Sidney Lumet

gigatos | Luglio 19, 2023

Riassunto

Sidney Arthur Lumet (25 giugno 1924 – 9 aprile 2011) è stato un regista, produttore e sceneggiatore statunitense con oltre 50 film all’attivo. È stato candidato cinque volte all’Oscar: quattro come miglior regista per 12 uomini arrabbiati (1957), Quel pomeriggio di un giorno da cani (1975), Network (1976) e Il verdetto (1982) e una come miglior sceneggiatura non originale per Il principe della città (1981). Non ha vinto un singolo Oscar, ma ha ricevuto un Academy Honorary Award e 14 dei suoi film sono stati nominati agli Oscar.

Secondo l’Enciclopedia di Hollywood, Lumet è stato uno dei registi più prolifici dell’era moderna, dirigendo in media più di un film all’anno dal suo debutto alla regia nel 1957. Turner Classic Movies sottolinea la sua “forte direzione degli attori”, la “narrazione vigorosa” e il “realismo sociale” dei suoi lavori migliori. Il critico cinematografico Roger Ebert lo ha descritto come “uno dei migliori artigiani e dei più calorosi umanitari tra tutti i registi”. Lumet era anche conosciuto come un “regista di attori”, avendo lavorato con i migliori di loro durante la sua carriera, probabilmente più di “qualsiasi altro regista”. Sean Connery, che ha recitato in cinque dei suoi film, lo considerava uno dei suoi registi preferiti e uno che aveva quella “visione”.

Membro della classe inaugurale dell’Actors Studio di New York, Lumet ha iniziato la sua carriera di regista in produzioni Off-Broadway, per poi diventare un efficiente regista televisivo. Il suo primo film, 12 uomini arrabbiati (1957), è un dramma giudiziario incentrato su una tesa deliberazione della giuria. In seguito Lumet divide le sue energie tra film drammatici di carattere politico e sociale, adattamenti di opere e romanzi letterari, grandi storie di stile, commedie nere newyorkesi e drammi polizieschi realistici, tra cui Serpico e Prince of the City. Grazie alla regia di 12 Angry Men, fu anche responsabile della prima ondata di registi che passarono con successo dalla TV al cinema.

Nel 2005 Lumet ha ricevuto l’Oscar alla carriera per i suoi “brillanti servizi agli sceneggiatori, agli interpreti e all’arte del cinema”. Due anni dopo ha concluso la sua carriera con l’acclamato film drammatico Before the Devil Knows You’re Dead (2007). Pochi mesi dopo la morte di Lumet, avvenuta nell’aprile 2011, al Lincoln Center di New York si è tenuta una celebrazione retrospettiva del suo lavoro con numerosi relatori e star del cinema. Nel 2015, Nancy Buirski ha diretto By Sidney Lumet, un documentario sulla sua carriera, trasmesso come parte della serie American Masters della PBS nel gennaio 2017.

I primi anni

Lumet è nato a Filadelfia ed è cresciuto nel quartiere Lower East Side di Manhattan. Ha studiato recitazione teatrale alla Professional Children’s School di New York e alla Columbia University.

I genitori di Lumet, Baruch ed Eugenia (nata Wermus) Lumet, erano veterani del teatro yiddish ed emigrati polacco-ebraici negli Stati Uniti. Il padre, attore, regista, produttore e scrittore, era nato a Varsavia. La madre di Lumet, che era una ballerina, morì quando lui era bambino. Aveva una sorella maggiore. Debutta professionalmente alla radio all’età di quattro anni e sul palcoscenico del Teatro d’Arte Yiddish all’età di cinque. Da bambino è apparso anche in molte produzioni di Broadway, tra cui Dead End del 1935 e The Eternal Road di Kurt Weill.

Nel 1935, all’età di 11 anni, apparve in un cortometraggio di Henry Lynn, Papirossen (che significa “Sigarette” in yiddish), coprodotto dalla star della radio Herman Yablokoff. Il film fu presentato in uno spettacolo teatrale con lo stesso titolo, basato sulla canzone di successo “Papirosn”. La pièce e il cortometraggio andarono in scena al Bronx McKinley Square Theatre. Nel 1939, all’età di 15 anni, fece la sua unica apparizione in un lungometraggio, in …One Third of a Nation….

La seconda guerra mondiale interrompe la sua carriera di attore e trascorre quattro anni nell’esercito americano. Dopo il ritorno dal servizio come riparatore di radar di stanza in India e in Birmania (1942-1946), è stato coinvolto nell’Actors Studio e poi ha formato un proprio laboratorio teatrale. Organizzò un gruppo Off-Broadway e ne divenne il direttore; continuò a dirigere nel teatro estivo, mentre insegnava recitazione alla High School of Performing Arts. È stato l’allenatore senior di teatro nel nuovo edificio della 46a Strada di “Performing Arts”. Il venticinquenne Lumet dirige il dipartimento di teatro in una produzione di The Young and Fair.

Inizio carriera

Lumet ha iniziato la sua carriera come regista con produzioni Off-Broadway e si è poi evoluto in un apprezzato regista televisivo. Dopo aver lavorato a Off-Broadway e nei teatri di posa, ha iniziato a dirigere per la televisione nel 1950, dopo aver lavorato come assistente dell’amico e allora regista Yul Brynner. Ben presto sviluppò un metodo di ripresa “fulmineo” a causa dell’elevato turnover richiesto dalla televisione. Di conseguenza, mentre lavorava per la CBS, diresse centinaia di episodi di Danger (1950-55), Mama (1949-57) e You Are There (1953-57), una serie settimanale con Walter Cronkite in una delle sue prime apparizioni televisive. Lumet scelse Cronkite per il ruolo di conduttore “perché la premessa dello show era così sciocca, così oltraggiosa, che avevamo bisogno di qualcuno con la più americana, casalinga, calda disinvoltura”, ha detto Lumet.

Ha inoltre diretto opere originali per Playhouse 90, Kraft Television Theatre e Studio One, dirigendo circa 200 episodi, che lo hanno consacrato come “uno dei registi più prolifici e rispettati del settore”, secondo Turner Classic Movies. La sua capacità di lavorare rapidamente durante le riprese si è estesa anche alla sua carriera cinematografica. Poiché la qualità di molti drammi televisivi era così impressionante, molti di essi sono stati successivamente adattati come film.

Il suo primo film, 12 uomini arrabbiati (1957), basato su un’opera teatrale della CBS, fu un inizio di buon auspicio per Lumet. Il film fu un successo di critica e lo consacrò come regista abile nell’adattare proprietà di altri mezzi al cinema. Circa la metà dei film di Lumet è nata in teatro.

Un controverso programma televisivo da lui diretto nel 1960 gli ha dato notorietà: The Sacco-Vanzetti Story sulla NBC. Secondo il New York Times, il dramma attirò le critiche dello Stato del Massachusetts (dove Sacco e Vanzetti furono processati e giustiziati) perché si pensava che postulasse che gli assassini condannati fossero, in realtà, del tutto innocenti. Tuttavia, la controversia che ne derivò fece più bene che male a Lumet, che ricevette diversi incarichi cinematografici di prestigio.

Ha iniziato ad adattare opere classiche per il cinema e la televisione, dirigendo Marlon Brando, Joanne Woodward e Anna Magnani nel lungometraggio The Fugitive Kind (1959), basato sul dramma di Tennessee Williams Orpheus Descending. In seguito ha diretto una versione televisiva in diretta di The Iceman Cometh di Eugene O’Neill, a cui è seguito il film A View from the Bridge (1962), un altro dramma psicologico tratto dall’opera teatrale scritta da Arthur Miller. Seguì un’altra opera di Eugene O’Neill trasformata in cinema, Long Day’s Journey into Night (sempre del 1962), con Katharine Hepburn che ottenne una nomination all’Oscar per la sua interpretazione di una casalinga tossicodipendente; i quattro attori principali fecero incetta di premi di recitazione al Festival di Cannes del 1962. Il film è stato anche votato dal New York Times come uno dei “dieci migliori film” dell’anno.

Realismo e stile energico

Il critico cinematografico Owen Gleiberman ha osservato che Lumet è stato un “tiratore scelto hardboiled” che, essendosi formato durante l’età d’oro della televisione negli anni Cinquanta, si è fatto notare per il suo stile di regia energico. Le parole “Sidney Lumet” ed “energia”, aggiunge, sono diventate sinonimi: “L’energia era presente nei momenti più tranquilli. Era un’energia interiore, un ronzio dell’esistenza che Lumet osservava nelle persone e le faceva emergere… andava nelle strade di New York… le rendeva elettriche”:

Era l’energia della classe operaia di un quartiere periferico. Le strade di Lumet erano cattive quanto quelle di Scorsese, ma quelle di Lumet sembravano più semplici che poetiche. Egli ha incanalato quella vitalità newyorchese così sghemba con una tale forza naturale che è stato facile trascurare ciò che era veramente coinvolto nel risultato. Ha catturato quell’atmosfera newyorkese come nessun altro perché l’ha vista, l’ha vissuta, l’ha respirata – ma poi è dovuto uscire e metterla in scena, o ricrearla, quasi come se stesse mettendo in scena un documentario, lasciando che i suoi attori si affrontassero come predatori casuali, insistendo sulla luce più naturale possibile, far apparire gli uffici come brutti e burocratici, perché sapeva che sotto sotto non erano solo uffici ma tane, e che c’era un’intensità più profonda, quasi una sorta di bellezza, nel cogliere la crudezza della realtà così come appariva davvero.

Collaborazione

Lumet ha generalmente insistito sulla natura collaborativa del cinema, talvolta ridicolizzando il dominio del regista “personale”, scrive lo storico del cinema Frank P. Cunningham. Di conseguenza, Lumet è diventato famoso sia tra gli attori che tra i direttori della fotografia per la sua apertura a condividere idee creative con lo scrittore, l’attore e altri artisti. Lumet “non ha eguali nella direzione di attori di livello superiore”, aggiunge Cunningham, molti dei quali provenienti dal teatro. È stato in grado di ottenere potenti interpretazioni da attori come Ralph Richardson, Marlon Brando, Richard Burton, Katharine Hepburn, James Mason, Sophia Loren, Geraldine Fitzgerald, Blythe Danner, Rod Steiger, Vanessa Redgrave, Paul Newman, Sean Connery, Henry Fonda, Dustin Hoffman, Albert Finney, Simone Signoret e Anne Bancroft. “Dategli un buon attore e potrebbe trovare il grande attore in agguato”, ha scritto il critico cinematografico Mick LaSalle.

Quando è stato necessario, Lumet ha scelto attori non addestrati, ma ha dichiarato: “Per oltre il novanta per cento del tempo voglio i migliori strumenti che posso avere: attori, sceneggiatori, tecnici delle luci, cameraman, addetti ai lavori”. Ciononostante, quando ha utilizzato attori meno esperti, è riuscito comunque a tirar fuori interpretazioni superiori e memorabili. Lo ha fatto con Nick Nolte, Anthony Perkins, Armand Assante, Jane Fonda, Faye Dunaway, Timothy Hutton e Ali MacGraw, che lo ha definito “il sogno di ogni attore”. Secondo Fonda, “era un maestro. Aveva un tale controllo del suo mestiere. Aveva valori forti e progressisti e non li ha mai traditi”.

Lumet credeva che il cinema fosse un’arte e che “la quantità di attenzione prestata ai film è direttamente correlata alle immagini di qualità”. Poiché ha iniziato la sua carriera come attore, è diventato noto come “regista di attori” e ha lavorato con i migliori di loro nel corso degli anni, una rosa probabilmente ineguagliata da qualsiasi altro regista. Lo studioso di recitazione Frank P. Tomasulo è d’accordo e sottolinea che molti registi in grado di comprendere la recitazione dal punto di vista dell’attore erano tutti “grandi comunicatori”.

Secondo gli storici del cinema Gerald Mast e Bruce Kawin, “la sensibilità di Lumet per gli attori e per i ritmi della città lo ha reso il più longevo discendente della tradizione neorealista degli anni Cinquanta e del suo urgente impegno per la responsabilità etica”. Citano il suo primo film The Hill (1965) come “uno dei film politicamente e moralmente più radicali degli anni ’60”. Aggiungono che sotto i conflitti sociali dei film di Lumet si nasconde la “convinzione che l’amore e la ragione alla fine prevarranno negli affari umani” e che “la legge e la giustizia alla fine saranno servite – oppure no”. Il suo film d’esordio, Twelve Angry Men, fu un film acclamato all’epoca, rappresentando un modello per la ragione e l’amicizia liberale negli anni Cinquanta. Il film e Lumet ricevettero una nomination agli Oscar e lui fu nominato per il Director’s Guild Award, mentre il film fu ampiamente elogiato dalla critica.

L’Enciclopedia delle biografie del mondo afferma che nei suoi film comparivano spesso attori che studiavano il “metodo di recitazione”, noti per la rappresentazione di uno stile terreno e introspettivo. Un esempio di questi attori “di metodo” è Al Pacino, che all’inizio della sua carriera ha studiato con il guru della recitazione di metodo Lee Strasberg. Lumet prediligeva anche l’aspetto della spontaneità, sia negli attori che nelle ambientazioni, che dava ai suoi film un aspetto improvvisato, girando gran parte del suo lavoro sul posto.

Prove e preparazione

Lumet credeva fermamente nelle prove e riteneva che, se le prove sono corrette, l’attore non perde la spontaneità. Secondo l’autore di recitazione Ian Bernard, egli riteneva che le prove fornissero agli attori “l’intero arco del ruolo”, dando loro la libertà di trovare quel “magico incidente”. Il regista Peter Bogdanovich gli chiese se provasse molto prima delle riprese e Lumet rispose che gli piaceva provare almeno due settimane prima delle riprese. Durante quelle settimane, ricorda Faye Dunaway, protagonista di Network (1976), bloccava anche le scene con il suo cameraman. Di conseguenza, aggiunge l’attrice, “non viene sprecato nemmeno un minuto durante le riprese e questo si riflette non solo sul budget dello studio, ma anche sull’impeto della performance”. Elogia il suo stile di regia in Network, con cui ha vinto il suo unico Oscar:

Sidney, lasciatemelo dire, è uno degli uomini più talentuosi e professionali del mondo… e recitare in Network è stata una delle esperienze più felici che abbia mai vissuto… È un uomo davvero dotato che ha contribuito molto alla mia interpretazione.

Anche grazie al fatto che i suoi attori erano ben preparati, poteva eseguire una produzione in tempi rapidi, mantenendo le sue produzioni all’interno del loro modesto budget. Durante le riprese di Prince of the City (1981), ad esempio, nonostante ci fossero più di 130 ruoli parlanti e 135 location diverse, riuscì a coordinare l’intera produzione in 52 giorni. Di conseguenza, scrivono gli storici Charles Harpole e Thomas Schatz, gli interpreti erano ansiosi di lavorare con lui perché lo consideravano un “eccezionale direttore di attori”. La star del film, Treat Williams, ha dichiarato che Lumet era noto per la sua “energia”:

Era una palla di fuoco. Aveva passione per quello che faceva e “veniva al lavoro” con tutti i barili accesi. È probabilmente il regista più preparato con cui abbia mai lavorato dal punto di vista emotivo. I suoi film arrivavano sempre sotto la tabella di marcia e sotto il budget. E tutti tornavano a casa per cena.

Harpole aggiunge che “mentre molti registi non amavano le prove o consigliare gli attori su come costruire il loro personaggio, Lumet eccelleva in entrambe le cose”. In questo modo poteva dare più facilmente ai suoi interpreti una vetrina cinematografica per le loro capacità e aiutarli ad approfondire il loro contributo recitativo. Anche l’attore Christopher Reeve, co-protagonista di Trappola mortale (1982), ha sottolineato che Lumet sapeva parlare un linguaggio tecnico: “Se vuoi lavorare in questo modo, lui sa come parlare di Metodo, sa come improvvisare e lo fa ugualmente bene”.

Joanna Rapf, scrivendo delle riprese de Il verdetto (1982), afferma che Lumet dedicava molta attenzione personale ai suoi attori, ascoltandoli o toccandoli. Descrive come Lumet e la star Paul Newman si siano seduti su una panchina isolata dal set principale, dove Newman si era tolto le scarpe, per discutere privatamente di una scena importante che stava per essere girata… gli attori camminano attraverso le loro scene prima che la telecamera giri. Questa preparazione è stata fatta perché Lumet ama girare una scena in una sola ripresa, al massimo due. Newman amava chiamarlo “Speedy Gonzales”, aggiungendo che Lumet non girava più del necessario. “Non si protegge. Io so che lo farei”, ha detto Newman.

Il critico cinematografico Betsey Sharkey è d’accordo, aggiungendo che “era un maestro di una o due riprese anni prima che Clint Eastwood ne facesse una specialità rispettata”. Sharkey ricorda: “Una volta Dunaway mi disse che Lumet lavorava così velocemente che era come se fosse sui pattini a rotelle. Un battito accelerato generato da un grande cuore”.

Sviluppo del personaggio

La biografa Joanna Rapf osserva che Lumet è sempre stato un regista indipendente e amava fare film su “uomini che hanno il coraggio di sfidare il sistema, sul piccolo uomo contro il sistema”: Intro Questo include anche i personaggi femminili come in Garbo Talks (1984). La sua protagonista, Anne Bancroft, incarnava il tipo di personaggio che lo attraeva: “un’attivista impegnata per ogni tipo di causa, che si batte per i diritti degli oppressi, che è vivace, schietta, coraggiosa, che rifiuta di conformarsi per convenienza e la cui concezione della vita le permette di morire con dignità…”. Garbo Talks è, per molti versi, un Valentino di New York”.

In un’intervista del 2006, ha dichiarato di essere sempre stato “affascinato dal costo umano che comporta seguire le passioni e gli impegni, e dal costo che tali passioni e impegni infliggono agli altri”. Questo tema è al centro della maggior parte dei suoi film, come i suoi film sulla corruzione nel dipartimento di polizia di New York o i drammi familiari come Daniel (1983).

Psicodrammi

Lo storico del cinema Stephen Bowles ritiene che Lumet fosse più a suo agio ed efficace come regista di psicodrammi seri, piuttosto che di intrattenimenti leggeri. Le sue nomination all’Oscar, ad esempio, sono state tutte per studi sui personaggi di uomini in crisi, dal suo primo film, Twelve Angry Men, a Il verdetto. Lumet eccelleva nel portare sullo schermo il dramma. La maggior parte dei suoi personaggi sono guidati da ossessioni o passioni, come la ricerca della giustizia, dell’onestà e della verità, o la gelosia, la memoria o il senso di colpa. Lumet era intrigato dalle condizioni ossessive, scrive Bowles.

I protagonisti di Lumet tendevano a essere antieroi, uomini isolati e ineccepibili che si ribellano a un gruppo o a un’istituzione. Il criterio più importante per Lumet non era semplicemente se le azioni delle persone fossero giuste o sbagliate, ma se fossero genuine e giustificate dalla coscienza dell’individuo. L’informatore Frank Serpico, ad esempio, è la quintessenza dell’eroe di Lumet, da lui descritto come un “ribelle con una causa”.

Un precedente esempio di psicodramma è stato Il banco dei pegni (1964), interpretato da Rod Steiger. In questo film, Steiger interpretava un sopravvissuto all’Olocausto il cui spirito era stato spezzato e che vive quotidianamente come gestore di un banco dei pegni ad Harlem. Lumet utilizzò il film per esaminare, con dei flashback, le cicatrici psicologiche e spirituali con cui il personaggio di Steiger convive, tra cui la perdita della capacità di provare piacere. Steiger, che ha girato quasi 80 film, ha dichiarato durante un’intervista televisiva che il film è stato il suo preferito come attore.

Questioni di giustizia sociale

Serpico (1973) è stato il primo dei quattro film “seminali” realizzati da Lumet negli anni Settanta che lo hanno consacrato come “uno dei più grandi registi della sua generazione”. È la storia del potere e del tradimento nella polizia di New York, con un poliziotto idealista che si scontra con difficoltà impossibili.

Da bambino, durante la Depressione, Lumet è cresciuto povero a New York ed è stato testimone della povertà e della corruzione che lo circondava. Questo gli ha inculcato fin da piccolo l’importanza della giustizia per una democrazia, un tema che ha cercato di inserire nei suoi film. Ha ammesso, tuttavia, di non credere che il cinema in sé abbia il potere di cambiare qualcosa. “C’è, come dice lui, un sacco di ‘merda’ da affrontare nell’industria dello spettacolo, ma il segreto di un buon lavoro è mantenere la propria onestà e la propria passione”. Lo storico del cinema David Thomson scrive dei suoi film:

Ha temi fissi: la fragilità della giustizia, la polizia e la sua corruzione. Lumet si è fatto rapidamente apprezzare… ha l’abitudine di affrontare grandi temi – Fail Safe, Il banco dei pegni, La collina – e sembra combattuto tra ottusità e pathos. … Era una rarità degli anni Settanta, un regista felice di servire il suo materiale, ma apparentemente non toccato o cambiato da esso. … La sua sensibilità per gli attori e per i ritmi della città lo ha reso “il più longevo discendente americano della tradizione neorealista degli anni Cinquanta e del suo urgente impegno per la responsabilità etica”.

Ambientazioni di New York City

Lumet ha sempre preferito lavorare a New York e ha evitato il dominio di Hollywood. Come regista si è fortemente identificato con la città di New York. “Mi piace sempre essere nel mondo di Woody Allen”, ha detto. Ha affermato che “la diversità della città, i suoi numerosi quartieri etnici, la sua arte e il suo crimine, la sua raffinatezza e la sua corruzione, la sua bellezza e la sua bruttezza, sono tutti elementi che lo ispirano”. Egli ritiene che per creare sia importante confrontarsi quotidianamente con la realtà. Per Lumet, “New York è piena di realtà; Hollywood è un paese fantastico”.

Secondo gli storici del cinema Scott e Barbara Siegel, Lumet ha usato più volte la città di New York come sfondo, se non come simbolo, della sua “preoccupazione per il declino dell’America”. Lumet era attratto dalle storie di criminalità con ambientazioni urbane newyorkesi, in cui i criminali rimangono intrappolati in un vortice di eventi che non possono né capire né controllare, ma che sono costretti a risolvere.

Utilizzo di temi ebraici contemporanei

Come altri registi ebrei di New York, quali Woody Allen, Mel Brooks e Paul Mazursky, i personaggi di Lumet parlavano spesso apertamente di questioni controverse dell’epoca. Si sentivano liberi come registi e la loro arte diventava “filtrata dalla loro coscienza ebraica”, ha scritto lo storico del cinema David Desser. Lumet, come gli altri, si rivolgeva talvolta a temi ebraici per sviluppare una sensibilità etnica caratteristica della cultura americana contemporanea: 3 evidenziando dinamicamente le sue “tensioni uniche e la sua diversità culturale”. Il suo film A Stranger Among Us (1992), ad esempio, è la storia di una poliziotta sotto copertura e delle sue esperienze in una comunità chassidica di New York.

Il tema della “colpa”, spiega Desser, domina molti dei film di Lumet. Dal suo primo lungometraggio, 12 uomini arrabbiati (1957), in cui una giuria deve decidere la colpevolezza o l’innocenza di un giovane uomo, a Q&A (1990), in cui un avvocato deve determinare la questione della colpevolezza e della responsabilità di un poliziotto anticonformista, la colpa è un filo conduttore che attraversa molti dei suoi film. In un film come Assassinio sull’Orient Express (1974), tutti i sospettati sono colpevoli..: 172

I suoi film sono stati caratterizzati anche da una forte enfasi sulla vita familiare, mostrando spesso tensioni all’interno della famiglia. 172 Questa enfasi sulla famiglia includeva “famiglie surrogate”, come nella trilogia poliziesca composta da Serpico (1973), Prince of the City (1981) e Q & A. Una “famiglia non tradizionale” è ritratta anche in Dog Day Afternoon (1975): 172

Tecniche di regia

Lumet ha sempre preferito il naturalismo o il realismo, secondo Joanna Rapf. Non gli piaceva lo “sguardo del decoratore”, in cui la macchina da presa poteva richiamare l’attenzione su di sé. Montava i suoi film in modo che la macchina da presa non fosse invadente. Il suo direttore della fotografia Ron Fortunato ha detto che “Sidney si arrabbia se vede un look troppo artistico”.

In parte perché era disposto e capace di affrontare così tante questioni e problemi sociali significativi, ha ottenuto forti interpretazioni da parte degli attori principali e un ottimo lavoro da parte dei caratteristi. È “una delle figure di spicco della cinematografia newyorkese. Si attiene a buone sceneggiature, quando le ottiene”, ha dichiarato il critico David Thomson. Sebbene i critici abbiano espresso pareri diversi sui suoi film, in generale l’opera di Lumet è tenuta in grande considerazione. La maggior parte dei critici lo ha descritto come un regista sensibile e intelligente, dotato di buon gusto, del coraggio di sperimentare con il suo stile e di un “dono nel gestire gli attori”.

In una citazione dal suo libro, Lumet sottolinea la logistica della regia:

Una volta qualcuno mi ha chiesto come fosse fare un film. Ho risposto che era come fare un mosaico. Ogni setup è come una piccola tessera (un setup, la componente di base della produzione di un film, consiste in una posizione della macchina da presa e nella relativa illuminazione). La si colora, la si modella, la si lucida al meglio. Ne farete sei o settecento, forse un migliaio. (Poi li si incolla letteralmente insieme e si spera che sia quello che si è deciso di fare.

Il critico Justin Chang aggiunge che l’abilità di Lumet come regista e nello sviluppo di storie forti è proseguita fino al suo ultimo film del 2007, scrivendo del suo “tocco agile con gli interpreti, la sua capacità di tirare fuori grande calore e umorismo frizzante con una mano e di spingerli verso estremi sempre più oscuri e angosciosi di emozioni con l’altra, era in mostra gratificante nel suo film finale ironicamente intitolato, Before the Devil Knows You’re Dead”.

Visione dei film del futuro

In un’intervista al New York Magazine, ha dichiarato che si aspetta di vedere un maggior numero di registi di diverse origini etniche e comunità, che raccontino le loro storie. “Ho iniziato facendo film su ebrei, italiani e irlandesi perché non conoscevo altro”.

Lumet è stato premiato dall’Academy of Motion Picture Arts and Sciences per i seguenti film:

Lumet ha ricevuto anche l’Orso d’oro del Festival internazionale del cinema di Berlino per 12 uomini arrabbiati. Ha ricevuto quattro nomination alla Palma d’Oro del Festival di Cannes per i film Long Day’s Journey into Night (1962), The Hill (1965), The Appointment (1969) e A Stranger Among Us (1992). Ha ricevuto anche una nomination al Leone d’Oro della Mostra del Cinema di Venezia per Prince of the City (1981).

Secondo lo storico del cinema Bowles, Lumet è riuscito a diventare un regista drammatico di primo piano in parte perché “il suo criterio più importante non è se le azioni dei suoi protagonisti sono giuste o sbagliate, ma se le loro azioni sono genuine”. E quando queste azioni sono “giustificate dalla coscienza dell’individuo, questo dà ai suoi eroi una forza e un coraggio fuori dal comune per sopportare le pressioni, gli abusi e le ingiustizie degli altri”. In questo modo i suoi film ci hanno sempre dato la “quintessenza dell’eroe che agisce sfidando l’autorità del gruppo dei pari e affermando il proprio codice di valori morali”.

Il libro di memorie pubblicato da Lumet sulla sua vita cinematografica, Making Movies (1996), è “estremamente spensierato e contagioso nel suo entusiasmo per il mestiere stesso di regista”, scrive Bowles, “ed è in netto contrasto con il tono e lo stile della maggior parte dei suoi film. Forse la firma di Lumet come regista è il suo lavoro con gli attori – e la sua eccezionale capacità di trarre interpretazioni di alta qualità, a volte straordinarie, anche dagli ambienti più inaspettati”: “Sebbene Lumet sia stato per anni relativamente poco apprezzato, gli attori hanno sempre offerto alcune delle loro performance più memorabili sotto la sua guida. Da Katharine Hepburn a Faye Dunaway, da Henry Fonda a Paul Newman, Lumet è conosciuto come un regista di attori” e per alcuni, come Ali MacGraw, è considerato “il sogno di ogni attore”.

Ritenendo che “le storie avvincenti e le interpretazioni indimenticabili fossero il punto di forza di Lumet”, il regista e produttore Steven Spielberg ha definito Lumet “uno dei più grandi registi nella lunga storia del cinema”. Al Pacino, alla notizia della morte di Lumet, ha dichiarato che con i suoi film “lascia una grande eredità, ma soprattutto, per le persone a lui vicine, rimarrà il più civile degli esseri umani e l’uomo più gentile che abbia mai conosciuto”. Lo scrittore del Boston Herald James Verniere osserva che “in un momento in cui l’industria cinematografica americana è intenta a vedere quanto in basso può scendere, Sidney Lumet rimane un maestro del dramma americano moralmente complesso”. Dopo la sua morte, i registi newyorkesi Woody Allen e Martin Scorsese hanno entrambi reso omaggio a Lumet. Allen lo ha definito “il regista newyorkese per eccellenza”, mentre Scorsese ha detto che “la nostra visione della città è stata arricchita e approfondita da classici come Serpico, Quel pomeriggio di un giorno da cani e, soprattutto, il notevole Principe della città”. Lumet ha ricevuto anche le lodi del sindaco di New York Michael Bloomberg, che lo ha definito “uno dei grandi cronisti della nostra città”.

Non ha vinto un singolo Oscar, anche se ha ricevuto un Academy Honorary Award nel 2005 e 14 dei suoi film sono stati nominati per vari Oscar, come Network, che è stato nominato per 10, vincendone 4. Nel 2005, Lumet ha ricevuto un Oscar alla carriera per i suoi “brillanti servizi agli sceneggiatori, agli interpreti e all’arte del cinema”.

Pochi mesi dopo la morte di Lumet, avvenuta nell’aprile 2011, il commentatore televisivo Lawrence O’Donnell ha trasmesso un tributo a Lumet e al Lincoln Center di New York si è tenuta una celebrazione retrospettiva del suo lavoro con la partecipazione di numerosi oratori e star del cinema. Nell’ottobre 2011, l’organizzazione Human Rights First ha inaugurato il “Sidney Lumet Award for Integrity in Entertainment” per la serie televisiva The Good Wife, oltre a premiare due attivisti del Medio Oriente che hanno lavorato per la libertà e la democrazia. Lumet aveva collaborato con Human Rights First a un progetto mediatico relativo alla rappresentazione della tortura e degli interrogatori in televisione.

Lumet si è sposato quattro volte; i primi tre matrimoni sono finiti con un divorzio. È stato sposato con l’attrice Rita Gam dal 1949 al 1955; con l’artista ed ereditiera Gloria Vanderbilt dal 1956 al 1963; con Gail Jones (e con Mary Bailey Gimbel (ex moglie di Peter Gimbel) dal 1980 fino alla sua morte. Dalla Jones ha avuto due figlie: Amy, che è stata sposata con P.J. O’Rourke dal 1990 al 1993, e l’attrice

Lumet è morto all’età di 86 anni il 9 aprile 2011, nella sua residenza di Manhattan, a causa di un linfoma. Quando in un’intervista del 1997 gli fu chiesto come avrebbe voluto “uscire di scena”, Lumet rispose: “Non ci penso. Non sono religioso. So che non voglio occupare spazio. Bruciatemi e spargete le mie ceneri sul Katz’s Delicatessen”.

Fonti

1. Sidney Lumet
2. Sidney Lumet
3. ^ “Say How: L”. National Library Service for the Blind and Print Disabled. Retrieved June 20, 2022.
4. ^ “Director Sidney Lumet wins honorary Oscar”. Entertainment Weekly. Retrieved May 29, 2021.
5. ^ Garfield, David (1980). “Birth of The Actors Studio: 1947–1950”. A Player’s Place: The Story of the Actors Studio. New York: MacMillan Publishing Co., Inc. p. 52. ISBN 0-02-542650-8. Lewis’ class included Herbert Berghof, Marlon Brando, Montgomery Clift, Mildred Dunnock, Tom Ewell, John Forsythe, Anne Jackson, Sidney Lumet, Kevin McCarthy, Karl Malden, E.G. Marshall, Patricia Neal, William Redfield, Jerome Robbins, Maureen Stapleton, Beatrice Straight, Eli Wallach, and David Wayne.
6. ^ a b “Obituary: Sidney Lumet”. BBC News. April 9, 2011. Retrieved April 10, 2011.
7. vgl. Pflaum, H. G.: Im Zweifel gegen den Ankläger. In: Süddeutsche Zeitung, 18. Juni 1997, S. 14.
8. a b c d vgl. Sidney Lumet. In: Internationales Biographisches Archiv 23/2009 vom 2. Juni 2009 (aufgerufen am 10. April 2011 via Munzinger Online).
9. a b c d vgl. Coyle, Jake: US filmmaking great Sidney Lumet dies in NY at 86. The Associated Press State & Local Wire, 10. April 2011, 3:07 AM GMT (aufgerufen via LexisNexis Wirtschaft).
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