Vasilij Vasil’evič Kandinskij

gigatos | Gennaio 2, 2022

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Riassunto

Wassily Wassilyevich Kandinsky (Russo: Василий Васильевич Кандинский, tr. Vasiliy Vasilyevich Kandinskiy, IPA: [vɐˈsʲilʲɪj vɐˈsʲilʲjɪvʲɪtɕ kɐnʲˈdʲinskʲɪj]; 16 dicembre 1866 – 13 dicembre 1944) è stato un pittore e teorico dell”arte russo. Kandinsky è generalmente accreditato come uno dei pionieri dell”astrazione nell”arte occidentale, forse dopo Hilma af Klint. Nato a Mosca, trascorse la sua infanzia a Odessa (ora in Ucraina), dove si diplomò alla scuola d”arte Grekov Odessa. Si iscrisse all”Università di Mosca, studiando diritto ed economia. Con successo nella sua professione – gli fu offerta una cattedra di diritto romano all”Università di Dorpat (oggi Tartu, Estonia) – Kandinsky iniziò gli studi di pittura (disegno dal vero, schizzi e anatomia) all”età di 30 anni.

Nel 1896, Kandinsky si stabilì a Monaco, studiando prima alla scuola privata di Anton Ažbe e poi all”Accademia di Belle Arti. Tornò a Mosca nel 1914, dopo lo scoppio della prima guerra mondiale. Dopo la rivoluzione russa, Kandinsky “divenne un membro dell”amministrazione culturale di Anatoly Lunacharsky” e contribuì a fondare il Museo della cultura della pittura. Tuttavia, da allora “la sua visione spirituale… era estranea al materialismo polemico della società sovietica”, e le opportunità gli si presentarono in Germania, dove tornò nel 1920. Lì insegnò alla scuola d”arte e architettura Bauhaus dal 1922 fino alla chiusura da parte dei nazisti nel 1933. Poi si trasferì in Francia, dove visse per il resto della sua vita, diventando cittadino francese nel 1939 e producendo alcune delle sue opere più importanti. Morì a Neuilly-sur-Seine nel 1944, tre giorni prima del suo 78esimo compleanno.

La creazione dell”opera astratta di Kandinsky seguì un lungo periodo di sviluppo e maturazione di un intenso pensiero basato sulle sue esperienze artistiche. Ha chiamato questa devozione alla bellezza interiore, fervore di spirito e desiderio spirituale necessità interiore; era un aspetto centrale della sua arte.

Gioventù e ispirazione

Kandinsky è nato a Mosca, figlio di Lidia Ticheeva e Vasily Silvestrovich Kandinsky, un mercante di tè. Una delle sue bisnonne era la principessa Gantimurova, una principessa mongola. Kandinsky imparò da una varietà di fonti mentre era a Mosca. Ha studiato molti campi mentre era a scuola, incluso il diritto e l”economia. Più tardi nella vita, ricorderà di essere stato affascinato e stimolato dal colore da bambino. Il suo fascino per il simbolismo e la psicologia dei colori continuò durante la sua crescita. Nel 1889, fece parte di un gruppo di ricerca etnografica che viaggiò nella regione di Vologda a nord di Mosca. In Sguardi sul passato, racconta che le case e le chiese erano decorate con colori così scintillanti che, entrandovi, gli sembrava di entrare in un quadro. Questa esperienza, e il suo studio dell”arte popolare della regione (in particolare l”uso di colori brillanti su uno sfondo scuro), si riflette in molti dei suoi primi lavori. Qualche anno dopo paragonò per la prima volta la pittura al comporre musica nel modo in cui sarebbe diventato noto, scrivendo: “Il colore è la tastiera, gli occhi sono i martelli, l”anima è il pianoforte con molte corde. L”artista è la mano che suona, toccando un tasto o l”altro, per far vibrare l”anima”. Kandinsky era anche lo zio del filosofo russo-francese Alexandre Kojève (1902-1968).

Nel 1896, all”età di 30 anni, Kandinsky rinunciò a una promettente carriera di insegnante di diritto ed economia per iscriversi all”Accademia di Monaco, dove tra i suoi insegnanti ci sarebbe stato Franz von Stuck. Non fu ammesso immediatamente, e cominciò a imparare l”arte da solo. Quello stesso anno, prima di lasciare Mosca, vide una mostra di dipinti di Monet. Fu particolarmente preso dallo stile impressionista di Covoni; questo, per lui, aveva un potente senso del colore quasi indipendente dagli oggetti stessi. Più tardi scriverà di questa esperienza:

Che si trattava di un pagliaio, il catalogo mi ha informato. Non potevo riconoscerlo. Questo non riconoscimento era doloroso per me. Ritenevo che il pittore non avesse il diritto di dipingere in modo indistinto. Sentivo ottusamente che mancava l”oggetto del quadro. E notai con sorpresa e confusione che il quadro non solo mi afferrava, ma si imprimeva in modo ineluttabile nella mia memoria. La pittura assumeva un potere e uno splendore fiabeschi.

Kandinsky fu anche influenzato in questo periodo dal Lohengrin di Richard Wagner che, secondo lui, spingeva i limiti della musica e della melodia oltre il lirismo standard. Fu anche spiritualmente influenzato da Madame Blavatsky (1831-1891), la più nota esponente della teosofia. La teoria teosofica postula che la creazione sia una progressione geometrica, a partire da un unico punto. L”aspetto creativo della forma è espresso da una serie discendente di cerchi, triangoli e quadrati. Il libro di Kandinsky Concerning the Spiritual in Art (1910) e Point and Line to Plane (1926) riecheggiano questo principio teosofico. Le illustrazioni di John Varley in Thought-Forms (1901) lo influenzarono visivamente.

Metamorfosi

Nell”estate del 1902, Kandinsky invitò Gabriele Münter ad unirsi a lui nei suoi corsi estivi di pittura a sud di Monaco, sulle Alpi. Lei accettò, e la loro relazione divenne più personale che professionale. La scuola d”arte, solitamente considerata difficile, fu facile per Kandinsky. Fu durante questo periodo che cominciò ad emergere come teorico dell”arte oltre che come pittore. Il numero dei suoi dipinti esistenti aumentò all”inizio del XX secolo; molto rimane dei paesaggi e delle città che dipingeva, usando ampie strisce di colore e forme riconoscibili. Per la maggior parte, tuttavia, i dipinti di Kandinsky non presentano figure umane; un”eccezione è Domenica, Vecchia Russia (1904), in cui Kandinsky ricrea una vista molto colorata (e fantasiosa) di contadini e nobili di fronte alle mura di una città. Coppia a cavallo (1907) ritrae un uomo a cavallo che tiene una donna con tenerezza e cura mentre cavalcano davanti a una città russa dalle mura luminose attraverso un fiume blu. Il cavallo è smorzato mentre le foglie degli alberi, la città e i riflessi nel fiume brillano con macchie di colore e luminosità. Quest”opera dimostra l”influenza del divisionismo nel modo in cui la profondità di campo è collassata in una superficie piatta e luminescente. Anche il fauvismo è evidente in queste prime opere. I colori sono usati per esprimere l”esperienza di Kandinsky del soggetto, non per descrivere la natura oggettiva.

Forse il più importante dei suoi dipinti del primo decennio del 1900 fu The Blue Rider (1903), che mostra una piccola figura ammantata su un cavallo veloce che corre attraverso un prato roccioso. Il mantello del cavaliere è di un blu medio, che getta un”ombra blu più scura. In primo piano ci sono ombre blu più amorfe, le controparti degli alberi autunnali sullo sfondo. Il cavaliere blu nel dipinto è prominente (ma non chiaramente definito), e il cavallo ha un”andatura innaturale (che Kandinsky deve aver conosciuto). Alcuni storici dell”arte credono che una seconda figura (forse un bambino) sia tenuta in braccio dal cavaliere, anche se questa potrebbe essere un”altra ombra del cavaliere solitario. Questa disgiunzione intenzionale, che permette agli spettatori di partecipare alla creazione dell”opera d”arte, divenne una tecnica sempre più consapevole usata da Kandinsky negli anni successivi; culminò nelle opere astratte del periodo 1911-1914. In Il cavaliere blu, Kandinsky mostra il cavaliere più come una serie di colori che in dettagli specifici. Questo dipinto non è eccezionale in questo senso se paragonato ai pittori contemporanei, ma mostra la direzione che Kandinsky avrebbe preso solo pochi anni dopo.

Dal 1906 al 1908 Kandinsky passò molto tempo viaggiando attraverso l”Europa (era un associato del gruppo simbolista della Rosa Blu di Mosca), fino a quando si stabilì nella piccola città bavarese di Murnau. Nel 1908 comprò una copia di Thought-Forms di Annie Besant e Charles Webster Leadbeater. Nel 1909 si unì alla Società Teosofica. La Montagna blu (1908-1909) fu dipinta in questo periodo, dimostrando la sua tendenza verso l”astrazione. Una montagna blu è affiancata da due grandi alberi, uno giallo e uno rosso. Una processione, con tre cavalieri e diverse altre persone, attraversa in basso. I volti, i vestiti e le selle dei cavalieri sono ognuno di un solo colore, e né loro né le figure che camminano mostrano alcun dettaglio reale. Anche i piani piatti e i contorni sono indicativi dell”influenza fauvista. L”ampio uso del colore in The Blue Mountain illustra l”inclinazione di Kandinsky verso un”arte in cui il colore è presentato indipendentemente dalla forma, e a ogni colore è data uguale attenzione. La composizione è più planare; il dipinto è diviso in quattro sezioni: il cielo, l”albero rosso, l”albero giallo e la montagna blu con i tre cavalieri.

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Periodo del Cavaliere Blu (1911-1914)

I quadri di Kandinsky di questo periodo sono grandi masse colorate espressive valutate indipendentemente dalle forme e dalle linee; queste non servono più a delimitarle, ma si sovrappongono liberamente per formare quadri di straordinaria forza. La musica fu importante per la nascita dell”arte astratta, poiché la musica è astratta per natura – non cerca di rappresentare il mondo esterno, ma esprime in modo immediato i sentimenti interiori dell”anima. Kandinsky a volte usava termini musicali per identificare le sue opere; chiamava i suoi dipinti più spontanei “improvvisazioni” e descriveva le opere più elaborate come “composizioni”.

Oltre alla pittura, Kandinsky fu un teorico dell”arte; la sua influenza sulla storia dell”arte occidentale deriva forse più dalle sue opere teoriche che dai suoi dipinti. Contribuì a fondare la Neue Künstlervereinigung München (Nuova Associazione degli Artisti di Monaco), diventandone presidente nel 1909. Tuttavia, il gruppo non poteva integrare l”approccio radicale di Kandinsky (e altri) con concetti artistici convenzionali e il gruppo si sciolse alla fine del 1911. Kandinsky formò allora un nuovo gruppo, il Cavaliere Blu (Der Blaue Reiter) con artisti che la pensavano come August Macke, Franz Marc, Albert Bloch e Gabriele Münter. Il gruppo pubblicò un almanacco (The Blue Rider Almanac) e tenne due mostre. Erano previste altre mostre, ma lo scoppio della prima guerra mondiale nel 1914 mise fine a questi piani e rimandò Kandinsky in Russia attraverso la Svizzera e la Svezia.

I suoi scritti in The Blue Rider Almanac e il trattato “On the Spiritual in Art” (che uscì nel 1910) erano sia una difesa e promozione dell”arte astratta che un”affermazione che tutte le forme d”arte erano ugualmente capaci di raggiungere un livello di spiritualità. Credeva che il colore potesse essere usato in un dipinto come qualcosa di autonomo, a parte la descrizione visiva di un oggetto o di un”altra forma.

Queste idee ebbero un impatto internazionale quasi immediato, in particolare nel mondo di lingua inglese. Già nel 1912, On the Spiritual in Art fu recensito da Michael Sadleir nell”Art News di Londra. L”interesse per Kandinsky crebbe rapidamente quando Sadleir pubblicò una traduzione inglese di On the Spiritual in Art nel 1914. Estratti dal libro furono pubblicati quell”anno nel periodico Blast di Percy Wyndham Lewis e nel settimanale culturale The New Age di Alfred Orage. Kandinsky aveva ricevuto qualche notizia prima in Gran Bretagna, tuttavia; nel 1910, partecipò alla Mostra degli Artisti Alleati (organizzata da Frank Rutter) alla Royal Albert Hall di Londra. Il risultato fu che il suo lavoro fu scelto per essere lodato in una recensione di quella mostra dall”artista Spencer Frederick Gore in The Art News.

L”interesse di Sadleir per Kandinsky portò anche alle prime opere di Kandinsky che entrarono in una collezione d”arte britannica; il padre di Sadleir, Michael Sadler, acquistò diverse stampe su legno e il dipinto astratto Fragment for Composition VII nel 1913 dopo una visita di padre e figlio per incontrare Kandinsky a Monaco quell”anno. Queste opere furono esposte a Leeds, all”Università o nei locali del Leeds Arts Club, tra il 1913 e il 1923.

Il sole fonde tutta Mosca in un unico punto che, come una tuba impazzita, fa vibrare tutto il cuore e tutta l”anima. Ma no, questa uniformità di rosso non è l”ora più bella. È solo l”accordo finale di una sinfonia che porta ogni colore allo zenit della vita che, come il fortissimo di una grande orchestra, è costretto e permesso da Mosca a suonare.

Nel 1916, incontrò Nina Andreevskaya (1899-1980), che sposò l”11 febbraio 1917.

Dal 1918 al 1921, Kandinsky fu coinvolto nella politica culturale della Russia e collaborò all”educazione artistica e alla riforma dei musei. Dipinse poco durante questo periodo, ma dedicò il suo tempo all”insegnamento artistico, con un programma basato sull”analisi della forma e del colore; aiutò anche a organizzare l”Istituto di Cultura Artistica di Mosca di cui fu il primo direttore. La sua visione spirituale ed espressionista dell”arte fu infine rifiutata dai membri radicali dell”Istituto come troppo individualista e borghese. Nel 1921, Kandinsky fu invitato ad andare in Germania per frequentare il Bauhaus di Weimar dal suo fondatore, l”architetto Walter Gropius.

Ritorno in Germania e al Bauhaus (1922-1933)

Nel maggio 1922, partecipò al Congresso Internazionale degli Artisti Progressisti e firmò la “Proclamazione di fondazione dell”Unione degli Artisti Progressisti Internazionali”.

Kandinsky insegnò la classe di disegno di base per i principianti e il corso di teoria avanzata al Bauhaus; condusse anche classi di pittura e un laboratorio in cui aumentò la sua teoria del colore con nuovi elementi di psicologia della forma. Lo sviluppo dei suoi lavori sullo studio delle forme, in particolare dei punti e delle linee, portò alla pubblicazione del suo secondo libro teorico (Point and Line to Plane) nel 1926. I suoi esami degli effetti delle forze sulle linee rette, che portano ai toni contrastanti delle linee curve e angolate, coincidono con le ricerche degli psicologi della Gestalt, il cui lavoro era anche discusso al Bauhaus. Gli elementi geometrici presero sempre più importanza sia nell”insegnamento che nella pittura, in particolare il cerchio, il semicerchio, l”angolo, le linee rette e le curve. Questo periodo fu intensamente produttivo. Questa libertà è caratterizzata nelle sue opere dal trattamento di piani ricchi di colori e gradazioni – come in Giallo – rosso – blu (1925), dove Kandinsky illustra la sua distanza dai movimenti del costruttivismo e del suprematismo influenti in quel momento.

Giallo – rosso – blu (1925), largo due metri, è composto da diverse forme principali: un rettangolo giallo verticale, una croce rossa inclinata e un grande cerchio blu scuro; una moltitudine di linee nere rette (o sinuose), archi circolari, cerchi monocromatici e scacchiere sparse e colorate contribuiscono alla sua delicata complessità. Questa semplice identificazione visiva delle forme e delle principali masse colorate presenti sulla tela è solo un primo approccio alla realtà interna dell”opera, il cui apprezzamento richiede un”osservazione più profonda, non solo delle forme e dei colori coinvolti nel quadro, ma del loro rapporto, della loro posizione assoluta e relativa sulla tela e della loro armonia.

Kandinsky era uno dei Die Blaue Vier (Quattro blu), formato nel 1923 con Paul Klee, Lyonel Feininger e Alexej von Jawlensky, che tenne conferenze ed espose negli Stati Uniti nel 1924. A causa dell”ostilità della destra, il Bauhaus lasciò Weimar e si stabilì a Dessau nel 1925. A seguito di una campagna denigratoria nazista il Bauhaus lasciò Dessau nel 1932 per Berlino, fino al suo scioglimento nel luglio 1933. Kandinsky lasciò quindi la Germania, stabilendosi a Parigi.

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Grande Sintesi (1934-1944)

Vivendo in un appartamento a Parigi, Kandinsky creò le sue opere in un salotto-studio. Forme biomorfe dai contorni flessuosi e non geometrici appaiono nei suoi dipinti, forme che suggeriscono organismi microscopici ma che esprimono la vita interiore dell”artista. Kandinsky usava composizioni di colori originali, evocando l”arte popolare slava. Occasionalmente mescolava anche la sabbia con la pittura per dare una consistenza granulare e rustica ai suoi dipinti.

Questo periodo corrisponde a una sintesi del lavoro precedente di Kandinsky in cui utilizza tutti gli elementi, arricchendoli. Nel 1936 e nel 1939 dipinge le sue ultime due grandi composizioni, il tipo di tele elaborate che non produceva da molti anni. La composizione IX ha diagonali molto contrastate e potenti la cui forma centrale dà l”impressione di un embrione nel grembo materno. Piccoli quadrati di colori e bande colorate si stagliano sullo sfondo nero della Composizione X come frammenti di stelle (o filamenti), mentre geroglifici enigmatici dai toni pastello coprono una grande massa marrone che sembra galleggiare nell”angolo superiore sinistro della tela. Nell”opera di Kandinsky alcune caratteristiche sono evidenti, mentre certi tocchi sono più discreti e velati; si rivelano solo progressivamente a chi approfondisce il suo legame con la sua opera. Egli intendeva che le sue forme (che armonizzava e collocava in modo sottile) risuonassero nell”anima dell”osservatore.

L”artista come profeta

Scrivendo che “la musica è l”ultima maestra”, Kandinsky intraprese le prime sette delle sue dieci Composizioni. Le prime tre sopravvivono solo in fotografie in bianco e nero scattate dal collega e amico Gabriele Münter. La Composizione I (1910) fu distrutta da un raid aereo britannico sulla città industriale di Braunschweig nella Valle della Ruhr la notte del 14 ottobre 1944.

Mentre esistono studi, schizzi e improvvisazioni (in particolare della Composizione II), un raid nazista al Bauhaus negli anni ”30 portò alla confisca delle prime tre Composizioni di Kandinsky. Furono esposte nella mostra sponsorizzata dallo Stato “Arte Degenerata”, e poi distrutte (insieme alle opere di Paul Klee, Franz Marc e altri artisti moderni)

Affascinato dall”escatologia cristiana e dalla percezione di una prossima Nuova Era, un tema comune tra le prime sette Composizioni di Kandinsky è l”apocalisse (la fine del mondo come lo conosciamo). Scrivendo dell””artista come profeta” nel suo libro, Concerning the Spiritual in Art, Kandinsky creò dei dipinti negli anni immediatamente precedenti la prima guerra mondiale, mostrando un cataclisma in arrivo che avrebbe alterato la realtà individuale e sociale. Avendo una devota fede nel cristianesimo ortodosso, Kandinsky attinse alle storie bibliche dell”Arca di Noè, Giona e la balena, la resurrezione di Cristo, i quattro cavalieri dell”Apocalisse nel libro dell”Apocalisse, i racconti popolari russi e le comuni esperienze mitologiche di morte e rinascita. Senza mai tentare di raffigurare nessuna di queste storie come una narrazione, usò le loro immagini velate come simboli degli archetipi di morte-rinascita e distruzione-creazione che sentiva essere imminenti nel mondo prima della prima guerra mondiale.

Come ha dichiarato in Concerning the Spiritual in Art (vedi sotto), Kandinsky sentiva che un autentico artista che crea arte da “una necessità interna” abita la punta di una piramide che si muove verso l”alto. Questa piramide che avanza penetra e procede verso il futuro. Ciò che ieri era strano o inconcepibile, oggi è un luogo comune; ciò che oggi è all”avanguardia (e compreso solo da pochi), domani sarà conoscenza comune. L”artista-profeta moderno sta da solo all”apice della piramide, facendo nuove scoperte e inaugurando la realtà di domani. Kandinsky era consapevole dei recenti sviluppi scientifici e dei progressi degli artisti moderni che avevano contribuito a modi radicalmente nuovi di vedere e sperimentare il mondo.

La Composizione IV e i quadri successivi si preoccupano soprattutto di evocare una risonanza spirituale nello spettatore e nell”artista. Come nel suo dipinto dell”apocalisse sull”acqua (Composizione VI), Kandinsky mette lo spettatore nella situazione di vivere questi miti epici traducendoli in termini contemporanei (con un senso di disperazione, di affanno, di urgenza e di confusione). Questa comunione spirituale di spettatore-pittura-artista-profeta può essere descritta nei limiti delle parole e delle immagini.

Teorico artistico e spirituale

Come indicano i saggi dell”Almanacco Der Blaue Reiter e le teorizzazioni con il compositore Arnold Schoenberg, Kandinsky esprimeva anche la comunione tra artista e spettatore come disponibile sia per i sensi che per la mente (sinestesia). Sentendo toni e accordi mentre dipingeva, Kandinsky teorizzò che (il nero è il colore della chiusura, e la fine delle cose; e che le combinazioni di colori producono frequenze vibrazionali, simili agli accordi suonati su un pianoforte. Nel 1871 il giovane Kandinsky imparò a suonare il pianoforte e il violoncello.

Kandinsky sviluppò anche una teoria delle figure geometriche e delle loro relazioni – affermando, per esempio, che il cerchio è la forma più pacifica e rappresenta l”anima umana. Queste teorie sono spiegate in Point and Line to Plane (vedi sotto).

La scenografia di Kandinsky per una rappresentazione dei “Quadri di un”esposizione” di Mussorgsky illustra il suo concetto sinestetico di una corrispondenza universale di forme, colori e suoni musicali. Nel 1928 nel teatro di Dessau, Wassily Kandinsky realizzò la produzione scenica dei “Quadri di un”esposizione”. Nel 2015 i disegni originali degli elementi di scena sono stati animati con la moderna tecnologia video e sincronizzati con la musica secondo le note preparatorie di Kandinsky e la sceneggiatura del regista Felix Klee.

In un altro episodio con Münter durante gli anni dell”espressionismo astratto bavarese, Kandinsky stava lavorando alla sua Composizione VI. Da quasi sei mesi di studio e di preparazione, aveva inteso che l”opera evocasse simultaneamente un”inondazione, un battesimo, una distruzione e una rinascita. Dopo aver delineato il lavoro su un pannello di legno delle dimensioni di un murale, si bloccò e non poté continuare. Münter gli disse che era intrappolato nel suo intelletto e non raggiungeva il vero soggetto del quadro. Gli suggerì semplicemente di ripetere la parola uberflut (“diluvio” o “inondazione”) e di concentrarsi sul suo suono piuttosto che sul suo significato. Ripetendo questa parola come un mantra, Kandinsky dipinse e completò l”opera monumentale nell”arco di tre giorni.

L”arte di Wassily Kandinsky ha una confluenza di musica e spiritualità. Con il suo apprezzamento per la musica del suo tempo e la disposizione cinestesica, le opere d”arte di Kandinsky hanno uno stile marcato di espressionismo nei suoi primi anni. Ma ha abbracciato tutti i tipi di stili artistici del suo tempo e dei suoi predecessori, cioè l”Art Nouveau (forme organiche sinuose), il Fauvismo e il Blaue Reiter (colori scioccanti), il Surrealismo (mistero) e il Bauhaus (costruttivismo) solo per spostarsi verso l”astrattismo quando ha esplorato la spiritualità nell”arte. I suoi dipinti senza oggetto mostrano un”astrazione spirituale suggerita da suoni ed emozioni attraverso un”unità di sensazioni. Spinto dalla fede cristiana e dalla necessità interiore di un artista, i suoi dipinti hanno l”ambiguità della forma resa in una varietà di colori così come la resistenza contro i valori estetici convenzionali del mondo dell”arte.

La sua firma o stile individuale può essere ulteriormente definito e diviso in tre categorie nel corso della sua carriera artistica: Impressioni (elemento rappresentativo), Improvvisazioni (reazione emotiva spontanea), Composizioni (opere d”arte definitive).

Quando Kandinsky cominciò ad allontanarsi dalla sua prima ispirazione dall”impressionismo, i suoi dipinti divennero più vibranti, pittografici ed espressivi con forme più nitide e chiare qualità lineari.

Ma alla fine, Kandinsky andò oltre rifiutando la rappresentazione pittorica con più sinestetici uragani vorticosi di colori e forme, eliminando i tradizionali riferimenti alla profondità e posando diversi glifi astratti, ma ciò che rimase coerente fu la sua ricerca spirituale di espressioni e riferimenti alla sua fede cristiana.

L”armonia emotiva è un”altra caratteristica saliente nelle opere successive di Kandinsky. Con diverse dimensioni e tonalità luminose bilanciate attraverso un”attenta giustapposizione di proporzioni e colori, ha sostanziato l”universalità delle forme nelle sue opere d”arte, aprendo così la strada a ulteriori astrazioni.

Wassily Kandinsky usava spesso il nero nei suoi dipinti per aumentare l”impatto delle forme dai colori vivaci, mentre le sue forme erano spesso approcci biomorfi per portare il surrealismo nella sua arte.

Le analisi di Kandinsky su forme e colori non risultano da semplici e arbitrarie associazioni di idee, ma dall”esperienza interiore del pittore. Ha passato anni a creare quadri astratti e sensorialmente ricchi, lavorando con forme e colori, osservando instancabilmente i suoi quadri e quelli di altri artisti, annotando i loro effetti sul suo senso del colore. Questa esperienza soggettiva è qualcosa che chiunque può fare: non osservazioni scientifiche e oggettive, ma interiori e soggettive, ciò che il filosofo francese Michel Henry chiama “soggettività assoluta” o “vita fenomenologica assoluta”.

Riguardo allo spirituale nell”arte

Pubblicato a Monaco nel 1911, il testo di Kandinsky, Über das Geistige in der Kunst, definisce tre tipi di pittura: impressioni, improvvisazioni e composizioni. Mentre le impressioni si basano su una realtà esterna che serve come punto di partenza, le improvvisazioni e le composizioni raffigurano immagini che emergono dall”inconscio, anche se la composizione si sviluppa da un punto di vista più formale. Kandinsky paragona la vita spirituale dell”umanità a una piramide: l”artista ha la missione di condurre gli altri al vertice con la sua opera. Il punto della piramide sono quei pochi, grandi artisti. È una piramide spirituale che avanza e sale lentamente anche se a volte sembra immobile. Durante i periodi di decadenza, l”anima sprofonda al fondo della piramide; l”umanità cerca solo il successo esterno, ignorando le forze spirituali.

I colori sulla tavolozza del pittore evocano un doppio effetto: un effetto puramente fisico sull”occhio che è incantato dalla bellezza dei colori, simile all”impressione di gioia quando mangiamo una prelibatezza. Ma questo effetto può essere molto più profondo, provocando una vibrazione dell”anima o una “risonanza interiore” – un effetto spirituale in cui il colore tocca l”anima stessa.

La “necessità interiore” è, per Kandinsky, il principio dell”arte e il fondamento delle forme e dell”armonia dei colori. La definisce come il principio del contatto efficiente della forma con l”anima umana. Ogni forma è la delimitazione di una superficie da un”altra; possiede un contenuto interiore, l”effetto che produce su chi la guarda attentamente. Questa necessità interiore è il diritto dell”artista ad una libertà illimitata, ma questa libertà diventa licenza se non è fondata su tale necessità. L”arte nasce dalla necessità interiore dell”artista in un modo enigmatico, mistico, attraverso il quale acquista una vita autonoma; diventa un soggetto indipendente, animato da un respiro spirituale.

Le proprietà ovvie che possiamo vedere quando guardiamo un colore isolato e lo lasciamo agire da solo, da un lato è il calore o la freddezza del tono di colore, e dall”altro lato è la chiarezza o l”oscurità di quel tono. Il calore è una tendenza al giallo e la freddezza una tendenza al blu; il giallo e il blu formano il primo grande contrasto dinamico. Il giallo ha un movimento eccentrico e il blu un movimento concentrico; una superficie gialla sembra avvicinarsi a noi, mentre una superficie blu sembra allontanarsi. Il giallo è un colore tipicamente terrestre, la cui violenza può essere dolorosa e aggressiva. Il blu è un colore celeste, che evoca una calma profonda. La combinazione di blu e giallo produce un”immobilità e una calma totale, che è il verde.

La chiarezza è una tendenza al bianco e l”oscurità è una tendenza al nero. Il bianco e il nero formano il secondo grande contrasto, che è statico. Il bianco è un silenzio profondo, assoluto, pieno di possibilità. Il nero è il nulla senza possibilità, un silenzio eterno senza speranza, e corrisponde alla morte. Qualsiasi altro colore risuona fortemente sui suoi vicini. La mescolanza del bianco con il nero porta al grigio, che non possiede alcuna forza attiva e la cui tonalità è vicina a quella del verde. Il grigio corrisponde all”immobilità senza speranza; tende alla disperazione quando diventa scuro, recuperando poca speranza quando si schiarisce.

Il rosso è un colore caldo, vivace e agitato; è forte, un movimento in sé. Mescolato con il nero diventa marrone, un colore duro. Mescolato con il giallo, guadagna in calore e diventa arancione, che imprime un movimento irradiante all”ambiente circostante. Quando il rosso si mescola al blu si allontana dall”uomo per diventare viola, che è un rosso freddo. Il rosso e il verde formano il terzo grande contrasto, e l”arancione e il viola il quarto.

Punto e linea al piano

Nei suoi scritti, pubblicati a Monaco dalla casa editrice Albert Langen nel 1926, Kandinsky analizzò gli elementi geometrici che compongono ogni dipinto: il punto e la linea. Chiamava il supporto fisico e la superficie materiale su cui l”artista disegna o dipinge il piano di base, o BP. Non li analizzò oggettivamente, ma dal punto di vista del loro effetto interiore sull”osservatore.

Un punto è un piccolo pezzo di colore messo dall”artista sulla tela. Non è né un punto geometrico né un”astrazione matematica; è estensione, forma e colore. Questa forma può essere un quadrato, un triangolo, un cerchio, una stella o qualcosa di più complesso. Il punto è la forma più concisa ma, secondo la sua collocazione sul piano di base, prenderà una tonalità diversa. Può essere isolato o entrare in risonanza con altri punti o linee.

Una linea è il prodotto di una forza che è stata applicata in una determinata direzione: la forza esercitata sulla matita o sul pennello dall”artista. Le forme lineari prodotte possono essere di diversi tipi: una linea retta, che risulta da una forza unica applicata in una sola direzione; una linea angolare, risultante dall”alternanza di due forze in direzioni diverse, o una linea curva (o ondulata), prodotta dall”effetto di due forze che agiscono simultaneamente. L”effetto soggettivo prodotto da una linea dipende dal suo orientamento: una linea orizzontale corrisponde al suolo su cui l”uomo poggia e si muove; possiede una tonalità affettiva scura e fredda simile al nero o al blu. Una linea verticale corrisponde all”altezza e non offre nessun appoggio; possiede una tonalità luminosa e calda vicina al bianco e al giallo. Una diagonale possiede una tonalità più o meno calda (o fredda), secondo la sua inclinazione verso l”orizzontale o la verticale.

Una forza che si dispiega, senza ostacoli, come quella che produce una linea retta corrisponde al lirismo; diverse forze che si confrontano (o infastidiscono) tra loro formano un dramma. L”angolo formato dalla linea angolare ha anche una sonorità interna che è calda e vicina al giallo per un angolo acuto (un triangolo), fredda e simile al blu per un angolo ottuso (un cerchio), e simile al rosso per un angolo retto (un quadrato).

Il piano di base è, in generale, rettangolare o quadrato. Pertanto, è composto da linee orizzontali e verticali che lo delimitano e lo definiscono come un”entità autonoma che sostiene il quadro, comunicando la sua tonalità affettiva. Questa tonalità è determinata dall”importanza relativa delle linee orizzontali e verticali: le orizzontali danno una tonalità calma e fredda al piano di base mentre le verticali impartiscono una tonalità calma e calda. L”artista intuisce l”effetto interno del formato e delle dimensioni della tela, che sceglie in base alla tonalità che vuole dare alla sua opera. Kandinsky considerava il piano di base un essere vivente, che l”artista “fertilizza” e sente “respirare”.

Ogni parte del piano di base possiede una colorazione affettiva; questa influenza la tonalità degli elementi pittorici che saranno disegnati su di esso, e contribuisce alla ricchezza della composizione che risulta dalla loro giustapposizione sulla tela. Il sopra del piano di base corrisponde alla scioltezza e alla leggerezza, mentre il sotto evoca la condensazione e la pesantezza. Il compito del pittore è quello di ascoltare e conoscere questi effetti per produrre quadri che non siano solo l”effetto di un processo casuale, ma il frutto di un lavoro autentico e il risultato di uno sforzo verso la bellezza interiore.

Questo libro contiene molti esempi fotografici e disegni dalle opere di Kandinsky che offrono la dimostrazione delle sue osservazioni teoriche, e che permettono al lettore di riprodurre in lui l”ovvietà interiore a condizione che si prenda il tempo di guardare quelle immagini con cura, che le lasci agire sulla sua propria sensibilità e che lasci vibrare le corde sensibili e spirituali della sua anima.

Mercato dell”arte

Nel 2012, Christie”s ha messo all”asta Studie für Improvisation 8 (Studio per l”improvvisazione 8) di Kandinsky, una vista del 1909 di un uomo che brandisce uno spadone in un villaggio dai colori dell”arcobaleno, per 23 milioni di dollari. Il dipinto era stato in prestito al Kunstmuseum Winterthur, Svizzera, dal 1960 ed è stato venduto a un collezionista europeo dalla Fondazione Volkart, il braccio caritatevole della società svizzera di commercio di materie prime Volkart Brothers. Prima di questa vendita, l”ultimo record dell”artista era stato stabilito nel 1990 quando Sotheby”s ha venduto la sua Fuga (1914) per 20,9 milioni di dollari. Il 16 novembre 2016 Christie”s ha messo all”asta Rigide et courbé (rigido e piegato) di Kandinsky, un grande dipinto astratto del 1935, per 23,3 milioni di dollari, un nuovo record per Kandinsky. Solomon R. Guggenheim ha originariamente acquistato il dipinto direttamente dall”artista nel 1936, ma non è stato esposto dopo il 1949, ed è stato poi venduto all”asta a un collezionista privato nel 1964 dal Museo Solomon R. Guggenheim.

Nella cultura popolare

L”opera teatrale del 1990 Six Degrees of Separation si riferisce a un quadro “double-sided Kandinsky”. Non si conosce l”esistenza di un tale dipinto; nella versione cinematografica del 1993 dell”opera, il dipinto a due facce è ritratto come se avesse il dipinto di Kandinsky del 1913 Linee nere su un lato e il suo dipinto del 1926 Diversi cerchi sull”altro lato.

Il film del 1999 Double Jeopardy fa numerosi riferimenti a Kandinsky, e una sua opera, Sketch, occupa un posto di rilievo nella trama. La protagonista, Elizabeth Parsons (Ashley Judd), utilizza la voce del registro dell”opera per rintracciare il marito sotto il suo nuovo pseudonimo. Nel film compaiono anche due varianti della copertina dell”almanacco di Blue Rider.

Nel 2014, Google ha commemorato il 148° compleanno di Kandinsky con un Google Doodle basato sui suoi dipinti astratti.

Nel film del 2015 Longest ride c”è una storia nella storia che parla di Ruth e Ira. Ruth è interessata all”arte e visitano il Black Mountain College dove Ruth racconta a Ira di Kandinski che è arrivato e ha rotto tutte le leggi della disciplina.

Una biografia per immagini intitolata The Noisy Paint Box: The Colors and Sounds of Kandinsky”s Abstract Art è stato pubblicato nel 2014. Le sue illustrazioni di Mary GrandPre gli sono valse un Caldecott Honor 2015.

Suo nipote fu il professore di musicologia e scrittore Aleksey Ivanovich Kandinsky (1918-2000), la cui carriera fu incentrata e centrata in Russia.

Mostre

Il Museo Solomon R. Guggenheim allestirà la mostra Vasily Kandinsky: Around the Circle dall”8 ottobre 2021 al 5 settembre 2022, in concomitanza con una serie di mostre personali con il lavoro degli artisti contemporanei Etel Adnan, Jennie C. Jones e Cecilia Vicuña.

Il Museo Solomon R. Guggenheim ha tenuto una grande retrospettiva del lavoro di Kandinsky dal 2009 al 2010, chiamata Kandinsky. Nel 2017, una selezione di opere di Kandinsky è stata in mostra al Guggenheim, “Visionari: Creating a Modern Guggenheim”.

La Phillips Collection di Washington, D.C., ha tenuto una mostra dall”11 giugno al 4 settembre 2011, chiamata “Kandinsky e l”armonia del silenzio”, con il “dipinto con bordo bianco” e i suoi studi preparatori.

Nel 2013 la famiglia Lewenstein ha presentato una richiesta di restituzione del Quadro con case di Kandinsky detenuto dallo Stedelijk Museum. Nel 2020, una commissione istituita dal ministro della cultura olandese ha trovato difetti nel comportamento del comitato di restituzione, causando uno scandalo in cui due dei suoi membri, tra cui il suo presidente, si sono dimessi. Più tardi nello stesso anno, un tribunale di Amsterdam stabilì che lo Stedelijk Museum poteva mantenere il dipinto della collezione ebraica Lewenstein, nonostante il furto nazista. Tuttavia, nell”agosto 2021 il consiglio comunale di Amsterdam ha deciso di restituire il dipinto alla famiglia Lewenstein.

Nota: diverse sezioni di questo articolo sono state tradotte dalla sua versione francese: Scritti teorici sull”arte, Il Bauhaus e I grandi periodi artistici di sintesi. Per i riferimenti dettagliati completi in francese, vedere la versione originale a fr:Vassily Kandinsky.

Riferimenti in francese

Fonti