Stuart Davis (pittore)

gigatos | Febbraio 21, 2022

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Riassunto

Stuart Davis (nato il 7 dicembre 1892 a Filadelfia, morto il 24 giugno 1964 a New York City) è stato un pittore e stampatore modernista americano, noto soprattutto per i suoi studi sulla vita quotidiana americana, raffigurata con colori vivaci. È diventato famoso per aver adattato il linguaggio della musica jazz alla pittura moderna.

Giovani e istruzione

Stuart Davis era il figlio di Edward Wyatt Davis e della scultrice Helen Stuart Davis. Entrambi i genitori hanno studiato alla Pennsylvania Academy of the Fine Arts. La madre ha esposto i suoi lavori a Filadelfia e a New York. Il padre era capo del dipartimento artistico della Philadelphia Press, dove impiegava i suoi amici John French Sloan, William Glackens, George Luks e Everett Shinn come illustratori. Nel 1901 la famiglia Davis si trasferì a East Orange, New Jersey. Nel 1909 Davis abbandonò la scuola superiore e per i tre anni successivi studiò alla scuola d”arte di New York di Robert Henri (fondatore del gruppo The Eight). Sebbene dipingesse in uno stile realistico, rifiutava l”idealismo accademico, esortando i suoi studenti a osservare e studiare la vita urbana come la osservavano nelle strade, nelle sale da concerto, nelle taverne e altrove. L”apprezzamento di Davis per l”arte contemporanea e astratta derivava proprio dal suo interesse per il lavoro dei futuri membri della Ashcan School.

Adattare le conquiste del modernismo

Nel 1913, Davis espose cinque acquerelli all”Armory Show, una mostra internazionale d”arte moderna che accese il suo interesse per l”arte del Modernismo. La mostra era dominata da artisti francesi, la cui arte ha avuto l”influenza più visibile sull”arte americana. Con opere di artisti come: Henri Matisse, Georges Braque, Marcel Duchamp e Pablo Picasso Fauvismo e Cubismo sono stati ampiamente presentati. Davis ha potuto vedere come gli artisti europei d”avanguardia, come Henri Matisse e Paul Gauguin, hanno implementato le loro idee innovative sulle forme moderne. Hanno usato colori che non avevano alcuna relazione con la realtà. Davis divenne familiare con il cubismo, che sottoponeva le forme alla frammentazione, appiattiva lo spazio e usava parole prese da titoli di giornale o etichette di prodotti come elementi compositivi nei dipinti. Negli anni seguenti, Davis si sforzò di assimilare le conquiste del modernismo che aveva sperimentato all”Armory Show, in particolare quelle del colore, della forma, del trattamento della superficie e della composizione dell”opera. Era consapevole che l”esperienza che aveva acquisito lavorando con Robert Henri non era più sufficiente.

Dal 1911 al 1916, Davis lavorò come illustratore e fumettista per la rivista The Masses, continuando la sua sperimentazione con vari stili, tra cui il post-impressionismo, il fauvismo e il cubismo. Molti dei suoi dipinti del 1916-1919, come Gloucester Street (Museum of Fine Arts, Boston), Garage (1917, Collezione di Earl Davis) e Gas Station (1917, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden) sono caratterizzati da colori audaci e pennellate fluide ed energiche. Dopo due estati trascorse a Provincetown, nel Massachusetts, Davis si interessò alla costa del New England, diventando un habitué di Gloucester durante le stagioni estive fino al 1934. Ispirato dalla pittura di Cézanne, Gauguin, Matisse e van Gogh, dipinse paesaggi colorati e scene portuali. Nel 1921, produsse alcune delle opere più astratte della sua carriera, tra cui dipinti che presero come soggetto pacchetti di sigarette, etichette, lampadine, bottiglie di collutorio, saliere e frullini per le uova, tutti ispirati al dadaismo. Il loro esempio è il quadro Lucky Strike (1921, Museum of Modern Art) che mostra un pacchetto di sigarette dipinto con precisione nello stile del collage cubista, con colori sovrapposti, buio contro luce, con forme verticali e orizzontali. Nel 1922 Davis divenne membro dei Modern Artists of America. Come affermato artista moderno, si fece strada nei circoli dell”avanguardia di New York. Nel corso degli anni, divenne amico di pittori astratti come Charles Demuth, Arshile Gorky, John D. Graham e il poeta William Carlos Williams.

Nel 1927 e nel 1928 lavorò alla ben nota serie Eggbeater, un”esplorazione personale della forma e dello spazio cubista in cui utilizzò oggetti come un frullino, un ventilatore elettrico e guanti di gomma. La serie appare come una sorta di catarsi attraverso la quale ha cercato di liberare la sua opera dalle ultime vestigia dell”illusionismo. Ha dipinto i suddetti oggetti di scena, che sono elementi della natura morta, ripetutamente fino a quando non hanno cessato di esistere nei suoi occhi e nella sua mente, tranne che per le connessioni tra colore, linea e forma. In queste e in alcune altre opere dello stesso periodo, raggiunse un grado di astrazione semplificata al di là di qualsiasi cosa intendesse creare nei dieci anni successivi. Ha anche stabilito alcuni motivi di arrangiamento nei suoi dipinti, che poi ha sviluppato in altre opere.

Partenza per Parigi

Dopo un debutto di successo alla Valentine Gallery il suo sponsor, Gertrude Vanderbilt Whitney, lo incoraggiò ad andare a Parigi. Usando il suo sostegno finanziario, ci andò insieme alla sua amica Bessie Chosak. A Parigi, ha allestito uno studio nel quartiere di Montparnasse. Durante il suo soggiorno di quattordici mesi, dipinse paesaggi stradali utilizzando colori brillanti e dettagli tipicamente francesi come balaustre, persiane, mansarde e caffè. Nel 1929 sposò Bessie Chosak.

Ritorno negli Stati Uniti

Nel 1929 Davis tornò negli Stati Uniti. Nello stesso anno, il suo mentore, Robert Henri, morì. Negli anni ”30, l”America era attanagliata dalla Grande Depressione. Quando nel 1933 il presidente Franklin Delano Roosevelt annunciò il lancio di un programma federale per sostenere le arti, Davis fu tra i primi ad aderire. Tra il 1933 e il 1939, ha completato diversi murales sotto il Public Works of Art Program, il Federal Art Project e il Works Progress Administration. Con il sostegno finanziario del governo, fu in grado di continuare la sua esplorazione del formalismo e dei temi americani. Per promuovere gli interessi degli artisti e proteggerli dalla guerra e dal fascismo, divenne membro dell”Unione degli artisti e del Congresso degli artisti americani. Nel 1934 fu eletto presidente dell”Unione degli Artisti. Dal 1935 al 1936 ha diretto la rivista Art Front. Tuttavia, ha cercato di non combinare il suo lavoro sociale con la sua attività artistica. Negli anni ”30, i principali dipinti di Davis mostrano una continuazione dell”interazione di oggetti chiaramente definiti e frammentati con una struttura geometrico-astratta. Allo stesso tempo, l”artista ha fatto numerosi esperimenti con la piena astrazione, in particolare nei disegni al tratto e nei dipinti. Il suo colore divenne sempre più brillante, e in molte opere intensificò l”impressione di ritmo, un senso di movimento, allegria e ritmo attraverso una crescente complicazione di forme colorate più piccole, irregolari e contrastanti. I dipinti dei primi anni ”30 contenevano oggetti ordinati e chiaramente identificabili: una pompa di benzina, edifici, mobili, cappelli, automobili e insegne, inseriti in vibranti paesaggi urbani. Nelle opere della fine degli anni ”30, gli oggetti si smaterializzano, trasformandosi in forme dai contorni colorati. Questo fu l”inizio di venticinque anni di pittura astratta matura nella carriera dell”artista. Una certa eccezione a questo fu il grande murale (14 × 46 m) Storia della comunicazione del 1939, conservato solo come schizzo, il cui soggetto riconoscibile fu probabilmente condizionato dalle circostanze della commissione.

Tuttavia, i primi anni ”40 videro anche dipinti che presentavano un maggiore o minore grado di figurativismo, come New York Under Gaslight del 1941. Allo stesso tempo, Davis produsse una serie di brillanti paesaggi astratti: Hot Stillscape in Six Colours (1940), Arboretum by Flashbulb (1942), Ursine Park (1942) e Ultramarine (1943). Caratteristicamente, abbandonano l”illusione visiva naturalistica, anche se mantengono forti associazioni con il paesaggio. Le forme ripetute e frastagliate creano un disegno complessivo fratturato. I colori utilizzati sono decisamente il rosso, il verde e il blu, con stacchi distinti in bianco e nero. Alla fine degli anni ”40 Davis produsse una serie di piccoli quadri sperimentali ai quali diede i titoli Pad (piuttosto senso del jazz) e Max, insieme a numeri sequenziali dati per distinguerli. Sono privi di qualsiasi elemento che li associ al figurativismo, tranne la parola “Pad”, e sono espressioni di sperimentazione astratta, da forme puramente geometriche a forme fortemente espressioniste. Il loro esempio è The Mellow Pad, su cui l”artista lavorò a intermittenza tra il 1945 e il 1951, e che fu un tentativo di sviluppare i suddetti schizzi astratti in una composizione più monumentale.

Parallelamente alla sua attività di pittore, Davis fu attivo come educatore: nel 1932 insegnò alla Art Students League di New York, nel 1940 divenne docente alla New School for Social Research e nel 1950 alla Yale University.

Davis continuò a dipingere intensamente fino alla sua morte. In numerosi piccoli dipinti, a olio o a guazzo, sperimentò nuove idee o rivisitò vecchi motivi per possibili sviluppi di varianti, come Combination Concrete II (1958) o The Paris Bit (1959), un pastiche nostalgico di reminiscenze parigine. Ha lasciato diversi dipinti e disegni incompiuti nel suo studio, che documentano i suoi metodi creativi e l”inesauribile fertilità della sua immaginazione. Ha anche lasciato molti quaderni con osservazioni e registrazioni delle sue idee in vista di un loro eventuale sviluppo. Davis è quasi l”unico pittore americano del XX secolo la cui opera trascende tutti i cambiamenti di stile, di movimento e di moda. Anche negli anni ”50, quando l”espressionismo astratto dominava la scena americana, l”artista continuava a nutrire rispetto e ammirazione per i nuovi artisti più sperimentali.

Nei suoi ultimi anni, Davis continuò a godere del successo artistico. Nel 1952 e nel 1954 ricevette, come rappresentante degli Stati Uniti, premi alla Biennale di Venezia. Inoltre, ha ricevuto il Premio Internazionale Solomon R. Guggenheim nel 1958 e nel 1960. Morì improvvisamente per un ictus, lasciando un”eredità artistica di dipinti e una reputazione come uno dei primi modernisti americani. Il critico d”arte Brian O”Doherty lo ha descritto sulle pagine del New York Times come “uno dei pochi grandi pittori che l”America ha prodotto che non è mai stato anacronistico”.

Davis iniziò la sua carriera artistica nella tradizione del realismo americano, rappresentato dalla scuola di Robert Henri. Più tardi, esplorò la pittura post-impressionista e fauvista, e negli anni 1920, le tecniche europee di astrazione e cubismo sintetico. Queste esperienze sono culminate nella serie Eggbeater. Si attribuisce a Davis il merito di aver sviluppato la varietà americana del cubismo europeo. Attraverso l”uso dello slang e del simbolismo distintamente americano, i suoi dipinti hanno solidificato la posizione degli Stati Uniti nel mondo dell”arte contemporanea. Davis fu uno dei primi a trattare il jazz e lo swing insieme alla pittura. L”uso di colori brillanti e pulsanti, linee espressive e forme ripetitive ha dato un ritmo visivo ai suoi dipinti, ricordando la sincope e l”improvvisazione così caratteristica della musica jazz. Davis ha introdotto un nuovo approccio post-cubista all”astrazione, spargendo le forme sulla tela e manipolando i colori audaci in modo tale da rifiutare il punto focale che focalizza l”attenzione dello spettatore. Questo nuovo metodo, in cui tutte le parti del quadro sono uguali, concepito in modo che l”occhio dello spettatore possa vagare senza direzione, segnò un passo importante verso l”astrazione totale fatta dagli espressionisti astratti come Jackson Pollock. La trasformazione di Davis di beni di consumo e pubblicità in opere d”arte, a sua volta, prefigurava la Pop Art degli anni ”60. Davis rimane uno dei più importanti artisti americani del periodo tra le due guerre.

Prace Stuarta Davisa znajdują się w zbiorach głównych amerykańskich muzeów sztuki, w tym: Addison Gallery of American Art, Amon Carter Museum of American Art, Art Institute of Chicago, Biblioteka Kongresu, Brooklyn Museum, Carnegie Museum of Art, Dallas Museum of Art, Fine Arts Museums of San Francisco, Harvard University Art Museums, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Hyde Collection, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Memorial Art Gallery, Museum of Fine Arts w Bostonie, Metropolitan Museum of Art, Montclair Art Museum, Museum of Fine Arts, Houston, Museum of Modern Art, Muzeum Thyssen-Bornemisza, National Gallery of Australia, National Portrait Gallery, Norton Museum of Art, Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Phillips Collection, Portland Museum of Art, Princeton University Art Museum, San Diego Museum of Art, San Francisco Museum of Modern Art, Smithsonian American Art Museum e la Renwick Gallery, Virginia Museum of Fine Arts, Walker Art Center, Whitney Museum of American Art.

Fonti