Sandro Botticelli

gigatos | Maggio 8, 2022

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Riassunto

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (1445 circa – 17 maggio 1510), noto come Sandro Botticelli, è stato un pittore italiano del primo Rinascimento. La reputazione postuma di Botticelli ha sofferto fino alla fine del XIX secolo, quando fu riscoperto dai preraffaelliti che stimolarono una rivalutazione del suo lavoro. Da allora, i suoi dipinti sono stati visti per rappresentare la grazia lineare del tardo gotico italiano e alcuni dipinti del primo Rinascimento, anche se risalgono alla seconda metà del periodo rinascimentale italiano.

Oltre ai soggetti mitologici per i quali è più conosciuto oggi, Botticelli dipinse una vasta gamma di soggetti religiosi (comprese decine di interpretazioni della Madonna col Bambino, molte nella forma del tondo) e anche alcuni ritratti. Le sue opere più note sono La nascita di Venere e la Primavera, entrambe agli Uffizi di Firenze. Botticelli visse tutta la sua vita nello stesso quartiere di Firenze; i suoi unici momenti significativi altrove furono i mesi passati a dipingere a Pisa nel 1474 e la Cappella Sistina a Roma nel 1481-82.

Solo uno dei dipinti di Botticelli, la Natività mistica (National Gallery, Londra) è iscritto con una data (1501), ma altri possono essere datati con vari gradi di certezza sulla base di documenti d”archivio, quindi lo sviluppo del suo stile può essere tracciato con una certa sicurezza. Fu un maestro indipendente per tutti gli anni 1470, che videro la sua reputazione salire alle stelle. Gli anni 1480 furono il suo decennio di maggior successo, quello in cui i suoi grandi dipinti mitologici furono completati insieme a molte delle sue Madonne più famose. Negli anni 1490 il suo stile divenne più personale e in qualche misura manierato. Le sue ultime opere lo mostrano muoversi in una direzione opposta a quella di Leonardo da Vinci (sette anni più giovane) e della nuova generazione di pittori che creano lo stile dell”Alto Rinascimento, tornando invece a uno stile che molti hanno descritto come più gotico o “arcaico”.

Botticelli nacque nella città di Firenze in una casa nella strada ancora chiamata Borgo Ognissanti. Visse tutta la vita nella stessa zona e fu sepolto nella chiesa del suo quartiere chiamata Ognissanti. Sandro era uno dei numerosi figli del conciatore Mariano di Vanni d”Amedeo Filipepi, e il più giovane dei suoi quattro a sopravvivere in età adulta. La data della sua nascita non è nota, ma le dichiarazioni dei redditi di suo padre negli anni successivi danno la sua età come due nel 1447 e tredici nel 1458, il che significa che deve essere nato tra il 1444 e il 1446.

Nel 1460 il padre di Botticelli cessò la sua attività di conciatore e divenne un battitore d”oro con l”altro figlio, Antonio. Questa professione avrebbe portato la famiglia in contatto con una serie di artisti. Giorgio Vasari, nella sua Vita di Botticelli, riporta che Botticelli fu inizialmente formato come orafo.

Il quartiere di Ognissanti era “un quartiere modesto, abitato da tessitori e altri operai”, ma c”erano alcune famiglie ricche, in particolare i Rucellai, un ricco clan di banchieri e commercianti di lana. Il capo della famiglia, Giovanni di Paolo Rucellai, commissionò a Leon Battista Alberti il famoso Palazzo Rucellai, una pietra miliare dell”architettura rinascimentale italiana, tra il 1446 e il 1451, i primi anni di Botticelli. Nel 1458, la famiglia di Botticelli affittava la sua casa dai Rucellai, e questo era solo uno dei molti affari che coinvolgevano le due famiglie.

Nel 1464, suo padre comprò una casa nella vicina Via Nuova (ora chiamata Via della Porcellana) in cui Sandro visse dal 1470 (se non prima) fino alla sua morte nel 1510. Botticelli visse e lavorò nella casa (una pratica piuttosto insolita) nonostante anche i suoi fratelli Giovanni e Simone fossero residenti lì. I vicini più notevoli della famiglia erano i Vespucci, incluso Amerigo Vespucci, da cui le Americhe presero il nome. I Vespucci erano alleati dei Medici e alla fine patroni regolari di Botticelli.

Il soprannome Botticelli, che significa “piccola botte”, deriva dal soprannome del fratello di Sandro, Giovanni, che era chiamato Botticello apparentemente a causa della sua statura rotonda. Un documento del 1470 si riferisce a Sandro come “Sandro Mariano Botticelli”, il che significa che aveva adottato pienamente il nome.

Intorno al 1461 o 1462 Botticelli fu apprendista di Fra Filippo Lippi, uno dei principali pittori fiorentini e uno dei favoriti dei Medici. Fu da Lippi che Botticelli imparò a creare composizioni intime con belle figure malinconiche disegnate con contorni chiari e solo leggeri contrasti di luce e ombra. Per gran parte di questo periodo Lippi fu di base a Prato, a poche miglia a ovest di Firenze, affrescando l”abside di quella che oggi è la cattedrale di Prato. Botticelli probabilmente lasciò la bottega di Lippi nell”aprile del 1467, quando quest”ultimo andò a lavorare a Spoleto. Ci sono state molte speculazioni sul fatto che Botticelli abbia trascorso un periodo più breve in un”altra bottega, come quella dei fratelli Pollaiuolo o di Andrea del Verrocchio. Tuttavia, sebbene entrambi gli artisti abbiano avuto un forte impatto sullo sviluppo del giovane Botticelli, la presenza del giovane artista nelle loro botteghe non può essere definitivamente provata.

Lippi morì nel 1469. Botticelli deve aver avuto la sua bottega, e nel giugno di quell”anno gli fu commissionato un pannello della Fortezza (Firenze, Galleria degli Uffizi) per accompagnare un set di tutte le Sette Virtù commissionato un anno prima a Piero del Pollaiuolo. Il pannello di Botticelli adotta il formato e la composizione di quello di Piero, ma presenta una figura più elegante e in posa naturale e include una serie di “arricchimenti fantasiosi in modo da mostrare la povertà di invenzione ornamentale di Piero”.

Nel 1472 Botticelli prese il suo primo apprendista, il giovane Filippino Lippi, figlio del suo maestro. Le opere di Botticelli e Filippino di questi anni, compresi molti dipinti di Madonna e Bambino, sono spesso difficili da distinguere l”una dall”altra. I due collaboravano anche abitualmente, come nei pannelli di un paio di cassoni smontati, ora divisi tra il Louvre, la National Gallery of Canada, il Musée Condé di Chantilly e la Galleria Pallavicini di Roma.

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La prima pala d”altare sopravvissuta di Botticelli è una grande sacra conversazione del 1470-72 circa, ora agli Uffizi. Il dipinto mostra la precoce maestria di Botticelli nella composizione, con otto figure disposte con una “facile naturalezza in un ambiente architettonico chiuso”.

Un”altra opera di questo periodo è il San Sebastiano a Berlino, dipinto nel 1474 per un pontile in Santa Maria Maggiore a Firenze. Quest”opera fu dipinta poco dopo la pala d”altare dello stesso santo, molto più grande, dei fratelli Pollaiuolo (Londra, National Gallery). Sebbene il santo di Botticelli sia molto simile nella posa a quello dei Pollaiuolo, è anche più calmo e posato. Il corpo quasi nudo è disegnato molto attentamente e anatomicamente preciso, riflettendo l”attento studio del giovane artista del corpo umano. Il delicato paesaggio invernale, che si riferisce alla festa del santo in gennaio, si ispira alla contemporanea pittura del primo Olandese, molto apprezzata negli ambienti fiorentini.

All”inizio del 1474 a Botticelli fu chiesto dalle autorità di Pisa di unirsi ai lavori di affrescamento del Camposanto, un grande progetto prestigioso realizzato per la maggior parte da Benozzo Gozzoli, che vi impiegò quasi vent”anni. Sono registrati vari pagamenti fino a settembre, ma nessun lavoro sopravvive, e sembra che qualsiasi cosa Botticelli abbia iniziato non sia stato finito. Qualunque sia il risultato, il fatto che Botticelli sia stato contattato da fuori Firenze dimostra una crescente reputazione.

L”Adorazione dei Magi per Santa Maria Novella (1475-76 circa, ora agli Uffizi, e la prima di 8 Adorazioni), fu elogiata dal Vasari, e si trovava in una chiesa molto visitata, diffondendo così la sua reputazione. Si può ritenere che segni il culmine del primo stile di Botticelli. Nonostante sia stato commissionato da un cambiavalute, o forse da un usuraio, non altrimenti noto come alleato dei Medici, contiene i ritratti di Cosimo de Medici, dei suoi figli Piero e Giovanni (tutti ormai morti), e dei suoi nipoti Lorenzo e Giuliano. Ci sono anche i ritratti del donatore e, nella visione dei più, Botticelli stesso, in piedi di fronte a destra. Il dipinto è stato celebrato per la varietà delle angolazioni da cui sono dipinti i volti e delle loro espressioni.

Un grande affresco per la dogana di Firenze, oggi perduto, raffigurava l”esecuzione per impiccagione dei capi della congiura dei Pazzi del 1478 contro i Medici. Era un”usanza fiorentina umiliare i traditori in questo modo, con la cosiddetta “pittura infamante”. Questa fu la prima grande commissione di affreschi di Botticelli (a parte l”abortita escursione a Pisa), e potrebbe aver portato alla sua convocazione a Roma. La figura di Francesco Salviati, arcivescovo di Pisa, fu rimossa nel 1479, dopo le proteste del Papa, e il resto fu distrutto dopo la cacciata dei Medici e il ritorno della famiglia Pazzi nel 1494. Un”altra opera perduta fu un tondo della Madonna ordinato da un banchiere fiorentino a Roma da presentare al cardinale Francesco Gonzaga; questo forse diffuse la conoscenza del suo lavoro a Roma. Un affresco in Palazzo Vecchio, sede dello stato fiorentino, fu perso nel secolo successivo quando Vasari rimodellò l”edificio.

Nel 1480 la famiglia Vespucci commissionò una figura ad affresco di Sant”Agostino per gli Ognissanti, la loro chiesa parrocchiale, e quella di Botticelli. Qualcun altro, probabilmente l”ordine che dirigeva la chiesa, commissionò a Domenico Ghirlandaio un San Girolamo affrontato; entrambi i santi furono mostrati mentre scrivevano nei loro studi, che sono affollati di oggetti. Come in altri casi, tale concorrenza diretta “fu sempre un incentivo per Botticelli a mettere in campo tutte le sue forze”, e l”affresco, il più antico sopravvissuto, è considerato il suo migliore da Ronald Lightbown. Il libro aperto sopra il santo contiene uno degli scherzi per cui Vasari dice che era noto. La maggior parte del “testo” sono scarabocchi, ma una riga recita: “Dov”è Fra Martino? È uscito. E dove è andato? È fuori Porta al Prato”, probabilmente un dialogo ascoltato dagli Umiliati, l”ordine che gestiva la chiesa. Lightbown suggerisce che questo dimostra che Botticelli pensava che “l”esempio di Girolamo e Agostino potesse essere gettato sugli Umiliati come lui li conosceva”.

Nel 1481, Papa Sisto IV convocò Botticelli e altri importanti artisti fiorentini e umbri per affrescare le pareti della Cappella Sistina appena completata. Questo grande progetto doveva essere la decorazione principale della cappella. La maggior parte degli affreschi sono rimasti, ma sono molto oscurati e disturbati dal lavoro di Michelangelo del secolo successivo, poiché alcuni degli affreschi precedenti furono distrutti per fare spazio ai suoi dipinti. Si pensa che il contributo fiorentino sia parte di un accordo di pace tra Lorenzo Medici e il papato. Dopo che Sisto fu implicato nella cospirazione dei Pazzi, le ostilità si erano intensificate nella scomunica per Lorenzo e altri funzionari fiorentini e una piccola “guerra dei Pazzi”.

Lo schema iconografico era una coppia di cicli, uno di fronte all”altro sui lati della cappella, della Vita di Cristo e della Vita di Mosè, che insieme suggeriscono la supremazia del Papato. Il contributo di Botticelli includeva tre delle quattordici grandi scene originali: le Tentazioni di Cristo, la Giovinezza di Mosè e la Punizione dei Figli di Corah (o vari altri titoli), così come molti dei ritratti immaginari di papi nel livello superiore, e dipinti di soggetti sconosciuti nelle lunette sopra, dove ora si trova il soffitto della Cappella Sistina di Michelangelo. Potrebbe anche aver fatto una quarta scena sulla parete di fondo di fronte all”altare, ora distrutta. Ogni pittore portò una squadra di assistenti dal suo laboratorio, poiché lo spazio da coprire era considerevole; ognuno dei pannelli principali è di circa 3,5 metri per 5,7, e il lavoro fu fatto in pochi mesi.

Vasari sottintende che Botticelli fu incaricato della direzione artistica generale del progetto, ma i moderni storici dell”arte ritengono più probabile che questo ruolo sia stato affidato a Pietro Perugino, il primo artista ad essere impiegato, se qualcuno lo fu. I soggetti e molti dettagli da sottolineare nella loro esecuzione furono senza dubbio consegnati agli artisti dalle autorità vaticane. Gli schemi presentano un programma complesso e coerente che afferma la supremazia papale, e sono più unificati in questo che nel loro stile artistico, anche se gli artisti seguono una scala coerente e un”ampia disposizione compositiva, con folle di figure in primo piano e principalmente paesaggi nella metà superiore della scena. Tenendo conto dei pilastri dipinti che separano ogni scena, il livello dell”orizzonte corrisponde tra le scene, e Mosè indossa gli stessi abiti gialli e verdi nelle sue scene.

Botticelli si differenzia dai suoi colleghi per l”imposizione di una composizione a trittico più insistente, dividendo ciascuna delle sue scene in un gruppo centrale principale con due gruppi laterali che mostrano diversi episodi. In ognuna di esse la figura principale di Cristo o di Mosè appare più volte, sette nel caso della Gioventù di Mosè. I trenta ritratti inventati dei primi papi sembrano essere stati principalmente responsabilità di Botticelli, almeno per quanto riguarda la produzione dei cartoni. Di quelli sopravvissuti, la maggior parte degli studiosi concorda sul fatto che dieci furono disegnati da Botticelli, e cinque probabilmente almeno in parte da lui, anche se tutti sono stati danneggiati e restaurati.

La Punizione dei figli di Corah contiene quella che fu per Botticelli una copia insolitamente vicina, se non esatta, di un”opera classica. Si tratta del rendering al centro del lato nord dell”Arco di Costantino a Roma, che egli ripeté nel 1500 circa ne La storia di Lucrezia. Se apparentemente non passava il suo tempo libero a Roma a disegnare antichità, come molti artisti del suo tempo erano molto propensi a fare, sembra che abbia dipinto lì un”Adorazione dei Magi, ora nella National Gallery of Art di Washington. Nel 1482 tornò a Firenze, e a parte i suoi affreschi perduti per la villa dei Medici a Spedaletto circa un anno dopo, non sono registrati altri viaggi lontano da casa. Forse era stato via da luglio 1481 a, al più tardi, maggio 1482.

I capolavori Primavera (entrambi si trovano agli Uffizi. Sono tra i dipinti più famosi al mondo, e icone del Rinascimento italiano. Come raffigurazioni di soggetti della mitologia classica su una scala molto grande erano praticamente senza precedenti nell”arte occidentale dall”antichità classica. Insieme ai più piccoli e meno celebrati Venere e Marte e Pallade e il Centauro, sono stati infinitamente analizzati dagli storici dell”arte, e i temi principali sono: l”emulazione dei pittori antichi e il contesto delle celebrazioni nuziali, l”influenza del neoplatonismo rinascimentale, e l”identità dei committenti e dei possibili modelli delle figure.

Anche se tutti portano diversi gradi di complessità nei loro significati, hanno anche un immediato appeal visivo che spiega la loro enorme popolarità. Tutti mostrano figure femminili dominanti e belle in un mondo idilliaco di sentimenti, con un elemento sessuale. La continua attenzione degli studiosi si concentra principalmente sulla poesia e la filosofia degli umanisti rinascimentali contemporanei. Le opere non illustrano testi particolari; piuttosto, ognuna si basa su diversi testi per il suo significato. La loro bellezza è stata caratterizzata da Vasari come esemplificativa della “grazia” e da John Ruskin come in possesso di un ritmo lineare. Le immagini presentano lo stile lineare di Botticelli nella sua massima efficacia, enfatizzato dai morbidi contorni continui e dai colori pastello.

La Primavera e la Nascita furono entrambe viste da Vasari a metà del XVI secolo nella Villa di Castello, di proprietà dal 1477 di Lorenzo di Pierfrancesco de” Medici, e fino alla pubblicazione nel 1975 di un inventario mediceo del 1499, si presumeva che entrambe le opere fossero state dipinte appositamente per la villa. Studi recenti suggeriscono il contrario: la Primavera fu dipinta per la casa di città di Lorenzo di Pierfrancesco a Firenze, e La nascita di Venere fu commissionata da qualcun altro per un sito diverso.

Botticelli dipinse solo un piccolo numero di soggetti mitologici, ma queste sono ora probabilmente le sue opere più conosciute. Un pannello molto più piccolo di quelli discussi prima è la sua Venere e Marte nella National Gallery di Londra. Questo era di dimensioni e forma tali da suggerire che fosse una spalliera, un dipinto fatto per essere inserito in un mobile o, più probabilmente in questo caso, in un rivestimento di legno. Le vespe che ronzano intorno alla testa di Marte suggeriscono che potrebbe essere stato dipinto per un membro dei suoi vicini, la famiglia Vespucci, il cui nome significa “piccole vespe” in italiano, e che aveva vespe nel suo stemma. Marte giace addormentato, presumibilmente dopo aver fatto l”amore, mentre Venere guarda mentre i satiri bambini giocano con il suo equipaggiamento militare, e uno cerca di svegliarlo soffiandogli una conchiglia nell”orecchio. Il dipinto fu senza dubbio dato per celebrare un matrimonio, e decorare la camera da letto.

Tre di queste quattro grandi mitologie presentano Venere, una figura centrale nel neoplatonismo rinascimentale, che dava all”amore divino un posto importante nella sua filosofia come il cristianesimo. La quarta, Pallade e il Centauro, è chiaramente collegata ai Medici dal simbolo sul vestito di Pallade. Le due figure sono all”incirca a grandezza naturale, e un certo numero di interpretazioni personali, politiche o filosofiche specifiche sono state proposte per espandere il significato fondamentale della sottomissione della passione alla ragione.

Una serie di pannelli in forma di spalliera o cassone furono commissionati a Botticelli da Antonio Pucci nel 1483 in occasione del matrimonio di suo figlio Giannozzo con Lucrezia Bini. Il soggetto era la storia di ”Nastagio degli Onesti dall”ottava novella della quinta giornata del Decamerone di Boccaccio, in quattro pannelli. Gli stemmi delle famiglie dei Medici e degli sposi appaiono nel terzo pannello.

Botticelli tornò da Roma nel 1482 con una reputazione notevolmente migliorata dal suo lavoro lì. Come per i suoi dipinti secolari, molte commissioni religiose sono più grandi e senza dubbio più costose di prima. Complessivamente più opere databili di Botticelli provengono dagli anni 1480 che da qualsiasi altro decennio, e la maggior parte di queste sono religiose. Verso la metà degli anni 1480, molti artisti fiorentini di spicco avevano lasciato la città, alcuni per non farvi più ritorno. L”astro nascente Leonardo da Vinci, che derideva i paesaggi di Botticelli, partì nel 1481 per Milano, i fratelli Pollaiolo nel 1484 per Roma, e Andrea Verrochio nel 1485 per Venezia.

Gli altri leader della pittura fiorentina, Botticelli, Domenico Ghirlandaio e Filippino Lippi, lavorarono ad un grande ciclo di affreschi con Perugino, per la villa di Lorenzo il Magnifico a Spedalletto vicino a Volterra. Botticelli dipinse molte Madonne, trattate in una sezione sottostante, e pale d”altare e affreschi nelle chiese fiorentine. Nel 1491 fece parte di un comitato per decidere una facciata per la cattedrale di Firenze, ricevendo l”anno successivo un piccolo pagamento per un progetto, alla fine fallito, di mettere mosaici su alcune volte interne del tetto della cattedrale.

Alternatives:Pala d”altare di BardiPala d”altare BardiPala di BardiPala Bardi

La prima grande commissione ecclesiastica dopo Roma fu la Pala Bardi, finita e incorniciata nel febbraio 1485, e ora a Berlino. La cornice fu realizzata da niente meno che Giuliano da Sangallo, che stava diventando l”architetto preferito di Lorenzo il Magnifico. Una Madonna in trono e un Bambino (piuttosto grande) siedono su un”elaborata panca di pietra rialzata in un giardino, con piante e fiori dietro di loro che chiudono tutto tranne piccole macchie di cielo, per dare una versione dell”hortus conclusus o giardino chiuso, uno scenario molto tradizionale per la Vergine Maria. I santi Giovanni Battista e Giovanni Evangelista, insolitamente anziano, stanno in primo piano. Piccole e poco appariscenti banderuole o nastri che riportano versetti biblici chiariscono il significato teologico piuttosto complesso dell”opera, per il quale Botticelli deve aver avuto un consulente clericale, ma non interferiscono con un più semplice apprezzamento del dipinto e della sua resa amorevolmente dettagliata, che Vasari lodò. È in qualche modo tipico dell”approccio rilassato di Botticelli alla prospettiva rigorosa che la sporgenza superiore della panca sia vista dall”alto, ma i vasi con i gigli su di essa dal basso.

Il donatore, appartenente all”importante famiglia Bardi, era tornato a Firenze da oltre vent”anni di attività come banchiere e commerciante di lana a Londra, dove era conosciuto come “John de Barde”, e gli aspetti del dipinto potrebbero riflettere l”arte nordeuropea e persino inglese e le tendenze devozionali popolari. Potrebbero esserci stati altri pannelli nella pala d”altare, che ora mancano.

Alternatives:Pala di San BarnabaPala d”altare di San Barnaba

Una pala d”altare più grande e più affollata è la Pala di San Barnaba del 1487 circa, ora agli Uffizi, dove cominciano ad apparire elementi del tardo stile emotivo di Botticelli. Qui l”ambientazione è un interno paradisiaco in stile più recente, che mostra un nuovo interesse di Botticelli per l”architettura, forse influenzato dal Sangallo. La Vergine e il Bambino sono sollevati in alto su un trono, allo stesso livello di quattro angeli che portano gli strumenti della Passione. Sei santi stanno in fila sotto il trono. Diverse figure hanno teste piuttosto grandi, e il bambino Gesù è di nuovo molto grande. Mentre i volti della Vergine, del bambino e degli angeli hanno la bellezza lineare dei suoi tondi, i santi hanno espressioni varie e intense. Sopravvivono quattro pannelli di predella piccoli e piuttosto semplici; probabilmente in origine erano sette.

Alternatives:Altre opereAltri lavori

Con la fase della pittura di grandi opere profane probabilmente finita alla fine degli anni 1480, Botticelli dipinse diverse pale d”altare, e questo sembra essere stato un periodo di picco per la produzione di Madonne della sua bottega. La più grande pala d”altare di Botticelli, la Pala di San Marco (378 x 258 cm, Uffizi), è l”unica rimasta con la sua predella completa, di cinque pannelli. Nell”aria sopra quattro santi, l”Incoronazione della Vergine si sta svolgendo in una zona celeste d”oro e colori brillanti che ricordano le sue opere precedenti, con angeli che danzano e lanciano fiori.

Al contrario, l”Annunciazione del Cestello (1489-90, Uffizi) forma un raggruppamento naturale con altri dipinti tardivi, specialmente due del Compianto di Cristo che condividono la sua cupa colorazione di fondo e l”espressività piuttosto esagerata delle pose flesse delle figure. Ha un paesaggio insolitamente dettagliato, ancora in colori scuri, visto attraverso la finestra, che sembra attingere a modelli nord europei, forse da stampe.

Delle due Lamentazioni, una è in un insolito formato verticale, perché, come il suo San Sebastiano del 1474, fu dipinta per il lato di un pilastro nella Chiesa di Santa Maria Maggiore a Firenze; ora si trova a Milano. L”altro, orizzontale, fu dipinto per una cappella all”angolo della strada di Botticelli; ora si trova a Monaco. In entrambi le figure affollate e intrecciate intorno al Cristo morto occupano quasi tutto lo spazio dell”immagine, con solo la roccia nuda dietro. La Vergine è svenuta, e le altre figure formano una mischia per sostenere lei e Cristo. Il dipinto di Monaco ha tre santi meno coinvolti con gli attributi (stranamente include San Pietro, di solito considerato a Gerusalemme in quel giorno, ma non presente in questa scena), e dà alle figure (tranne Cristo) aureole piatte mostrate in prospettiva, che da ora in poi Botticelli usa spesso. Entrambi risalgono probabilmente al 1490-1495.

I primi documenti menzionavano, senza descriverla, una pala d”altare di Botticelli per le Convertite, un istituto per ex-prostitute, e varie opere sopravvissute non dimostrate furono proposte come candidate. Ora è generalmente accettato che un dipinto nella Courtauld Gallery di Londra sia la Pala delle Convertite, databile al 1491-93 circa. Il suo soggetto, insolito per una pala d”altare, è la Santa Trinità, con Cristo sulla croce, sostenuto da dietro da Dio Padre. Gli angeli circondano la Trinità, che è affiancata da due santi, con Tobia e l”Angelo in scala molto più piccola a destra in primo piano. Questa fu probabilmente un”aggiunta votiva, forse richiesta dal donatore originale. Le quattro scene della predella, che mostrano la vita di Maria Maddalena, poi presa come prostituta riformata lei stessa, sono nel Philadelphia Museum of Art.

Dopo circa il 1493 o 1495 Botticelli sembra non aver più dipinto grandi quadri religiosi, anche se la produzione di Madonne probabilmente continuò. Le scene religiose narrative più piccole degli ultimi anni sono trattate di seguito.

I dipinti della Madonna e del Bambino, cioè la Vergine Maria e Gesù bambino, erano enormemente popolari nell”Italia del XV secolo in una gamma di dimensioni e formati, dalle grandi pale d”altare del tipo “Sacra conversazione” ai piccoli dipinti per la casa. Erano anche spesso appesi in uffici, edifici pubblici, negozi e istituzioni clericali. Questi piccoli dipinti erano una fonte costante di reddito per i pittori a tutti i livelli di qualità, e molti erano probabilmente prodotti per il magazzino, senza una commissione specifica.

Botticelli dipinse Madonne dall”inizio della sua carriera fino almeno agli anni 1490. Fu uno dei primi pittori a usare il formato del tondo, con l”area dipinta tipicamente da 115 a 145 cm di lato (circa quattro o cinque piedi). Questo formato era più associato ai dipinti per i palazzi che per le chiese, anche se erano abbastanza grandi da essere appesi nelle chiese, e alcuni furono poi donati ad esse. Diverse Madonne usano questo formato, di solito con una Vergine seduta mostrata fino alle ginocchia, e anche se le immagini rettangolari della Madonna sono più numerose, le Madonne in forma di tondo sono particolarmente associate a Botticelli. Egli usò il formato tondo per altri soggetti, come una prima Adorazione dei Magi a Londra, ed era apparentemente più probabile che dipingesse lui stesso una Madonna in tondo, lasciando quelle rettangolari alla sua bottega.

Le Vergini di Botticelli sono sempre belle, nello stesso modo idealizzato delle sue figure mitologiche, e spesso riccamente vestite in stile contemporaneo. Sebbene le principali restrizioni di Savonarola fossero contro l”arte secolare, egli si lamentava anche dei dipinti nelle chiese fiorentine: “Avete fatto apparire la Vergine vestita da puttana”, il che può aver avuto un effetto sullo stile di Botticelli. Sono spesso accompagnati da angeli altrettanto belli, o da un San Giovanni Battista bambino (il santo patrono di Firenze). Alcuni presentano fiori, e nessuno degli sfondi paesaggistici dettagliati che altri artisti stavano sviluppando. Molti esistono in diverse versioni di qualità variabile, spesso con elementi diversi dalla Vergine e dal Bambino. Molti di questi furono prodotti da Botticelli o, specialmente, dalla sua bottega, e altri apparentemente da artisti non collegati. Quando l”interesse per Botticelli rinacque nel XIX secolo, fu inizialmente in gran parte per le sue Madonne, che poi iniziarono ad essere forgiate su una scala considerevole.

Nella Madonna del Magnificat agli Uffizi (118 cm di diametro, 1483 circa), Maria sta scrivendo il Magnificat, un discorso tratto dal Vangelo di Luca (1:46-55) dove è pronunciato da Maria in occasione della sua Visita a sua cugina Elisabetta, alcuni mesi prima della nascita di Gesù. Lei tiene in braccio il bambino Gesù ed è circondata da angeli senza ali impossibili da distinguere dai giovani fiorentini vestiti alla moda.

La Madonna col Bambino e gli angeli che portano i candelabri di Botticelli (1485

Botticelli dipinse un certo numero di ritratti, anche se non così tanti come gli sono stati attribuiti. Ci sono un certo numero di ritratti idealizzati di donne che probabilmente non rappresentano una persona specifica (molti assomigliano molto alla Venere nella sua Venere e Marte). I pettegolezzi tradizionali li collegano alla famosa bellezza Simonetta Vespucci, che morì a ventidue anni nel 1476, ma questo sembra improbabile. Queste figure rappresentano un collegamento secolare alle sue Madonne.

Con una o due eccezioni, i suoi piccoli ritratti su pannelli indipendenti mostrano il personaggio non più in basso del torso che non sia la parte inferiore della cassa toracica. Le donne sono normalmente di profilo, piene o appena un po” girate, mentre gli uomini sono normalmente in una posa di “tre quarti”, ma mai completamente visti frontalmente. Anche quando la testa è rivolta più o meno in avanti, l”illuminazione è usata per creare una differenza tra i lati del viso. Gli sfondi possono essere semplici, o mostrare una finestra aperta, di solito con nient”altro che il cielo visibile attraverso di essa. Alcuni hanno sviluppato sfondi di paesaggio. Queste caratteristiche erano tipiche dei ritratti fiorentini all”inizio della sua carriera, ma superate nei suoi ultimi anni.

Molti ritratti esistono in diverse versioni, probabilmente la maggior parte principalmente dalla bottega; c”è spesso incertezza nella loro attribuzione. Spesso lo sfondo cambia tra le versioni mentre la figura rimane la stessa. Anche i suoi ritratti maschili hanno spesso mantenuto identificazioni dubbie, il più delle volte di vari Medici, più a lungo di quanto le prove reali supportino. Lightbown gli attribuisce solo circa otto ritratti di individui, tutti tranne tre prima del 1475 circa.

Botticelli spesso esagera leggermente gli aspetti dei tratti per aumentare la somiglianza. Dipinse anche ritratti in altre opere, come quando inserì un autoritratto e i Medici nella sua prima Adorazione dei Magi. Diverse figure negli affreschi della Cappella Sistina sembrano essere ritratti, ma i soggetti sono sconosciuti, anche se sono state fatte ipotesi fantasiose. Grandi affreschi allegorici provenienti da una villa mostrano membri della famiglia Tornabuoni insieme a divinità e personificazioni; probabilmente non tutti sopravvivono, ma quelli con i ritratti di un giovane uomo con le Sette Arti Liberali e una giovane donna con Venere e le Tre Grazie sono ora al Louvre.

Botticelli ebbe per tutta la vita un interesse per il grande poeta fiorentino Dante Alighieri, che produsse opere in diversi media. Gli viene attribuito un ritratto immaginario. Secondo il Vasari, egli “scrisse un commento a una porzione di Dante”, a cui si fa riferimento in modo sprezzante anche in un”altra storia della Vita, ma nessun testo del genere è sopravvissuto.

Il tentativo di Botticelli di disegnare le illustrazioni per un libro stampato era senza precedenti per un pittore di primo piano, e anche se sembra essere stato qualcosa di un flop, questo era un ruolo per gli artisti che aveva un futuro importante. Vasari scrisse disapprovando il primo Dante stampato nel 1481 con le incisioni dell”orafo Baccio Baldini, incise da disegni di Botticelli: “essendo di mente sofistica, scrisse lì un commento a una parte di Dante e illustrò l”Inferno che stampò, passando molto tempo su di esso, e questa astensione dal lavoro portò a gravi disturbi nel suo vivere”. Vasari, che visse quando la stampa era diventata molto più importante che ai tempi di Botticelli, non la prende mai sul serio, forse perché i suoi stessi dipinti non si vendevano bene in riproduzione.

La Divina Commedia consiste di 100 canti e il testo stampato lasciava spazio a un”incisione per ogni canto. Tuttavia, solo 19 illustrazioni furono incise, e la maggior parte delle copie del libro hanno solo le prime due o tre. Le prime due, e a volte tre, sono di solito stampate sulla pagina del libro, mentre le successive sono stampate su fogli separati che sono incollati al loro posto. Questo suggerisce che la produzione delle incisioni sia rimasta indietro rispetto alla stampa, e che le illustrazioni successive siano state incollate nel magazzino dei libri stampati e rilegati, e forse vendute a coloro che avevano già comprato il libro. Purtroppo Baldini non era né molto esperto né talentuoso come incisore, e non fu in grado di esprimere la delicatezza dello stile di Botticelli nelle sue tavole. Due incisioni religiose sono anche generalmente accettate per essere dopo disegni di Botticelli.

Botticelli iniziò in seguito un lussuoso manoscritto illustrato di Dante su pergamena, la maggior parte del quale fu portato solo fino ai disegni, e solo poche pagine sono completamente illuminate. Questo manoscritto ha 93 pagine sopravvissute (32 x 47 cm), ora divise tra la Biblioteca Vaticana (8 fogli) e Berlino (83), e rappresenta il grosso dei disegni superstiti di Botticelli.

Ancora una volta, il progetto non fu mai completato, nemmeno allo stadio di disegno, ma alcuni dei primi canti sembrano essere stati almeno disegnati ma ora mancano. Le pagine che sopravvivono sono sempre state molto ammirate, e molto discusse, poiché il progetto solleva molte domande. Il consenso generale è che la maggior parte dei disegni sono tardivi; lo scriba principale può essere identificato come Niccolò Mangona, che lavorò a Firenze tra il 1482 e il 1503, il cui lavoro presumibilmente precedette quello di Dante. Botticelli sembra quindi aver lavorato sui disegni per un lungo periodo, dato che lo sviluppo stilistico può essere visto, e abbinato ai suoi dipinti. Sebbene siano stati proposti altri committenti (inevitabilmente i Medici, in particolare il più giovane Lorenzo, o il Magnifico), alcuni studiosi pensano che Botticelli abbia realizzato il manoscritto per se stesso.

Ci sono indizi che Botticelli possa aver lavorato a illustrazioni per opuscoli stampati da Savonarola, quasi tutti distrutti dopo la sua caduta.

Botticelli è stato associato dagli storici alla scuola fiorentina sotto il patrocinio di Lorenzo de” Medici, un movimento che gli storici avrebbero poi caratterizzato come “età dell”oro”. La famiglia Medici fu l”effettiva padrona di Firenze, che era nominalmente una repubblica, per tutta la vita di Botticelli fino al 1494, quando il ramo principale fu espulso. Lorenzo il Magnifico divenne il capo della famiglia nel 1469, proprio nel periodo in cui Botticelli iniziò la sua bottega. Fu un grande mecenate sia delle arti visive che letterarie, e incoraggiò e finanziò il circolo umanista e neoplatonico da cui sembra provenire molto del carattere della pittura mitologica di Botticelli. In generale Lorenzo non sembra aver commissionato molto a Botticelli, preferendo Pollaiuolo e altri, Un Botticello che era probabilmente il fratello di Sandro, Giovanni, era vicino a Lorenzo.

Anche se i committenti di molte opere non destinate alle chiese rimangono poco chiari, Botticelli sembra essere stato utilizzato maggiormente dai due giovani cugini di Lorenzo il Magnifico, da suo fratello minore Giuliano e da altre famiglie alleate dei Medici. Tommaso Soderini, uno stretto alleato di Lorenzo, ottenne la commissione per la figura della Fortezza del 1470 che è il primo dipinto sicuramente datato di Botticelli, completando una serie delle Sette Virtù lasciate incompiute da Piero del Pollaiuolo. Forse erano stati introdotti da un Vespucci che aveva istruito il figlio di Soderini. Antonio Pucci, un altro alleato dei Medici, probabilmente commissionò l”Adorazione dei Magi di Londra, sempre intorno al 1470.

Giuliano de” Medici fu assassinato nella congiura dei Pazzi del 1478 (Lorenzo sfuggì per un pelo, salvato dal suo direttore di banca), e un ritratto che si dice essere Giuliano che sopravvive in diverse versioni potrebbe essere postumo, o con almeno una versione di non molto prima della sua morte. È anche un punto focale per le teorie secondo cui le figure nei dipinti mitologici rappresentano individui specifici dell”alta società fiorentina, di solito accoppiati con Simonetta Vespucci, che John Ruskin si convinse di aver posato nuda per Botticelli.

Secondo Vasari, Botticelli divenne un seguace del frate domenicano profondamente moralista Girolamo Savonarola, che predicò a Firenze dal 1490 fino alla sua esecuzione nel 1498:

Botticelli era un seguace di Savonarola, e per questo motivo abbandonò la pittura e poi cadde in notevoli difficoltà, non avendo altre fonti di reddito. Tuttavia, rimase un membro ostinato della setta, diventando uno dei piagnoni, i furbetti, come venivano chiamati allora, e abbandonando il suo lavoro; così alla fine, da vecchio, si trovò così povero che se Lorenzo de” Medici … e poi i suoi amici e … non fossero venuti in suo aiuto, sarebbe quasi morto di fame.

La portata dell”influenza di Savonarola su Botticelli rimane incerta; suo fratello Simone era più chiaramente un seguace. La storia, a volte vista, che aveva distrutto i suoi stessi dipinti su soggetti profani nel falò delle vanità del 1497 non è raccontata da Vasari. L”affermazione di Vasari che Botticelli non produsse nulla dopo essere passato sotto l”influenza di Savonarola non è accettata dai moderni storici dell”arte. La Natività mistica, l”unico dipinto di Botticelli a portare una data effettiva, anche se espressa in modo criptico, risale alla fine del 1500, diciotto mesi dopo la morte di Savonarola, e lo sviluppo del suo stile può essere tracciato attraverso una serie di opere tardive, come discusso di seguito.

Alla fine del 1502, circa quattro anni dopo la morte di Savonarola, Isabella d”Este voleva un dipinto fatto a Firenze. Il suo agente Francesco Malatesta scrisse per informarla che la sua prima scelta, Perugino, era via, Filippino Lippi aveva un”agenda piena per sei mesi, ma Botticelli era libero di iniziare subito, e pronto ad obbligarla. Lei preferì aspettare il ritorno del Perugino. Questo getta di nuovo seri dubbi sull”affermazione di Vasari, ma allo stesso modo non sembra che fosse molto richiesto.

Molte datazioni di opere hanno un intervallo fino al 1505, anche se egli visse altri cinque anni. Ma Botticelli apparentemente produsse poco lavoro dopo il 1501, o forse prima, e la sua produzione si era già ridotta dopo il 1495 circa. Questo può essere in parte dovuto al tempo che dedicò ai disegni per il manoscritto Dante. Nel 1504 fu membro della commissione nominata per decidere dove sarebbe stato collocato il David di Michelangelo.

Botticelli tornò ai soggetti dell”antichità negli anni 1490, con alcune opere più piccole su soggetti della storia antica che contengono più figure e mostrano diverse scene di ogni storia, compresi momenti di azione drammatica. Queste sono la Calunnia di Apelle (1494-95 circa), una ricreazione di un”allegoria perduta dell”antico pittore greco Apelle, che potrebbe aver destinato al suo uso personale, e la coppia di La storia di Virginia e La storia di Lucrezia, che sono probabilmente del 1500 circa.

La Natività mistica, un dipinto relativamente piccolo e molto personale, forse per uso personale, sembra essere datato alla fine del 1500. Porta all”estremo l”abbandono della scala coerente tra le figure che era stata una caratteristica dei dipinti religiosi di Botticelli per alcuni anni, con la Sacra Famiglia molto più grande delle altre figure, anche di quelle ben davanti a loro nello spazio del quadro. Questo può essere visto come un parziale ritorno alle convenzioni gotiche. L”iconografia del soggetto familiare della Natività è unica, con caratteristiche che includono i diavoli nascosti nella roccia sotto la scena, e deve essere molto personale.

Un altro dipinto, noto come la Crocifissione mistica (ora Fogg Art Museum), si riferisce chiaramente allo stato, e al destino, di Firenze, mostrato sullo sfondo dietro il Cristo in croce, accanto al quale un angelo frusta un marzocco, il leone araldico che è un simbolo della città. Questo può essere collegato più direttamente alle convulsioni della cacciata dei Medici, alla breve supremazia di Savonarola e all”invasione francese. Purtroppo è molto danneggiato, tanto che potrebbe non essere di Botticelli, mentre è certamente nel suo stile.

Il suo lavoro più tardo, specialmente come si vede nei quattro pannelli con Scene della vita di San Zenobio, testimonia una diminuzione della scala, figure espressivamente distorte, e un uso non naturalistico del colore che ricorda il lavoro di Fra Angelico quasi un secolo prima. Botticelli è stato paragonato al pittore veneziano Carlo Crivelli, di una decina d”anni più vecchio, il cui lavoro successivo si allontana anch”esso dall”imminente stile del Rinascimento, scegliendo invece di “muoversi in un idioma distintamente gotico”. Altri studiosi hanno visto premonizioni del manierismo nella rappresentazione espressionista semplificata delle emozioni nelle sue opere degli ultimi anni.

Ernst Steinmann (morto nel 1934) rilevò nelle ultime Madonne un “approfondimento dell”intuizione e dell”espressione nella resa della fisionomia di Maria”, che egli attribuì all”influenza di Savonarola (rimandando anche la datazione di alcune di queste Madonne). Studiosi più recenti sono riluttanti ad assegnare un”influenza diretta, sebbene ci sia certamente una sostituzione dell”eleganza e della dolcezza con una forte austerità nell”ultimo periodo.

Botticelli continuò a pagare le sue quote alla Compagnia di San Luca (le date provvisorie assegnate ai suoi ultimi dipinti non vanno oltre questo. A quel punto aveva sessant”anni o più, in questo periodo definitivamente in età avanzata. Vasari, che visse a Firenze dal 1527 circa, dice che Botticelli morì “malato e decrepito, all”età di settantotto anni”, dopo un periodo in cui era “incapace di stare in piedi e si muoveva con l”aiuto delle stampelle”. Morì nel maggio del 1510, ma si pensa che all”epoca avesse meno di settant”anni. Fu sepolto con la sua famiglia fuori dalla chiesa di Ognissanti, in un punto che la chiesa ha ora costruito sopra. Questa era stata la sua chiesa parrocchiale da quando era stato battezzato lì, e conteneva il suo Sant”Agostino nel suo studio.

Vasari menziona che Botticelli produsse disegni molto belli, che furono ricercati dagli artisti dopo la sua morte. A parte le illustrazioni di Dante, solo un piccolo numero di questi sopravvive, nessuno dei quali può essere collegato ai dipinti sopravvissuti, o almeno non alle loro composizioni finali, anche se sembrano essere disegni preparatori piuttosto che opere indipendenti. Alcuni possono essere collegati al lavoro in altri media che sappiamo che Botticelli fece. Tre paramenti sopravvivono con disegni ricamati da lui, ed egli sviluppò una nuova tecnica per decorare gli stendardi per le processioni religiose e secolari, apparentemente con una qualche tecnica di appliqué.

Nel 1472 i registri della corporazione dei pittori registrano che Botticelli aveva solo Filippino Lippi come assistente, anche se un”altra fonte registra un ventottenne che si era formato con Neri di Bicci. Nel 1480 ce n”erano tre, nessuno di loro successivamente degno di nota. Altri nomi compaiono nella documentazione, ma solo Lippi divenne un maestro noto. Un numero considerevole di opere, specialmente Madonne, sono attribuite alla bottega di Botticelli, o al maestro e alla sua bottega, il che generalmente significa che Botticelli faceva il disegno di base, mentre gli assistenti facevano il resto, o i disegni di lui erano copiati dalla bottega.

Lo stile lineare di Botticelli era relativamente facile da imitare, rendendo i diversi contributi all”interno di un”opera difficile da identificare, anche se la qualità del disegno del maestro rende le opere interamente di altri per lo più identificabili. L”attribuzione di molte opere rimane dibattuta, specialmente in termini di distinzione della quota di lavoro tra maestro e bottega. Lightbown ritiene che “la divisione tra le opere autografe di Botticelli e i dipinti della sua bottega e della sua cerchia è abbastanza netta”, e che solo in una grande opera su tavola “troviamo parti importanti eseguite da assistenti”; ma altri potrebbero non essere d”accordo.

La National Gallery ha un”Adorazione dei Re del 1470 circa, che descrivono come iniziata da Filippino Lippi ma finita da Botticelli, notando come fosse insolito per un maestro riprendere un lavoro iniziato da un allievo.

Alternatives:FinanzeFinanziamentiFinanzaFinanze:

Secondo il resoconto forse inaffidabile del Vasari, Botticelli “guadagnò molto denaro, ma lo sprecò tutto per negligenza e mancanza di gestione”. Continuò a vivere nella casa di famiglia per tutta la vita, avendovi anche il suo studio. Alla morte di suo padre nel 1482 fu ereditata da suo fratello Giovanni, che aveva una grande famiglia. Alla fine della sua vita era di proprietà dei suoi nipoti. Dagli anni 1490 ebbe una modesta villa di campagna e una fattoria a Bellosguardo (ora inghiottita dalla città), che fu affittata con suo fratello Simone.

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Alternatives:SessualitàLa sessualitàSessualita”Sessualità:

Botticelli non si sposò mai, e apparentemente espresse una forte avversione all”idea del matrimonio. Un aneddoto registra che il suo mecenate Tommaso Soderini, morto nel 1485, gli suggerì di sposarsi, al che Botticelli rispose che pochi giorni prima aveva sognato di essersi sposato, si svegliò “colpito dal dolore”, e per il resto della notte camminò per le strade per evitare che il sogno si ripetesse se avesse dormito di nuovo. Il racconto conclude cripticamente che Soderini capì “che non era terreno adatto a piantare viti”.

C”è stato più di un secolo di speculazioni sul fatto che Botticelli potesse essere omosessuale. Molti scrittori hanno osservato l”omoerotismo nei suoi ritratti. Lo storico dell”arte americano Bernard Berenson, per esempio, rilevò quella che credeva essere omosessualità latente. Nel 1938, Jacques Mesnil scoprì un riassunto di un”accusa negli archivi fiorentini per il 16 novembre 1502, che recitava semplicemente “Botticelli tiene un ragazzo”, un”accusa di sodomia (omosessualità). Non fu intentato alcun processo. Il pittore aveva allora circa cinquantotto anni. Mesnil la liquidò come una calunnia abituale con cui partigiani e avversari del Savonarola si maltrattavano a vicenda. L”opinione rimane divisa sul fatto che questa sia una prova di bisessualità o omosessualità. Lo storico dell”arte Scott Nethersole ha suggerito che un quarto degli uomini fiorentini furono oggetto di accuse simili, il che “sembra essere stato un modo standard per colpire le persone”, ma altri hanno messo in guardia contro una frettolosa liquidazione dell”accusa. Mesnil ha comunque concluso che “la donna non era l”unico oggetto del suo amore”.

Lo storico dell”arte rinascimentale, James Saslow, ha notato che: “La sua sensibilità omoerotica affiora soprattutto nelle opere religiose, dove ha impregnato i giovani santi nudi come Sebastiano della stessa grazia androgina e della fisicità implicita del David di Donatello”.

Potrebbe aver avuto una stretta relazione con Simonetta Vespucci (1453-1476), che si sostiene, specialmente da John Ruskin, sia stata ritratta in molte delle sue opere e che sia servita come ispirazione per molte delle figure femminili nei dipinti dell”artista. È possibile che fosse almeno platonicamente innamorato di Simonetta, data la sua richiesta di farsi seppellire ai piedi della sua tomba negli Ognissanti – la chiesa dei Vespucci – a Firenze, sebbene questa fosse anche la chiesa di Botticelli, dove era stato battezzato. Quando morì nel 1510, i suoi resti furono collocati come da lui richiesto.

Dopo la sua morte, la reputazione di Botticelli fu eclissata più a lungo e più a fondo di quella di qualsiasi altro grande artista europeo. I suoi dipinti rimasero nelle chiese e nelle ville per le quali erano stati creati, e i suoi affreschi nella Cappella Sistina furono messi in ombra da quelli di Michelangelo.

Ci sono poche menzioni di dipinti e della loro ubicazione nelle fonti dei decenni successivi alla sua morte. La Vita di Vasari è relativamente breve e, specialmente nella prima edizione del 1550, piuttosto disapprovante. Secondo gli Ettlinger “è chiaramente a disagio con Sandro e non sapeva come inserirlo nel suo schema evolutivo della storia dell”arte che va da Cimabue a Michelangelo”. Tuttavia, questa è la principale fonte di informazioni sulla sua vita, anche se Vasari lo confonde due volte con Francesco Botticini, un altro pittore fiorentino dell”epoca. Vasari vedeva Botticelli come un fermo sostenitore della fazione antimedicea influenzata da Savonarola, mentre Vasari stesso contava molto sul mecenatismo dei Medici ritornati ai suoi tempi. Vasari lo vedeva anche come un artista che aveva abbandonato il suo talento nei suoi ultimi anni, cosa che offendeva la sua alta idea della vocazione artistica. Dedica una buona parte del suo testo ad aneddoti piuttosto allarmanti di scherzi di Botticelli. Vasari era nato l”anno dopo la morte di Botticelli, ma avrebbe conosciuto molti fiorentini con ricordi di lui.

Nel 1621 un agente di Ferdinando Gonzaga, duca di Mantova, comprò un dipinto che si diceva fosse un Botticelli per interesse storico “come dalla mano di un artista di cui Vostra Altezza non ha nulla, e che era il maestro di Leonardo da Vinci”. Questo errore è forse comprensibile, poiché sebbene Leonardo avesse solo sei anni in meno di Botticelli, il suo stile poteva sembrare a un giudice barocco una generazione più avanzata.

La Nascita di Venere fu esposta agli Uffizi dal 1815, ma è poco menzionata nei resoconti dei viaggiatori della galleria nei due decenni successivi. La galleria di Berlino comprò la Pala di Bardi nel 1829, ma la National Gallery di Londra comprò una Madonna (ora considerata della sua bottega) solo nel 1855.

Il collezionista inglese William Young Ottley comprò la Natività mistica di Botticelli in Italia, portandola a Londra nel 1799. Ma quando cercò di venderla nel 1811, non fu possibile trovare un acquirente. Dopo la morte di Ottley, il suo successivo acquirente, William Fuller Maitland di Stansted, permise che fosse esposto in una grande mostra d”arte tenuta a Manchester nel 1857, la Art Treasures Exhibition, dove tra molte altre opere d”arte fu visto da più di un milione di persone. Il suo unico quadro di grandi dimensioni con un soggetto mitologico ad essere venduto sul mercato è la Venere e Marte, acquistato da Christie”s dalla National Gallery per la modica cifra di 1.050 sterline nel 1874. Nel 2013, la sua Madonna Rockefeller è stata venduta da Christie”s per 10,4 milioni di dollari. Nel 2021, il Ritratto di un giovane che tiene un tondo è stato venduto da Sotheby”s per 92,2 milioni di dollari.

Il primo storico dell”arte del diciannovesimo secolo ad essere entusiasta degli affreschi della Sistina di Botticelli fu Alexis-François Rio; anche Anna Brownell Jameson e Charles Eastlake furono avvisati di Botticelli, e opere della sua mano iniziarono ad apparire nelle collezioni tedesche. La Confraternita Preraffaellita incorporò elementi del suo lavoro nel proprio.

Walter Pater creò un quadro letterario di Botticelli, che fu poi ripreso dal movimento Estetico. La prima monografia sull”artista fu pubblicata nel 1893, lo stesso anno della dissertazione seminale di Aby Warburg sulle mitologie; poi, tra il 1900 e il 1920 furono scritti più libri su Botticelli che su qualsiasi altro pittore. La monografia in inglese di Herbert Horne del 1908 è ancora riconosciuta come di eccezionale qualità e completezza, “uno dei più stupendi risultati negli studi rinascimentali”.

Botticelli appare come personaggio, a volte principale, in numerose rappresentazioni fittizie della Firenze del XV secolo in vari media. Sarà ritratto da Sebastian de Souza nella seconda stagione della serie TV Medici: Masters of Florence.

L”asteroide della fascia principale 29361 Botticelli, scoperto il 9 febbraio 1996, porta il suo nome.

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Fonti