione nera, la passione americana per il rugby e l”irruzione di un marchio in un”opera d”arte: la Coca-Cola. Alla fine della seconda guerra mondiale, non tornò immediatamente in Europa. Ha fatto la sua svolta verso il classicismo nel 1945, senza tagliarsi fuori dal resto del mondo. I bombardamenti atomici di Hiroshima e Nagasaki lo ispirarono a creare Idillio atomico e uraniano e Tre sfingi in un bikini. L”abbandono del “Dalí della psicoanalisi” per il “Dalí della fisica nucleare” non gli permise di fare un passaggio immediato al cattolicesimo. La pittura di questo periodo prese in prestito dai classici le relazioni geometriche – la proporzione aurea o divina. Questo è stato in particolare il caso di Atomic Leda.

Ritorno in Catalogna

Dal 1949 in poi, i Dalis tornarono a vivere in Catalogna sotto la dittatura di Franco e passarono i loro inverni a Parigi, in una suite dell”Hotel Meurice. Decuplicò il suo virtuosismo tecnico, intensificò il suo interesse per gli effetti ottici e, soprattutto, fece il suo ritorno alla fede cattolica. Fu ricevuto in udienza privata il 23 novembre 1949 da Papa Pio XII. Le sue ricerche sulle proporzioni classiche lo portano a “sublimare tutte le esperienze rivoluzionarie dell”adolescenza nella grande tradizione mistica e realista della Spagna”. Questa conversione prese la forma di due dipinti, La Madonna di Port Lligat (1949) e Cristo di San Giovanni della Croce (1951), che furono completati con le illustrazioni per La Divina Commedia (1952, acquerelli). A quell”epoca aveva già pubblicato il suo Manifeste mystique, in cui spiegava i pro e i contro del suo misticismo nucleare, e firmava le sue prime tele corpuscolari, di cui il quadro Galatea con sfere è un rappresentante. Ha collegato il cattolicesimo e la fisica delle particelle spiegando le Elevazioni – della Vergine, di Gesù – con la “forza angelica”, di cui protoni e neutroni sarebbero vettori, elementi angelici. Collegò il corno di rinoceronte alla castità, alla Vergine Maria, in un ragionamento che univa la geometria “divina” della spirale logaritmica, il corno l”animale, e la costruzione corpuscolare “del più violento rigore” della tela del maestro olandese. Ha dipinto molti soggetti composti da questa appendice.

Il 17 dicembre 1955, espose queste idee alla Sorbona nella sua conferenza “Aspetti fenomenologici del metodo paranoico-critico”. Arrivò all”università in una Rolls-Royce gialla e nera, piena di cavolfiori, che distribuì come autografi. Nella sua presentazione, ha contrapposto la Francia e la Spagna, essendo la prima il paese più razionale del mondo e la seconda il più irrazionale, e ha dimostrato l”unicità del posteriore del pachiderma con un girasole, il tutto collegato alla famosa Dentellière e ai corpuscoli della fisica atomica.

Nel 1959 André Breton organizzò una mostra chiamata “Omaggio al Surrealismo” per celebrare il quarantesimo anniversario di questo movimento. La mostra comprendeva opere di Dalí, Joan Miró, Enrique Tábara ed Eugenio Granell. Breton si oppose fortemente all”inclusione della Madonna Sistina di Dalí all”Esposizione Internazionale Surrealista di New York l”anno seguente. Secondo Robert Descharnes, il comportamento di Dalí in questo periodo fu una reazione alla sua fama per proteggere la sua creatività. Se Picasso, per le stesse ragioni, si era rifugiato nel castello di Vauvenargues, Dalí, incapace di tacere, commentava i fenomeni, le scoperte e gli eventi del suo tempo, e la miscela risultante non era sempre di buon gusto. Confondendo i critici, lasciò ai media tradizionali il compito di analizzare i suoi baffi e di concentrarsi su alcuni dei suoi quadri, come il Cristo di San Giovanni della Croce. Questo atteggiamento ha fatto dire all”esperto di surrealismo di Sotheby”s Andrew Strauss:

“Dalí ha lavorato per costruire la sua popolarità su scala globale. Ha preceduto Andy Warhol in questa strategia del culto dell”artista star”.

Dalí era interessato alle nuove scoperte scientifiche del suo tempo. Era affascinato dal DNA e dal tesseract, un ipercubo quadridimensionale. Il suo quadro Corpus hypercubus (1954) raffigura Gesù Cristo crocifisso sul modello di una tale iperfigura, in cui cercò di creare una sintesi tra l”iconografia cristiana e le immagini di disintegrazione ispirate alla fisica nucleare. Artista esperto, Dalí non si limitò alla pittura. Rimase molto attento a tutti gli sviluppi della pittura post-surrealista, comprese le forme che si distaccavano totalmente da essa. Ha sperimentato molti media e processi nuovi o innovativi, come la pittura a proiezione o l”olografia, una tecnica di cui è stato pioniere. Molte delle sue opere incorporano illusioni ottiche, giochi di parole visivi e trompe-l”oeil. Sperimentò anche il puntinismo, la mezzatinta (una rete di punti simile a quella usata nella stampa) e le immagini stereoscopiche. È stato uno dei primi ad usare l”olografia nell”arte. Giovani artisti, come Andy Warhol, proclamarono che Dalí ebbe un”importante influenza sulla Pop Art. Scoperta alla stazione di Perpignan, la stereoscopia affascinò Dalí, che alla fine della sua carriera produsse immagini su due quadri (occhio destro e sinistro) difficili da riprodurre. Molti di questi sono esposti al Museo Dalí di Figueras (Atene sta bruciando!).

Dalí aveva un pavimento di vetro in una stanza vicino al suo studio. Ne fece molto uso per studiare lo scorcio, sia dal basso che dall”alto, per incorporare figure e oggetti molto espressivi nei suoi dipinti. Gli piaceva anche usarlo per intrattenere i suoi amici e ospiti.

Il reddito di Dalí e Gala permetteva loro di condurre una vita di lusso. Già nel 1960 assunsero il manager John Peter Moore. Il suo successore, Enrique Sabater, spiegò che “Dalí guadagnava più del presidente degli Stati Uniti”. In questo periodo, Salvador Dalí e Gala cominciarono a separarsi. A Parigi, Dalí incontrò Amanda Lear, che allora si presentava come un transessuale. Amanda Lear ha preso lezioni di pittura da Dalí. Un articolo di Julián Ruiz (es) su El Mundo è illustrato da una foto del 1963 dei due protagonisti. Gli servì principalmente come modella e divenne la sua musa (per esempio con Hypnos (1965) e Bateau Anthotropic), con la quale mantenne una relazione che durò per quindici anni, come ha raccontato nel suo libro sul pittore. Dal 1965, la modella accompagna ufficialmente Dalí nelle sue uscite. Salvador Dalí la aiutò anche a trasferirsi nella stanza 9 dell”Hotel La Louisiane in rue de Seine. Nel 1969 Gala Dalí acquistò il vecchio castello di Púbol, vicino a Figueras, che restaurò e che ospita la Fondazione Gala-Salvador Dalí.

Opere storiche e stereoscopiche

I quadri di piccole dimensioni degli anni precedenti lasciano il posto, a partire dal 1958, a opere monumentali su soggetti storici, come La battaglia di Tetouan (1962, 308 × 406 cm). Il quadro rappresenta la conquista spagnola di Tetouan in Marocco nel 1860. Dalí dipingeva ogni anno un quadro di grande formato, come La scoperta delle Americhe da parte di Cristoforo Colombo (1959). Gli ultimi capolavori di questo periodo furono Perpignan Station (1965), The Hallucinogenic Torero (1968-1970) e Tuna Fishing (1966-1967). Dal 1966 al 1973 Dalí lavorò su commissione per un”edizione di lusso di Alice nel paese delle meraviglie.

Era interessato a migliorare la rappresentazione della terza dimensione oltre la prospettiva classica. Secondo il pittore, il momento più rassicurante nella storia della pittura è avvenuto il 17 novembre 1964, quando ha scoperto, nel centro della stazione di Perpignan, la possibilità di dipingere a olio la “vera” terza dimensione utilizzando la stereoscopia. La scoperta dell”olografia gli permise di avvicinarsi alla quarta dimensione (il tempo), tecnica che utilizzò a partire dagli anni 70, per ottenere “l”immortalità delle immagini registrate olograficamente grazie alla luce del laser temporaneo”. Nel 1969 dipinse i suoi primi soffitti e dall”anno seguente si concentrò sulle immagini stereoscopiche. I suoi quadri olografici più noti risalgono al 1972. I primi ologrammi furono mostrati alla Knoedler Gallery di New York nell”aprile 1972.

Teatro-museo

Nel 1960 Dalí iniziò a lavorare al suo teatro-museo nella sua città di Figueras. Questo era il suo più grande progetto. Vi ha dedicato la maggior parte delle sue energie fino al 1974. Ha continuato a svilupparlo fino alla metà degli anni ”80. Con l”accordo del sindaco, Ramon Guardiola, scelse le rovine del teatro Figueras, bruciato durante la guerra civile spagnola, dove aveva tenuto la sua prima mostra nel 1914. I fondi per la ristrutturazione furono anticipati dallo Stato spagnolo nel 1970. La cupola di vetro di forma bizantina fu progettata dall”architetto Emilio Pérez Piñero su richiesta di Dalí, che sognava una cupola di vetro nello stile dell”architetto americano Buckminster Fuller. Dalí stesso ha disegnato gran parte del museo, dalle uova monumentali sui muri all”altezza delle toilette. L”architetto Joaquim Ros de Ramis ha lavorato alla ristrutturazione, sempre secondo le direttive del maestro. La costruzione iniziò il 13 ottobre 1970 e un anno dopo il pittore iniziò a lavorare sui dipinti del soffitto del teatro-museo. Nel 1971, ha ricevuto la Medaglia d”Oro al Merito per le Belle Arti dal Ministero dell”Educazione, della Cultura e dello Sport. Ha anche inaugurato la prima e più grande galleria d”arte in Spagna in quel momento, Sala Gaudí Barcellona, insieme ad altre celebrità come Gabriel García Márquez.

Ultimi anni

Nel 1979, il Centro Georges Pompidou ha tenuto una grande retrospettiva dell”opera di Dalí, esponendo 169 dipinti e 219 disegni, stampe e oggetti dell”artista. Una delle particolarità della mostra era nel seminterrato. Una Citroën era sospesa al soffitto con una botifarra (salsiccia catalana), un cucchiaio lungo 32 metri e acqua che scorreva nel radiatore dell”auto.

L”anno seguente, la salute di Dalí si deteriorò notevolmente. All”età di 76 anni, Dalí mostrò i sintomi del morbo di Parkinson e perse definitivamente le sue capacità artistiche. Nel 1982 fu insignito del titolo di marchese di Dalí de Púbol dal re di Spagna Juan Carlos. Dalí fece il suo ultimo disegno per il Re, intitolato Head of Europe.

Gala morì il 10 giugno 1982, all”età di 87 anni. Dalí si trasferì da Figueras al castello di Púbol, dove nel 1984 scoppiò un incendio nella sua camera da letto, la cui causa non fu mai chiarita. Dalí fu salvato e tornò a vivere a Figueras, nel suo teatro-museo. Nel novembre 1988, Dalí fu ricoverato in ospedale dopo aver subito un attacco di cuore. Ha ricevuto la visita finale del re di Spagna il 5 dicembre 1988. Il pittore morì il 23 gennaio 1989 a Figueras all”età di 84 anni. Fu sepolto nella cripta del suo teatro-museo.

Il suo carattere turbolento ha fatto talvolta dimenticare l”impegno artistico del pittore. Dalí era, tuttavia, un pittore meticoloso e implacabile, concependo le sue tele durante un lungo periodo di tempo e creandole con una cura che voleva essere vicina ai suoi maestri classici, Raffaello o Vermeer. Michel Déon ritiene che “Dalí è consapevole del suo genio fino alla vertigine. È, sembra, una sensazione intima molto confortante”. I primi dipinti conservati mostrano un vero talento precoce, dall”età di 6 anni. I suoi primi ritratti della sua famiglia a Cadaqués avevano già una forza pittorica sorprendente, soprattutto impressionista. Giocando con il materiale, ha mescolato per un po” la ghiaia con la pittura (Vieillard crépusculaire, 1918).

Si rammarica della mancanza di formazione teorica all”Accademia di Belle Arti di Madrid. Alla fine di questi anni madrileni, iniziò un periodo di influenze diverse. Il giovane Dalí si immerse in varie tecniche, che vanno dal divisionismo (Mannequin barcelonais, 1927) e Picasso (Venere e un marinaio, 1925).

Lavoro pittorico

All”età di dieci anni, Dalí disse che non voleva un insegnante di disegno perché era un pittore impressionista. Anche se questa affermazione perentoria ha provocato una risata, il pittore è stato effettivamente influenzato dagli impressionisti in età molto giovane attraverso la vicinanza della famiglia Pichot e, in particolare, di Ramón Pichot. Quest”ultimo fu uno dei primi impressionisti catalani a far parte dell”entourage di Picasso nel 1900 e il suo stile ricorda quello di Toulouse-Lautrec. Dalí ammirava Renoir e Meissonier (“un vero usignolo del pennello”), di cui derideva la mancanza di genio, ma la cui tecnica incredibilmente meticolosa lo impressionava. A queste influenze si aggiunse, intorno al 1918, un interesse per i pittori ”pompier”, come Marià Fortuny, da cui trasse ispirazione per La battaglia di Tetouan (1962). Picasso era una specie di fratello maggiore che lo accolse quando arrivò a Parigi. Dalí cercò per tutta la vita di confrontarsi con lui, l”unico artista contemporaneo al quale riconosceva un genio almeno pari al suo.

Più di ogni altro, il Rinascimento italiano fu per Dalí un riferimento permanente e indispensabile. Anche se si considerava il miglior disegnatore del suo tempo, riconosceva che i suoi disegni “non valevano quasi niente” rispetto ai grandi maestri del Rinascimento. Ammiratore di Leonardo da Vinci – nel quale trovò le radici del suo metodo paranoico – ebbe a lungo una grande stima di Raffaello, sostenendo che era l”unico contemporaneo capace di capirlo. Verso la fine della sua vita, le figure di Michelangelo divennero una parte importante della sua produzione pittorica. Ebbe anche un”ammirazione per tutta la vita per Diego Velázquez, e Vermeer fu un altro faro, la cui tecnica cercò di imitare per molto tempo – a volte riuscendoci.

Dalí rivendicò una tecnica molto classica, persino iperrealista in certi periodi, e durante la sua carriera cercò di mostrare sempre più virtuosismi reali, rimanendo fedele alla pittura a olio per quasi tutta la sua opera dipinta. Il lavoro è quasi sempre molto meticoloso, dandogli l”aspetto rassicurante dell”accademismo, con disegni preparatori molto attenti e un”esecuzione meticolosa, spesso con la lente d”ingrandimento. Alcune delle piccole opere mostrano un vero talento per il miniaturismo (Primo ritratto di Gala, Ritratto di Gala con due costolette d”agnello in equilibrio sulla spalla). Diceva che l”ultra-accademismo era, secondo lui, una formazione che ogni pittore dovrebbe avere, “è solo da questo virtuosismo che è possibile qualcos”altro, cioè l”arte”. Odiava Cézanne, che era, secondo lui, “il peggior pittore francese”. Si opponeva ai pittori moderni nel loro insieme: razionalizzazione, scetticismo e astrazione. Matisse era “uno degli ultimi pittori moderni”, che rappresentava le ultime conseguenze della Rivoluzione e il trionfo della borghesia. In contrasto con la sua conversione al cattolicesimo, sosteneva che i giovani pittori moderni non credevano in nulla, e che lui era quindi un “modernista”,

“È abbastanza normale che quando non si crede in niente, si finisce per dipingere quasi niente, il che è il caso di tutta la pittura moderna.

– Salvador Dalí

Prima del suo incontro con il surrealismo, ancora a Cadaqués, Dalí cominciò a produrre con “diabolica facilità in tutte le tecniche”, “fotografie trompe-l”oeil”, come le chiamava lui, anticipando di più di 25 anni gli iperrealisti americani. Verso la fine degli anni ”20, ha rappresentato i suoi sogni. La sua prima immagine doppia fu L”uomo invisibile (1929) e mantenne questo approccio durante la maggior parte della sua carriera.

La nozione di “doppio” era centrale per Dalí, sia nella sua pittura che nella sua vita. Nasce dalla morte del fratello maggiore Salvador, continua con Veermer e la spirale logaritmica, continua con il suo alter ego Gala, e diventa un”opposizione tra Dentelière e Rhinoceros, in un personaggio che è contemporaneamente agnostico e cattolico romano. Ha raffinato e diversificato la sua tecnica di immagini nelle immagini e immagini basate su cornici e reti di punti (La Madonna Sistina).

Le sue ricerche sulla terza e quarta dimensione lo portarono a lavorare successivamente sulla stereografia e l”olografia. Nel 1973, dichiarò che stava facendo “fotografie colorate a mano di immagini extrapittoriche superfini di irrazionalità concreta”. Fino alla fine, ha giocato con l”occhio dello spettatore, in particolare nelle sue ultime opere, Cinquanta immagini astratte che, viste da due metri di distanza, si trasformano in tre Lenin travestiti da cinesi e da sei metri nella testa di una tigre reale del Bengala, Il torero allucinogeno o Gala nuda che guarda il mare, che, a diciotto metri di distanza, rivela il presidente Lincoln.

Da allora in poi la sua opera fu piena di allusioni personali, spesso criptiche e oniriche, che riutilizzò a suo piacimento, come l”ossessionante figura del Grande Masturbatore, che utilizzò più volte nel 1929 (Ritratto di Paul Éluard e Il Grande Masturbatore). Riconobbe che la pittura di Miró era “fatta del suo stesso sangue” e fu influenzato da René Magritte, ma presto acquisì uno stile proprio con i suoi quadri Honey is Sweeter than Blood (1927) e Cenicitas (1928) e poi con l”invenzione del metodo paranoico-critico.

Patrice Schmitt, parlando di un incontro tra Dalí e Lacan, nota che “la paranoia secondo Dalí è l”antitesi dell”allucinazione nel suo carattere attivo. È sia metodico che critico. Ha un significato preciso e una dimensione fenomenologica e si oppone all”automatico, di cui l”esempio più noto è il cadavere squisito. Facendo un parallelo con le teorie di Lacan, conclude che il fenomeno paranoico è di tipo pseudo-allucinatorio. Ora, le tecniche delle doppie immagini sulle quali Dalí lavorava fin da Cadaqués, L”uomo invisibile (una congiunzione che fece dire a Robert Descharnes e Gilles Néret che Dalí era “l”unico vero pittore totalmente surrealista, così come possiamo dire che Monet è l”unico vero pittore totalmente impressionista, dall”inizio della sua opera alle Ninfee alla fine”.

L”esplosione della bomba atomica a Hiroshima e Nagasaki scosse il pittore “sismicamente” e gli diede una nuova fonte di ispirazione: la fisica nucleare. Si dichiarò un “ex-surrealista”, anche se, secondo Robert Decharnes e Gilles Néret, lo rimase più che mai. La teoria atomica presuppone una discontinuità fondamentale della materia: la fisica nucleare dice, semplificando le cose, che le particelle elementari separate da un vuoto mantengono l”equilibrio, pur formando un insieme coerente su scala macroscopica. Trovando in Heisenberg il suo nuovo padre, e con una logica sempre inconfutabile, affermò che ciò che i fisici producono, i pittori, che sono già specialisti in angeli, possono dipingere. Durante questo periodo, i corpi e gli oggetti rappresentati da Dalí erano in uno stato di levitazione, un nuovo approccio che era legato “sia al rapporto aureo che alle speculazioni della fisica moderna”. Essi riflettono l”evoluzione spirituale del pittore, in una costante preoccupazione per una doppia appartenenza, agnostica e cattolica romana.

Nel 1946, tornò alla pittura rinascimentale per l”ispirazione, che permise al pittore di raggiungere una sintesi di tre approcci improbabili: corpuscolare, cattolico romano e rinascimentale.

Temi pittorici

La baia di Portlligat, ma anche il porto di pescatori o la facciata della casa del pittore, appaiono in molti dei suoi quadri a partire dal periodo in cui la coppia vi si trasferì nel 1930. La zona intorno a Cap de Creus era per Dalí “il paesaggio più concreto del mondo”. Le rocce dalla forma strana e dagli spigoli vivi sono ben note agli escursionisti di Cadaqués. Dalí li usava spesso nei suoi quadri (Il naso di Napoleone trasformato in una donna incinta che cammina la sua ombra tra le rovine originali, 1945). L”immagine composita e dall”aspetto enigmatico del Grande Masturbatore apparve nel 1929, nel Ritratto di Paul Éluard. È composto da diversi elementi, a volte variabili: palpebre, ciglia, il tutto appoggiato su un naso di profilo. Una cavalletta è spesso rappresentata a testa in giù, vicino al posto della bocca. Questo elemento era molto presente dal 1929 al 1931 (La Persistance de la mémoire, 1931). A parte il simbolismo proprio dell”autore, l”aspetto generale è quello delle rocce che Dalí conosceva bene.

Diversi animali assumono per lui un carattere morboso. È il caso, per esempio, delle formiche, molto presenti fin da Ritratto di Paul Éluard (1929). Secondo lui, sono legati a una scena dell”infanzia in cui, dopo aver accolto un pipistrello ferito, il giovane Salvador trovò l”animale morente la mattina dopo: “Il pipistrello, coperto di formiche frenetiche, geme, la bocca aperta, rivelando i denti di una vecchietta. Anche l”asino marcio fa parte di queste rappresentazioni. Era presente nel film Un chien andalou (1929), e in diversi dipinti dello stesso periodo – Honey is Sweeter than Blood (1927), Cenicitas (1928), The Rotten Donkey (1928) – così come in diversi cadaveri di animali in decomposizione. Secondo il pittore, queste immagini gli ricordavano la scena traumatica del cadavere del suo riccio addomesticato, invaso da un esercito di vermi: “Il suo dorso appuntito si agitava su uno sciame inaudito di vermi frenetici”.

Le cavallette si riferiscono anche a scene della sua infanzia e al suo terrore delle cavallette, che i suoi compagni a volte gli mandavano in classe. Le cavallette erano molto presenti nelle sue opere degli anni 1920 e 1930, ed erano spesso associate al Grande Masturbatore.

Il rinoceronte – e soprattutto il suo corno – era, d”altra parte, uno strumento divino in relazione al suo misticismo nucleare, così come un”evidente appendice fallica (Giovane Vergine auto-sodomizzata dalle corna della sua stessa castità). Dalí lo utilizza già nel 1951 (Splintered Raphaelic Head) e poi, soprattutto, intorno al 1955 (Paranoid Study of Vermeer”s Lacemaker). Ha spiegato che “Il Lacemaker raggiunge un massimo di dinamismo biologico grazie alle curve logaritmiche delle corna di rinoceronte”.

Le mosche, d”altra parte, si dice che siano associate a un sentimento positivo. Dalí disse che adorava questi insetti e che a Portlligat si lasciava coprire il corpo. Le considerava “le fate del Mediterraneo”. Michel Déon racconta che si dilettava a leggere L”Éloge de la mouche, di Lucien de Samosate.

Come suo padre, che si nascondeva per mangiarli, Dalí amava mangiare i ricci di mare che gli venivano portati dal mare vicino. Li ha usati nei suoi quadri (La Madonna di Port Lligat 1950), nella fotografia, e anche come artista, infilando una cannuccia nella loro bocca, i cui movimenti disegnavano forme su uno schermo. Questo fu probabilmente il primo uso di un echinoderma come artista pittorico.

Nel 1954 firma sei ceramiche “La stella rossa del mare” ispirate a Maurice Duchin, ministro spagnolo.

Il cibo, e l”atto di mangiare, hanno un posto centrale nell”opera e nel pensiero di Dalí, per il quale “la bellezza sarà commestibile o non sarà, il pane era molto presente dal 1926 (Il cestino del pane). Il classicissimo Cestino di pane, Piuttosto morte che sporcizia (1945) è stato esposto in un posto d”onore di Dalí nel museo di Figueras, esprimendo l”importanza di questo quadro. Fu con una baguette di 2 metri che arrivò per la prima volta negli Stati Uniti, e con una baguette di 12 metri portata da diversi panettieri che si presentò a una conferenza a Parigi nel 1959. Il suo simbolismo sembrava molto importante per Dalí: “Il pane è stato uno dei primi temi feticcio e ossessioni del mio lavoro, il primo, quello a cui sono rimasto più fedele”.

L”uovo fritto senza il piatto ricorre regolarmente nella sua opera. Avrebbe ricordato al pittore i fosfeni che appaiono quando i bulbi oculari vengono schiacciati e che lui associa a un ricordo intrauterino. Forse la creazione pittorica più conosciuta di Dalí sono le Montres Molles. Scorrono come un camembert: “Gli orologi morbidi sono come il formaggio, e soprattutto come il camembert quando è completamente maturo, cioè quando ha la tendenza a cominciare a colare. Cosa c”entra il formaggio con il misticismo? Le schiene e i glutei delle donne sono presenti nel suo lavoro molto presto, soprattutto nei ritratti di sua sorella Anna-Maria a Cadaqués (Personaggio alla finestra, 1925, Giovane ragazza con la schiena (Anna Maria), 1926). Più tardi, un quadro più esplicito, Giovane Vergine autosodomizzata dalle corna della sua stessa castità (1954), fece luce sul significato erotico di queste pose. Sono rimasti presenti in tutta l”opera del pittore.

Gala apparve nel 1931 in un”opera minuscola (Primo ritratto di Gala), un vero tour de force del miniaturista, esposto al Teatre-Museu Gala Salvador Dalí; è disponibile una lente di ingrandimento per apprezzare meglio i dettagli. I suoi ritratti furono in seguito molto numerosi, il suo viso e la sua caratteristica acconciatura la rendono facilmente riconoscibile. Appariva di fronte (L”Angelus di Gala, 1935) o di spalle (Mia moglie, nuda, guardando il proprio corpo che diventa, tre vertebre di una colonna, cielo e architettura, 1945), nuda (Leda Atomica, 1949), come la Vergine Maria (La Madonna di Port Lligat, 1950), con un seno nudo (Galarina, 1945).

La scoperta di un paio di stampelle abbandonate nella soffitta della casa di suo padre fu una rivelazione. Lo definisce come “un supporto di legno derivato dalla filosofia cartesiana. Generalmente utilizzato per sostenere la tenerezza delle strutture morbide”. Diventa subito un oggetto feticcio che prolifera nella sua opera, spesso per sostenere un”appendice morbida. In esso possiamo rilevare l”angoscia di impotenza che dominava Dalí prima del suo incontro sessuale con Gala. Nel 1929, la presenza nel quadro, Jeu lugubre, di un uomo con i pantaloni macchiati causò uno scandalo nel circolo surrealista. Gala fu inviato in delegazione per assicurarsi che il giovane catalano non avesse tendenze coprofagiche, cosa che fece inorridire i surrealisti. Gala riuscì a rassicurarli e allo stesso tempo a mettere in guardia Dalí dallo stato d”animo molto “piccolo borghese” di un gruppo di artisti che si dichiarava totalmente sincero.

L”Angelus di Millet divenne una vera ossessione per Dalí. Le sue figure sono state rappresentate in un gran numero di suoi quadri, da Monument imperial à la femme-enfant, Gala – Fantaisie utopique (1929) a La Gare de Perpignan, nel 1965. Dalí spiegò spesso l”erotismo del dipinto, così come la sua convinzione che la coppia stesse pregando intorno alla bara del loro bambino morto. Sorprendentemente, una radiografia al Louvre rivela una zona scura e rettangolare sotto il suolo tra le due figure.

La Venere di Milo era un riferimento occasionale. Apparve prima in una scultura diroccata con il suo amico Marcel Duchamp, e poi come immagine che si metamorfizza in un torero in Le Torero hallucinogène.

La morte è presente in tutta l”opera fin dai primi quadri surrealisti, anche nei primi ritratti di vecchi. La morte appare prima nel suo aspetto fisico più ripugnante, quello dei cadaveri in decomposizione. Più tardi, divenne più discreto ma fu sempre presente, anche nei dipinti cristiani – soprattutto crocifissioni. È notevole in Portrait of My Dead Brother (1963), Tuna Fishing (1967), The Hallucinogenic Torero (1970).

L”alfabeto dell”amore è nato dalla passione di Dalí per le arti grafiche e per la sua musa Gala. Dalle loro iniziali, “S”, “D” e “G”, e una corona, inventò otto caratteri astratti come simbolo del loro amore. L”alfabeto divenne pubblico negli anni ”70 quando commissionò una borsa a Lancel come regalo a Gala.

Questa borsa è un piccolo modello a soffietto con un manico a catena da bicicletta. La sua pelle è decorata con una stampa tipo Toile Dalígram, utilizzando i caratteri dell”alfabeto dell”amore.

Scultura

Per molto tempo la scultura rimase aneddotica nell”opera di Dalí, con rare eccezioni come l”Oggetto Scatologico con Funzione Simbolica (1931) o il Busto Rinocerontico della Merlettaia di Vermeer (1955). Ritornò alla creazione tridimensionale negli anni ”60, e soprattutto nel 1970, con la creazione del Teatre-Museu Gala Salvador Dalí: Busto di Dante (1964), Sedia con ali di avvoltoio (1960), Lilith. Hommage à Raymond Roussel (1966), Maschera funebre di Napoleone che può essere usata come coperchio per un rinoceronte (1970).

Salvador Dalí disse che da bambino modellò la Venere di Milo perché era sulla sua scatola di matite: questo fu il suo primo tentativo di scultura. A partire dagli anni 30, Dalí si cimenta nella terza dimensione con oggetti surrealisti. Insieme a Giacometti, ha creato oggetti con una funzione simbolica, Busto di donna retrospettivo. Busto: Pane e calamaio, assemblando una marotte di porcellana dipinta con vari altri oggetti riciclati (1933). Nel 1936, Marcel Duchamp e Salvador Dalí collaborarono per creare la Venere di Milo con cassetti.

A partire da questo periodo, crea sculture in bronzo basate sui suoi quadri più famosi, come La Persistance de la mémoire, Le Profil du temps, La Noblesse du temps, Venus à la girafe, Le Toréador hallucinogène, La Vénus spatiale, Alice au pays des Merveilles, L”Éléphant spatial, che mostrano con estremo vigore la potenza espressiva delle sue immagini iconografiche surrealiste.

Dalí realizzò i suoi primi gioielli dopo la seconda guerra mondiale a New York: The Eye of Time (1949), Ruby Lips (1950), The Royal Heart (1953).

Tra il 1969 e il 1979, Salvador Dalí fece una collezione di 44 statue di bronzo, di cui solo 4 furono realizzate: Collezione Clot de Dalí.

Architettura

Nel 1939, creò il padiglione Dream of Venus per la Fiera Internazionale di New York. Era un”attrazione surrealista da fiera con, tra le altre cose, una Venere sopraffatta dalla febbre d”amore su un letto di raso rosso, sirene e giraffe. Di questa casa rimangono solo i ricordi, una quarantina di fotografie di Eric Schaal, un film di otto minuti e il sontuoso trittico con orologi molli, conservato in Giappone. Il pittore aveva fatto del surrealismo un”arte di vivere.

A Portlligat ha decorato la sua casa a modo suo, “come un principe del kitsch, dell”ironia e della derisione”. La sua biblioteca era deliberatamente inaccessibile, con file di libri disposti in alto sul muro in modo che nessuno potesse raggiungerli. Nell”asse della vasca fallica c”era un tempio con una grande tavola d”altare, dove si riparava dal sole e riceveva i suoi amici. Il fondo della sua vasca era rivestito di ricci di mare; questa era una commissione del maestro allo scultore César, che aveva fatto una colata di poliestere per “camminare sui ricci di mare come Cristo ha camminato sulle acque”. Il patio aveva la forma di una silhouette di donna dell”Angelus di Millet. Il divano è stato fatto da un calco delle labbra di Mae West. Il muro posteriore, chiamato “muro Pirelli”, era decorato con grandi pubblicità di pneumatici.

All”inizio degli anni ”70, il progetto del teatro-museo di Figueras prese finalmente forma. Dalí ha preso a cuore il progetto di questo museo costruito a sua gloria: “Voglio che il mio museo sia un blocco unico, un labirinto, un grande oggetto surrealista. Sarà un museo teatrale. I visitatori se ne andranno con la sensazione di aver fatto un sogno teatrale.

Letteratura

Gli scritti di Dalí formano un corpus importante che è pubblicato nella sua totalità solo in spagnolo. Ha scritto, almeno dalla sua adolescenza (Studium), poesie, alcuni testi letterari e un diario che è stato pubblicato nel 2006. Pubblicò numerosi testi che espongono le sue idee, la sua concezione della pittura e forniscono elementi biografici che ci permettono di capire la genesi di alcuni dei suoi quadri. Oui espone le sue concezioni teoriche in due grandi testi: “La rivoluzione paranoico-critica” e “L”arcangelo scientifico”.

Scritti in uno stile molto personale, i due testi autobiografici più famosi di Dalí sono La vita segreta di Salvador Dalí, che fornisce dettagli biografici della sua infanzia, il suo rapporto problematico con il padre e la convinzione acquisita fin dall”infanzia di essere un genio, e Diario di un genio, che tratta gli anni dal 1952 al 1963. Dalí scrisse un solo romanzo durante la guerra, Hidden Faces. In esso ha ritratto l”aristocrazia francese durante la guerra, e in particolare la storia d”amore di due personaggi, il duca di Grandsailles e Solange de Cléda. Quest”ultimo è un”illustrazione di quello che lui stesso ha chiamato clédalisme, il cui scopo era di completare “la trilogia della passione inaugurata dal Marchese de Sade”, i cui primi due elementi sono il sadismo e il masochismo.

Nel 1938 scrisse anche un”interpretazione paranoico-critica di una delle sue opere di riferimento, nel Mito tragico dell”Angelus di Millet, pubblicato nel 1963. Ha illustrato Fantastic memories (1945), La Maison sans fenêtre, Le Labyrinthe (1949) e La Limite (1951) di Maurice Sandoz, che ha conosciuto a New York nei primi anni 40.

Cinema

La giovinezza di Dalí coincise con l”età d”oro del cinema muto. Conobbe Luis Buñuel nella residenza studentesca di Madrid – ne fece il soggetto di uno dei suoi primi quadri. Questa amicizia portò a una collaborazione che si sviluppò nel contesto del surrealismo. In complicità con lui, ha partecipato alla scrittura di due film emblematici del cinema surrealista. Il primo, Un chien andalou (1929), è un cortometraggio di sedici minuti. Fu finanziato dal visconte e dalla viscontessa di Noailles, dopo una mostra a Parigi. Dopo una brutale immagine introduttiva destinata a segnare meglio la divisione tra il mondo reale e quello surrealista, si susseguono varie scene oniriche, dotate solo della logica dei sogni. Il film provocò uno scandalo nei circoli intellettuali parigini. Tuttavia, secondo Robert Descharnes, Dalí e Buñuel volevano fare qualcosa “di diverso da tutto ciò che era stato fatto prima”. È in quest”ottica che il secondo film, L”Âge d”or (L”età dell”oro), fu realizzato nel 1930. Nonostante un programma comune, i due autori si opponevano; Dalí voleva rappresentare l”amore, la creazione e i miti cattolici nella cornice di Cap de Creus. Quello che doveva essere un sottile, raffinato e profondo sacrilegio per Dalí fu trasformato da Buñuel in un anticlericalismo primario. Il film, della durata di un”ora, ha causato disordini pubblici tra i realisti e i surrealisti. Considerato insolente all”epoca, fu vietato fino al 1981.

Dalí partecipò alla realizzazione di diversi film che non furono completati. Nel 1941 scrisse la prima scena del sogno per il film Moontide di Fritz Lang, che non fu girato a causa dell”entrata in guerra degli Stati Uniti. Nel 1945, Dalí iniziò a dirigere il cartone animato Destino con Walt Disney, che fu interrotto dopo pochi mesi a causa di problemi finanziari legati alla guerra. Dalí e Disney erano molto affezionati l”uno all”altro, e Dalí considerava il regista un “grande surrealista americano” alla pari con i fratelli Marx e Cecil B. DeMille.

Scrisse una sceneggiatura per i fratelli Marx intitolata Giraffe a cavallo insalata, che rimase in forma di bozza. Nel 1945 disegnò il set per la scena dell”incantesimo nel film di Alfred Hitchcock La casa del dottor Edwardes. In questa scena, Gregory Peck, psicanalizzato da Ingrid Bergman, vede una tenda di occhi spalancati – un”idea presa dal film Un chien andalou – ed enormi forbici che tagliano palpebre e retine.

Dalí stesso produsse una serie di cortometraggi sperimentali surrealisti in cui metteva in scena se stesso. Negli anni ”50 realizzò L”Aventure prodigieuse de la Dentellière et du rhinocéros, diretto da Robert Descharnes, in cui immagini e oggetti erano associati dalla curva logaritmica e dal rapporto aureo. Nel 1975, fu Impressions de la Haute Mongolie (Omaggio a Raymond Roussel). In questo film, che ha l”aspetto di un falso documentario, Salvador Dalí racconta la storia di un popolo scomparso di cui ha trovato le tracce durante un viaggio nell””Alta Mongolia”. La storia è completamente inventata. Dalí aveva urinato sull”anello di una penna e ha aspettato che la corrosione facesse effetto, filmando gli effetti a distanze macro e microscopiche, con un commento “storico”.

Con Jean-Christophe Averty e Robert Descharnes, ha diretto L”Autoportrait mou de Salvador Dalí (1967), una pubblicità per il cioccolato Lanvin nel 1968. Alejandro Jodorowsky, nel suo progetto cinematografico abortito per il romanzo Dune, aveva chiesto a Dalí di interpretare il ruolo dell”imperatore Shaddam IV. Dalí pretese, tra le altre cose, di essere pagato l”astronomica tariffa di 100.000 dollari all”ora e propose un trono di ispirazione scatologica.

Teatro

Dalí prese parte a diversi progetti legati al teatro. Nel 1927 collaborò con Federico García Lorca nell”opera Marina Pineda e scrisse il libretto per Bacchanal, ispirato al Tannhäuser di Richard Wagner. Durante il suo soggiorno a New York, Dalí creò diversi fondali, scenografie e costumi per balletti, Labyrinth (1941), Helena (1942), Romeo e Giulietta (1942), Café de Cinitas (1943) e Tristan Fou (1944).

Mondo della moda

Durante tutta la sua vita e il suo lavoro, Dalí rimase in simbiosi con il mondo polimorfo della moda. Nel suo insaziabile desiderio di materializzare la creatività senza limiti che lo contraddistingueva, ha esplorato i registri creativi più eterogenei del settore della moda. I suoi modelli erano preferibilmente donne con fianchi prominenti – donne coccige – e ascelle senza peli, come Greta Garbo. Tra i suoi successi più notevoli, ha prodotto molti modelli di tessuto e disegni decorativi per l”abbigliamento. Collaborò con Coco Chanel per disegnare i costumi e le scenografie dell”opera teatrale Bacchanal, “paranoico-cinetico”, partecipò alla creazione di alcuni cappelli tra cui uno famoso a forma di scarpa e, con la couturier Elsa Schiaparelli, creò l”abito “aragosta” (anni ”30), commissionato da Edward James per la sua amica attrice Ruth Ford. Nel 1950, insieme a Christian Dior, disegnò il “1945 suit” con cassetti. Salvador Dalí ha creato il Dalígram Canvas alla fine degli anni ”60, basandosi su una custodia Louis Vuitton. Nel 1970, una borsa di Lancel fu decorata con il suo alfabeto dell”amore, mentre il manico era formato da una catena di bicicletta. Creò costumi da bagno da donna che comprimevano i seni e davano così un aspetto angelico; una giacca da cena afrodisiaca ricoperta di bicchieri da shot riempiti di menta piperita; cravatte; il disegno dei capelli dei suoi baffi-antenna metamorfici; bottiglie di profumo.

Molti dei suoi disegni sono rimasti come modelli senza mai essere realizzati. Questi includevano abiti con finti divisori e imbottiti di finta anatomia; trucco delle guance cave per eliminare le ombre sotto gli occhi; occhiali caleidoscopici per i viaggi in macchina; unghie finte composte da piccoli specchi in cui contemplarsi.

Fotografia

Dalí mostrò un vero interesse per la fotografia, alla quale diede un posto importante nella sua opera. Ha armonizzato gli ambienti e le fotografie come un pittore lavora la sua tela con i suoi pennelli. Dalí il fotografo fu la rivelazione di una parte importante e poco conosciuta della creazione daliniana. Ha lavorato con fotografi come Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton e Philippe Halsman. Con quest”ultimo ha creato la famosa serie Dalí Atomicus. Fu senza dubbio Robert Descharnes, suo amico e collaboratore-fotografo per 40 anni, a scattare il maggior numero di fotografie di Dalí, l”uomo e il suo lavoro.

Il fotografo e giornalista Enrique Sabater incontrò Dalí nell”estate del 1968, quando fu incaricato dall”agenzia americana Radical Press di intervistare il pittore nella sua casa di Portlligat. Si sviluppò un”amicizia tra loro e il fotografo trascorse dodici anni con Dalí come suo segretario, braccio destro e confidente. Enrique ha scattato migliaia di foto di Dalí e Gala. Nel 1972, quando Elvis Presley gli fece visita, Dalí rimase così impressionato dalla sua camicia country con motivi ricamati e bottoni di madreperla che il cantante gliela regalò. L”ha poi indossata per fare Dalí con la camicia di Elvis. Il maestro ha raccontato a Marc Lacroix, che ha scattato la fotografia: “Quando Elvis Presley è venuto a incontrarmi nel mio studio ha notato subito che ero affascinato dalla sua camicia country. Mentre se ne andava mi disse: “Ti piace la mia camicia? Sì. Molto. Senza una parola ha slacciato i bottoni e se n”è andato a torso nudo. Da allora non lo lascio mai per dipingere.

Con Marc Lacroix, un fotografo di moda, Dalí posò nel 1970 per una serie di ritratti in cui si metteva in scena, in foto deliranti: Dalí con una corona di ragno-mare, Dalí con un orecchio fiorito, Avida Dollars. Quest”ultima fotografia è stata scattata sopra un”insegna della Banque de France, circondata da banconote in sua effigie. Sempre con Marc Lacroix, ha provato un esperimento a cui pensava da tempo. Ha realizzato un quadro tridimensionale, Eight Pupils, usando un prototipo di telecamera stereoscopica per rendere la profondità.

Dalí aveva una relazione amichevole con il cantante del gruppo hard rock Alice Cooper, Vincent Furnier. I due artisti si ammiravano a vicenda, Alice Cooper usò un quadro di Dalí per illustrare il suo album DaDa nel 1983, dopo che quest”ultimo gli aveva dedicato un ologramma dieci anni prima intitolato First Cylinder. Ritratto del cervello di Alice Cooper. Una delle fotografie più impressionanti è quella del pittore che indossa un cappello a cilindro, ai lati del quale aveva messo delle maschere di Monna Lisa. Secondo Thérèse Lacroix, lo creò per la sua partecipazione ad un ballo dato dalla baronessa Rothschild. Solo metà del volto di Dalí appare tra enigmatici sorrisi congelati.

Il cestino del pane

Il cestino del pane (31,5 × 31,5 cm), (Salvador Dali Museum), è un olio su legno realizzato nel 1926. Fu la prima opera di Dalí ad essere esposta fuori dalla Spagna, all”Esposizione Internazionale del Carnegie Institute di Pittsburgh nel 1928. Questo primo lavoro è stato prodotto poco dopo aver terminato i suoi studi d”arte a Madrid, quando studiava i maestri olandesi. In esso, all”età di ventidue anni, Dalí dimostrò il pieno possesso delle sue capacità pittoriche.

Raffigurato in modo molto realistico in un chiaroscuro molto classico, un cestino del pane di vimini è presentato con quattro fette di pane, una delle quali è imburrata. Il tutto è posto su una tovaglia bianca con molte volute. Al centro, viene mostrato il rovescio della tovaglia, rivelando i dettagli del tessuto in modo molto chiaro. Lo sfondo è scuro, addirittura nero. La dura luce bianca sembra glassare la scena.

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Metamorfosi di Narciso

La Metamorfosi di Narciso (Tate Gallery, 50,8 × 78,3 cm) fu dipinto nel 1936-37, quando il pittore era nel pieno del suo periodo surrealista. È una scena mitologica la cui storia più dettagliata è raccontata nelle Metamorfosi di Ovidio.

Secondo Ovidio, dopo un incontro con la ninfa Eco, che non riuscì a sedurlo, Narciso, figlio della ninfa Liriope e del fiume Cefis, fu costretto da Nemesi, la dea della vendetta, a bere acqua chiara. Tuttavia, “infatuato della sua immagine, che vede nell”acqua, presta un corpo all”ombra vana che lo affascina: in estasi davanti a se stesso, rimane, il suo viso immobile come una statua di marmo di Paros”. Narciso si innamorò del suo riflesso ma, incapace di separarsi dal suo corpo, cominciò a piangere. Le sue lacrime hanno disturbato l”immagine, che è scomparsa. Narciso si gettò in preda alla disperazione e, una volta che l”acqua fu di nuovo calma, contemplò il suo riflesso malconcio. Si lasciò morire, lamentandosi con un “ahimè”, che Eco ripeté instancabilmente fino a un ultimo “addio” al quale rispose anche la ninfa. Alla sua sepoltura, “solo un fiore giallo, coronato da foglie bianche al centro del suo stelo, si trova al suo posto”.

Dalí ha presentato con la sua pittura un “poema paranoico” con lo stesso nome e soggetto, preceduto da un meta-testo, un manuale di istruzioni. Secondo il pittore, questa fu la prima opera, pittura e poesia, ad essere concepita interamente secondo il metodo critico paranoico. Mentre la poesia afferma che il dio della neve è presente nelle montagne sullo sfondo, la scena si svolge in primavera, la stagione dei narcisi. Il pittore sfrutta una doppia immagine, derivata dal suo metodo critico paranoico, raffigurando lo stato prima della trasformazione di Narciso a sinistra e la sua trasformazione a destra, utilizzando la direzione di lettura latina. A sinistra, la figura dai contorni imprecisi si riflette nell”acqua. È piegato e la sua testa è appoggiata sulle ginocchia, in attesa della morte. Sulla destra c”è il doppio dell”immagine dopo la trasformazione. La figura diventa una mano sottile e sassosa che emerge dalla terra. Sulle sue tre dita unite porta un enorme uovo da cui sta emergendo un narciso. Sia il chiodo che l”uovo sono rotti e il gruppo è raffigurato in un grigio pietroso e cadaverico, sul quale si alzano formiche, simbolo della putrefazione.

Sullo sfondo e al centro è rappresentato quello che Dalí definisce nella poesia come un “gruppo eterosessuale in stato di attesa”. Si tratta di un gruppo di otto uomini e donne nudi rifiutati da Narciso, che, secondo Dalí, include un indù, un catalano, un tedesco, un russo, un americano, una svedese e un”inglese. Un”altra interpretazione è fatta da Shnyder che considera la trasformazione opposta. La mano a destra è lo stato iniziale; a sinistra, spostato per traslazione, è il pittore Dalí, in un doppio di questa immagine. Questo gruppo si metamorfizza in una figura seduta e piegata che si riflette nell”acqua gelata, una figura come il Narciso del mito di Ovidio. I colori sono caldi, dorati e morbidi. Dalí dice della figura di Narciso nel suo stato iniziale che “quando lo si guarda con insistenza, anche lui si scioglie nelle rocce rosse e dorate”.

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Premonizione della guerra civile

Come molti dipinti di Dalí, questo ha un doppio titolo: Soft Constructions with Boiled Beans. Premonizione della guerra civile. Si tratta di un olio su tela, che misura 100 × 99 cm, conservato nel Philadelphia Museum of Art. Fu iniziato a Parigi nel 1936, quando l”aumento dei disordini armati in Spagna lasciava pochi dubbi sull”immediato futuro del paese, sull””avvicinarsi del grande cannibalismo armato della nostra storia, quello della nostra prossima guerra civile”. In Secret Life of Salvador Dalí, il pittore racconta come, nel 1934, quando fu proclamata la repubblica catalana, lui e Gala fuggirono da Barcellona per Parigi, tra i blocchi anarchici e la dichiarazione di indipendenza catalana. Il loro autista è stato assassinato sulla via del ritorno.

Sullo sfondo, la maggior parte della tela è occupata dal cielo. Sul terreno terroso e soleggiato c”è un essere enorme con una faccia smorfiosa e un”anatomia assurda. L”intera immagine è vista da un angolo basso. In questo dipinto Dalí realizza una forma di decomposizione, dissezione e ricomposizione di un gigante in un mostro. È, secondo Jean-Louis Ferrier, una tela in cui “un gigantesco corpo umano si lacera, si spacca, si strangola, fa smorfie di dolore e di follia”. Una mano è a terra nella polvere mentre l”altra, alzata al cielo, stringe un seno. Sono entrambi contratti e di un colore grigio cadaverico. Le braccia formano un angolo e si estendono in una specie di gamba collegata a un bacino. Sul bacino, un piede decomposto e la sua gamba eretta formano, insieme alle parti summenzionate, un enorme trapezio, il cui lato lungo è sormontato da una testa sorridente sollevata verso il cielo. Il tutto è sostenuto da un piede morbosamente tagliato e da un minuscolo comodino, che giacciono entrambi tra fagioli bolliti sparsi sul pavimento. Sul bacino, a destra del piede, c”è uno stronzo.

Dalí stesso ha commentato la presenza di questi fagioli, il che giustifica il primo titolo dell”opera: “La struttura morbida di questa enorme massa di carne nella Guerra Civile, l”ho guarnita con fagioli bolliti, perché non si può immaginare di ingoiare tutta questa carne insensibile senza l”accompagnamento, anche banale, di qualche verdura malinconica e farinosa.

L”associazione di guerra, cibo e amore è il tema centrale di un altro dei suoi dipinti sullo stesso tema: Cannibalism in Autumn.

La tentazione di Sant”Antonio

La Tentazione di Sant”Antonio fu dipinta nel 1946. Si tratta di un olio surrealista su tela che misura 90 × 119,5 cm ed è conservato a Bruxelles al Museo Reale di Belle Arti. Il dipinto è stato realizzato nel 1946 a New York ed è rappresentativo del periodo in cui il surrealismo cede gradualmente il passo alla religione. Dalí si era ormai avvicinato al cinema e produsse quest”opera durante un concorso organizzato per un adattamento cinematografico del romanzo Bel-Ami di Guy de Maupassant. Il concorso fu vinto da Max Ernst e il quadro di Dalí non fu accettato. Per Gilles Néret, la pittura gioca sull”opposizione religioso-erotico.

“Alchimia di paure e desideri, The Temptation of Saint Anthony è una sintesi sottile della pittura classica e del senso acuto della spiritualità del suo autore.

– Gilles Néret

Il quadro mostra Sant”Antonio nel deserto, inginocchiato e con una croce in mano per proteggersi dalle tentazioni che lo assalgono in un gesto di esorcismo. Queste tentazioni prendono la forma di un cavallo gigante e di una fila di elefanti con enormi e grottesche “gambe di ragno”. Sant”Antonio è raffigurato come un mendicante, mentre ogni animale ha sulla schiena una tentazione, tra le più comuni tra gli uomini. Il trionfo è rappresentato dal cavallo con gli zoccoli sporchi e consumati; alla sua destra, una donna nuda che si copre i seni offre il suo corpo voluttuoso. Rappresenta la sessualità. Poi vengono le ricchezze. Questo è un obelisco d”oro sul prossimo elefante, ispirato all”obelisco del Bernini a Roma. Questo è seguito da una donna nuda intrappolata in una casa dorata. Questo è sormontato dalle trombe della fama. Sullo sfondo, un ultimo elefante porta un enorme monolito fallico e sporge da una nuvola su cui è raffigurato un castello. Nel mezzo del paesaggio deserto, sotto gli elefanti, due uomini stanno discutendo. Uno è vestito con un mantello rosso e porta una croce. L”altro è grigio e proteso in avanti. Un angelo bianco vola sul deserto.

Cristo di San Giovanni della Croce

Il Cristo di San Giovanni della Croce è uno dei quadri più famosi del pittore. Si tratta di un olio su tela, prodotto nel 1951, che misura 205 × 116 cm, ed è conservato nel Kelvingrove Museum di Glasgow. L”originalità della prospettiva e l”abilità tecnica resero il quadro molto famoso, tanto che nel 1961 un fanatico tentò di vandalizzarlo con poco successo. Durante gli anni 1950, l”artista rappresentò più volte la scena della crocifissione, come in Corpus hypercubus, dipinto nel 1945. Per questo quadro, Dalí si è basato sulle teorie del Discorso sulla forma cubica di Juan de Herrera, che era responsabile del monastero di San Lorenzo de El Escorial nel XVI secolo.

Dalí fu ispirato da un disegno mistico di San Giovanni della Croce conservato nel Monastero dell”Incarnazione di Ávila, e da un”immagine che disse di aver sognato di un cerchio in un triangolo. Questa figura, che diceva essere come il nucleo di un atomo, era simile al disegno del monastero e decise di usarla per il suo dipinto. Il dipinto mostra Gesù crocifisso, preso da una prospettiva a volo d”uccello e visto da sopra la testa. La testa guarda in basso ed è il punto focale del dipinto. La parte inferiore del dipinto raffigura un paesaggio impassibile, formato dalla baia di Port Lligat. Nell”angolo in basso a destra, due pescatori sono impegnati con una barca. Si ispirano a un disegno di Velázquez per La resa di Breda e a un dipinto di Le Nain. Tra il Crocifisso e la baia ci sono nuvole mistiche e misteriose, illuminate dalla luce emanata dal corpo di Gesù. Il potente chiaroscuro utilizzato per valorizzare la figura di Gesù crea un effetto drammatico.

Cristo è rappresentato in modo umano e semplice. Ha i capelli corti – in contrasto con le rappresentazioni classiche – ed è in una posizione rilassata. Il segno in cima alla croce è un foglio di carta con le iniziali INRI. In contrasto con le rappresentazioni classiche, Cristo non è ferito, non è inchiodato alla croce, non ha tagli, pochissimo sangue e non ha nessuno degli attributi classici della crocifissione – chiodi, corona di spine, ecc. Sembra galleggiare accanto alla croce. Dalí ha giustificato questo spiegando che in un sogno ha cambiato il suo piano iniziale di mettere fiori, garofani e gelsomini, nelle ferite di Cristo, “forse a causa di un proverbio spagnolo che dice A mal Cristo, demasiada sangre”. Alcuni commentatori sostengono che questa è l”opera più umana e umile sul tema della Crocifissione.

Principali opere pittoriche

Salvador Dalí ha dipinto 1.640 quadri, principalmente oli su tela. I titoli e le date sono presi dal libro di Gilles Néret e Robert Descharnes.

Un gran numero di opere di Salvador Dalí sono esposte alla Fondacion Gala-Salvador Dalí a Figueras, nel Teatro-Museo Dalí, che ha descritto come “il più grande degli oggetti surrealisti nel mondo”.

Musei principali

Insieme a Pablo Picasso, Salvador Dalí fu uno dei due artisti per i quali furono creati due musei dedicati esclusivamente al suo lavoro durante la sua vita. Il primo ad aprire fu fondato dai collezionisti A. Reynolds Morse e Eleanor Morse, che nel corso degli anni avevano messo insieme una vasta collezione. Nel 1971, il primo museo, situato a Beachwood (Cleveland), fu aperto dallo stesso Salvador Dalí. Negli anni 1980, la coppia ha lasciato in eredità le opere alla città di San Pietroburgo in Florida, che ha aperto un nuovo museo Salvador Dalí nel 1982. Vi sono conservati novantasei dipinti di Dalí, oltre a più di 100 acquerelli e disegni, più di 1.300 fotografie, sculture, gioielli e numerosi archivi. Un nuovo edificio a prova di uragano è stato aperto nel 2011. Il secondo museo ad aprire fu il Teatro-Museo Dalí. Situato nella sua città natale di Figueras, in Catalogna, è stato costruito nelle rovine di un vecchio teatro devastato dal fuoco durante la guerra civile spagnola. È stato trasformato in un museo negli anni ”70 dal pittore e ha dato alla città una nuova attrazione turistica. Ha aperto nel 1974.

A metà degli anni ”90, altri due musei sono stati aperti in Spagna. Il primo è il castello di Púbol, che fu la residenza di sua moglie Gala. Dopo la sua morte nel 1982, il castello servì come residenza di Salvador Dalí per due anni fino a quando un incendio scoppiò nella stanza nel 1984. Allo stesso modo, la sua casa di Portlligat, nel porto di Cadaqués, è stata trasformata in un museo pubblico. In Francia, Dalí Paris presenta la collezione di più di quindici sculture originali, dando a questa mostra il suo status di collezione più importante in Francia. In Germania, il museo Dalí sulla piazza di Lipsia a Berlino riunisce più di 400 opere dell”artista catalano.

Cinema su Dalí

Il rapporto di Dalí con il cinema è stato oggetto di un film documentario intitolato Cinema Dalí nel 2004 e di una retrospettiva alla Tate Modern di Londra nel 2007. Nel 2009, il film Little Ashes, diretto da Paul Morrison, ripercorre la gioventù di Dalí a Madrid. Robert Pattinson interpreta il ruolo di Salvador Dalí.

Nel 2011, una commedia diretta da Woody Allen, Midnight in Paris, racconta la storia di due giovani americani nell”ambiente degli artisti nella Parigi del 1920. Incontrano Salvador Dalí, interpretato da Adrien Brody. Il film ha vinto l”Oscar per la migliore sceneggiatura originale nel 2012.

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Il carattere

La figura rimane controversa tra i critici e gli storici dell”arte. Nel centenario della nascita di Dalí, il critico letterario Peter Bürger ha sottolineato su Die Zeit che le classificazioni degli artisti moderni stabilite a partire dal 1955 non includono generalmente Dalí, a differenza di altri pittori surrealisti come André Masson, Joan Miró e Max Ernst. A partire dagli anni 40 negli Stati Uniti, Dalí fu bersaglio di critiche a causa del suo lavoro per la haute couture, la gioielleria e, più in generale, il design. È stato accusato di confondere il confine tra arte e consumo. Questo atteggiamento dei critici finì solo con l”avvento della pop art, che assunse completamente questa confusione. Anche la sua ossessione per Hitler era controversa.

Lo storico dell”arte Michael Peppiatt ha scritto, a questo proposito, che “Dalí passò dalla brillantezza sovversiva della sua gioventù a una crescente vacuità e a un esibizionismo remunerativo”, opponendosi a Jean Dutourd, dell”Accademia di Francia:

“Salvador Dalí, che era molto intelligente, ha capito diverse cose che gli artisti generalmente non capiscono, la prima è che il talento (o il genio) è una bancarella da fiera. Per attirare i clienti, bisogna parlare bene, avere una lingua tagliente, esibirsi in buffonate e buffonate su un palco. Questo è ciò in cui Dalí eccelleva fin dall”inizio. Si considerava il più grande pittore del XX secolo, cioè un artista classico che ha avuto la sfortuna di cadere in un periodo basso della sua arte. I trissotini dell”intellighenzia occidentale e i borghesi che li hanno seguiti hanno fatto la legge, cioè l”opinione.

“Ci sono due modi per conciliare queste persone, da cui dipende la reputazione; il primo è essere seri come loro, pieni di dignità. Riconoscono immediatamente un membro della tribù e sanno come dimostrarlo. L”unica altra via d”uscita era la provocazione, cioè la stravaganza e l”imprevisto sia nel pensiero che nella parola, la sincerità brutale, il gusto della facezia, l”iconoclastia nei confronti di tutto ciò che è di moda e quindi intoccabile.

Tuttavia, Dalí ha usato l”accademismo e la pittura da salotto del XIX secolo in un modo completamente inaspettato, che ha costretto alcuni critici a riconsiderare il loro giudizio sulla sua arte più recentemente. Questo è stato particolarmente il caso dopo le retrospettive sul surrealismo daliniano a Parigi e Düsseldorf. Secondo Peter Bürger, “Dalí, morto nel 1989, non ha ancora trovato il suo posto nell”arte del XX secolo”.

Nella sua prefazione a Diario di un genio, Michel Déon riassume l”originalità del pittore: “Ciò che è più amabile di Dalí sono le sue radici e le sue antenne. Radici affondate nella terra, dove vanno alla ricerca di tutto ciò che l”uomo ha saputo produrre di succulento (secondo una delle sue tre parole preferite) in quaranta secoli di pittura, architettura e scultura. Antenne dirette verso il futuro, che annusano, prevedono e comprendono con velocità fulminea. Non si dirà mai abbastanza che Dalí è uno spirito di insaziabile curiosità”. Thérèse Lacroix, moglie e collaboratrice di Marc Lacroix, che visitò Salvador e Gala in numerose occasioni durante un periodo di dieci anni, osserva che Dalí “era impressionante nel suo sguardo e nel modo di portare la testa. Era altezzoso ma divertente, non si prendeva sul serio”.

Punti di vista politici

Il rapporto di Dalí con la politica fu spesso equivoco e incompreso. Tuttavia, hanno avuto un ruolo significativo nella sua carriera artistica. Da adolescente, Dalí “propendeva per l”anarco-sindacalismo radicale”, seguiva con passione la rivoluzione russa e i progressi dell”Armata Rossa di Trotsky, e si definiva all”epoca socialista. Fu arrestato e imprigionato per diverse settimane a Girona per agitazione rivoluzionaria. Ma la sua visione politica si è gradualmente evoluta in un “anarchismo violentemente antisociale” e poi in un apolitismo provocatorio. Il suo individualismo viscerale probabilmente non potrebbe far fronte a un movimento popolare a lungo termine. Nel 1934 provocò l”ira dei surrealisti raffigurando Guglielmo Tell nelle vesti di Lenin, cosa che André Breton considerò un “atto antirivoluzionario”. La rottura fu completa quando Dalí concentrò il suo lavoro su Hitler, verso il quale fece dei commenti ambigui alla fine degli anni ”30, finché Breton escluse definitivamente il pittore. Dalí fuggì dalla Spagna appena in tempo per lo scoppio della guerra civile.

Per Robert Descharnes e Gilles Néret, Dalí ha vissuto questa guerra spagnola con incomprensione. Notano le parole del pittore: “Non avevo l”anima né la fibra storica. Più gli eventi si svolgevano, più mi sentivo apolitico e nemico della storia”. Fu sbalordito dall””ignominia” dell”assassinio del suo amico Lorca, “il pittore più apolitico della terra”. Pressato a scegliere tra Hitler e Stalin “dalla iena dell”opinione pubblica”, scelse di rimanere se stesso. Ebbe lo stesso atteggiamento durante la seconda guerra mondiale, fuggendo dalla Francia in guerra, e fu molto criticato per questo, per esempio da George Orwell: “Mentre la guerra in Europa si avvicinava, aveva solo una preoccupazione: trovare un posto che avesse buon cibo e dal quale potesse fuggire rapidamente in caso di pericolo”, aggiungendo nella sua biografia che Dalí era un disegnatore eccezionale e un tipo disgustoso.

Dopo il suo ritorno a Cadaqués nel 1948, Dalí mostrò un monarchismo quasi mistico. Jean-Louis Gaillemin annota le parole del pittore:

“Monarchia assoluta, perfetta cupola estetica dell”anima, omogeneità, unità, suprema continuità biologica ereditaria, tutto questo in alto, elevato vicino alla cupola del cielo. In basso, anarchia brulicante e supergelatinosa, eterogeneità viscosa, diversità ornamentale di strutture molli ignominiose, compresse e che cedono l”ultimo succo delle loro ultime forme di reazione”.

Questo atteggiamento fu interpretato o come un avvicinamento al franchismo – in particolare da André Breton – o come un modo per non appoggiare direttamente quel regime, che tuttavia fece uso di alcune dichiarazioni del pittore e gli conferì la Gran Croce dell”Ordine di Isabella la Cattolica nel 1964. Il suo atteggiamento è rimasto ambiguo. Al di là delle considerazioni surrealiste, se da un lato Dalí non perdonò la morte di Lorca per mano delle milizie franchiste e denunciò fino alla fine la censura dell”opera dell”amico poeta, dall”altro incontrò personalmente Franco nel 1953 e dipinse un ritratto di sua nipote nel 1974.

Per Robert Descharnes, Dalí era soprattutto vicino alla tradizione monarchica spagnola, che completava altri aspetti della sua svolta tradizionalista verso il cattolicesimo romano e la pittura rinascimentale. Dalí rivendicava il suo sostegno alla monarchia, che promuoveva come un tradimento della borghesia, la sua classe sociale originaria. Partendo dall”estrema sinistra, la sua carriera politica si è spostata a destra. In Francia, Dalí fu principalmente sostenuto negli anni 50 e 60 da intellettuali di destra come Louis Pauwels, ma quando si dichiarò “anarco-monarchico” nel 1970, aprì la porta alla speculazione su questo orientamento politico, che era certamente minoritario.

Secondo Vicente Navarro, nel 1975, poco prima della sua morte, Dalí si congratulò con il vecchio generale Franco per le sue azioni volte a “liberare la Spagna dalle forze distruttive”, dopo aver firmato l”ordine di giustiziare quattro prigionieri dell”ETA. Mentre molti vedevano Dalí nel ruolo di “buffone di corte” di Franco, altri, come l”architetto Óscar Tusquets nel suo libro Dalí y otros amigos, fecero notare che l”estrema esagerazione di queste congratulazioni a un dittatore in punto di morte doveva essere interpretata con ironia, poiché le continue provocazioni del pittore avevano lo scopo di costruire una figura pubblica surrealista.

I dipinti di Salvador Dalí sono opere molto ricercate dai collezionisti d”arte. L”olio su legno My Naked Woman Looking at Her Own Body Becoming Steps, Three Vertebrae of a Column, 1945, è stato venduto da Sotheby”s a Londra il 4 dicembre 2000 per 2.600.000 sterline o 4.274.140 euro. L”olio su tela, Nostalgic Echo, che misura 96,5 × 96,5 cm, è stato venduto da Sotheby”s a Londra il 2 novembre 2005 per 2.368.000 dollari (2.028.665 euro).

Si dice che Dalí fu costretto dal suo entourage a firmare delle tele vuote in modo che potessero essere dipinte da altri e vendute dopo la sua morte come originali, alimentando il sospetto e svalutando di conseguenza le ultime opere del maestro. Per quanto riguarda le sue litografie con farfalle, Salvador Dalí ritagliò delle fotografie di questi insetti dalle riviste, le incollò su un foglio di carta e le fece copiare dal litografo Jean Vuillermoz. Queste litografie furono stampate su fogli già pre-firmati da Dalì.

Nel 2017, una cartomante, Pilar Abel, ha affermato di essere sua figlia. Per determinare se il pittore fosse effettivamente il padre biologico, il tribunale di Madrid ha ordinato l”esumazione del suo corpo il 26 giugno “per ottenere campioni dei suoi resti”. L”esumazione ha avuto luogo il 20 luglio nel Museo Dalí di Figueras, dove il pittore è stato sepolto in una cripta. Il 6 settembre 2017, la Fondazione Dalí ha rivelato che i risultati del DNA provano che l”artista spagnolo non è il padre di Pilar Abel.

Salvador Dalí è un personaggio secondario nel film d”animazione Buñuel dopo l”età dell”oro (2018): viene citato più volte e la sua voce (interpretata da Salvador Simó, il regista) si sente in una scena in cui Luis Buñuel gli telefona.

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Fonti