Musica barocca

gigatos | Marzo 1, 2023

Riassunto

La musica barocca si riferisce a tutta la musica d”arte occidentale composta nel XVII secolo e all”inizio del 1700. Durante il periodo barocco, l”accento era posto sulla spettacolarità: l”enfasi sull”imponenza si rifletteva nella moda, nelle scenografie teatrali e nel modo di parlare e scrivere. L”arte barocca amava gli ornamenti sontuosi, ma accanto al suo splendore esteriore, è un”opera di genuina sensibilità e calore religioso. Essenziale per la musica barocca è anche la complessa polifonia di cui Johann Sebastian Bach è considerato il maestro. Durante il periodo barocco, la musica strumentale divenne più importante che mai.

L”uso del termine musica barocca per la musica del XVII secolo e della prima metà del XVII secolo è una pratica relativamente recente: fu usato per la prima volta dal musicologo Curt Sachs nel 1919 e si affermò solo negli anni Quaranta. Già negli anni Sessanta, tuttavia, il mondo accademico discuteva se le opere di compositori così diversi tra loro come Jacopo Peri, François Couperin e J.S. Bach potessero essere descritte in modo significativo con un unico termine.

Durante il Rinascimento, gran parte della scienza e dell”arte greca antica fu riscoperta in Europa e tradotta per la prima volta in latino. All”inizio del XVII secolo, in Europa iniziò una rivoluzione scientifica sotto la guida di Johannes Kepler, Galileo Galilei, René Descartes e altri. A differenza dell”antichità, la scienza si basava ora sull”osservazione diretta della natura e sulla spiegazione delle osservazioni piuttosto che su ragionamenti filosofici astratti. I grandi progressi scientifici portarono anche a rivalutare il ruolo di vecchie autorità come la Chiesa cattolica. Anche nelle scienze sociali stavano emergendo nuove idee. Il Leviatano di Thomas Hobbes (1651) sosteneva che il miglior sistema di governo fosse uno Stato autocratico e sovrano, in un periodo in cui in Inghilterra vi erano gruppi politici che sostenevano la democrazia e l”uguaglianza per tutti. Il conflitto tra la Riforma e la Chiesa cattolica continuò nel XVII secolo, portando, tra l”altro, a una guerra trentennale tra le regioni cattoliche e luterane del Sacro Romano Impero e, in Francia, a diverse guerre contro gli Ugonotti. La religione ha avuto un ruolo anche nella Guerra civile inglese, anche se al centro del conflitto c”era una lotta di potere tra il Parlamento e il Re.

La caratteristica centrale di tutta l”arte barocca è l”attenzione al dramma. Mentre la pittura e la scultura rinascimentali erano state caratterizzate dalla serenità e dallo staticismo greco, il periodo barocco fu caratterizzato da situazioni teatrali, emotive e dinamiche. Lo stesso si può osservare nella musica. L”opera, la più importante delle nuove forme d”arte del Barocco, cercò di fare questo combinando dramma e musica in un modo senza precedenti. Le emozioni umane erano considerate stati statici dell”anima, ognuno dei quali era provocato da una particolare combinazione di spiriti nell”anima. Si riteneva che fosse possibile raggiungere un migliore equilibrio tra gli spiriti dell”anima lavorando sugli stati emotivi o sugli affetti attraverso la musica. Nella musica barocca, i compositori non cercavano di esprimere i propri stati emotivi personali, ma questi affetti generali.

Uno dei mezzi principali per esprimere le emozioni divenne la violazione consapevole delle regole del contrappunto rinascimentale. Claudio Monteverdi infranse spesso le regole consolidate del contrappunto nei suoi madrigali, soprattutto in Cruda Amarilli, in cui, ad esempio, enfatizza le parole cruda (crudele) e ahi lasso (oh!) con forti dissonanze. Le forti critiche mosse a queste composizioni da Giovanni Maria Artus spinsero Monteverdi a difendere le sue opere con una breve risposta in cui distingue tra la prima prattica, o prima pratica, del XVI secolo e la nuova secunda prattica, o seconda pratica. Secondo Monteverdi, nella prima la musica segue le proprie regole e quindi domina il testo dell”opera, mentre nella seconda il testo domina la musica e quindi le regole della musica possono essere infrante. Egli ha sottolineato che la nuova pratica non sostituisce la vecchia, ma deve essere utilizzata in situazioni appropriate. La prima prattica, o stile antico, rimase uno standard stilistico nella musica per tutto il periodo barocco. Johann Sebastian Bach, ad esempio, compose diverse sezioni della sua Messa in si minore seguendo il contrappunto rinascimentale.

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basso continuo

Il basso continuo (o semplicemente il continuo) era parte integrante della composizione delle opere del periodo barocco. Il basso continuo di solito suonava per tutta la durata del brano musicale e ne forniva la base armonica. Il gruppo del basso continuo era composto da diversi strumenti; la composizione del gruppo era solitamente decisa dagli esecutori e poteva variare notevolmente a seconda dei musicisti e degli strumenti disponibili. Il gruppo di solito consisteva in un singolo strumento in grado di suonare accordi, come il clavicembalo, il liuto, l”arpa o, soprattutto nella musica da chiesa, l”organo comune. Comprendeva anche un certo numero di strumenti nel registro basso, come violoncelli, viole da gamba o fagotti.

I compositori di solito scrivevano la linea (o le linee) di basso per le loro opere, ma lasciavano agli esecutori il compito di suonare e decorare il basso. Il basso continuo è quindi sempre leggermente diverso da un”esecuzione all”altra. Il basso continuo esprimeva anche un”altra differenza tra la musica barocca e quella rinascimentale: la netta distinzione tra voci basse e voci bianche. La composizione del basso continuo portò i compositori a pensare alla musica in termini di accordi piuttosto che di melodie parallele. Le dissonanze cominciarono a essere concepite come note non accordali piuttosto che come intervalli tra note, e a metà del XVII secolo era stato sviluppato un codice per il trattamento delle dissonanze accordali nella musica.

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Decoratività e improvvisazione

La musica barocca si concentrava sull”esecuzione e sull”esecutore, piuttosto che sulla composizione o sul compositore, come invece accadeva in gran parte della musica d”arte successiva. La composizione era vista come una guida o un punto di partenza per l”esecuzione vera e propria, e gli esecutori dovevano applicare liberamente il lavoro del compositore. Il gruppo del basso continuo arrangiava gli accordi secondo linee guida molto libere. Gli abbellimenti (come trilli e arpeggi) venivano aggiunti alla melodia. A volte le loro posizioni erano segnate sullo spartito con segni speciali. Nella tradizione italiana, in particolare, le opere del compositore venivano anche aumentate con motivi più estesi. Le opere possono anche essere state abbreviate o combinate in modi diversi, se necessario: nelle opere liriche, intere arie possono essere state omesse o ne sono state aggiunte di nuove, ad esempio per tenere conto delle capacità dei cantanti. Inoltre, molte opere non erano contrassegnate con gli strumenti da utilizzare nell”esecuzione, ma potevano essere scelte in base alla situazione e agli esecutori e strumenti disponibili.

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La tonalità della musica

La concezione della scala musicale cambiò radicalmente nel corso del XVII secolo. All”inizio del secolo, i compositori consideravano ancora di scrivere musica nel sistema di otto o dodici toni esteso della musica rinascimentale, anche se la musica di Carlo Gesualdo e Claudio Monteverdi, ad esempio, presentava già molte caratteristiche tonali. Alla fine del secolo, compositori come Lully e Corelli componevano già musica che, nella terminologia odierna, verrebbe definita puramente tonale, o maggiore-minore. La prima presentazione musicale di questo sistema fu il Traité de l”harmonie di Jean-Philippe Rameau, pubblicato nel 1722.

L”introduzione della tonalità maggiore-minore permise molti nuovi effetti musicali, il più importante dei quali fu la modulazione, il cambio di tonalità nel mezzo di un brano musicale. L”effetto drammatico della modulazione era molto forte nel periodo barocco, perché gli strumenti non erano a temperamento equabile come oggi, e quindi le diverse scale differivano in modo significativo. La modulazione divenne una parte essenziale del linguaggio musicale dell”opera, soprattutto dei recitativi.

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Opera, oratorio e cantata

Il primo lavoro operistico è considerato Dafne, composto da Jacopo Peri a Venezia nel 1597. Peri faceva parte della camerata, o circolo di amici, che si formò intorno al conte Bardi, poi Jacopo Peri e al padre di Galileo Galilei, il compositore Vincenzo Galilei. Si trattava di un gruppo di dotti umanisti veneziani il cui scopo era quello di far rivivere l”antica tradizione drammatica greca. Il gruppo riteneva che le parti corali delle opere antiche, e forse l”intero testo, fossero state precedentemente cantate. L”opera mirava a far rivivere questa tradizione. Tuttavia, le radici dell”opera lirica sono più antiche e risalgono al dramma madrigale (o opera madrigale) popolare durante il Rinascimento, in cui diversi madrigali venivano eseguiti in successione per formare una storia. Un altro importante precursore dell”opera fu il dramma pastorale, popolare durante il Rinascimento. I drammi pastorali erano opere teatrali in forma di poemi, con parti vocali. Anche i drammi liturgici del Medioevo, che drammatizzavano storie bibliche e racconti di santi, sono stati considerati esempi di opera. Ildegarda di Bingen, tra gli altri, compose opere di questo tipo.

Il più importante compositore dell”opera del primo Barocco fu Claudio Monteverdi, le cui numerose opere includono Orfeo (1607), Il ritorno d”Ulisse in patria (1640) e L”incoronazione di Poppea (1642). Le opere di Monteverdi sono diventate le fondamenta dell”opera lirica antica e sono tuttora ampiamente rappresentate. In queste opere, Monteverdi combina elementi di commedia con una storia tragica. Durante il periodo barocco, l”opera lirica era fortemente concentrata in Italia e i successivi compositori di opere barocche, come George Frideric Handel, componevano le loro opere in uno stile molto italiano. Anche i libretti delle opere erano spesso in italiano fino al periodo classico.

L”oratorio seguiva lo stile e la struttura musicale dell”opera, con arie, recitativi e preludi strumentali. Tuttavia, l”oratorio si differenzia dall”opera per la mancanza di messa in scena e drammatizzazione. Gli stessi compositori spesso componevano entrambi i generi: gli oratori su temi religiosi venivano eseguiti durante la Quaresima, quando le opere laiche e di intrattenimento non erano appropriate. I libretti degli oratori erano solitamente in italiano o in latino, anche se nel tardo Barocco Handel e Johann Sebastian Bach, tra gli altri, composero oratori in altre lingue, come l”inglese e il tedesco.

La cantata è una forma di musica vocale da camera sviluppatasi in Italia. Verso la metà del secolo si era evoluta in un”opera secolare in più movimenti, di solito per una voce solista accompagnata da un continuo. Più tardi, nel 1700, in Germania, la cantata venne definita un nuovo tipo di musica sacra, composta per coro o orchestra. La cantata tedesca era di solito impostata su un testo biblico, con testi nuovi, pietistici e poetici scritti in mezzo. Uno dei più importanti poeti di cantate fu il teologo Erdmann Neumeister.

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Concerto

Lo stile concertato (o stile concertato) si sviluppò durante il tardo Rinascimento e il primo Barocco come uno stile di composizione in cui gruppi di strumenti suonavano la stessa melodia, spesso imitandosi a vicenda, di solito su una base armonica creata da un gruppo di basso continuo. Le influenze più importanti furono quelle di Andrea e Giovanni Gabrieli, direttori del coro di San Marco a Venezia, che furono costretti a sviluppare nuovi metodi compositivi a causa della particolare acustica della chiesa. Nella chiesa, i diversi gruppi strumentali e i cori si trovavano in luoghi diversi e i ritardi causati dall”eco rendevano difficile suonare perfettamente insieme. Il problema è stato risolto componendo le opere in modo che diversi cori cantassero alternativamente da diverse parti della chiesa, creando un effetto quasi stereofonico. L”organo e gli altri strumenti sono stati posizionati nella chiesa in modo che tutti i cori potessero sentirli allo stesso modo.

Lo stile concertato si diffuse rapidamente al di fuori dell”Italia e divenne uno stile di composizione popolare durante il primo periodo barocco. Nel XVII secolo, le opere composte in questo stile iniziarono a essere chiamate concerti. Antonio Vivaldi compose più di 500 concerti e stabilì la forma del ritornello per i concerti: seguiva una struttura regolare con l”alternanza di parti soliste e tutti, di solito nella prima parte del concerto. Durante il periodo barocco furono composti concerti per strumenti solisti con un solista che suonava uno strumento alternato all”orchestra, ma anche concerti grossi con un piccolo gruppo di solisti (concertino) e l”orchestra (ripieno).

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Sonata barocca

All”inizio del XVII secolo, il termine sonata (latino sonare, suonare) era usato in modo generico per qualsiasi opera composta per un insieme di strumenti. Ben presto il suo significato si restrinse a composizioni come la canzone, eseguita con uno o due strumenti melodici e accompagnamento di basso continuo. I compositori cercarono anche di sfruttare le caratteristiche degli strumenti melodici e di imitare lo stile vocale espressivo dell”epoca. Tra i primi compositori di sonate si annovera Biagio Marini. Verso la metà del secolo, le forme della canzona e della sonata si fusero e la sonata divenne un”opera in più parti, con l”obiettivo di creare un forte contrasto tra le parti, in linea con la teoria affettiva dell”epoca. Entro gli anni Sessanta del XVI secolo, emersero due sottogeneri paralleli di sonata: la sonata da camera, o sonata da camera, e la sonata da chiesa, o sonata da chiesa. La sonata da camera consisteva solitamente in danze stilizzate, la cui prima parte era un preludio. La sonata da chiesa poteva essere utilizzata al posto di alcuni vespri o di altre parti delle funzioni. Di conseguenza, non comprendeva danze considerate troppo laiche. Arcangelo Corelli fu il maestro della sonata italiana e le sue numerose sonate stabilirono la struttura delle sezioni della sonata da chiesa come lento-veloce-lento-veloce. Il primo movimento è generalmente maestoso e calmo, con una struttura contrappuntistica. Il secondo movimento era una fuga ritmica, il terzo un trio operistico. L”ultimo movimento era generalmente in due parti e simile a una danza.

Alla fine del XVII secolo, la configurazione strumentale più comune per le sonate era quella di due strumenti melodici, di solito due violini e un basso continuo. Questo tipo di opera veniva chiamata sonata in trio per la sua struttura a tre parti, anche se gli esecutori potevano essere più di tre a seconda della composizione del gruppo del basso continuo.

L”Italia rimase un insieme politicamente frammentato di città-stato fino alla fine del XIX secolo. Città-stato come Venezia, Roma e Milano, che avevano prosperato grazie al commercio, erano anche in competizione tra loro nelle arti e nella cultura, creando una grande richiesta di musicisti e compositori. Per tutto il periodo barocco, l”Italia rimase un”importante influenza musicale, il cui stile fu ampiamente imitato e imitato in tutta Europa, e la cui influenza, soprattutto in Francia, si cercò di limitare per salvaguardare la propria tradizione musicale nazionale.

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Musica vocale

Sebbene a Venezia l”opera fosse diventata la principale forma di musica d”arte alla metà del XVI secolo, nel resto d”Italia era ancora piuttosto rara. Le canzoni leggere in versi, come le canzonette e i balletti, e le opere corali e strumentali composte in stile consertato continuarono a essere forme musicali popolari. I madrigali continuarono a essere ampiamente composti; Claudio Monteverdi, ad esempio, compose nove raccolte di madrigali durante la sua carriera, la penultima delle quali, Madrigali guerrieri et amorosi, fu pubblicata nel 1638. I madrigali successivi erano già fortemente influenzati dalle nuove tendenze della moda e includevano sezioni recitative operistiche.

Il maestro italiano della cantata Alessandro Scarlatti (1660-1725) compose più di 600 cantate. Il suo stile era caratterizzato dall”uso di armonie ampie, cromatismi e accordi diminuiti. La forma più comune delle arie nelle cantate e nelle opere di Scarlatti era quella da capo, in cui la prima parte delle arie veniva ripetuta dopo la seconda; questa è nota come forma ABA. Spesso la sezione A conteneva già due sezioni minori, con una breve sezione di ritornello orchestrale nel mezzo.

L”opera, che all”inizio del secolo era ancora frequentata da una ristretta élite, a metà del XVII secolo venne commercializzata e si diffuse in nuovi strati sociali. Nelle grandi città nacquero i teatri d”opera pubblici, dove anche la borghesia poteva acquistare i biglietti. Il pubblico era attratto dalle esibizioni virtuose dei cantanti e dalle scenografie elaborate, spesso con effetti speciali spettacolari. Queste preferenze portarono a un aumento del numero di arie nelle opere. Le cantanti esperte divennero dive molto popolari, che potevano guadagnare molte volte di più del compositore dell”opera. Nel campo vocale, i soprani alti erano particolarmente popolari, soprattutto i cantanti castrati, le cui voci flessuose e la grande capacità polmonare erano estremamente adatte allo stile operistico italiano con le sue melodie lunghe e altamente ornate. Infatti, a partire dal XVII secolo, i ruoli maschili principali furono quasi invariabilmente scritti per loro. Alcuni cantanti castrati, come Farinelli (Carlo Broschi 1705-1782), divennero grandi star internazionali, esibendosi in tutta Europa.

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Musica strumentale

Oltre alla sonata barocca, Arcangelo Corelli ha avuto una grande influenza anche sulla forma del concerto. Secondo l”usanza romana, l”orchestra si divideva in concertino e ripieno, motivo per cui Corelli compose soprattutto concerti grossi. I Concerti grossi di Corelli, op. 6, composti originariamente negli anni ”80 del XVI secolo e da lui rielaborati prima della pubblicazione nel 1714, consistono essenzialmente in due sonate in trio divise tra un solo e un tutti orchestrale. Il tutti ripete spesso i temi presentati dal gruppo più piccolo e accompagna le sezioni di cadenza. Questa pratica, introdotta da Corelli, divenne rapidamente molto popolare e si diffuse in Germania e in Inghilterra.

Nell”Italia settentrionale era più comune utilizzare un singolo solista piuttosto che un gruppo di solisti per controbilanciare l”orchestra. Il bolognese Giuseppe Torelli fu un pioniere di questo tipo di concerto solistico, componendo forse il primo concerto per violino e il primo concerto per tromba (Op. 6 del 1698). I suoi concerti seguivano la struttura a sezioni veloci-lente-veloci mutuata dall”alfabeto operistico italiano, che divenne presto il modello per i concerti per quasi ottocento anni.

Antonio Vivaldi fu uno dei più importanti e prolifici compositori del tardo barocco italiano. Lavorò per quasi quarant”anni presso l”orfanotrofio del Pio Ospedale della Pietà a Venezia, fornendo un”eccellente istruzione musicale ai talentuosi residenti, il cui livello si elevò a tal punto che l”orfanotrofio divenne famoso per i suoi talentuosi violinisti. L”orfanotrofio era destinato a bambini orfani, illegittimi o poveri e funzionava come un collegio. Oltre all”insegnamento della musica e alla manutenzione degli strumenti, il lavoro di Vivaldi consisteva nel comporre musica per il coro e l”orchestra dell”orfanotrofio. Compose musica di culto, tra cui messe e oratori, ma la maggior parte delle sue opere erano lavori strumentali, soprattutto concerti.

I circa 500 concerti composti da Vivaldi sono melodicamente ricchi e ritmicamente vari, e fanno un uso sapiente della strumentazione orchestrale e solistica. Vivaldi creò una vasta gamma di timbri nella sua musica orchestrale combinando gli strumenti orchestrali in vari gruppi più piccoli. I concerti seguivano quasi invariabilmente la struttura in tre movimenti (veloce-lento-veloce) introdotta da Torelli e Tomaso Albinoni: il secondo movimento lento era in una tonalità vicina a quella del primo movimento, di solito in minore parallelo, dominante o sottodominante, e l”ultimo movimento veloce, di solito più breve del primo, era in tonica. I movimenti veloci nei concerti di Vivaldi erano solitamente in forma di ritornello, con le parti di ritornello dell”intera orchestra alternate a quelle del solista.

Oltre alle opere per la Pietà, Vivaldi compose molte opere su commissione e guadagnò anche dalla vendita delle sue opere stampate. Per promuovere le vendite, a molte opere vennero dati nomi coloriti, come L”estro armonico, Op. 3, e le Quattro Stagioni, i quattro concerti per violino dell”Op. 8, forse la serie di opere più nota di Vivaldi.

La musica barocca francese si sviluppò in una tradizione distintiva accanto a quella italiana prevalente nella prima metà del XVII secolo. Le sue caratteristiche distintive derivavano dalla particolare posizione della danza alla corte francese e dagli ideali artistici generali della monarchia assoluta. Anche le preferenze del Re Sole Luigi XIV (1634-1715) giocarono un ruolo fondamentale. Alla fine della Guerra dei Trent”anni, nel 1648, la Francia era diventata il Paese più potente d”Europa e la cultura francese era imitata soprattutto in Russia, Germania, Austria e Inghilterra. Di conseguenza, a partire dagli anni Sessanta del Novecento, la musica francese ebbe un”influenza quasi pari a quella italiana e la sintesi dei due stili divenne una caratteristica fondamentale del tardo barocco.

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La vita musicale della Corte di Versailles

Luigi XIV era un abile ballerino e la danza sociale e teatrale ebbe un ruolo centrale nella vita di corte durante il suo regno. Una forma particolare della vita artistica francese era il balletto di corte, in cui i membri della corte si esibivano in grandi drammi musicali con ballerini professionisti. Un tipico balletto di corte consisteva in diversi atti con assoli vocali, parti corali e parti di danza accompagnate da un”orchestra. Luigi XIV danzò per la prima volta in pubblico all”età di 13 anni e in seguito apparve in numerosi balletti, tra cui il ruolo di Apollo nel Ballet des fêtes de Bachuse (Balletto delle feste di Bacco) e il ruolo del Sol Levante nel Ballet da la nuit (Balletto della notte).

Alla Corte di Versailles si riunirono anche le prime grandi orchestre, che fungono da modello per l”odierna orchestra sinfonica. I Vingt-quatre Violins du Roi (24 violini del re), fondati da Luigi XII, erano composti da sei violini soprano melodici accordati come il violino moderno, dodici violini contralto e tenore e sei violini bassi accordati un gradino più in basso del violoncello moderno.

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Jean-Baptiste Lully ja tragedia in musica

Negli anni ”70 del XVI secolo, Lully e il suo librettista Philippe Quinault crearono un caratteristico stile operistico francese, la tragédie en musique, che rimase in auge per un secolo. La diffusione dello stile creato da Lully fu incoraggiata dal diritto esclusivo concessogli dal re di organizzare il teatro musicale in tutta la Francia. Tra l”altro, Lully obbligò il suo amico Molière a utilizzare nelle sue opere solo musica composta da lui. Le opere composte da Lully iniziavano con un”ouverture francese, durante la quale il re entrava in teatro. Queste ouverture erano di stile solenne e consistevano in due movimenti, entrambi ripetuti. La prima parte era tipicamente omofonica e lenta, con un forte uso di ritmi puntati. La seconda parte era più veloce e caratterizzata dall”imitazione fugale. Lully adattò il recitativo italiano al ritmo e all”intonazione della lingua francese. La linea di basso dei resitativi era generalmente più ritmica e la melodia più cantilenante rispetto alle loro controparti italiane. Le arie delle opere erano molto meno ornate rispetto all”opera italiana e tendevano a sostenere l”arco drammatico del libretto, non a mettere in mostra le abilità tecniche dei cantanti. I temi dell”opera erano solitamente tratti dalla mitologia antica e i personaggi erano nobili e seri. Le opere erano poco comiche.

Dopo Lully, il più importante compositore di opera francese fu Jean-Philippe Rameau, la cui prima opera Hippolyte et Aricie fu rappresentata nel 1733. L”opera fu duramente criticata dai sostenitori di Lully, che la consideravano troppo complessa e italianeggiante. Tuttavia, Rameau conquistò il favore della corte francese e ricevette numerose commissioni dalla corte e dalla coppia reale francese. Negli anni Cinquanta del XVII secolo divenne un modello per i difensori dell”opera francese nella disputa, poi nota come Guerra di Buffon, tra l”opera francese e i sostenitori dell”opera italiana guidati da Jean-Jacques Rousseau.

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Musica strumentale

All”inizio del XVII secolo, uno degli strumenti più importanti della musica strumentale francese era il liuto, la cui influenza si fece sentire in tutta la musica barocca francese, anche se con il progredire del XVII secolo il clavicembalo lo soppiantò come strumento più popolare. I suonatori di liuto e i compositori di liuto svilupparono un sistema di ornamenti collegati a determinate note melodiche, chiamati agréments, che divennero un elemento centrale di tutta la musica barocca francese. L”aggiunta degli agrémentes era spesso lasciata agli esecutori, ma i compositori svilupparono anche modi per annotarli. La musica da ballo, che aveva un ruolo centrale nella cultura francese e nella vita di corte, era la parte più importante del repertorio per liuto. Le danze venivano anche assemblate in gruppi di danze, che spesso iniziavano con un preludio libero.

Negli ultimi decenni del XVII secolo e all”inizio del 1700, in Francia si cominciò a comporre musica che cercava di combinare gli aspetti migliori delle tradizioni musicali francese e italiana. François Couperin ebbe un”influenza fondamentale in questo movimento. Couperin fu organista del re nella chiesa di St Gervais a Parigi, ma guadagnò anche un reddito significativo insegnando a suonare il clavicembalo agli aristocratici e pubblicando la sua musica. La maggior parte della produzione di Couperin consisteva in una serie di suite per clavicembalo pubblicate tra il 1713 e il 1730, a cui spesso venivano dati nomi suggestivi come La misterieuse, la mistica.

La Guerra dei Trent”anni, terminata nel 1648, devastò l”intera economia tedesca e la debolezza del Sacro Romano Imperatore divise la Germania in quasi trecento piccoli Stati virtualmente indipendenti. Tuttavia, la scena musicale cominciò a riprendersi rapidamente dopo la fine della guerra. Il gran numero di principi, duchi, conti, elettori e sovrani creò molte opportunità di lavoro per i musicisti, poiché ogni sovrano cercava di emulare lo splendore della corte di Versailles. Anche le città sostenevano la musica e la maggior parte di esse aveva stadpfeifers, i trombettieri cittadini, che avevano il monopolio dell”offerta musicale della città.

Durante il primo periodo barocco, i compositori di lingua tedesca delle regioni luterane e cattoliche adottarono rapidamente i nuovi stili musicali della monodia e del concerto sviluppati in Italia. Soprattutto nel sud dominato dai cattolici, la musica fu molto influenzata dagli italiani. Nelle regioni luterane, i compositori si ispirarono allo stile italiano, ma continuarono a comporre mottetti corali e preludi polifonici nello stile polifonico tradizionale. La musica polifonica basata sui corali veniva solitamente eseguita all”organo, la cui tecnologia si sviluppò a passi da gigante nel corso del XVII secolo, con l”aggiunta di stop e diteggiature. Il compositore tedesco Heinrich Schütz studiò composizione sotto la guida di Giovanni Gabriel a Venezia e, al suo ritorno in Germania, ebbe una grande influenza sull”introduzione di nuove tecniche compositive.

Forse il più importante organista della Germania settentrionale nel XVII secolo fu Dietrich Buxtehude, sebbene fosse nato in Danimarca da una famiglia tedesca. Buxtehude lavorò come organista presso la chiesa di Santa Maria a Lubecca per la maggior parte della sua carriera. Come organista, compose e diresse anche musica per ensemble strumentali e vocali. Divenne famoso per i suoi concerti Abendmusiken, che si tenevano ogni anno per cinque domeniche consecutive prima di Natale. I concerti divennero un fenomeno nazionale e si dice che nel 1705 il giovane Johann Sebastian Bach abbia percorso quasi 300 chilometri a piedi solo per ascoltare un concerto. Dalle composizioni di Buxtehude sono giunte fino ai giorni nostri più di 120 opere vocali religiose, oltre 40 ambientazioni per organo e più di 30 altre opere organistiche.

Verso il 1700, la musica tedesca si sviluppò ancora di più verso una sintesi di diversi stili europei. L”opera di Georg Philipp Telemann (1681-1767) racchiude tutte le tendenze e gli stili del suo tempo. Telemann li combinò con la forte tradizione tedesca del contrappunto. Fu anche straordinariamente prolifico, componendo oltre tremila opere durante la sua carriera. Telemann stesso descrisse così le sue composizioni: Ciò che ho realizzato in termini di stile musicale è ben noto”. Le composizioni di Telemann sono note per ciò che ha realizzato: dapprima ho composto in stile polacco, seguito da quello francese, da chiesa, da camera, da opera e infine da quello italiano, che oggi mi interessa più degli altri. Telemann cercò di comporre in modo semplice e di creare opere che potessero essere suonate dai dilettanti. Per questo motivo, ai suoi tempi era molto più popolare, ad esempio, di J.S. Bach.

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Bach e Handel

Il culmine del periodo barocco tedesco, e della musica barocca nel suo complesso, può essere visto nelle opere di due compositori tedeschi, Johann Sebastian Bach e George Frideric Handel. Le carriere e le composizioni di Bach e Handel differiscono notevolmente, così come il destino della loro musica dopo la loro morte. Bach visse tutta la vita in Germania e fu famoso ai suoi tempi come virtuoso dell”organo e come maestro compositore. Le opere di Bach furono pubblicate pochissimo durante la sua vita e dopo la sua morte fu quasi dimenticato, finché la sua musica non conobbe una rinascita a metà del XIX secolo. Handel, invece, fu immensamente popolare durante la sua vita. Durante la sua vita visse e lavorò in diverse città della Germania, dell”Italia e dell”Inghilterra. La prima esecuzione dei Fuochi d”artificio di Handel a Londra nel 1749 fu seguita da circa 12.000 persone e bloccò il traffico londinese per tre ore. La musica di Handel è rimasta popolare e inserita nei programmi dei concerti anche dopo la sua morte, ed è stato il primo compositore la cui musica è stata regolarmente eseguita fino ad oggi. Il segreto della popolarità di Handel è che fu il primo compositore a comporre direttamente per il pubblico, anziché per la corte o la chiesa. Fu anche in grado di adattare il suo stile compositivo e di cambiare il genere in base alle preferenze del suo pubblico.

La produzione di Bach comprende tutti i generi dell”epoca, ad eccezione dell”opera. Comprende importanti opere corali come la Messa in si minore, le Passioni di San Matteo e di San Giovanni e l”Oratorio di Natale, numerose opere per organo e per tastiera, concerti e altra musica orchestrale e musica per una vasta gamma di strumenti solisti. Alla fine del XIX secolo è stato riscoperto il valore artistico delle sue opere, in parte dimenticate, e oggi Bach è considerato uno dei più grandi compositori di tutti i tempi, se non il più grande.

Handel compose la maggior parte delle sue opere in Inghilterra e divenne cittadino inglese nel 1727 (quando cambiò il suo nome in George Frideric Handel). Nella musica di Handel, la melodia, l”armonia e le diverse tessiture della musica sono elementi chiave, mentre l”approccio di Bach era contrappuntistico. Fu molto influenzato dall”opera italiana dopo aver vissuto nel Paese per diversi anni e aver conosciuto, tra gli altri, Alessandro Scarlatti. Handel compose la maggior parte delle sue opere in Inghilterra, dove la sua svolta fu l”opera Rinaldo, rappresentata per la prima volta nel 1711. Dopo il successo, si stabilì definitivamente in Inghilterra e divenne cittadino inglese nel 1727.

Handel raggiunse una grande fama come compositore d”opera, componendo e dirigendo opere per quasi trentasei anni. Le più note delle sue oltre quaranta opere in stile italiano sono Almira (1705), Giulio Cesare (1724) e Ariodante (1735). Handel compose anche numerosi oratori, che venivano eseguiti nel teatro da lui diretto durante la Quaresima, quando l”opera era vietata. Dal punto di vista musicale, le differenze tra le opere e gli oratori di Handel sono minime. L”opera più nota di Handel è probabilmente l”oratorio Messiah (1741), che viene spesso eseguito a Natale, soprattutto nel Regno Unito e negli Stati Uniti. Handel compose anche musica strumentale, anche se è noto soprattutto per le sue opere vocali. Le sue opere orchestrali più conosciute sono la serie delle Musiche d”acqua e dei Fuochi d”artificio e i 12 concerti grossi. Dopo la sua morte, Handel fu sepolto con grande acclamazione nell”Abbazia di Westminster a Londra.

Quando Johann Sebastian Bach morì nel 1750, lo stile e la moda musicale erano già molto cambiati e la produzione di Bach fu rapidamente dimenticata. I figli di Johann Sebastian Bach, Wilhelm Friedeman Bach, Carl Philipp Emanuel Bach e Johann Christian Bach, ebbero una grande influenza sulla musica del periodo classico e per un certo periodo furono più famosi del padre. Prima dell”emergere del genere classico vero e proprio, ci fu un breve periodo nella musica d”arte in cui coesistevano diversi generi. Queste tendenze sono state successivamente chiamate, tra l”altro, stile sentimentale e stile galante. Questi e il classicismo sono legati da un melodismo più forte rispetto alla musica barocca e dall”abbandono dello stile affettivo del periodo barocco. Molti stati emotivi, spesso contrastanti, potevano essere espressi e combinati in un unico brano musicale.

La musica barocca cominciò ad essere eseguita nuovamente a partire dalla fine del XIX secolo, fortemente influenzata dall”esecuzione della Passione di San Matteo da parte del compositore Felix Mendelssohn nel 1829 e successivamente, all”inizio del XX secolo, dalla riscoperta delle suite per violoncello di Bach da parte di Pablo Casals, ad esempio. Alcuni compositori, come Max Reger e Paul Hindemith, hanno attinto a piene mani dalla musica barocca per il proprio stile.

Con la crescente popolarità della musica barocca dopo la Seconda Guerra Mondiale, si è assistito a un rinnovato interesse per l”esecuzione delle opere nel modo più autentico possibile. In questo contesto, molte opere incompiute di musica barocca, in particolare Die Kunst der Fuge di Bach, sono state messe alla prova. Nella ricerca dell”autenticità, gli strumenti moderni vengono sostituiti da strumenti d”epoca, e talvolta da strumenti autentici risalenti al XVII secolo: le trombe a valvole vengono sostituite da corni naturali, i legni metallici da legni, le corde metalliche da corde di budello e i clavicembali moderni da clavicembali barocchi. Allo stesso modo, il flauto dolce, caduto in disuso come strumento amatoriale alla fine del XVII secolo, ha dovuto essere reintrodotto nell”uso serio, poiché molte delle opere per flauto del periodo barocco sono state scritte appositamente per il flauto dolce. Lo stile di esecuzione cerca di riflettere i cambiamenti avvenuti tra il periodo barocco e quello moderno. Ad esempio, i forti crescendi e i diminuendi (aumenti e diminuzioni di volume) sono stati considerati come un”influenza dell”epoca romantica nell”esecuzione e sono stati quindi scoraggiati.

I cori e le orchestre utilizzati nel periodo barocco erano molto più piccoli dei cori misti e delle orchestre sinfoniche di oggi. La ricerca storica si è basata sugli scritti di Johann Joachim Quantz e Leopold Mozart, ad esempio, che forniscono informazioni sulle esecuzioni musicali nel periodo barocco. Nei manoscritti delle opere stesse, le note sugli strumenti e sui cantanti spesso non forniscono informazioni sufficienti su tutti gli aspetti dell”esecuzione. Ad esempio, l”acceso dibattito sulle dimensioni dei cori utilizzati da Bach e da altri compositori barocchi avrebbe potuto essere facilmente risolto se le note musicali delle opere avessero indicato direttamente il numero di cantori per gamma da utilizzare. All”inizio degli anni Ottanta, Joshua Rifkin iniziò a promuovere l”opinione che Bach avesse utilizzato un solo cantante per gamma nelle sue opere più famose. Questo punto di vista, che all”inizio ha incontrato una feroce opposizione, ha poi ottenuto un più ampio sostegno. Oltre a Bach, gli studiosi hanno suggerito che Telemann e Monteverdi, ad esempio, avrebbero utilizzato un cantante per gamma. Tuttavia, vi sono anche importanti studiosi del settore che non sostengono tali opinioni e l”opinione più tradizionale è che Bach utilizzasse circa 3-4 cantanti per gamma. Vale la pena notare che Bach, ad esempio, compose tutte le sue opere sacre specificamente per cori di ragazzi.

Nel XIX e all”inizio del XX secolo, la musica barocca veniva sempre eseguita da grandi cori e orchestre, secondo la tradizione romantica. Al giorno d”oggi, l”esecuzione di musica barocca su strumenti d”epoca è diventata piuttosto comune, con orchestre barocche speciali specializzate in musica antica e musicisti che sono principalmente esperti di strumenti d”epoca. La sostituzione del grande coro in alcune esecuzioni, nel tentativo di raggiungere l”autenticità, con una composizione in cui ogni parte dell”opera corale è cantata da pochi o da un solo cantante ha sorpreso molti. Il dibattito sui metodi di esecuzione è stato molto acceso e sia i metodi di esecuzione autentici che quelli contemporanei hanno i loro sostenitori. Tuttavia, per molti critici e ascoltatori è ancora sufficiente che l”esecuzione sia musicalmente riuscita, indipendentemente dalla filosofia esecutiva. Tra i direttori d”orchestra che hanno condotto esecuzioni autentiche figurano Nikolaus Harnoncourt, Christopher Hogwood e John Eliot Gardiner, mentre Joshua Rifkin, Paul McCreesh e Andrew Parrot hanno realizzato registrazioni con un solo cantante per ogni parte corale. L”esecuzione autentica è stata applicata anche alla musica del periodo classico e del primo romanticismo, ma nel caso della musica barocca la differenza tra le esecuzioni contemporanee e quelle autentiche è spesso molto maggiore.

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Riferimenti

Fonti

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