Wolfgang Amadeus Mozart

gigatos | Dicembre 14, 2021

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Riassunto

Wolfgang Amadeus Mozart (Salisburgo, 27 gennaio 1756 – Vienna, 5 dicembre 1791) è stato un prolifico e influente compositore austriaco del periodo classico.

Mozart mostrò un”abilità musicale prodigiosa fin dalla sua prima infanzia. Già abile negli strumenti a tastiera e nel violino, iniziò a comporre all”età di cinque anni e iniziò ad esibirsi per i reali europei, stupendo tutti con il suo precoce talento. Nella sua adolescenza, fu assunto come musicista di corte a Salisburgo, ma le limitazioni della vita musicale in città lo spinsero a cercare un nuovo posto in altre corti, ma senza successo. Quando visitò Vienna nel 1781 con il suo datore di lavoro, litigò con lui e si dimise, scegliendo invece di rimanere nella capitale dove, per tutto il resto della sua vita, ottenne fama ma poca stabilità finanziaria. I suoi ultimi anni videro l”apparizione di alcune delle sue più note sinfonie, concerti e opere, così come il suo Requiem. Le circostanze della sua morte prematura hanno dato origine a diverse leggende. Ha lasciato una moglie, Constanze, e due figli.

Fu autore di più di seicento opere, molte delle quali di riferimento nella musica sinfonica, concertante, operistica, corale, pianistica e da camera. La sua produzione fu lodata da tutti i critici del suo tempo, anche se molti la consideravano eccessivamente complessa e difficile, ed egli estese la sua influenza su vari altri compositori durante il XIX e l”inizio del XX secolo. Oggi Mozart è considerato dalla critica come uno dei più grandi compositori dell”Occidente, ha raggiunto un grande prestigio anche tra i profani e la sua immagine è diventata un”icona popolare.

Famiglia e primi anni

Mozart nacque a Salisburgo il 27 gennaio 1756 e fu battezzato il giorno dopo nella cattedrale locale. Il nome completo che ricevette fu Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, e il suo padrino fu Joannes Theophilus Pergmayr. Più tardi Mozart preferì che il suo nome Theophilus fosse chiamato nelle sue versioni francese o germanica, rispettivamente Amadé e Gottlieb, più raramente nella forma latina, Amadeus. I primi due nomi furono usati solo nelle sue prime pubblicazioni, ed egli adottò la forma germanica Wolfgang piuttosto che il latino Wolfgangus. Era il settimo e ultimo figlio di Leopold Mozart e Anna Maria Pertl. Di tutti i bambini solo lui e una sorella, Maria Anna, soprannominata Nannerl, sopravvissero all”infanzia. La famiglia di suo padre proveniva dalla regione di Augsburg, il cognome è stato registrato dal 14° secolo e appare in diverse forme – Mozarth, Motzhart, Mozhard o Mozer. Molti dei suoi membri erano impegnati in lavori di muratura e costruzione, e alcuni erano artisti. La famiglia di sua madre era della regione di Salisburgo, generalmente composta da borghesi della classe media.

Non appena il talento di Mozart fu riconosciuto nei suoi primi anni di vita, suo padre, musicista esperto e rinomato violinista, abbandonò le sue pretese pedagogiche e compositive per dedicarsi all”educazione del figlio e di sua sorella Nannerl, che mostrò anch”essa precocemente straordinarie doti musicali. Sembra certo che gran parte della professionalità che Wolfgang arrivò a mostrare nella sua maturità fu dovuta alla rigida disciplina imposta da suo padre. Il suo apprendistato musicale è iniziato all”età di quattro anni. Leopold aveva compilato nel 1759 un volume di composizioni elementari per l”apprendistato di sua figlia, che serviva anche come libro di testo per suo fratello. In questo volume Leopold annota le prime composizioni di Mozart, datate 1761, un Andante e un Allegro per tastiera, ma è impossibile determinare in che misura siano opere integrali di Mozart o se portino un contributo paterno.

Il loro primo viaggio, nel 1762, fu a Monaco, dove suonarono davanti all”Elettore di Baviera. Alla fine dell”anno ne iniziarono un altro, che durò fino al gennaio 1763, andando a Vienna e in altre città, suonando per vari nobili e due volte per l”imperatrice Maria Teresa e la sua consorte. Secondo i resoconti delle personalità che li frequentavano e dello stesso Leopold, che era un prolifico epistolario e teneva diari di viaggio, Mozart suonava già “meravigliosamente”, essendo un bambino “vivace, spiritoso e pieno di fascino”. Poco dopo il suo ritorno a casa Mozart si ammalò, apparentemente di febbre reumatica, ma si riprese presto, tanto che nel febbraio 1763 suonò per la prima volta violino e clavicembalo alla corte di Salisburgo. Una nota in un giornale locale afferma che Mozart era già in grado di suonare come un adulto, improvvisare in vari stili, accompagnare a prima vista, suonare le tastiere con un panno che copriva i tasti, aggiungere un basso a un tema dato e identificare qualsiasi nota che veniva suonata. I rapporti degli amici registrano che in questa tenera età, anche se la sua giovialità infantile rimaneva manifesta, il suo spirito si era già impossessato della musica, ed era disposto a suonare solo di fronte a un pubblico che prendeva la musica sul serio, mostrandosi orgoglioso delle sue capacità. Nello stesso anno fece il suo primo tentativo registrato di scrivere un concerto, e anche se la sua scrittura era uno scarabocchio, la sua musica fu considerata da Leopold come composta correttamente e appropriatamente.

I mesi successivi furono trascorsi nella sua città natale, impegnandosi negli studi di latino, italiano e aritmetica, probabilmente insegnati da suo padre, oltre a scrivere le sue prime opere vocali per la scena, tra cui un estratto da un oratorio collettivo, la commedia Apollo et Hyacinthus e un estratto da una Passione di Cristo. Quest”ultimo fu forse il pezzo che dovette scrivere chiuso in una stanza da solo per dimostrare al principe-arcivescovo che era lui a scrivere le sue composizioni. Fece anche alcuni arrangiamenti di sonate di altri autori sotto forma di concerti. Nel settembre 1767 la famiglia partì per un nuovo viaggio, rimanendo a Vienna per sei settimane. Un”epidemia di vaiolo in città li portò a trasferirsi a Brno e poi a Olmütz, ma i due bambini furono presi dalla malattia in un modo delicato che lasciò segni indelebili sul volto di Mozart. Tornando a Vienna, furono ascoltati dalla corte e fecero progetti per eseguire un”opera, La finta semplice, ma la composizione non fu mai eseguita, con grande indignazione di Leopoldo. D”altra parte, un breve singspiel, Bastien und Bastienne, fu ascoltato nella casa di Franz Mesmer e una messa solenne che aveva scritto fu presentata alla consacrazione della Weisenhauskirche, diretta dallo stesso compositore.

Ma poco rimase a casa; ancor prima di lasciare l”Italia avevano organizzato il loro ritorno, firmando un contratto per eseguire una serenata teatrale, Ascanio in Alba, da dare a Milano alle nozze dell”arciduca Ferdinando, e un oratorio, La Betulia liberata, per Padova. Nell”agosto del 1771 era di nuovo a Milano, dove l”Ascanio fu eseguito con immenso successo, mettendo in ombra un”opera di Hasse, un celebre compositore più anziano, ascoltata alle stesse celebrazioni. Da una lettera dell”arciduca inviata a sua madre risulta che aveva considerato di dare a Mozart un posto alla sua corte, ma nella sua risposta l”imperatrice gli consigliò di non caricarsi di “quelle persone inutili” la cui abitudine di “vagare per il mondo come mendicanti degraderebbe il suo servizio”. Ritornando a Salisburgo il 15 dicembre, vi trascorsero i mesi successivi.

Poco dopo il suo arrivo, il datore di lavoro di Leopold morì. Sigismund von Schrattenbach era stato molto tollerante con le ripetute e lunghe assenze di Leopold, anche se a volte sospendeva il pagamento dei suoi salari. I ricchi doni che Mozart ricevette durante i suoi viaggi, tuttavia, furono una compensazione significativa. Il 14 marzo 1772 Hieronymus von Colloredo salì al principato-arcivescovado, il cui atteggiamento verso il suo servo fu molto più rigido. Questi mesi furono fertili per Mozart, che compose una nuova serenata teatrale, otto sinfonie, quattro divertimenti e alcune importanti opere sacre. Il 9 luglio fu formalmente ammesso come violinista alla corte di Salisburgo, con uno stipendio di 150 fiorini, posizione che mantenne a titolo onorario per tre anni. Il 24 luglio i Mozart partirono per il loro terzo e ultimo viaggio in Italia, eseguendo a Milano l”opera Lucio Silla, che non ebbe pieno successo a causa di un cast disomogeneo, così come altre composizioni. Leopoldo desiderava assicurare un impiego a suo figlio fuori da Salisburgo; fece domanda per un posto presso il Granduca di Toscana, ma la richiesta non fu accettata, e il 13 marzo 1773 erano a casa.

Altri viaggi

Il reddito della famiglia in questo momento era sufficiente per trasferirsi in una casa più grande, ma Leopold non era soddisfatto né della sua posizione relativamente subordinata nella cappella di corte né delle scarse prospettive di avanzamento professionale del figlio nella sua città natale. Queste furono probabilmente le cause che li portarono qualche mese dopo a Vienna nel tentativo di ottenere un posto alla corte imperiale. Questo obiettivo non fu raggiunto, ma la musica di Mozart beneficiò del contatto con le opere dei compositori dell”avanguardia viennese, mostrando un progresso apprezzabile. A metà del 1774 eseguì un”opera a Monaco, La finta giardiniera, e compose le sue prime sonate per tastiera. Al suo ritorno nel marzo 1775, Mozart iniziò un periodo di crescente frustrazione per le condizioni limitate della vita musicale locale e la mancanza di tolleranza del suo datore di lavoro per le assenze prolungate. Tuttavia, non smise di comporre, e apparve una pletora di nuove opere in vari generi, tra cui concerti per tastiera, divertimenti, serenate, sonate e opere sacre. Nell”agosto 1777 Mozart presentò le sue dimissioni, e l”insoddisfazione del principe per il servizio irregolare di Mozart si rifletteva nelle dimissioni nello stesso atto anche di Leopold. Quest”ultimo non poteva permettersi di rinunciare alla sua posizione, e fu reintegrato.

Per mantenersi Mozart riprende a viaggiare, e il 23 settembre, non più accompagnato dal padre, parte con la madre per un giro in Germania e in Francia, dando concerti e facendo domanda di lavoro in varie corti, ma senza successo. Ad Augusta visitarono i parenti e Mozart stabilì una relazione affettuosa con sua cugina Maria Anna Thekla, soprannominata Bäsle, con la quale in seguito rimase in contatto per corrispondenza. A Mannheim divenne amico di alcuni musicisti dell”importante orchestra locale e si innamorò della cantante Aloysia Weber, con l”intenzione di portarla in Italia e farne una diva. Coinvolto in questa relazione, ha rimandato più volte il suo viaggio a Parigi, ma la storia d”amore non ha dato frutti. Si teneva regolarmente in contatto con suo padre per lettera, e in questo scambio di corrispondenza, Leopold diventava sempre più irritato e preoccupato dalla mancanza di obiettività del figlio, dalla sua irresponsabilità con il denaro e dalla sua tendenza a procrastinare le decisioni. Era evidente a Leopoldo che suo figlio era incapace di gestire da solo, e riempì le sue lettere con una pletora di raccomandazioni su come doveva agire, chi cercare, come adulare i potenti, come gestire il denaro e molte altre cose. Nonostante abbia eseguito diverse opere con successo, il suo soggiorno a Parigi non fu piacevole. Mozart si lamentava della mancanza di gusto dei francesi, sospettava intrighi contro di lui, la sua vecchia amicizia con Grimm si deteriorò e rifiutò l”unica offerta di lavoro stabile che ricevette in tutto il viaggio, il posto di organista a Versailles. A peggiorare le cose, sua madre si ammala e muore il 3 luglio 1778. Una volta superata la crisi, ricevette una lettera da suo padre che gli comunicava che Colloredo aveva cambiato idea ed era disposto a reintegrarlo con uno stipendio più alto e con permessi per viaggiare. Lasciò Parigi il 26 settembre ma decise di fare il viaggio di ritorno attraverso la Germania, ritardando il suo arrivo a Salisburgo, con grande esasperazione di suo padre, che temeva che il ritardo avrebbe compromesso la sua riammissione a corte. Non arrivò a casa fino a metà gennaio dell”anno successivo, con i suoi piani di indipendenza distrutti, le finanze in uno stato precario e i rapporti con suo padre tesi.

Inviò allora una richiesta formale di riammissione al servizio di corte e fu assunto come organista, con uno stipendio di 450 fiorini. Il contratto lo obbligava anche a comporre qualsiasi cosa gli venisse richiesta e a dare lezioni ai ragazzi del coro. I due anni successivi furono poco movimentati, ma scrisse diverse nuove opere, tra cui sinfonie, messe e importanti concerti, dove appare l”influenza degli stili internazionali che aveva conosciuto, e continuò a interessarsi alla musica drammatica. Nel 1780 ricevette una commissione per un”opera da portare a Monaco, che risultò in Idomeneo, la prima delle sue grandi opere, che ritrae il dramma e l”eroismo con una forza e una profondità senza precedenti nella sua produzione, rimanendo sotto questi aspetti una delle più notevoli della sua intera carriera.

Vienna

Nel marzo 1781 il suo datore di lavoro si recò a Vienna per assistere all”incoronazione di Giuseppe II, e Mozart lo accompagnò. Lo status della sua posizione a corte era basso, e la sua corrispondenza di questo periodo rivela ancora una volta una crescente insoddisfazione, e allo stesso tempo lo mostra eccitato alla prospettiva di fare carriera nella capitale imperiale. Una sera fu data una festa per il nuovo imperatore, ma Colloredo gli impedì di suonare, cosa che gli avrebbe fruttato una mancia equivalente alla metà del suo stipendio annuale a Salisburgo. La tensione tra i due aumentò e l”inevitabile crisi scoppiò il 9 marzo, quando in una burrascosa udienza con il suo datore di lavoro chiese nuovamente di essere sollevato dalle sue funzioni. Al momento Colloredo rifiutò, ma poco dopo fu accettato. Poi si trasferì negli appartamenti dei suoi amici, i Weber, della cui figlia Aloysia si era innamorato a Mannheim. Mozart iniziò allora un coinvolgimento emotivo con un”altra delle figlie dei Weber, Constanze. Nelle lettere a suo padre, inizialmente confutò le voci della relazione, ma per evitare l”imbarazzo si trasferì in un”altra casa. Nel frattempo si guadagnava da vivere dando lezioni e concerti privati, e continuava a comporre. In dicembre si esibì a corte in un concorso con Muzio Clementi, e vinse, ma le sue speranze di ottenere un lavoro ufficiale non si materializzarono.

La sua relazione con Constanze si approfondì, e anche se continuò a negarla a suo padre, finalmente il 15 dicembre 1781 dichiarò la sua intenzione di sposarsi. Poco dopo la prima della sua nuova opera Il rapimento del fabbro, che fu un grande successo, sotto la pressione della madre di Constanze, affrettò i preparativi per il matrimonio e chiese la sua benedizione paterna. Il 4 agosto 1782 si sposarono nella cattedrale di Santo Stefano, ma solo il giorno dopo arrivò la lettera del padre che dava il suo riluttante consenso. La figura di Constanze e il suo ruolo nella vita di Mozart sono stati oggetto di molte controversie, ma sembra che l”unione fosse felice, anche se lei aveva poca capacità di aiutare il marito disorganizzato a gestire una casa. Poche settimane dopo il loro matrimonio erano già costretti a prendere un prestito. Constanze rimase presto incinta e il loro primo figlio, Raimund Leopold, nacque il 17 luglio 1783, ma pochi giorni dopo la sua nascita fu lasciato alle cure di amici in modo che la coppia potesse viaggiare a Salisburgo e visitare Leopold. Dalla corrispondenza successiva, la fredda accoglienza di Leopold non ha reso la visita particolarmente amichevole.

Lasciarono Salisburgo il 27 ottobre 1783, ma mentre erano ancora lì il bambino morì il 19 agosto, e non si sa quando i genitori lo seppero. Le lettere di Mozart a Leopold alla fine dell”anno rivelano che la situazione finanziaria della coppia non era buona, con l”insorgere di diversi debiti, ma che lui faceva piani ottimistici per la prossima stagione musicale. Questa prospettiva si realizzò, dando così tanti concerti che aveva poco tempo per comporre, mentre allo stesso tempo dava lezioni, la sua più sicura fonte di reddito, e iniziò a pubblicare diverse opere stampate, che gli portarono anche qualche profitto. Nel settembre 1784 nacque il suo secondo figlio, Carl Thomas, e in dicembre si unì ai massoni, scrivendo musica per i rituali massonici.

A Praga si ammalò e, a quanto pare, non recuperò più la perfetta salute. I resoconti successivi lo mostrano di nuovo a Vienna impegnato in un intenso ritmo di lavoro, coinvolto nel completamento del Requiem e perseguitato da premonizioni di morte, ma gran parte di questa atmosfera può essere leggenda, ed è difficile conciliare queste descrizioni con molte delle sue lettere del periodo in cui mostra un umore gioviale. Nel novembre 1791 dovette ritirarsi a letto e ricevere cure mediche. All”inizio di dicembre la sua salute sembrò migliorare, e fu in grado di cantare parti del Requiem incompiuto con alcuni amici. Il 4 le sue condizioni peggiorarono; il suo medico si affrettò ma poté fare poco. Verso l”una del mattino del 5 dicembre è spirato. La causa della morte è stata diagnosticata come febbre miliaria acuta. Si sviluppò il folklore sulla sua morte e furono proposte diverse diagnosi, comprese versioni di cospirazioni e di omicidio, basate sui sospetti di Mozart stesso di essere stato avvelenato, ma tutte sono ipotetiche e alcune sono piuttosto fantasiose. È possibile che fosse in realtà una recrudescenza fatale della febbre reumatica che lo aveva attaccato nell”infanzia; la descrizione della malattia come febbre miliaria acuta era usata per molte febbri infiammatorie con esantema, il che non esclude la febbre reumatica.

L”educazione musicale che Leopold, insegnante di prim”ordine, impartì a suo figlio fu a tutti gli effetti completa, e la presenza della musica nella vita familiare fu costante, sia attraverso la pratica domestica sia attraverso le numerose attività sociali in cui la famiglia si impegnava, spesso coinvolgendo la musica. Il piccolo Mozart imparò la tastiera dall”età di quattro anni, a cinque iniziò con il violino e l”organo, e già passò alla composizione. L”educazione di Mozart oltre la musica non è ben documentata, ma apparentemente Leopold fece in modo che imparasse il francese, l”italiano, il latino e l”aritmetica. I viaggi internazionali, oltre al guadagno finanziario e alla ricerca della fama, servirono anche a esporre Mozart a una varietà di stili, a formare il suo gusto e a imparare nuove tecniche. Leopold si preoccupava anche di assumere insegnanti in questi viaggi per completare qualsiasi aspetto che sembrava necessario. A Londra cercò il castrato Giovanni Manzuoli per dare lezioni di canto al ragazzo, e a Bologna lo portò da Padre Martini per lezioni di contrappunto, oltre ad acquisire spartiti difficili da trovare a Salisburgo. I viaggi erano utili anche per ampliare gli orizzonti in altri aspetti della cultura, e quando possibile Mozart frequentava il teatro e leggeva la letteratura straniera. Inoltre, la ricreazione all”aperto, l”interazione sociale e l”esercizio fisico erano parte integrante dei valori educativi e igienici di Leopold, così che l”immagine di Mozart come un bambino solitario in un mondo di adulti, chiuso tra quattro mura, è un mito.

Su altri punti aveva pensieri molto diversi da suo padre. Solo un quattordicenne poteva ironizzare in una lettera alle opinioni della sorella Leopold sull”estetica, che propendevano per i modelli fissati da Gellert e Wieland e che cercavano per l”arte una funzione moralizzatrice e nobile sociale dentro un”espressione austera e virtuosa. Queste opinioni gli sembravano già superate, e in una lettera a suo padre verso il 1780 difendeva la validità dell”opera buffa e rifiutava la sua conformazione ai dettami dell”opera seria. Né l”amore per le arti diverse dalla musica è evidente nella sua corrispondenza – non erano nemmeno menzionate e il suo inventario non includeva un solo dipinto – né era particolarmente attratto dal paesaggio naturale. Non sembra essere stato un grande lettore, ma aveva una certa familiarità con Shakespeare, Ovidio, Fénelon, Metastasio e Wieland, e probabilmente leggeva opere di storia, educazione e politica, ma molte di queste letture erano apparentemente fatte principalmente con lo scopo di scrivere testi per opere o canzoni. Tuttavia, sopravvivono le bozze di due delle sue commedie in prosa e alcune poesie, e fu un grande scrittore di lettere, il cui contenuto trasmette una grande varietà di sentimenti e idee, presentate in modo profondo ed esuberante che eguaglia in qualità letteraria la corrispondenza dei più illustri scrittori del suo tempo.

Diversi amori sono stati attribuiti a Mozart in gioventù, ma la portata del loro coinvolgimento è incerta. Tra loro c”erano sua cugina Anna Thekla, con la quale potrebbe aver avuto la sua prima esperienza sessuale, Lisel Cannabich, Aloysia Weber e la baronessa von Waldstätten. Anche dopo il matrimonio potrebbe aver continuato a corteggiare altre donne, tra cui le cantanti Nancy Storace, Barbara Gerl, Anna Gottlieb e Josepha Duschek, la sua allieva Theresia von Trattner e Maria Pokorny Hofdemel, ma non ci sono prove che fosse concretamente infedele a Constanze. Dopo la sua morte si diceva che avesse messo incinta Maria Hofdemel.

Aspetto e iconografia

Era basso di statura, magro e pallido, il vaiolo gli aveva lasciato dei segni sul viso, e Nannerl diceva che non aveva alcuna attrattiva fisica, una circostanza di cui era consapevole. Hummel e altri, tuttavia, ricordavano i suoi grandi e luminosi occhi blu, e il tenore Michael Kelly, che era vanitoso dei suoi capelli biondi e sottili. Il suo orecchio sinistro era deformato e lo teneva nascosto sotto i capelli. Anche le sue dita erano deformate, ma questo potrebbe essere dovuto al continuo esercizio alla tastiera. Negli ultimi anni acquisì un guanciale e il suo naso divenne prominente, il che diede luogo a battute sui giornali. Anche se queste descrizioni possono essere esagerate, in vari momenti è stata registrata la sua preoccupazione di compensare la sua mancanza di bellezza fisica con l”eleganza nel vestito, nelle scarpe e nell”acconciatura, e persino nella biancheria intima.

Mozart è stato ritratto diverse volte durante la sua vita. Rimangono circa quattordici ritratti considerati autentici, e più di sessanta la cui identificazione è dubbia. Di quelli autenticati la maggior parte sono stati fatti da pittori di poco merito, ma importanti sono quello di Barbara Kraft, dipinto postumo da fonti precedenti e secondo Landon forse quello che si avvicina di più alla sua vera fisionomia, e quello dipinto da suo cognato Joseph Lange, molto poetico ma lasciato incompiuto. Sono degni di nota anche una litografia di Lange realizzata forse da un dipinto perduto, il disegno con la punta d”argento di Dora Stock, il ritratto di famiglia di Johann Nepomuk della Croce e i ritratti di bambini di Saverio dalla Rosa e Pietro Lorenzoni. Quando Mozart morì fu fatta una maschera di cera del suo viso, che purtroppo è andata perduta. Nel corso del XIX secolo furono prodotti molti altri ritratti, ma sono ricreazioni romantiche che rivelano le idee della borghesia dell”epoca piuttosto che le vere caratteristiche del compositore.

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Sfondo

Dopo un inizio influenzato dall”estetica rococò, Mozart sviluppò la maggior parte della sua carriera durante il periodo della storia della musica conosciuto come classicismo, così chiamato per il suo equilibrio e perfezione formale. Il movimento ebbe paralleli nelle altre arti sotto il nome di neoclassicismo, che nacque da un rinnovato interesse per l”arte dell”antichità classica, avvenendo nel mezzo di importanti scoperte archeologiche e avendo come uno dei suoi principali mentori intellettuali il tedesco Johann Joachim Winckelmann. Il neoclassicismo deve la sua origine anche all”influenza degli ideali illuministi, che si basavano sul razionalismo, combattevano le superstizioni e i dogmi religiosi, e sottolineavano il miglioramento personale e il progresso sociale in un forte quadro etico. Senza la conoscenza delle reliquie musicali dell”antichità, a differenza delle altre arti, il Classicismo musicale fu in gran parte un”evoluzione continua, senza rotture nette, dalle radici barocche e rococò. Gluck cercò di dare al coro nell”opera un”importanza equivalente a quella che aveva nella tragedia classica, ma i principali generi musicali consolidati nel Classicismo, la sinfonia, la sonata e il quartetto d”archi, avevano precursori dall”inizio del XVIII secolo. Insieme ad Haydn, fu Mozart a portarli ad un alto livello di eccellenza e coerenza. Anche se i primi compositori di questi generi erano invariabilmente nomi del secondo o terzo livello, senza di loro la musica strumentale di Mozart sarebbe stata impensabile.

Salisburgo, che aveva un”antica tradizione musicale, al momento della nascita di Mozart era diventata un centro di un certo rilievo nel mondo musicale dell”Austria, avendo contato durante tutto il XVIII secolo con la presenza di nomi importanti come Muffat e Caldara. Al tempo della nascita di Mozart, suo padre, Leopold, era uno dei leader di una scuola locale che aveva acquisito contorni tipicamente germanici, soppiantando l”influenza dei precedenti stili francese e italiano predominanti. In questo periodo la vita musicale si arricchì; l”orchestra e il coro di corte raggiunsero una certa fama oltre i confini locali e attirarono notevoli strumentisti e cantanti; diverse famiglie borghesi benestanti iniziarono a formare i propri gruppi, alcuni in grado di competere per qualità e dimensioni con quelli di corte. Tuttavia, quando Colloredo salì al trono del principato, sebbene egli stesso fosse un amante della musica e un violinista, impose una significativa riduzione del numero dei suoi musicisti e snellì il rito del culto religioso, allineandosi alla filosofia dell”imperatore Giuseppe II. Con questa grave limitazione, le prospettive professionali future di Mozart in città erano ridotte.

Vienna, a sua volta, come capitale dell”impero era un centro musicale molto più importante. Anche con le limitazioni alla musica sacra, la cappella di corte vantava un alto livello, e la musica profana veniva prodotta in quantità nei teatri d”opera, nei concerti pubblici e nelle soirée di numerose famiglie che mantenevano orchestre private e gruppi da camera. Alcuni di loro avevano piccoli teatri nei loro palazzi ed erano anche in grado di fornire le condizioni per le rappresentazioni da camera delle opere. Inoltre, la città aveva editori musicali, numerosi copisti e rinomati costruttori di strumenti, e un grande traffico di musicisti stranieri in visita che facevano circolare nuove idee e composizioni. Con l”esibizione di Haydn, Mozart stesso e poco dopo Beethoven, divenne uno dei più grandi riferimenti musicali di tutta Europa.

Panoramica

Mozart adottò, come tutti i compositori classici, la forma sonata come struttura di base per la grande maggioranza dei movimenti più importanti delle sue composizioni. Questa forma ebbe le sue origini nelle strutture bipartite di Domenico Scarlatti, che furono sviluppate da Carl Philipp Emanuel Bach e portate ad uno stato di consolidamento da Joseph Haydn, ora trasformate in una struttura simmetrica divisa in tre sezioni ben definite e contrastanti: un”esposizione dove vengono presentati due temi distinti, il primo nella tonica del brano, e il secondo nella dominante; uno sviluppo dove i due temi vengono esplorati e combinati in vari modi, e una ricapitolazione dove il materiale dell”esposizione viene ripreso in forma di conclusione. I compositori classici non solo portarono la forma-sonata a uno stadio di perfezione, ma contribuirono anche a perfezionare la sonata in più movimenti, definita come un pezzo generalmente in quattro movimenti: il primo veloce, in forma-sonata, seguito da un movimento lento, un adagio o andante che aveva un carattere di canzone. Poi venne un minuetto, un pezzo leggero derivato dalla musica da ballo, e la struttura terminò con un rondò o variazioni, di nuovo in movimento rapido. Le forme della forma-sonata e della sonata furono impiegate in tutti i generi di composizione, dalla musica sacra a quella profana, strumentale o vocale, nella musica per soli o per gruppi.

La musica di Mozart è fondamentalmente omofonica, definita in poche parole come una linea melodica sostenuta da un”armonia verticale, con un uso economico di modulazioni e dissonanze, queste poste in punti strategici e presto risolte. La sua armonia, sempre chiara, è estremamente ricca di sottigliezze e soluzioni originali, e il suo uso della dissonanza, del disegno motivazionale e della dinamica serve a scopi eminentemente espressivi. I suoi ritmi sono vivaci e la sua comprensione delle possibilità testuali degli strumenti è immensa. Allo stesso tempo, utilizzò abbondantemente le risorse polifoniche, compresa la più rigorosa di esse, la fuga, in particolare nelle sue messe. Tuttavia, il suo uso della fuga potrebbe aprirsi a libertà formali, a seconda delle caratteristiche dei soggetti (temi). Le fughe con soggetti lunghi hanno più probabilità di mostrare caratteristiche tradizionali, mentre quelle con soggetti brevi sono più sperimentali e i loro profili melodici si adattano meglio all”estetica classica. Raramente coprono un intero movimento, piuttosto sono comuni nelle sezioni conclusive, una procedura intesa come enfasi retorica del discorso musicale. Nella musica strumentale le fughe rigorose sono rare, e i tratti polifonici sono strutturati come episodi nel quadro della forma-sonata. Mozart studiò con interesse le fughe di Bach e ne compose diverse, ed entrò anche in contatto con la musica di Händel, altrettanto ricca di polifonia, da cui ricevette un”importante influenza.

È noto che Mozart intese il processo compositivo come un”attività cosciente, che doveva essere intrapresa con uno scopo preciso e secondo una necessità specifica. I sogni ad occhi aperti in attesa dell”ispirazione, o la comprensione dell”ispirazione come una forza esterna, non avevano posto nel suo metodo. Tuttavia, questo non ha escluso la fantasia, né ha impedito che i suoi sentimenti esercitassero un”influenza sulla sua opera. I suoi contemporanei non conoscevano i suoi procedimenti compositivi, sapevano solo che componeva molto e velocemente. Dalle sue grandi doti di improvvisatore e da alcune sparute osservazioni fatte da lui stesso, si è però creato un folclore secondo il quale scriveva istintivamente, o che le canzoni gli arrivavano già pronte nella mente e poi si limitava a trascriverle meccanicamente sullo spartito, senza bisogno di correzioni, o che componeva senza alcun aiuto di strumenti, ma questa percezione, confrontata con un gran corpo di altre prove contrarie, in gran parte non sopravvive. È certo, d”altra parte, che possedeva una memoria prodigiosa e capacità intellettuali. In una lettera ha dichiarato di aver elaborato mentalmente una composizione mentre ne scriveva un”altra già pronta su carta, ma in altre ha dato dettagli di meditazioni prolungate che pianificavano opere, e del suo considerevole sforzo fino alla loro realizzazione. Il suo stato di coscienza acutamente attivo quando si trattava di musica è riportato in una lettera a suo padre, dicendo che pensava alla musica tutto il giorno, e gli piaceva sperimentare, studiare e riflettere. La sua procedura standard, dalle analisi dei manoscritti e dai suoi resoconti, era la seguente: prima concepiva un”idea e usava la sua fantasia per definirla, poi la provava al pianoforte – diceva che senza un pianoforte non poteva comporre, o lo faceva solo con difficoltà. La fase successiva consisteva nel confrontare la sua idea con i modelli di altri compositori, e poi scrivere un primo schizzo su carta, spesso in modo criptico, in modo che nessuno capisse cosa aveva in mente. Altri schizzi più completi sarebbero seguiti, dettagliando la progressione armonica della struttura e le sue principali linee melodiche, oltre a delineare la linea di basso, su cui il resto è stato costruito. Prendevo nota dei temi sussidiari per un uso futuro, e da lì il lavoro cominciava a prendere la sua forma definitiva. L”ultima fase consisteva nell”orchestrazione, che definiva la sonorità finale del pezzo.

Contrariamente alle leggende che descrivono Mozart come un prodigio innato, la sua vasta conoscenza della cultura musicale europea del suo tempo e delle epoche precedenti fu decisiva nella formazione del suo stile personale. Il suo gusto per le sfumature sottili e delicate, il suo abile uso dello spettro tonale per dare colori più ricchi all”armonia, e la flessibilità del suo stile impedirono alla sua forte vena lirica di entrare negli eccessi del romanticismo. Anche nelle occasioni in cui ha espresso la tragedia dell”esistenza umana, ha temperato il dramma rifiutando ogni affettazione. Coltivando l”equilibrio, il fascino e la grazia caratteristici del classicismo, la sua opera possiede tuttavia una grande vivacità, espressività e forza, presentando sempre le sue idee in modo chiaro e diretto. La sua produzione è enorme, multiforme e qui può essere affrontata solo brevemente nei suoi generi principali, comprendendo una ventina di opere, diciassette messe, un requiem, 29 concerti per pianoforte, diversi concerti per vari strumenti, 27 quartetti e sei quintetti per archi, 41 sinfonie e un gran numero di composizioni minori in varie formazioni. Il catalogo Köchel elenca 630 pezzi di sua proprietà, ma occasionalmente altri sono stati riscoperti.

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Opere

Tra le sue composizioni più importanti ci sono le sue opere, che incorporavano elementi di tradizioni molto diverse: il singspiel tedesco e l”opera seria e l”opera buffa italiana. Tuttavia, non si possono prendere queste categorie troppo alla lettera, e ci sono molte opere con caratteristiche comuni a tutte. Anche alcune delle sue opere buffe includono elementi drammatici di grande peso nella trama e nel carattere della musica, al punto che descrive Don Giovanni, per esempio, come un “dramma giocoso”. Le sue prime creazioni nel genere sono notevoli per essere state il lavoro di un bambino, ma anche se tecnicamente corrette, mancano di qualità drammatiche maggiori e non possiedono un”architettura musicale molto ricca o complessa. Il suo momento migliore nella fase infantile è Lucio Silla, composto all”età di sedici anni, dove si delinea una più efficace coerenza drammatica tra i numeri, di particolare interesse la fine del primo atto, dove riesce a evocare un”atmosfera tenebrosa di grande interesse. In generale, comunque, il lavoro segue strettamente le convenzioni dell”opera seria, concentrando le sue forze su arie di bravura per l”esibizione del puro virtuosismo vocale. Il suo approccio è già abbastanza diverso in Idomeneo, la prima delle sue grandi opere serie. Si sforza già di padroneggiare i suoi mezzi consapevolmente e con uno scopo preciso, dimostrando una comprensione apprezzabile delle convenzioni del teatro e dei modi per ottenere il miglior effetto drammatico. Evitò le cadenze di carattere fortemente conclusivo alla fine di ogni numero, in modo che l”integrazione tra loro fosse più naturale e continua, eliminò il decorativismo della tradizione italiana del bel canto, e usando risorse semplici scrisse musica sobria ed espressiva, dotandola di grande intensità patetica e lirica.

Le sue due ultime opere, Il flauto magico e La clemenza di Tito, anch”esse di grande valore, lasciano intriganti questioni in sospeso per i critici, che speculano su dove le innovazioni che hanno introdotto avrebbero potuto portarlo se fosse vissuto più a lungo. Il Flauto magico è il miglior esempio dell”interesse di Mozart nel creare un”opera nazionale germanica sia nella forma che nell”espressione, utilizzando il tedesco come lingua del libretto e realizzando una concezione ampliata della forma singspiel. Il suo tema è esoterico e in parte archeologico, e può riflettere l”influenza delle dottrine massoniche. Tratta in breve della vittoria della luce sulle tenebre; la coppia protagonista passa attraverso un rito di iniziazione, e il finale è un”allegoria del matrimonio della Saggezza e della Bellezza, ma l”opera ha anche importanti elementi di fiaba e pantomima. Tecnicamente la scrittura di Bravery non ha scopi esibizionistici, ma drammatici, ed è piuttosto economica; in diversi punti è evidente il tentativo di basare l”azione più sulle risorse della voce che sulla coreografia dei personaggi, con innovativi passaggi declamatori di forte qualità drammatica e coerenza armonica, tratti che innescano mutazioni impreviste e insolite nella struttura generale dell”opera. Per quanto riguarda Titus, è un”opera seria pura, senza interpolazioni comiche, un dramma politico che esalta la nobiltà e la generosità dell”imperatore protagonista – un”allegoria di Leopoldo II – su uno sfondo dominato da intrighi, tradimenti, passione, gelosia, codardia e disordini civili. Fu composta frettolosamente ma rappresenta una tardiva e nobile evocazione di un genere che si stava già estinguendo, assimilando in parte l”influenza del rinnovamento dell”opera seria di Gluck e dando alla musica un”atmosfera di vera tragedia classica con una sapiente economia di mezzi, grande espressività e una strumentazione che indicava il futuro. Molti autori la consideravano all”epoca la somma delle conquiste di Mozart nell”opera seria.

È interessante notare che il trattamento delle arie nelle sue opere si è conformato ai bisogni e alle capacità di ogni cantante che aveva a disposizione. Anche la forma letteraria del libretto gli ha dato suggerimenti su come strutturare il contenuto musicale. Nel contesto altamente convenzionale dell”opera seria l”aria è uno degli elementi più importanti, è in essa che si presenta la maggior parte del materiale musicale dell”intera composizione, lasciando ai recitativi e ai cori una quantità molto minore. Tuttavia, l”aria non comporta un progresso all”interno dello svolgimento dell”azione, è un numero in cui l”azione è congelata in modo che il solista possa fare una meditazione privata sugli eventi accaduti prima o pianificare un”azione futura. Il movimento del dramma avviene principalmente nei recitativi dei dialoghi, dove i personaggi possono interagire e far avanzare l”azione. Essendo una scena statica con una struttura simmetrica, l”aria in sostanza è contraria allo sviluppo naturale di un dramma in continua espansione, e il rigore della simmetria impedisce il libero sviluppo della caratterizzazione. Richiede quindi al compositore di infondere un interesse drammatico con altri mezzi, in particolare con l”accumulo e la strutturazione di elementi puramente musicali. Mozart affrontò queste convenzioni organizzando il suo materiale su una nuova gerarchia di proporzioni, su una sequenzialità tematica più coerente e conseguente, e anche cercando libretti che offrivano una drammaturgia più dinamica. Con questo riuscì a dare alla retorica intrinseca all”aria degli obiettivi più definiti e più funzionali nel quadro più o meno rigido dell”opera.

Concerti

Secondo Levin non sono le sinfonie ma le opere e i concerti che rivelano maggiormente l”evoluzione della scrittura orchestrale di Mozart negli anni viennesi, ed entrambi condividono un certo numero di caratteristiche tecniche, espressive e formali nel trattamento della parte solista in relazione all”orchestra e nell”adattamento della scrittura alle capacità degli interpreti, come descritto sopra in relazione alle arie d”opera. Ma a differenza di una situazione drammatica teatrale, il concerto non è legato a un libretto o alla canonica sequenza aria-recitativo-recitativo-ecc che caratterizza l”opera. Questo aprì al compositore una libertà molto maggiore nello sviluppo della retorica musicale, anche se molta di quella retorica trasposta agli strumenti rimase soggetta alle stesse leggi di articolazione e comprensibilità, come si rivela soprattutto nei primi movimenti dei concerti, organizzati nella struttura essenzialmente dialettica della forma-sonata, dove tutti gli elementi perseguono lo stesso obiettivo retorico definito e il virtuosismo si concilia con le esigenze di espressione drammatica. Questo è un tratto che appare in quasi tutta la sua produzione concertistica, in particolare nei concerti della sua maturità.

Il debito dei concerti di Mozart alla sua musica vocale solista si rivela anche in molti dettagli dei suoi movimenti lenti, come per esempio nei passaggi in stile recitativo dei concerti per pianoforte K466, K467, K595 e molti altri, nella varietà degli accompagnamenti orchestrali alla parte solista, e nella vivacità con cui l”ensemble orchestrale reagisce al solista e lo provoca a sua volta ad una reazione da parte sua. Allo stesso modo, ha adattato la scrittura degli strumenti solisti secondo le capacità tecniche dei loro esecutori o le possibilità dei loro strumenti particolari. Per esempio, nel concerto per arpa e flauto K299 incluse le note basse re♭3 e C3 nella parte del flauto perché lo strumento dell”esecutore, il conte di Guines, aveva un flauto con un adattatore che rendeva possibile suonare queste note inaccessibili ai flauti in generale. Il concerto per clarinetto K622 fu composto specialmente per Anton Stadler, il cui strumento raggiungeva quattro semitoni sotto la tessitura usuale. I concerti composti per il suonatore di corno Joseph Leutgeb testimoniano il graduale declino della sua abilità: nei primi, K417 e K495, rispettivamente del 1783 e del 1786, includono le note alte b4 e c5, ma nel concerto K447 del 1787 sono omesse, e in una bozza incompiuta di un altro concerto del 1791 non appare alcuna nota sotto il G3.

Mozart creò i suoi primi concerti aggiungendo parti orchestrali a sonate per tastiera sola di altri compositori, mantenendo la parte per tastiera essenzialmente invariata, ma presto manifestò una capacità di riassumere il materiale tematico e strutturale nella scrittura orchestrale che aggiungeva. Mozart praticò poco la forma del concerto fino al 1773 circa, quando i suoi esperimenti più avanzati nell”opera suscitarono il suo interesse per la retorica strumentale, rendendolo consapevole che le complessità inerenti alla forma del concerto solista potevano equivalere a una specifica situazione drammatica. Così, da quando compose il suo primo concerto con materiale originale, il concerto per violino K207 del 1773, tutti i suoi concerti successivi sono molto particolari e tutti presentano una ricchezza di materiali tematici e strutturali diversi. Nel modello generale della sezione espositiva dei primi movimenti dei suoi concerti appaiono circa sette cellule strutturali distinte, alcune delle quali possono però derivare dallo stesso tema. Con questa abbondanza di elementi e la sua capacità di integrarli, Mozart evitò i due principali problemi della scrittura concertante dei suoi contemporanei: il formalismo meccanico e la mancanza di tensione, che generavano un discorso musicale sciolto, episodico e ripetitivo. Raggiungendo una notevole integrazione tra forma e retorica, Mozart soppiantò tutti gli altri compositori del suo tempo che si dedicarono a questo genere.

Sinfonie

Mozart ha dato, subito dopo Joseph Haydn, il più grande contributo alla scrittura sinfonica. Ha lavorato in questo genere durante la maggior parte della sua carriera, il primo risale al 1764 e l”ultimo al 1788. I primi mostrano l”influenza di compositori come Johann Christian Bach, Karl Friedrich Abel e altri che incontrò nei suoi viaggi internazionali, mescolando stili italiani e germanici. Il suo schema strutturale è uniforme: tutto in tre movimenti, senza minuetto; il primo movimento è in tempo veloce in metro 44 e diviso in due sezioni. I secondi movimenti sono lenti, anche in forma binaria e di solito in metro 24, e i movimenti finali sono di regola rondò veloci in metro 38. Tuttavia, variazioni sulla forma di base della sinfonia si trovano in alcune di esse. Dalla sinfonia K43 in poi viene introdotto il minuetto come terzo movimento, e la forma a quattro movimenti diventa il modello usuale, i primi movimenti sono meno regolari, e nell”ultimo del gruppo appare finalmente la forma-sonata pienamente sviluppata. La fase successiva comprende il periodo delle prime due tournée italiane, ma diversi pezzi di questo gruppo sono stati trasmessi solo da fonti secondarie, e quindi hanno dubbia paternità. Di paternità confermata sono solo K74 e K 112, composti tra il 1770 e il 1771, e data questa incertezza autoriale e la discrepanza tra i due che sono assicurati, è difficile farsi un”idea sul grado di influenza italiana diretta su questa fase.

Musica sacra

Le sue principali opere sacre, le messe, seguono i principi della scrittura sinfonica, ma sono composte con una grande varietà di forze, da un semplice quartetto vocale accompagnato dall”organo, a pezzi che richiedono una grande orchestra, un gruppo di solisti e un coro, che si combinano in molteplici modi in strutture di grande ampiezza che possono estrapolare usi liturgici, come nel caso della Grande Messa in Do minore. I suoi principali modelli diretti furono le messe di Michael Haydn, Johann Eberlin e suo padre, Leopold. Diciassette messe di Mozart sono attualmente accettate come autentiche, alcune nella forma della messa breve e altre in quella della messa solenne, oltre al Requiem per i morti. Le sue prime opere nel genere sono senza pretese, ma all”età di dodici anni poteva già comporre un pezzo significativo, la Messa in Do minore K139. Quando Colloredo assunse l”arcivescovado introdusse alcuni cambiamenti nella liturgia influenzati dall”illuminismo, e cercò di stabilire una musica sacra meno decorativa e più funzionale, preferendo strutture concise che sottolineassero la comprensibilità del testo. Le Messe di Mozart di questo periodo riflettono queste idee, e sono tutte interessanti, con una ricca sonorità e soluzioni creative. La Grande Messa è quella che spicca di più, sia per la sua lunghezza che per il suo stile, ma rimane incompleta. In essa Mozart cercò di salvare la tradizione della messa erudita, ha passaggi arcaici che si riferiscono a riferimenti barocchi e altri che rivelano l”influenza dell”opera italiana, con assoli ornati. Altre degne di nota sono la cosiddetta Messa dell”Orfanotrofio e la Messa dell”Incoronazione.

Dopo la Grande Messa Mozart non tornò al genere fino al suo ultimo anno di vita, quando compose il Requiem, la più nota delle sue opere sacre, anch”essa incompiuta. Fu composto in segreto da una commissione anonima del conte von Walsegg-Stuppach, poiché apparentemente desiderava far passare l”opera come sua ed eseguirla in una cerimonia commemorativa per sua moglie. È una situazione controversa, tuttavia, e molto folklore si è formato intorno alle circostanze particolari della sua commissione e composizione. L”opera ricevette aggiunte dal discepolo di Mozart, Joseph Eybler, ma non fu in grado di finirla. Le parti mancanti furono infine completate da un altro allievo, Franz Süssmayr, probabilmente utilizzando in parte le bozze di Mozart stesso, ma ancora oggi rimane la questione di quanto sia dovuto ai discepoli nel risultato finale oggi conosciuto. Diversi musicologi hanno offerto versioni alternative nel tentativo di ricreare le intenzioni originali di Mozart. Il suo contenuto musicale è molto ricco, utilizza elementi di contrappunto erudito, reiterazioni motivali che integrano tutta la composizione, tecniche barocche – l”esempio di Händel è importante -, strumentazione associata alla massoneria e tratti operistici, producendo un”opera di grande solennità e notevole coesione estetica per la molteplicità di riferimenti che impiega.

Oltre alle messe Mozart compose un gran numero di altre opere sacre nei suoi compiti alla corte arcivescovile di Salisburgo. Tra questi i più sostanziosi sono i vespri e le litanie, con un”emozionante scrittura per archi e una ricca declamazione corale intervallata da passaggi in contrappunto erudito. La serie di vespri più conosciuta è i Vesperae Solemnes di Confessore del 1780, che impiegano un”ampia varietà di risorse stilistiche, dalla scrittura fugale a sezioni in forma di aria e altre in formato antifonale. In altri generi meritano nota il mottetto Exultate, jubilate, del 1773, composto come una cantata sacra in tre movimenti intervallati da recitativi; il mottetto poco conosciuto Venite populi, e il breve ma famoso mottetto Ave verum corpus. I suoi drammi sacri Die Schuldigkeit des Ersten Gebots (1767) e La Betulia liberata (1771) appartengono più al regno dell”opera, e le cantate rituali che scrisse per i massoni sono interessanti per il loro impiego di un simbolismo sonoro associato alla massoneria.

Musica da camera

Durante tutta la sua carriera Mozart produsse musica da camera, che era un elemento centrale nella sua vita domestica, non solo per le esibizioni pubbliche. Comprendeva circa un quinto delle sue opere totali, coprendo un”ampia varietà di formati, dai quartetti e quintetti d”archi, attraverso sonate per tastiera, trii, duetti, divertimenti, cassazioni, danze e altro. In tutti loro Mozart compose opere significative, ma particolarmente notevoli sono le sue composizioni per archi e le sonate per tastiera sola o accompagnata, mentre le sue opere per formazioni miste tendono ad essere considerate, non senza eccezioni, derivazioni di questi altri generi di base e di minore importanza relativa. Quando Mozart iniziò a dedicarsi alla musica da camera non c”erano confini chiari alla musica sinfonica, e questo si riflette nelle sue opere. Nel corso degli anni i generi hanno acquisito definizione e indipendenza. Fanno anche una categoria a parte le serenate e le cassate, musiche scritte per essere suonate di solito all”aperto, che giocarono un ruolo essenziale nel progressivo abbandono dello stile di scrittura a basso continuo.

I suoi primi quartetti per archi mostrano l”influenza di Giovanni Battista Sammartini e delle trio-sonate dell”Italia settentrionale nell”uso di melodie brevi, nell”organizzazione dei movimenti, nell”unità della chiave e nello stile omofonico predominante. Anche questi primi quartetti presentano delle somiglianze con la forma del divertimento, e l”interesse principale risiede nelle due voci superiori. La forma sonata è embrionale, con brevi sviluppi e ripetizioni. Il gruppo di sei quartetti prodotti tra il 1772 e il 1773 è già più coeso, ha caratteristiche cameristiche più definite e forma un ciclo logico di tonalità, tutti hanno lo stesso numero di movimenti e le voci inferiori sono già più dinamiche, permettendo la creazione di un effetto concertante. Il seguente gruppo di sei quartetti fu prodotto a Vienna dopo il contatto con l”opera di Joseph Haydn, da cui portano una forte influenza. La loro qualità è chiaramente superiore alle precedenti, la loro tecnica è più ricca, fanno uso del contrappunto e tutte le voci hanno la stessa importanza; lo sviluppo è tematico e non sezionale, a volte usano introduzioni lente, cromatismi e in una di esse c”è una fuga. I suoi quartetti successivi (1782-1790) sono opere mature, la forma canonica del quartetto d”archi è chiaramente stabilita, ancora una volta sono influenzati da Haydn e sei di loro sono stati dedicati a lui come “il frutto di uno sforzo lungo e laborioso”, come ha scritto nella dedica. Usano linee cromatiche brevi e un”armonia più libera, la forma-sonata è pienamente sviluppata, il contrappunto forma trame complesse e le codas sono più elaborate, con un risultato di densità quasi sinfonica. L”ultimo dei sei quartetti per Haydn è famoso per la sua intensità emotiva e la sua apertura cromatica, ed è chiamato il Quartetto delle dissonanze, dove per un tratto la definizione di tonalità è lasciata in sospeso.

Dei sei quintetti per archi, uno è un lavoro giovanile e mostra l”influenza di Sammartini e Michael Haydn. Gli altri sono maturi, ma non sono un gruppo unificato, avendo ciascuno caratteristiche uniche. I primi due fanno uso della scrittura concertante, gli ultimi due sono più guidati dal contrappunto e hanno materiale tematico più concentrato. Tra le serenate per archi di gran lunga la più conosciuta è la Piccola Serenata K525, che è diventata estremamente popolare.

Mozart era un pianista consumato, uno dei più grandi virtuosi di tutti i tempi, anche se al suo tempo questo aveva un significato diverso da quello che acquisì nel XIX secolo dopo l”attività di Clementi e Beethoven. Scrisse per il pianoforte, uno strumento di minore potenza e supporto sonoro rispetto al pianoforte romantico. Le sue sonate per pianoforte e violino mostrano l”evoluzione del concetto di questa forma. Storicamente, fino al 1750 circa, il violino aveva il ruolo principale, essendo la tastiera responsabile del supporto armonico. Intorno al 1750 la tastiera prese il predominio, tanto che molte opere in questa forma danno al violino una partecipazione ad libitum, e può essere omesso senza molto danno. Secondo Einstein, spettava a Mozart stabilire un equilibrio tra i due strumenti, creando un vero dialogo. Tuttavia, questo è stato raggiunto solo nelle sue opere mature, le prime erano semplici adattamenti di opere altrui per tastiera o avevano un carattere improvvisato. Secondo l”opinione di Carew, le ultime quattro sonate per pianoforte e violino meritano un posto accanto alle sue più grandi creazioni in altri generi. Anche i suoi due quartetti d”archi con pianoforte (1785-1786) sono opere importanti e originali, poiché Mozart non aveva molti modelli a cui ispirarsi. Il pianoforte è parte integrante del discorso e non un semplice accompagnamento, raggiungendo in alcuni momenti un effetto concertante. Il loro contenuto rivela la complessità della sua fase matura, esplorando in profondità la forma-sonata, i timbri, gli sviluppi motivazionali, le dinamiche e le tessiture. Sono opere speciali anche per la loro atmosfera pre-romantica, combinando lirismo e dramma.

Le sue diciotto sonate per tastiera sola testimoniano anche l”evoluzione della forma. Non produsse nulla di significativo prima di entrare in contatto con la produzione dei francesi, specialmente le sonate del germanico parigino Johann Schobert, e le opere di Johann Christian Bach, che incontrò a Londra. Un”altra importante influenza furono le sonate di Joseph Haydn, un po” più tardi. Solo verso il 1775 cominciò a mostrare uno stile personale, importante come punto di riferimento la sonata in re K284, che mostra un”animazione quasi concertante e uno dei movimenti, in variazioni, è molto unitario. Tra il 1777-1778 compose una serie di sette, un gruppo caleidoscopico pieno di passaggi di grande brillantezza pianistica e movimenti lenti molto sensibili, con la parte della mano sinistra che acquisisce un”importanza uguale a quella della destra. Di questo gruppo è la sonata in la maggiore K331, il cui finale è il noto Rondò alla turca. La produzione di sonate fu poi interrotta per sei anni, e alla loro ripresa produsse un gruppo di opere caratterizzate dal dramma. Le sonate dei suoi ultimi anni ricordano elementi dei suoi inizi rococò combinati con una grande padronanza della scrittura contrappuntistica. Queste opere rimangono ingiustamente trascurate dal pubblico moderno, che ne conosce solo alcune, essendo messe in ombra dalla produzione di Beethoven e degli altri compositori romantici dello stesso genere. Parte di questo fenomeno è dovuto al loro carattere ingannevolmente semplice, sempre con una linea melodica limpida e un”armonia chiara, senza molte modulazioni e senza difficoltà eccezionali per uno strumentista medio, il che fa sì che molti di essi si trovino più nelle classi di pianoforte che nei concerti. Tuttavia, questa falsa semplicità è una delle caratteristiche stilistiche più tipiche del Classicismo, che cerca intenzionalmente il decoro e la moderazione in una forma equilibrata. Le esplosioni passionali e la fantasia sfrenata non erano allora considerate compatibili con l”atmosfera intima della sonata.

Nel gruppo di pezzi a formazione mista, che si muovono tra la dimensione cameristica e quella sinfonica, spiccano i suoi cinque divertimenti per archi e corni, opere leggere che generalmente furono scritte per celebrare qualche data speciale. Tutti tranne uno hanno sei movimenti, e i corni sono silenziosi nei movimenti lenti. Il primo violino ha un ruolo più ampio, con una scrittura virtuosistica. Quattro di essi sono preceduti e seguiti da una marcia da suonare quando gli strumentisti entrano ed escono dal locale. Delle serenate la Haffner K250248b e la Posthorn K320 sono importanti, e il quartetto d”archi con clarinetto K581 è anche degno di menzione come uno dei pezzi da camera più noti e più espansivi di Mozart, un lavoro importante della sua maturità con una scrittura perfettamente equilibrata tra gli strumenti. La serenata per tredici strumenti K361370a, chiamata Gran Partita, per fiati e contrabbasso, è forse il suo più grande risultato nell”esplorare varie combinazioni strumentali. Utilizzando materiale tematico organizzato in forma dialogica o creando contrasti tra piccoli gruppi contro il resto dell”ensemble, simile al vecchio concerto grosso, scrisse musica di una ricchezza timbrica unica e offrendo grandi possibilità di dimostrare il virtuosismo di tutti gli strumenti. Infine, il suo quintetto per pianoforte e strumenti a fiato K452, del 1784, considerato dall”autore come il miglior pezzo che avesse composto fino ad allora.

La trentina di brevi canzoni per voce sola e accompagnamento di pianoforte che Mozart ha prodotto meritano una breve menzione. Per la maggior parte sono pezzi minori, Mozart stesso non sembra aver dato loro molto valore, tuttavia i migliori, creati tra il 1785 e il 1787, hanno un posto nella storia della musica sia per la loro eccezionale qualità intrinseca, trascendendo il regno delle miniature, sia per essere precursori dello sviluppo del genere del lied tedesco.

Danze e arrangiamenti

Le danze di Mozart occupano un grande spazio nella sua produzione: ci sono circa 120 minuetti, più di cinquanta danze tedesche e una quarantina di controdanze, composte per la maggior parte dopo aver assunto il ruolo di musicista da camera a corte, dove la sua attività principale era quella di fornire musica per i balli imperiali. In generale la sua strumentazione è per archi senza viola e vari strumenti a fiato. Meritano un disco non per la loro ampiezza, perché hanno solo 16-32 battute, ma per l”impressionante varietà di soluzioni formali che ha introdotto all”interno di queste forme limitate, per la ricca armonizzazione e per la sua grande ispirazione melodica.

Anche se occupano un posto minore nella produzione di Mozart, i vari arrangiamenti che fece di altri compositori sono importanti per due motivi: in primo luogo, le varie opere arrangiate della sua prima carriera sono musicalmente quasi semplici curiosità, ma di grande interesse per conoscere le influenze che ha subito e come ha sviluppato il suo stile. In secondo luogo, i vari arrangiamenti di fughe di Bach e di opere e oratori di Händel che fece negli anni 1780 su commissione del barone van Zwieten, amante della musica barocca, accesero il suo interesse per gli stili eruditi del passato ed esercitarono un impatto significativo sulla sua scrittura, particolarmente visibile nel suo Requiem. I suoi arrangiamenti di Händel hanno goduto di notevole prestigio nel XIX secolo, ma oggi, con le preoccupazioni relative all”autenticità storica, sono poco ascoltati.

Mozart come insegnante

L”insegnamento non fu mai un”attività preferita da Mozart, ma si trovò costretto a prendere diversi studenti di pianoforte per migliorare le sue entrate. L”insegnamento era piacevole per lui solo quando poteva stabilire un rapporto amichevole e informale con lo studente. In questi casi potrebbe anche dedicare loro delle composizioni. I suoi metodi sono poco conosciuti, ma qualcosa si sa da alcuni resoconti e dalla conservazione di un libro di esercizi del suo allievo Thomas Attwood. Un altro allievo, Joseph Frank, descrisse una delle sue lezioni con il maestro dicendo che lui stesso preferiva suonare pezzi e con l”esempio vivente mostrare la corretta interpretazione, piuttosto che istruirlo con raccomandazioni verbali. Alcuni studenti dissero che era spesso disattento, e che li invitava a giocare a carte o a biliardo durante le lezioni invece di studiare musica, ma Eisen & Keefe non sono d”accordo con questa impressione, considerandolo un insegnante attento. Mozart non insegnò solo la parte pratica, ma anche la teoria musicale, usando come base il noto manuale Gradus ad Parnassum di Johann Joseph Fux. Dal quaderno di Attwood si può vedere che Mozart era solito dare un basso all”allievo per fornire un contrappunto, e poi correggere il risultato. Per gli studenti più avanzati potrebbe esaminare e correggere le loro composizioni, anche riscrivendo lunghi passaggi. L”allievo più noto di tutti fu Johann Nepomuk Hummel, che visse con i Mozart per circa due anni, li accompagnò alle feste e a corte, e più tardi divenne un pianista virtuoso di grande fama.

Strumenti

Anche se alcuni dei primi pezzi composti da Mozart durante la sua giovinezza furono scritti per clavicembalo, egli ebbe anche contatti con i pianoforti costruiti da Franz Jakob Späth di Ratisbonne. Più tardi, quando visitò Augusta, rimase impressionato dai pianoforti Stein e condivise questo fatto in una lettera che scrisse a suo padre. Il 22 ottobre 1777 Mozart presentò in anteprima il suo triplo concerto per pianoforte K.242, avendo usato gli strumenti forniti da Stein. L”organista Demmler della cattedrale di Augsburg suonò la prima parte, Mozart la seconda e Stein la terza. Nel 1783, mentre viveva a Vienna, Mozart comprò uno strumento fatto da Walter. Leopold Mozart in una lettera a sua figlia confermò l”affetto che suo figlio aveva per il suo pianoforte Walter: “È impossibile descrivere tale affetto. Il fortepiano di tuo fratello è stato spostato da casa tua al teatro o a casa di qualcun altro almeno dodici volte”.

Ricezione iniziale e influenza successiva

I critici del suo tempo erano unanimi nel riconoscere il suo talento superiore, ma molti consideravano la sua musica troppo complessa, rendendola difficile da capire per l”ascoltatore non istruito e una sfida anche per gli intenditori. Un apprezzamento del compositore Karl von Dittersdorf è illustrativo:

Tuttavia, sintomatica fu anche la posizione del critico Adolph von Knigge, che, dopo aver intrecciato un gran numero di obiezioni a vari aspetti della scrittura di Mozart che gli sembravano troppo stravaganti, non esitò ad aggiungere: “Oh sì, tutti i compositori dovrebbero essere in grado di fare tali errori!” Alcuni hanno riferito che i suoi pezzi sono diventati più accessibili dopo ripetute audizioni, e altri hanno sentito che erano ostacolati principalmente da interpretazioni mediocri da parte di musicisti meno che competenti, diventando molto più chiari nelle mani dei virtuosi. Anche così, all”apice della sua carriera, gli anni 1780, le sue composizioni riuscirono a toccare il pubblico su larga scala, venendo ascoltate in molte parti d”Europa con successo. Poco dopo la sua morte fu ancora chiamato Orfeo o Apollo, ed era diventato un nome famoso.

Anche con il prestigio acquisito in vita, Mozart non creò esattamente una scuola estetica, ma la sua musica riuscì a sopravvivere al passaggio al Romanticismo ed esercita ancora oggi una certa influenza sui compositori. I suoi successori non cercarono di imitare il suo stile, ma li attirarono di più gli aspetti della forma, della tecnica e della sintassi musicale, cioè: le possibilità che Mozart indicava per l”espansione delle forme musicali, la sua capacità di coordinare elementi eterogenei per formare un insieme unitario, il modo in cui dava consistenza a un fraseggio eloquente e la fertilità delle idee sussidiarie ai temi principali, utilizzate come ornamenti complessi e strutturanti. Non ebbe discepoli diretti di fama, tranne Hummel, ma diversi esponenti delle generazioni successive, in una linea ininterrotta fino ai tempi contemporanei, erano in qualche modo in debito con lui e lo citavano esplicitamente come modello per uno o più aspetti della loro musica. Tra i più importanti, si possono citare come esempi Ludwig van Beethoven, Franz Schubert, Robert Schumann, Johannes Brahms, Richard Wagner, Anton Bruckner, Gustav Mahler, Max Reger, Richard Strauss, Igor Stravinsky, Arnold Schönberg, e più recentemente John Cage e Michael Nyman. Per molti altri autori di oggi rimane, se non un”ispirazione, un modello di eccellenza.

I miti

La prima biografia sostanziale di Mozart fu un necrologio scritto da Friedrich Schlichtegroll nel 1793, fondamentalmente da resoconti ottenuti dalla sorella di Mozart, Nannerl, e alcuni materiali aggiuntivi da amici del musicista. Le storie pittoresche che narravano al biografo venivano presentate con un”importanza esagerata, creando un”immagine del musicista come un bambino mai cresciuto, irresponsabile e incompetente in tutto ciò che era al di fuori del mondo della musica, a spese dello studio della sua vita come uomo adulto. Questo approccio fu più o meno imitato negli altri che seguirono immediatamente, come quelli di Arnold, Nissen, Niemetschek, Novello e Rochlitz, tutti in varia misura inclini alla romanticizzazione, al puro travisamento o all”interpretazione distorta dei fatti, e furono la base per la nascita di tutta una tradizione biografica distorta, che ancora oggi fa sentire la sua influenza, mescolando indiscriminatamente leggenda e fatti. Anche Constanze giocò un ruolo in questa tradizione, perché avendo accesso a gran parte del materiale autografo di Mozart, non esitò a distruggere o censurare la corrispondenza del marito in modo che la sua immagine, e per estensione la propria, fosse presentata al pubblico in modo rispettabile. La sua vita adulta sempre in ristrettezze economiche, la sua morte nel fiore degli anni, la sua sepoltura in una fossa comune, divennero oggetto di molta fantasia, venendo dipinti con colori tragici o melodrammatici e facendo di lui una specie di eroe incompreso e abbandonato nel momento del bisogno. D”altra parte, una parte dei biografi romantici, sulla base dei suggerimenti di Schlichtegroll, sviluppò la teoria che Mozart fosse responsabile della propria rovina perché aveva un carattere presumibilmente dissoluto e stravagante, avendo avuto relazioni con numerose donne, si era dato al bere e si comportava in modo arrogante di fronte ai potenziali mecenati. Come se questo non bastasse, Constanze venne sistematicamente diffamata perché si pensava che fosse stata un”influenza negativa e che avesse contribuito attivamente alla disgrazia del marito. Queste storie non solo furono accettate da diversi studiosi seri come Alfred Einstein e Arnold Schering, ma divennero estremamente popolari, anche se la critica più aggiornata le considera ampiamente infondate.

Oltre a questi aspetti, altre distorsioni nelle sue biografie sono nate dal vederlo come un genio. Certamente l”enorme talento di Mozart faceva spazio a questo, ma poi tutte le costruzioni biografiche romantiche erano strutturate a partire da un”idea preconcetta di come un genio dovesse essere e comportarsi. Poiché il concetto stesso di genio si è trasformato dal XVIII secolo, il risultato è che si sono formate diverse immagini di Mozart. Questa tradizione fu lanciata da suo padre Leopold, secondo una visione quasi religiosa del genio come un essere benedetto da Dio. Con un privilegio così innato, toccava a Mozart consumare questa profezia. I biografi cattolici come Adolphe Boschot, Theodor de Wyzewa e Georges de Saint-Foix perseguirono il tema come se il genio fosse qualcosa di esterno al musicista, come se parlasse attraverso di lui, sottolineando l”idea che Mozart non avesse avuto bisogno di alcuno studio, sforzo o riflessione per comporre, come se fosse nato dal nulla, ma vale la pena notare che Mozart stesso, pur consapevole delle sue eccezionali capacità, non si è mai definito un genio in questo senso, e ha riconosciuto il suo debito verso altri musicisti. Tuttavia, una lettera contraffatta di Mozart venne alla luce nel 1815 in cui descriveva il suo processo compositivo come un”ispirazione simile al sonnambulismo. Questa visione fece di Mozart non solo un essere speciale, ma veramente angelico, essenzialmente gentile, sano ed equilibrato, e quindi un classico per eccellenza.

Tutta questa ideologia distorta o fantastica su Mozart fu sfruttata anche da altri artisti romantici per inserirlo nella letteratura di fantasia. La pratica iniziò con E. T. A. Hoffmann, che scrisse nel 1814 un racconto, Don Juan, in cui l”opera Don Giovanni è analizzata come un”allegoria della caduta di uno spirito nella sua errata ricerca del divino attraverso l”amore di una donna. Alexander Pushkin contribuì con due brevi tragedie, Mozart e Salieri – trasformata in opera da Rimsky-Korsakov -, e Il convitato di pietra, la prima rafforzando la leggenda dell”avvelenamento di Mozart, e l”altra una rivisitazione anche dell”originale Don Giovanni, trovando nel protagonista un alter ego del compositore. Per inciso, quest”opera attirò diversi altri scrittori romantici, come Søren Kierkegaard, Eduard Mörike e George Bernard Shaw, con una varietà di interpretazioni filosofiche, morali e psicologiche.

Diffusione della sua musica

Durante la vita di Mozart, le sue composizioni furono diffuse attraverso copie manoscritte o edizioni stampate. Durante l”infanzia e la giovinezza di Mozart, suo padre gestì la diffusione, ma relativamente poco fu stampato e copiato per proteggere gli interessi del figlio, poiché dopo aver lasciato le mani del compositore non era insolito che le opere fossero ricopiate e ripubblicate senza il suo permesso. Quelli che apparivano in stampa erano pezzi da camera, dato che le opere e i grandi lavori orchestrali circolavano solo in manoscritti. Negli anni 1780 la diffusione si espanse. Vienna era ormai diventata un importante centro editoriale, e le necessità finanziarie di Mozart richiedevano la vendita di opere. Così, fino alla sua morte un numero significativo delle sue composizioni fu offerto al pubblico, per un totale di circa 130, raggiungendo molti paesi europei, al punto che la sua fama fu paragonata solo a quella di Haydn. Fu regolarmente citato in opere teoriche e dizionari musicali, e le sue opere furono diffuse da compagnie itineranti.

Subito dopo la sua morte un gran numero di nuovi pezzi apparve sul mercato, in parte a causa del grande successo de Il flauto magico, della fama del compositore e anche della probabile pubblicazione di diverse opere inedite di Constanze. Poi gli editori Breitkopf & Härtel di Lipsia e André di Parigi si avvicinarono alla vedova per acquisirne altri. Il progetto di Breitkopf era ambizioso, tanto che nel 1798 fu iniziata la prima raccolta delle sue opere complete, anche se all”epoca non fu realizzata. Nel 1806, tuttavia, erano apparsi diciassette volumi. Nel 1799 Constanze vendette la maggior parte dei suoi manoscritti ereditati ad André, ma la vendita non si tradusse in una pubblicazione di massa. Ma siccome l”editore si preoccupava della fedeltà agli originali, le opere che ha stampato sono preziose e alcune di esse sono le uniche fonti di certi pezzi i cui originali sono andati persi.

A metà del XIX secolo l”interesse per la musica di Mozart riprese, insieme a una diffusa riscoperta della musica del passato, ma il numero delle sue opere ancora in ascolto non era elevato. Delle opere, Don Giovanni, Le nozze di Figaro e Il flauto magico rimasero vitali, e della musica strumentale, i pezzi in chiave minore e le ultime sinfonie, ma accessibili alla sensibilità romantica che ormai stava assumendo il primato estetico in Europa, soppiantando il classicismo. Mozart venne visto dalla critica tedesca come un compositore tipicamente romantico, che esprimeva perfettamente gli aneliti più profondi dell”anima tedesca, e si trovavano nella sua musica, soprattutto in quelle composte in chiave minore e nell”opera Don Giovanni, elementi dionisiaci, inquietanti, appassionati, distruttivi, irrazionali, misteriosi, oscuri e persino demoniaci, in opposizione diametrale agli ideali classicisti. Tuttavia, per l”Europa del XIX secolo in generale, l”immagine di Mozart come compositore classico prevalse, ma la sua musica tendeva ad essere compresa in modo ambivalente e spesso stereotipato. Per alcuni il Classicismo era uno stile formalistico e vuoto; come Berlioz, che non sopportava più le opere mozartiane, trovandole tutte uguali e vedendo in esse una bellezza fredda e tediosa. Altri, invece, come Brahms, potevano trovare nelle sue ultime sinfonie o nei suoi migliori concerti opere più importanti di quelle di Beethoven negli stessi generi, anche se queste ultime erano considerate di maggior impatto. Schumann, nel tentativo di elevare la musica di Mozart al regno dell”atemporalità, disse che chiarezza, serenità e grazia erano le caratteristiche delle opere d”arte dell”antichità, e che erano anche quelle della “scuola mozartiana”, e descrisse la sinfonia K550 come di “svolazzante grazia greca”. Altri come Wagner, Mahler e Czerny vedevano Mozart più come un necessario precursore di Beethoven, che avrebbe portato l”arte della musica alla consumazione profetizzata ma non realizzata da Mozart.

Le opere di Mozart furono riproposte in festival sporadici a Salisburgo tra la fine del XIX e l”inizio del XX secolo, ma i moderni festival mozartiani iniziarono solo negli anni ”20, dopo iniziative di Hermann Bahr, Max Reinhardt, Richard Strauss e Hugo von Hofmannsthal, e appena si stabilizzarono attirarono la partecipazione dei migliori direttori d”orchestra dell”epoca, come Bruno Walter, Clemens Krauss e Felix Weingartner. Fritz Busch ebbe un grande ruolo nel trasporre gli aspetti dell”approccio austro-germanico di Mozart al Festival di Glyndebourne nel Regno Unito, che fu determinante nel fissare lo stile delle rappresentazioni per tutto il secolo, e con le performance di John Christie e sua moglie, Glyndebourne divenne un festival quasi esclusivamente dedicato a Mozart, presentando inoltre le opere nella loro lingua originale, cosa rara nei paesi non di lingua tedesca. Negli anni ”50 Idomeneo e Così fan tutte entrarono nel repertorio operistico, e negli anni ”70, con una maggiore accettazione delle convenzioni dell”opera seria, altre sue opere iniziarono ad essere occasionalmente riproposte. Anche altri generi da lui coltivati entrarono nel repertorio standard, soprattutto i concerti per pianoforte e le sinfonie, e l”influenza della diffusione della sua musica su disco fu profonda nel rendere Mozart un nome popolare; tra gli anni ”60 e ”70 apparvero registrazioni complete di interi generi.

Studi critici

La prima biografia critica su Mozart fu scritta da Otto Jahn tra il 1856-1859, uno studio monumentale e scientifico che riassumeva le biografie precedenti e cercava di distinguere il fatto dalla leggenda per quanto era possibile per l”epoca. Ha in parte idealizzato Mozart, ma il suo risultato, come ha detto King, è stato spettacolare, ricevendo diverse ristampe con aggiunte significative. Un”altra pietra miliare negli studi specialistici su Mozart fu l”indagine catalografica della sua opera completa, intrapresa nel 1862 da Ludwig von Köchel. Questo è stato seguito dall”altrettanto monumentale biografia di Wysewa e Saint-Foix, una delle più straordinarie imprese biografiche riguardanti qualsiasi compositore, con un alto grado di dettaglio. Per quanto importante, era un”opera imperfetta sotto diversi aspetti, soprattutto per quanto riguarda la cronologia, ormai obsoleta, e l”esenzione critica, tendente anche a idealizzare il suo soggetto, ma anche così rimane un riferimento per la sua acuta penetrazione nelle sottigliezze dell”opera mozartiana. Nel 1954 Alfred Einstein ha presentato una biografia di allora approccio originale, che è diventato un classico del genere, studiandolo non per bias cronologico ma tematico. Negli ultimi decenni la più importante e completa è stata la biografia di Erich Schenk del 1955, ampliata nel 1975, molto dettagliata e basata su fatti documentati e ricerche recenti.

Prima del lavoro di Köchel sulla catalogazione delle opere complete, sono apparsi diversi altri tentativi di compilare le opere di Mozart, ma nessuno di essi meritava il nome di completo. Infatti, anche quello di Köchel non meritava il nome completo quando fu pubblicato, anche se si è affermato e rimane in uso, essendo costantemente aggiornato con le recenti scoperte. Questa pretesa fu soddisfatta solo a grandi linee con la pubblicazione della Alte Mozart-Ausgabe (Vecchia Edizione Mozart – AMA) del 1877-1883, completata nel 1910, e anche per iniziativa di Köchel, rivedendo i suoi studi precedenti in modo più accurato e aumentandoli con commenti critici più approfonditi da parte di un ampio gruppo di collaboratori che includeva tra gli altri Johannes Brahms, Philipp Spitta e Joseph Joachim. Il risultato fu complessivamente notevole, difficilmente concepibile anche oggi, ma questa edizione soffriva ancora di una debole unità editoriale e lasciava inesplorati alcuni aspetti importanti. Con l”apparire della serie ininterrotta di studi, divenne presto evidente che l”AMA stava diventando obsoleta su diversi punti, e fu pianificata una nuova edizione completa. Dopo molti ritardi causati dalla seconda guerra mondiale, nel 1954 l”Internationale Stiftung Mozarteum di Salisburgo annunciò il lancio della Neue Mozart-Ausgabe (Nuova Edizione Mozart – NMA), iniziando la pubblicazione nel 1955 sotto la direzione editoriale di un gruppo di illustri musicologi guidati da Otto Deutsch e finanziati da imprese private in collaborazione con il governo tedesco. Il tratto distintivo più importante della NMA è stato il suo approccio, cercando di offrire un”edizione che eccelle in fedeltà agli originali e che sfrutta le ultime ricerche nel campo dell”autenticità storica della musica. L”opera principale è stata completata solo nel 1991, formando 120 volumi, ma l”edizione continua con i supplementi.

L”analisi della sua corrispondenza è stata una parte importante dello studio dell”opera di Mozart. Secondo Eisen le lettere della famiglia Mozart comprendono la corrispondenza più estesa e dettagliata su qualsiasi compositore del XVIII secolo o precedente. In tutto, sopravvivono quasi 1600 lettere di Mozart e dei suoi familiari, che forniscono un inestimabile corpo di informazioni non solo sulla sua vita ma sull”ambiente culturale del suo tempo, oltre a fornire dati preziosi sulla cronologia delle sue opere e sul suo processo compositivo, portando talvolta descrizioni dettagliate su vari aspetti dei singoli pezzi.

D”altra parte, come ha ricordato Sadie, con la quantità di nuovi studi che appaiono sempre, i “fatti” della sua vita cambiano sempre, poiché si scopre molto nuovo materiale, comprese le opere musicali, il che implica una continua rivalutazione dell”impatto di queste scoperte su ciò che è già noto, dando luogo a nuove interpretazioni e conclusioni. Un esempio di questa situazione è la fragile sostanzialità della classificazione di Mozart come Classico, e della definizione stessa di Classicismo, contro cui sono state sollevate varie obiezioni, sia storiche che contemporanee – basti ricordare che per molti Romantici fu anche un Romantico. Con le recenti ricerche molti concetti consacrati sono stati rivisti, e il Classicismo non fa eccezione alla regola. Alcuni autori hanno sottolineato il fatto che nella loro epoca il concetto non esisteva nemmeno, e i musicisti di allora si definivano “moderni”. La consacrazione del termine applicato alla musica avvenne solo a metà del XIX secolo, prima come complimento, con il semplice significato di “esemplare”, e come definizione estetica nacque da uno scisma nell”intellighenzia germanica tra coloro che si dichiaravano per i principi del Romanticismo e coloro che presero una posizione conservatrice e si opposero ai Romantici. Altri fanno notare che i soliti termini che definiscono il classicismo – perfezione, unità, sintesi, equilibrio, moderazione e integrazione forma-contenuto – possono essere perfettamente applicati ad altre manifestazioni artistiche, svuotando il concetto di significato profondo. Ciononostante, rimane ampiamente utilizzato.

Mozart nella cultura popolare

In tempi più recenti, grazie alla sua fama mondiale, l”immagine di Mozart è diventata un prodotto ampiamente sfruttato, raggiungendo, secondo Jary, il punto di abuso, tracimando i confini del mondo della musica e venendo utilizzato nelle industrie del turismo, del commercio, della pubblicità, del cinema e della politica, spesso senza alcuna associazione con i suoi legittimi attributi storici e artistici. In questo contesto, con esigenze molto diverse da soddisfare, i limiti del buon gusto sono facilmente superati. La sua immagine appare sui soprammobili di porcellana, sui pacchetti di gelato, sigarette, cioccolato, profumi, vestiti, cartoline, calendari, libri di ricette e innumerevoli altri beni di consumo. Oggi ci sono aziende dedicate esclusivamente a sfruttare la sua immagine nel commercio, con enormi profitti.

Questa moltiplicazione spesso acritica della presenza di Mozart contribuisce, da un lato, ad aumentare l”interesse generale per lui, ma dall”altro perpetua gli stereotipi, che sono evidenti nei film, nei libri di letteratura narrativa e nelle opere teatrali di cui continua ad essere protagonista, come Wolfgangerl di Gunnar Gällmo, Amadeus di Milos Forman (basato sull”omonima opera teatrale di Peter Shaffer), e Mozart e l”intendente grigio di Thornton Wilder. Anche nel mondo dell”industria della musica classica c”è una chiara tendenza a distorcere i fatti; alcuni pezzi ricevono registrazioni ripetute e di ampia portata, mentre il resto della sua vasta produzione rimane sconosciuto al grande pubblico. Questi stessi pezzi selezionati sono usati come colonne sonore in altre situazioni perché la loro immensa popolarità garantisce l”attrazione dei consumatori per altri prodotti. Più grave è la sua appropriazione da parte della politica, un esempio è l”uso dell”immagine di Mozart da parte del regime nazista in Germania. Nel 1938 lo slogan Mozart come Apollo fu usato in un festival di Salisburgo per celebrare l”annessione dell”Austria alla Germania, e nel 1939 il musicista divenne un simbolo del patto di Hitler con Mussolini. Secondo le dichiarazioni del ministro della propaganda nazista, Joseph Goebbels, la musica di Mozart era una difesa dei soldati tedeschi contro i “barbari dell”Europa orientale”. Anche dopo la guerra lo stato austriaco continuò a usare Mozart come una sorta di ambasciatore dell”Austria, sostenendo che il suo genio continuava ad aleggiare sul paese. Questo ampio uso di Mozart in una grande varietà di situazioni non sembra diminuire con il passare degli anni, e nell”opera Mozart in New York di Helmut Eder, si dice ironicamente che, sia sui souvenir turistici che sulla banconota da cinquemila scellini austriaca, “Mozart è denaro!”

Fonti