William-Adolphe Bouguereau

gigatos | Gennaio 11, 2022

Post Views: 189

Riassunto

William-Adolphe Bouguereau (La Rochelle, 30 novembre 1825 – La Rochelle, 19 agosto 1905) è stato un insegnante e pittore accademico francese. Con un talento manifesto fin dall”infanzia, ricevette una formazione artistica in una delle scuole d”arte più prestigiose del suo tempo, la Scuola di Belle Arti di Parigi, dove poi divenne un insegnante molto ricercato, insegnando anche all”Accademia Julian. La sua carriera fiorì durante il periodo d”oro dell”accademismo, un sistema di educazione di cui fu un ardente sostenitore e di cui fu uno dei più tipici rappresentanti.

La sua pittura è caratterizzata da una perfetta padronanza della forma e della tecnica, con una finitura di alta qualità, ottenendo effetti di grande realismo. In termini di stile, faceva parte della corrente eclettica che dominò la seconda metà del XIX secolo, mescolando elementi di neoclassicismo e romanticismo in un approccio naturalistico con una buona dose di idealismo. Ha lasciato un vasto corpo di lavoro, incentrato su temi mitologici, allegorici, storici e religiosi; su ritratti, nudi e immagini di giovani contadine.

Durante la sua vita accumulò una fortuna e ottenne fama internazionale, ricevendo numerosi premi e decorazioni – come il Prix de Rome e l”Ordine Nazionale della Legion d”Onore – ma verso la fine della sua carriera cominciò ad essere screditato dai premoderni. Dall”inizio del XX secolo, subito dopo la sua morte, la sua opera fu rapidamente dimenticata, arrivando ad essere considerata affatto vuota e artificiale, e un modello di tutto ciò che l”arte non dovrebbe essere, ma negli anni ”70 cominciò ad essere apprezzata di nuovo, e oggi è considerato uno dei grandi pittori del XIX secolo. Tuttavia, c”è ancora molta resistenza al suo lavoro, e la controversia rimane intorno a lui.

Per approfondire le sue conoscenze classiche, Eugène lo mandò nel 1839 a studiare alla scuola di Pons, un istituto religioso, dove entrò in contatto con la mitologia greca, la storia antica e la poesia di Ovidio e Virgilio. Allo stesso tempo riceveva lezioni di disegno da Louis Sage, un ex allievo di Ingres. Nel 1841 la famiglia si trasferì di nuovo, ora a Bordeaux, dove avrebbero iniziato un commercio di vino e olio d”oliva. Il giovane sembrava destinato a seguire le orme di suo padre nel commercio, ma ben presto alcuni clienti del negozio notarono i disegni che faceva e insistettero perché suo padre lo mandasse a studiare alla scuola comunale di disegno e pittura. Suo padre accettò, a condizione che non facesse carriera, perché vedeva un futuro più promettente nel commercio. Iscrittosi nel 1842 e studiando con Jean-Paul Alaux, nonostante frequentasse le lezioni solo per due ore al giorno, fece rapidi progressi e alla fine ricevette il suo primo premio di pittura nel 1844, che confermò la sua vocazione. Per guadagnare un po” di soldi disegnava etichette per prodotti alimentari.

Formazione continua e inizio della carriera

Tramite suo zio ricevette l”ordine di dipingere ritratti di parrocchiani, e con il reddito del lavoro, più una lettera di raccomandazione di Alaux, fu in grado, nel 1846, di andare a Parigi ed entrare alla Scuola di Belle Arti. François-Édouard Picot lo ricevette come allievo, e con lui Bouguereau si perfezionò nel metodo accademico. All”epoca, disse che entrare nella scuola lo lasciò “traboccante di entusiasmo”, studiando fino a venti ore al giorno e mangiando a malapena. Per perfezionarsi nel disegno anatomico frequentò le dissezioni, oltre a studiare storia e archeologia. I suoi progressi furono quindi molto rapidi, e le opere di questa fase, come Uguaglianza davanti alla morte (1848), sono già lavori perfettamente finiti, tanto che nello stesso anno condivise il primo posto, insieme a Gustave Boulanger, nella fase preliminare del Premio Roma. Nel 1850 vinse il concorso finale del Premio, con l”opera Zenobia trovata dai pastori sulle rive dell”Araxe.

Stabilendosi a Villa Medici come discepolo di Victor Schnetz e Jean Alaux, ebbe modo di studiare direttamente i maestri del Rinascimento, provando una grande attrazione per l”opera di Raffaello. Visitò le città della Toscana e dell”Umbria, studiando gli antichi, apprezzando soprattutto la bellezza artistica di Assisi, copiando integralmente gli affreschi di Giotto nella Basilica di San Francesco. Si entusiasma anche per gli affreschi dell”antichità che incontra a Pompei, che riprodurrà a casa sua quando tornerà in Francia, cioè nel 1854. Passò un po” di tempo con i suoi parenti a Bordeaux e La Rochelle, decorò la villa dei Moulon, un ramo ricco della famiglia, e poi si stabilì a Parigi. Nello stesso anno espose al Salon Il trionfo del martirio, tenutosi l”anno precedente, e decorò due palazzi. Già i suoi primi critici applaudirono la sua padronanza del disegno, la felice composizione delle figure, e la fortunata affiliazione con Raffaello, dal quale dissero che sebbene avesse imparato tutto dagli antichi, aveva lasciato un lavoro originale. Fu anche il soggetto di un articolo lodevole di Théophile Gautier, che fece molto per consolidare la sua reputazione.

Sposò Marie-Nelly Monchablon nel 1856, e con lei avrebbe avuto cinque figli. Nello stesso anno il governo francese gli commissionò la decorazione del municipio di Tarascon, dove lasciò la tela Napoleone III in visita alle vittime dell”inondazione di Tarascon nel 1856. L”anno seguente ottenne la medaglia di prima classe al Salon, dipinse i ritratti dell”imperatore Napoleone III e dell”imperatrice Eugenia di Montijo, e decorò la villa del ricco banchiere Émile Pereire. Con queste opere Bouguereau divenne un artista celebrato e divenne ricercato come insegnante. Sempre in questo anno nacque la sua prima figlia, Henriette. L”anno 1859 vide la nascita di una delle sue più grandi composizioni, All Saints” Day, acquistata dal Comune di Bordeaux, e del suo primo figlio, George. Intorno allo stesso periodo decorò, sotto la supervisione di Picot, la cappella di San Luigi nella chiesa di Santa Clotilde a Parigi, in uno stile austero che tradisce la sua ammirazione per il Rinascimento. La sua seconda figlia, Jeanne, nacque nel Natale del 1861 ma visse solo pochi anni.

Transizione stilistica e consacrazione

Con Parigi sotto assedio nel 1870 durante la guerra franco-prussiana, Bouguereau tornò da solo dalle sue vacanze in Inghilterra, dove stava con la sua famiglia, e prese le armi come soldato semplice, aiutando a difendere le barricate, anche se a causa della sua età era esentato dal servizio militare. Una volta tolto l”assedio, raggiunse la sua famiglia e passò un po” di tempo a La Rochelle, aspettando la fine della Comune. Approfittò del tempo per fare delle decorazioni nella cattedrale e dipingere il ritratto del vescovo Thomas. Nel 1872 fu ammesso all”Esposizione Universale di Vienna, quando le sue opere mostravano già uno spirito più sentimentale, gioviale e dinamico, come in Ninfe e Satiri (1873), spesso raffigurando anche bambini. Questo clima si romperà nel 1875, quando morirà George, un duro colpo per la famiglia, che tuttavia si rifletterà in due importanti opere a tema sacro: Pietà e La Vergine della Consolazione. Allo stesso tempo iniziò a insegnare all”Accademia Julian di Parigi. Nel 1876 nacque il suo ultimo figlio, Maurice, e fu accettato come membro effettivo dell”Istituto di Francia, dopo dodici suppliche frustrate. Un anno dopo, nuove sofferenze: sua moglie muore e, dopo due mesi, perde anche Maurice. Come se fosse una compensazione, il periodo fu costellato dalla produzione di alcuni dei suoi più grandi e ambiziosi dipinti. L”anno seguente ricevette la grande medaglia d”onore all”Esposizione Universale. Alla fine del decennio informò la sua famiglia del suo desiderio di risposarsi con la sua ex allieva Elizabeth Gardner. Sua madre e sua figlia si opposero, ma segretamente la coppia si fidanzò nel 1879. Il matrimonio sarà celebrato solo dopo la morte di sua madre nel 1896.

Nel 1881 decorò la cappella della Vergine nella chiesa di San Vincenzo de” Paoli a Parigi, una commissione che avrebbe richiesto otto anni per essere completata, composta da otto grandi tele sulla vita di Cristo. Poco dopo divenne presidente della Società degli artisti francesi, incaricata dell”amministrazione dei Saloni, una posizione che mantenne per molti anni. Nel frattempo dipinse un”altra grande tela, La giovinezza di Bacco (1884), una delle preferite dell”artista, che rimase nel suo studio fino alla sua morte. Nel 1888 fu nominato professore alla Scuola di Belle Arti di Parigi e l”anno seguente fu nominato Comandante dell”Ordine Nazionale della Legione d”Onore. A questo punto, mentre la sua fama cresceva in Inghilterra e negli Stati Uniti, in Francia cominciava a sperimentare un certo declino, affrontando la concorrenza e gli attacchi dell”avanguardia premodernista, che lo considerava mediocre e poco originale.

Ultimi anni

Bouguereau aveva opinioni ferme e in più di un”occasione si scontrò con il pubblico, i suoi colleghi e i critici. Nel 1889 si scontrò con il gruppo raccolto intorno al pittore Ernest Meissonier sulla regolamentazione dei Salon, che alla fine portò alla creazione della Società Nazionale di Belle Arti, che teneva un Salon dissidente. Nel 1891 i tedeschi invitarono gli artisti francesi a esporre a Berlino, e Bouguereau fu uno dei pochi ad accettare, dicendo che sentiva il dovere patriottico di penetrare in Germania e conquistarla attraverso il pennello. Questo tuttavia suscitò l”ira della Lega dei Patrioti a Parigi, e Paul Déroulède iniziò una guerra contro di lui sulla stampa. D”altra parte, il successo di Bouguereau nell”organizzare una mostra di artisti francesi alla Royal Academy di Londra ebbe l”effetto di creare un evento permanente che si ripeteva ogni anno.

Suo figlio Paul, che era diventato uno stimato giurista e militare, morì nel 1900, la quarta morte di un figlio a cui Bouguereau dovette assistere. In questo periodo il pittore si trovava con lui a Mentone, nel sud della Francia, dove, dipingendo incessantemente, sperava di guarire dalla tubercolosi che aveva contratto. La perdita fu critica per Bouguereau, la cui salute da allora in poi declinò rapidamente. Nel 1902 apparvero i primi segni di un disturbo cardiaco. Ebbe però la fortuna di vedere acclamato il lavoro che aveva inviato all”Esposizione Universale, e nel 1903 ricevette le insegne di Grande Ufficiale dell”Ordine Nazionale della Legion d”Onore. Poco dopo fu invitato alle celebrazioni del centenario di Villa Medici a Roma, e trascorse una settimana a Firenze con sua moglie. In questo periodo ricevette numerosi inviti ad essere premiato nelle città europee, ma la sua salute cagionevole lo costrinse a rifiutarli, e alla fine gli impedì di dipingere. Percependo la sua fine, si trasferì il 31 luglio 1905 a La Rochelle, dove morì il 19 agosto.

Sfondo

Bouguereau fiorì all”apice dell”accademismo, un metodo di insegnamento nato nel XVI secolo e che dalla metà del XIX secolo aveva raggiunto un”influenza dominante. Si basava sul concetto fondamentale che l”arte può essere pienamente insegnata sistematizzandola in un corpo comunicabile di teoria e pratica, minimizzando l”importanza dell”originalità. Le accademie valorizzavano soprattutto l”autorità dei maestri affermati, venerando soprattutto la tradizione classica, e adottavano concetti che avevano, oltre a un carattere estetico, anche uno sfondo etico e uno scopo pedagogico, producendo un”arte che mirava a educare il pubblico e quindi a trasformare in meglio la società. Ebbero anche un ruolo fondamentale nell”organizzazione di tutto il sistema dell”arte, perché oltre all”insegnamento, monopolizzarono l”ideologia culturale, il gusto, la critica, il mercato e le modalità di esposizione e diffusione della produzione artistica, e stimolarono la formazione di collezioni didattiche che finirono per essere l”origine di molti musei d”arte. Questa vasta influenza era dovuta principalmente alla loro dipendenza dal potere costituito degli Stati, essendo, di regola, veicoli di diffusione e consacrazione di ideali non solo artistici, ma anche politici e sociali.

Tra le pratiche più tipiche delle accademie c”era l”organizzazione di periodici Saloni, eventi competitivi di natura artistica e commerciale che esponevano i risultati dei principianti più promettenti e dei maestri affermati, offrendo medaglie e premi significativi ai vincitori. La più alta distinzione del Salon di Parigi era il Prix de Rome, che Bouguereau ricevette nel 1850, il cui prestigio all”epoca sarebbe equivalente a quello del premio Nobel. Il Salon di Parigi nel 1891 ricevette una media di 50 mila visitatori al giorno, nei giorni in cui l”ingresso era gratuito – generalmente la domenica – raggiungendo la soglia dei 300 mila visitatori all”anno, il che rese tali eventi un”importante vetrina per i nuovi talenti e un trampolino per il loro inserimento nel mercato, essendo molto popolare tra i collezionisti. Senza un ricevimento ai Saloni sarebbe difficile per un artista vendere il suo lavoro. Inoltre, le opere esposte ai Salon non si limitavano a quell”area, dato che le opere più acclamate venivano messe in scena come “quadri viventi” nei teatri, circolavano in tutta la campagna, venivano copiate come dipinti e riprodotte in prodotti di consumo di massa come giornali, copertine di riviste e stampe ampiamente diffuse, scatole di cioccolato, calendari, cartoline e altri media, influenzando così potentemente l”intera società. Gli artisti più celebrati divennero anche influenti figure pubbliche, la cui popolarità era paragonabile a quella delle star del cinema di oggi.

Il mercato e il consolidamento del suo stile

Tuttavia, il riconoscimento dell”influenza del mercato sulla sua produzione lo portò ripetutamente e per molto tempo ad essere accusato di prostituire la sua arte, ma bisogna ricordare che gli artisti sono sempre dipesi dai mecenati per la loro sopravvivenza, e il mecenatismo era uno dei processi sociali dominanti nell”Europa preindustriale. In effetti, come ha affermato Jensen, può esserci stata al tempo di Bouguereau un”intensificazione del mercantilismo artistico da parte della crescente indipendenza dei consumatori borghesi dalla guida degli studiosi, che prima dettavano alle élite cosa fosse arte buona o cattiva, ma l”idea che l”arte dovesse essere creata indipendentemente dal gusto pubblico, come avverte lo stesso autore, era una delle bandiere moderniste, e come tale fu usata dall”avanguardia per attaccare il vecchio sistema dell”arte, considerando prostituito non solo Bouguereau, ma l”intero sistema accademico. La cosa contraddittoria di questo argomento è che anche gli impressionisti, quelli che per primi attaccarono Bouguereau, dipendevano dai mecenati e dalla benevolenza dei mercanti d”arte, e in misura ancora maggiore.

Bouguereau dedicò molte delle sue energie a soddisfare il gusto del nuovo pubblico borghese, ma era chiaro il suo idealismo e la sua identificazione dell”arte con la bellezza, e in questo rimase fedele alla tradizione antica. In un”occasione dichiarò la sua professione di fede:

Anche nelle opere che ritraggono i mendicanti, tende all”idealizzazione, il che è una delle ragioni della critica che già durante la sua vita lo accusò di artificialismo. In Familia indigente l”ambiguità del suo trattamento è evidente: mentre l”immagine dovrebbe evocare la miseria, è composta con l”armonia e l”equilibrio del Rinascimento e intende nobilitare i soggetti; si vede che tutti sono abbastanza puliti, sono belli, il bambino in braccio alla madre è paffuto e rosa e sembra del tutto sano. Secondo l”opinione di Erika Langmuir, nonostante il tema e la nota compassione e generosità personale dell”artista, “l”opera non serve né come reportage sociale né come appello all”azione (contro la miseria)”, come fu evidente ai suoi critici quando fu esposta: “Il signor Bouguereau può insegnare ai suoi studenti a disegnare, ma non può insegnare ai ricchi come e quanto la gente soffra intorno a loro”.

Tuttavia, questo approccio non era una sua esclusiva e faceva parte della tradizione accademica. Mark Walker ha osservato che nonostante le critiche che potrebbero essere sollevate contro le sue idealizzazioni perché non rappresentano esattamente la realtà visibile, l”idealizzazione stessa, con la fantasia che comporta, non può essere considerata un elemento estraneo all”arte. Linda Nochlin aggiunge che anche se per questo i suoi detrattori lo accusano di passatismo e di mancare di contatto con il suo tempo, non bisogna considerarlo un anacronismo, poiché l”ideologia che difendeva era una delle correnti vitali esistenti in quel periodo: “che lo vogliano o no, artisti e scrittori sono inevitabilmente condannati ad essere contemporanei, incapaci di sfuggire alle determinanti che Taine divideva in contesto (milieu), razza e momento”.

Tenendo conto del suo contesto e delle sue preferenze personali, si può riassumere la descrizione del suo stile eclettico come segue:

Metodo e tecnica

Come ogni accademico del suo tempo, si sottopose a un apprendistato sistematico e graduale, studiando i rinomati maestri e le tecniche del suo mestiere. La competenza nel disegno era indispensabile, era la base di tutto il lavoro accademico, sia per strutturare l”intera composizione sia per rendere possibile, nelle fasi iniziali, esplorare un”idea dai più svariati aspetti, prima di arrivare a un risultato definitivo. Naturalmente, il suo metodo di lavoro includeva l”esecuzione di numerosi schizzi preparatori, in una costruzione meticolosa di tutte le figure e degli sfondi. Allo stesso modo era fondamentale una perfetta padronanza della rappresentazione del corpo umano, dato che tutte le opere erano figurative e incentrate sulle azioni dell”uomo o di divinità mitologiche antropomorfe. L”impressionante morbidezza della texture nella rappresentazione pittorica della pelle umana e la delicatezza delle forme e dei gesti che ha ottenuto nelle mani, nei piedi e nei volti sono stati particolarmente ammirati. Un cronista anonimo ha lasciato la sua impronta:

Bouguereou ha lavorato nella tecnica della pittura a olio, e la sua pennellata è spesso invisibile, con una finitura di altissima qualità. Ha costruito le forme con i loro contorni nettamente delineati, evidenziando la sua padronanza del disegno, e definito i volumi con una sapiente gradazione di luce in sottile sfumato. La sua tecnica era riconosciuta come brillante, ma nei suoi ultimi anni, forse a causa di problemi di vista, divenne meno rigoroso e le sue pennellate più libere.

Tuttavia, in alcune occasioni la sua tecnica poteva essere estremamente versatile, adattandosi ad ogni tipo di oggetto rappresentato, il che dava una particolare impressione di vivacità e spontaneità all”insieme, senza che questo significasse una grande improvvisazione, come attesta la somiglianza tra i suoi schizzi e le opere finite. Un esempio di questo trattamento eccezionale può essere dato dall”analisi della sua importante composizione La giovinezza di Bacco, nelle parole di Albert Boime:

Leggi anche, storia – Linea Hindenburg

Opere erotiche

Tra i cambiamenti nell”universo accademico portati dalla borghesia, emerse la richiesta di opere a contenuto erotico. Questo spiega la grande presenza del nudo nella sua opera e diversi studiosi contemporanei si sono interessati a questo aspetto della sua produzione. Theodore Zeldin ha affermato che, nonostante la sua innegabile cultura classica, anche le sue opere mitologiche non riguardano gli dei e le dee in sé, ma sono semplici pretesti per l”esibizione di bei corpi femminili dalle pelli satinate, il che, secondo l”autore, può essere confermato dalla sua abitudine di scegliere i nomi per le tele solo dopo che erano finite, in lunghe conversazioni con sua moglie che spesso finivano in risate. Tra le sue scene mitologiche più conosciute con nudi ci sono La giovinezza di Bacco, dove una profusione di nudi e figure semisvestite si diletta e si diverte intorno al dio del vino e dell”estasi, e Ninfe e Satiro, in cui quattro ninfe nude con corpi scultorei tentano di sedurre la creatura mitologica nota per la sua lubricità.

Bouguereau fu uno dei più apprezzati pittori di nudi femminili del suo tempo, e Marcel Proust in una lettera immaginava che fosse in grado di catturare e rendere comprensibile l”essenza trascendentale della bellezza della donna, dicendo: “Quella donna così stranamente bella…. non si riconoscerebbe e ammirerebbe mai se non in un quadro di Bouguereau. Le donne sono l”incarnazione vivente della Bellezza, ma non la capiscono”. Il tipo di corpo che l”artista racchiuse nelle sue opere era il modello standard della bellezza femminile idealizzata del suo tempo: giovani donne con seni piccoli, un corpo perfettamente proporzionato, un aspetto etereo, spesso in posa frontale ma senza peli pubici, o con la vulva strategicamente nascosta. Come ha osservato James Collier, per quella società questo tipo di rappresentazione sublimata e impersonale era un modo accettabile per mostrare pubblicamente la figura della donna nuda in un”epoca moralista in cui i signori non osavano menzionare parole come “gambe” o “gravidanza” in presenza di signore. Per essere vista nuda, la donna non poteva essere di questo mondo. Non c”è da stupirsi, quindi, dello scandalo che provocò l”Olympia di Manet quando fu esposta nel 1863, non più nuda delle donne di Bouguereau, ma presentata in un contesto prosaico – sdraiata su un divano con una serva che le porta un mazzo di fiori, presumibilmente inviato da un ammiratore, che la rendeva agli occhi dell”epoca una semplice prostituta. Mentre Olympia imbarazzava tutti con il suo appello al sesso immediato, con le ninfe inumane di Bouguereau gli uomini potevano fantasticare tranquillamente ed educatamente in saloni pieni.

Tra i suoi nudi più ambiziosi c”è Two bathers, un importante contributo a un genere tradizionale ma per certi aspetti un”opera innovativa. Gran parte del suo impatto è dovuto alla presentazione dei corpi delineati su uno sfondo aperto, che evidenzia le loro forme e conferisce loro una monumentalità statuaria. Di nuovo, come era la regola con il tema dei bagnanti, le figure non sembrano appartenere alla Terra, immerse in una sorta di introspezione in un ambiente selvaggio e remoto, lontano dall”ambiente urbano, vivendo solo nella realtà pittorica, caratteristiche che le isolano con sicurezza dall”osservatore senza produrre un”effettiva interazione.

Ma ci fu uno sviluppo particolare nell”erotismo maschile europeo del XIX secolo, che aprì nuovi campi di rappresentazione artistica nei quali Bouguereau si immerse risolutamente. In un periodo in cui la donna adulta, la vera donna, stava abbandonando il suo precedente ruolo di diva casta e virtuosa, come se “perdesse la sua innocenza”, in parte l”erotismo maschile si spostò verso le giovani ragazze e anche, in alcuni casi, verso i ragazzi, entrambi nella prima adolescenza, alla ricerca di qualcosa che potesse cancellare il senso di purezza perduto. Come ha descritto Jon Stratton, “c”è stata una convergenza. Laddove le ragazze adolescenti erano diventate desiderabili per gli uomini borghesi, essendo allo stesso tempo desiderate e temute, si pensava che gli uomini potessero celebrare il ragazzo adolescente senza desiderio ma per le virtù femminili attribuitegli. Ma ben presto l”ambigua figura maschile si è eroticizzata”. Bram Dijkstra, in questa linea di pensiero, ha citato come esempio l”opera Wet Cupid di Bouguereau, esposta al Salon del 1891, e ha detto: “Il maestro non poteva offrire un adolescente più sessualmente stimolante di questo, ma a differenza di Oscar Wilde, che era stato incarcerato per pederastia, Bouguereau ha ricevuto premi e onori”. La differenza, tornò Stratton, risiedeva nel fatto che Wilde si era allontanato, mentre Bouguereau era rimasto al sicuro sul terreno sicuro della fantasia.

Non è difficile percepire le ampie connotazioni politiche e sociali di questa visione, come il consolidamento di un”ideologia di dominio, pregiudizio e sfruttamento delle donne contadine. Analizzando l”opera The Broken Jar, Sayer ha detto che l”immagine della contadina, seduta al lato di un pozzo, con i piedi nudi, i capelli sciolti, lo sguardo fisso sull”osservatore, il vaso rotto ai suoi piedi, è una metafora di seduzione e allo stesso tempo di pericolo, della conoscenza e dell”innocenza sessuale, e indica chiaramente il potere della sessualità, un potere che richiede una reazione che dissolve la minaccia e contiene così tanto potere, attraverso l”allontanamento dell”idealizzazione pastorale, e soprattutto quando la figura era una giovane ragazza e non una donna adulta.

Opere religiose e storiche

La produzione sacra di Bouguereau costituisce una minoranza nel suo corpo di lavoro, ma un breve riferimento dovrebbe almeno essere fatto a questo gruppo tematico. Lavorò con più enfasi nel genere sacro prima degli anni 1860, considerandolo “il pilastro della Grande Pittura” e dandogli un trattamento conservatore e magniloquente che lo affiliò alla scuola classicista di Raffaello e Poussin. Le sue opere religiose erano molto stimate e Bonnin, un critico dell”epoca, lodò l”autenticità del suo sentimento cristiano e la nobiltà delle sue figure espresse nella Pietà, considerandole di migliore ispirazione delle sue creazioni profane. Correlata alla Pietà è la Vergine della Consolazione, una composizione solenne e ieratica che ricorda l”arte bizantina, dove la Vergine Maria prende in grembo una madre sconvolta che ha il figlio morto ai suoi piedi. Fu dipinto subito dopo la guerra franco-prussiana, in omaggio alle madri francesi che avevano perso i loro figli nel conflitto. Più tardi il suo interesse si rivolse ad altre aree, e l”artista stesso riconobbe che il mercato per questo tipo di arte era in rapido declino, in una tendenza che già nel 1846 Théophile Gautier aveva rilevato.

Nonostante ciò, durante la sua vita produsse occasionalmente alcuni pezzi, comprese importanti commissioni della Chiesa, come la decorazione nel 1881 della Chiesa di San Vincenzo de Paoli a Parigi. Nelle sue opere successive manterrà lo stesso tono elevato della sua prima produzione, sebbene lo stile sia più flessibile e dinamico. Quando dipingeva gruppi di angeli, spesso derivava le figure dallo stesso modello, etereo e dolce. In Regina angelorum (in Song of Angels (1881) succede la stessa cosa, e in Pietà (1876) gli otto angeli sono fondamentalmente solo due modelli diversi. Questa procedura significa, forse, come crede Kara Ross, una dichiarazione di principio sulla natura del divino, sottolineando che la presenza divina può essere sentita attraverso la moltitudine di anime, ma essendo in essenza un unico potere.

Poteva anche esprimere il pathos del sentimento religioso, come in Compassion! (1897), dove Cristo in croce è raffigurato contro un paesaggio desolato di grande efficacia drammatica, e nella stessa sovracitata Pietà, dipinta poco dopo la morte del figlio George, con la figura del Cristo morto strettamente avvolto nelle braccia della madre, avendo intorno un cerchio di angeli in agitata composizione. Jay Fisher, da parte sua, trova sorprendente che anche nelle opere religiose siano visibili segni di erotismo, dando come esempio la flagellazione di Cristo e dicendo che l”opera causò apprensione quando fu presentata al pubblico, con i critici che vedevano nel corpo del martire forme un po” femminilizzate e disapprovavano il suo languido abbandono al calvario.

Le opere storiche, nella concezione dell”epoca, erano visualizzazioni retoriche con uno scopo eminentemente didattico, traendo i loro motivi dalla letteratura, dal folklore e dall”erudizione antiquaria, o portavano sulla scena eventi recenti considerati degni di consacrazione artistica. Di solito su larga scala, enfatizzavano i valori positivi in un approccio un po” sensazionalista, per avere un impatto ed eccitare il pubblico. Anche se tali opere erano spesso evocazioni sentimentali, in altri casi c”era una seria preoccupazione di ricreare accuratamente il passato storico o di trasmettere un valido messaggio morale per l”educazione e l”elevazione della collettività. Esempi tipici di questo approccio sono visibili nell”opera che gli valse il Premio Roma nel 1850, Zenobia trovata dai pastori sulle rive dell”Araxe, che difendeva i valori morali e pii narrando l”episodio della regina incinta pugnalata e abbandonata dal marito ma salvata e curata da pastori gentili, e in quella commissionata dallo Stato nel 1856, Napoleone III in visita alle vittime dell”inondazione di Tarascon, che portava un motivo di carattere civile e sociale.

Nello stesso campo si possono includere allegorie, come Alma parens, una rappresentazione della Patria carica di spirito civico, dove una donna dal portamento augusto e coronata di alloro, seduta su un trono, è circondata da bambini che rappresentano i cittadini e corrono a rifugiarsi. Ai suoi piedi, i simboli delle ricchezze della terra: un tralcio di vite e spighe di grano. Simile è Charity, anch”essa una figura materna e protettiva. Come per i dipinti religiosi, i soggetti storici cominciarono a cadere di moda intorno agli anni 1860 in favore di soggetti più prosaici. Bailey Van Hook ha sottolineato che, nonostante le differenze nel soggetto, il trattamento formale di Bouguereau in molti casi era abbastanza simile tra i generi, stabilendo lo stesso modello di costruzione della figura e i modi di composizione della scena. Laura Lombardi sembra essere in parte d”accordo con questa idea, ma ha sottolineato che la cosa principale nella sua opera storica è una felice compenetrazione di riferimenti classici ed evocazioni del proprio tempo, citando l”esempio della tela Omero e la sua guida, che, riportando alla luce un motivo dell”Antica Grecia, lo faceva con la vivacità di uno studio dal vivo.

Molto apprezzato durante la sua vita, i suoi ritratti sono generalmente rappresentazioni romantiche, mostrando una notevole capacità di catturare le emozioni e lo spirito del soggetto. In questo campo si sentiva apparentemente più libero dalle convenzioni e poteva esplorare la figura con franchezza e senza doverla riferire alla tradizione classica. I suoi ritratti, inoltre, furono modelli importanti per stimolare la produzione artistica delle donne e rendere fattibile il loro inserimento nel mercato. Ha iniziato nel genere in giovane età, ritraendo persone della sua regione natale, e una delle sue creazioni più celebrate è il Ritratto di Aristide Boucicaut, di grande rigore formale.

Nella sua carriera d”insegnante, in cui formò innumerevoli studenti, adottò lo stesso metodo in cui era stato educato, che richiedeva una disciplina rigorosa, uno studio approfondito degli antichi maestri e della natura, e una perfetta padronanza delle tecniche e dei materiali. Nel metodo accademico non c”era spazio per l”improvvisazione. Come disse una volta ai suoi studenti: “Prima di iniziare il lavoro, immergiti nell”argomento del lavoro; se non lo capisci, studialo ulteriormente o cerca un altro argomento. Ricordate che tutto deve essere pianificato in anticipo, fino al più piccolo dettaglio”. Questo non significa che fosse dogmatico. Anche se vedeva la necessità di una formazione approfondita e di un”intensa dedizione al lavoro, secondo Zeldin egli “non inculcava dottrine ai suoi discepoli, li incoraggiava a seguire la loro inclinazione naturale e a trovare la propria originalità attraverso la ricerca individuale e lo sviluppo dei loro talenti speciali. Pensava che non avesse senso cercare di produrre pittori secondo il modello rinascimentale…. Lui stesso non mostrava alcun interesse per la filosofia, la politica o la letteratura; non dava importanza alle teorie sulla pittura e rifiutava l”analisi prolungata”. L”artista stesso ha scritto:

Non mantenne una scuola pubblica, ma insegnò all”Accademia Julian dal 1875 e alla Scuola di Belle Arti di Parigi dal 1888, insegnando solo disegno. Tra i suoi numerosi discepoli, si possono citare alcuni che guadagnarono notorietà: Lovis Corinth, John Lavery, Jean-Édouard Vuillard, Augustus Koopman, Benedict Calixto I suoi allievi gli erano particolarmente devoti, considerandolo, per la sua vasta esperienza e la sua eccellente reputazione, più di un semplice insegnante, ma un mentore per la vita. Alcuni erano addirittura portati alla venerazione, raccogliendo oggetti che aveva toccato, anche insignificanti come un fiammifero usato, come reliquie. Bisogna anche notare che la sua influenza fu importante perché le donne ottenessero più rispetto nell”ambiente artistico di quel tempo, e grazie alla sua indicazione molte di loro ottennero piazzamenti sul mercato.

Durante la maggior parte della sua carriera Bouguereau fu considerato uno dei più grandi pittori viventi e l”incarnazione più perfetta dell”ideale accademico, essendo paragonato a Raffaello. La sua felice combinazione di idealismo e realismo fu molto ammirata, e Gautier disse che nessuno poteva essere allo stesso tempo così moderno e così greco. Le sue opere raggiungevano prezzi astronomici, e c”era una barzelletta secondo cui perdeva cinque franchi ogni volta che posava i pennelli per urinare. Ha educato una legione di discepoli e averlo come maestro era quasi sempre un passaporto garantito per un posto sul mercato. Ha dominato i saloni parigini in un”epoca in cui Parigi era la Mecca dell”arte occidentale e nel suo periodo d”oro la sua fama in Francia era paragonabile solo a quella del Presidente della Repubblica. I collezionisti nordamericani lo consideravano il miglior pittore francese del suo tempo, ed era anche molto apprezzato in Olanda e in Spagna.

Tuttavia, alla fine del XIX secolo, quando il Modernismo iniziò la sua ascesa, la sua stella iniziò il suo tramonto. Degas e i suoi colleghi vedevano in Bouguereau soprattutto l”artificiosità, e “bougueresque” divenne un sinonimo peggiorativo per stili simili al suo, anche se riconoscevano che in futuro doveva essere ricordato come uno dei più grandi pittori francesi del XIX secolo. Venne considerato un tradizionalista all”antica, di scarsa originalità e mediocre talento, il cui pontificare nelle accademie minava la creatività e la libertà di espressione degli studenti. All”inizio del XX secolo la sua preoccupazione per le finiture minuziose e satinate, il suo stile fondamentalmente narrativo, il suo sentimentalismo e il suo attaccamento alla tradizione ne fecero per i modernisti l”epitome di una società borghese decadente che aveva dato origine alla prima guerra mondiale.

Poi il suo lavoro cadde nell”oblio, e per decenni fu considerato futile, volgare e irredimibile. I suoi quadri scomparvero dal mercato ed era difficile sentire qualsiasi riferimento a lui anche nelle scuole d”arte, se non come esempio di cosa non fare. Lionello Venturi sosteneva addirittura che l”opera di Bouguereau non meritava nemmeno di essere considerata “arte”. Ma è interessante sottolineare che nel corso degli anni alcuni importanti artisti dell”avanguardia – pochi, è vero – hanno dato opinioni positive. Van Gogh avrebbe voluto dipingere correttamente come lui, Salvador Dali lo definì un genio e Philip Guston disse “sapeva davvero dipingere”. Andy Warhol possedeva una delle sue opere.

Una riabilitazione controversa

La sua riabilitazione iniziò nel 1974, quando fu allestita una mostra al Museo del Lussemburgo, che fece un certo scalpore. L”anno seguente il New York Cultural Center ha tenuto una retrospettiva. John Ashbery, commentandolo in un articolo del New York Magazine, disse che il suo lavoro era totalmente vuoto. Dieci anni dopo la sua produzione è stata oggetto di una grande mostra retrospettiva che ha girato il Petit Palais di Parigi, il Montreal Museum of Fine Arts e il Wadsworth Atheneum di Hartford. Anche se il curatore del Petit Palais ha affermato che era il momento di rivisitare la sua opera e di sfatare certi miti modernisti, l”editorialista del New York Times Vivien Raynor ha accolto la mostra con scetticismo, dicendo che rimaneva un pittore banale e noioso. Allo stesso modo, l”apertura del Museo d”Orsay nel 1986, restituendo visibilità a numerosi accademici dimenticati da tempo, tra cui Bouguereau, divenne un pomo della discordia nel mondo dell”arte.

Queste critiche indicano che gli sforzi per il suo recupero sono stati controversi e accidentati. È interessante segnalare alcune opinioni recenti per attestare la controversia che ancora lo circonda. Non molto tempo fa John Canaday ha scritto: “Ciò che meraviglia in un quadro di Bouguereau è che è così completamente, così assolutamente integrato. Non un solo elemento è disarmonico all”interno del tutto; non c”è un solo difetto nella completa unione tra concezione ed esecuzione. Il problema di Bouguereau è che la concezione e l”esecuzione sono perfettamente false. Eppure, è una specie di perfezione, anche se è di tipo perverso”. Il curatore di una mostra di artisti francesi negli anni ”90 al Denver Art Museum ha detto:

Per Hjort e Laver, è un artista principalmente kitsch, il che equivale per loro a dire che la sua arte è di scarsa qualità:

Frascina, Perry & Harrison, scrivendo nel 1998, dissero che possedeva una notevole abilità retorica e un ricco linguaggio simbolico, che usava per illustrare le ideologie dominanti del suo tempo, e quindi aveva un valore storico, ma pensarono che purtroppo cedette alle tentazioni della moda e ai gusti inferiori del pubblico per fare successo. È interessante notare che gli stessi Frascina e Harrison in altre occasioni hanno avuto idee diverse: nel 1993 Frascina aveva messo in guardia dal giudicare l”arte antica dall”ottica contemporanea, e nel 2005 Harrison considerava l”opera di Bouguereau più complessa di quanto si potesse giudicare a prima vista, possedendo alte qualità formali e una fertile fantasia che contribuiscono all”efficacia di un sottile stile narrativo pieno di contenuti psicologici.

Ambivalenti sono anche gli apprezzamenti del noto critico Ernst Gombrich. Una volta descrisse la tela La nascita di Venere come un”overdose di zucchero e disse che “respingiamo ciò che è troppo buono”, ma prima ancora riconobbe che la sua tecnica, nel campo della rappresentazione, significava un progresso verso la modernità. E ha aggiunto: “Perché vituperiamo i capolavori di Bouguereau e della sua scuola per essere astuti e forse rivoltanti? Ho il sospetto che quando chiamiamo insinceri, per esempio, dipinti come il suo espressivo Elder Sister, o non veritieri, stiamo dicendo sciocchezze. Ci rifugiamo dietro un giudizio morale del tutto inapplicabile. Dopo tutto, ci sono bei bambini nel mondo, e anche se non ci fossero, l”accusa non sarebbe applicabile alla pittura”. Lo stesso Gombrich ha sollevato l”ironica ipotesi che la recente rivalutazione di accademici come Bouguereau possa essere dovuta al fatto che, nel contesto del ventesimo secolo, immerso profondamente nei principi del Modernismo e in molteplici correnti d”avanguardia, l”arte accademica appare alle nuove generazioni come estranea all”establishment, e quindi diventa attraente.

D”altra parte, non si può ignorare il contesto storico e contestare la sua vasta influenza nel suo tempo, che sicuramente gli garantisce un posto nella storia dell”arte. Robert Henri, facendo un esempio un po” scherzoso, avvertiva che le valutazioni sono relative: “Se giudichiamo un Manet dal punto di vista di Bouguereau, Manet non è finito; se giudichiamo un Bouguereau dal punto di vista di Manet, Bouguereau non ha nemmeno cominciato. Sulla stessa linea segue Robert Solomon, dicendo che i giudizi di valore e le idee sulla bellezza sono concetti incoerenti, e gli stessi avvertimenti sul sentimentalismo e l”autocompiacimento che sono spesso rivolti contro Bouguereau potrebbero essere applicati, per esempio, a pre-modernisti come Degas, e persino alla critica attuale che considera il suo punto di vista l”unico corretto. Inoltre, ha messo in dubbio che sia giusto considerare sentimenti come la tenerezza, l”innocenza e l”amore, che si trovano così spesso nell”opera del pittore, come indegni di un trattamento artistico, solo perché alcune parti della critica contemporanea li considerano falsi, antiquati o banali, in un programma ideologico che è tanto esclusivista quanto quello che condanna.

La stessa opinione riguardo a un Modernismo totalitario ed escludente l”alterità è stata sostenuta da Jorge Coli, citando esplicitamente il caso di Bouguereau, ma riconoscendo che la ”tradizione” creata dal Modernismo è diventata così dominante nel corso del ventesimo secolo che oggi è difficile sia per i critici che per il pubblico districarsi da essa. Trodd & Denis sono d”accordo, affermando che la cultura accademica ha subito un torto, e trovano l”originalità di Bouguereau nel suo uso innovativo del repertorio formale che la tradizione gli aveva lasciato in eredità. Per Theodore Zeldin la sincerità di Bouguereau era autentica come quella dei suoi rivali modernisti, anche se i valori che difendevano erano molto diversi, e Peter Gay sospettava che le faide tra Bouguereau e gli impressionisti fossero piuttosto dovute all”invidia che l”enorme successo del celebre maestro provocava loro. L”influente critico Robert Rosenblum disse che nei suoi dipinti di zingari Bouguereau aveva effettivamente fatto arte sacra e con essa dimostrò che nelle sue vene scorreva il sangue di Raffaello e Poussin. Per Fred e Kara Ross, collegati all”Art Renewal Center, un”istituzione fortemente impegnata nel salvataggio dell”arte accademica,

Nel 2012 Fred e Kara Ross, insieme a Damien Bartoli, dopo una ricerca di oltre trent”anni, hanno pubblicato il primo catalogo ragionato sulla produzione di Bouguereau, accompagnato da una biografia di 600 pagine. Tuttavia, Mark Roth ha dichiarato che l”Art Renewal Center è noto per la sua tendenza a scusare e mitizzare l”artista, il che danneggia la sua credibilità, e nelle parole di Scott Allan, curatore del Getty Museum, questo catalogo, nonostante il suo grande valore documentale, soffre dello stesso problema.

Nonostante le polemiche, si è già aperto uno spazio considerevole per lui. Il dizionario d”arte Grove, pubblicato dall”Università di Oxford, lo accredita come uno dei grandi pittori del XIX secolo, e dopo tanti anni nascosto nei magazzini, è tornato nelle gallerie di alcuni dei più importanti musei del mondo, come il Metropolitan Museum di New York, il Museum of Fine Arts di Boston e l”Art Institute di Chicago. I suoi quadri sono ampiamente copiati in studi commerciali in varie parti del mondo, molti situati in Oriente, che li rivendono su Internet; è stato oggetto di vari studi specializzati e le sue opere originali hanno raggiunto nuovamente alti prezzi di mercato. Nel 2000 la tela Charity è stata venduta all”asta da Christie”s per 3,52 milioni di dollari.

Distinzioni

Gli sforzi artistici di Bouguereau furono ampiamente riconosciuti durante la sua vita e gli valsero un gran numero di riconoscimenti ufficiali:

Fonti