Espressionismo astratto

gigatos | Dicembre 30, 2022

Riassunto

L”espressionismo astratto è un movimento artistico della pittura americana del secondo dopoguerra, sviluppatosi a New York negli anni Quaranta. È stato il primo movimento specificamente americano a raggiungere un”influenza internazionale e a porre New York al centro del mondo dell”arte occidentale, ruolo precedentemente ricoperto da Parigi.

Sebbene il termine “espressionismo astratto” sia stato applicato per la prima volta all”arte americana nel 1946 dal critico d”arte Robert Coates, era stato usato per la prima volta in Germania nel 1919 nella rivista Der Sturm, a proposito dell”espressionismo tedesco. Negli Stati Uniti, Alfred Barr fu il primo a usare questo termine nel 1929 in relazione alle opere di Wassily Kandinsky.

Tecnicamente, un importante predecessore è il surrealismo, con la sua enfasi sulla creazione spontanea, automatica o subconscia. Lo sgocciolamento di Jackson Pollock su una tela stesa a terra è una tecnica che affonda le sue radici nel lavoro di André Masson, Max Ernst e David Alfaro Siqueiros. Le ricerche più recenti tendono a collocare l”esule-surrealista Wolfgang Paalen nella posizione di artista e teorico che ha promosso la teoria dello spazio di possibilità dipendente dallo spettatore attraverso i suoi dipinti e la sua rivista DYN. Paalen prende in considerazione le idee della meccanica quantistica, così come le interpretazioni idiosincratiche della visione totemica e della struttura spaziale della pittura dei nativi indiani della Columbia Britannica e prepara il terreno per la nuova visione spaziale dei giovani astrattisti americani. Il suo lungo saggio Totem Art (1943) ebbe una notevole influenza su artisti come Martha Graham, Isamu Noguchi, Pollock, Mark Rothko e Barnett Newman. Intorno al 1944 Barnett Newman cercò di spiegare il nuovo movimento artistico americano e incluse un elenco di “uomini del nuovo movimento”. Paalen è citato due volte; altri artisti citati sono Gottlieb, Rothko, Pollock, Hofmann, Baziotes, Gorky e altri. Robert Motherwell è citato con un punto interrogativo. Un”altra importante manifestazione precoce di quello che diventerà l”espressionismo astratto è l”opera dell”artista americano del nord-ovest Mark Tobey, in particolare le sue tele con la “scrittura bianca” che, sebbene generalmente non siano di grandi dimensioni, anticipano l”aspetto “all-over” dei dipinti a goccia di Pollock.

Il nome del movimento deriva dalla combinazione dell”intensità emotiva e dell”abnegazione degli espressionisti tedeschi con l”estetica antifigurativa delle scuole astratte europee come il futurismo, il Bauhaus e il cubismo sintetico. Inoltre, ha un”immagine di ribellione, anarchia, forte idiosincrasia e, secondo alcuni, nichilismo. In pratica, il termine viene applicato a un numero qualsiasi di artisti che lavoravano (per lo più) a New York e che avevano stili molto diversi, e anche a lavori che non sono né particolarmente astratti né espressionisti. L”espressionista astratto californiano Jay Meuser, che tipicamente dipingeva in stile non-oggettivo, scrisse a proposito del suo dipinto Mare Nostrum: “È molto meglio catturare lo spirito glorioso del mare che dipingere tutte le sue piccole increspature”. Gli energici “action paintings” di Pollock, con la loro atmosfera “impegnata”, sono diversi, sia tecnicamente che esteticamente, dalla violenta e grottesca serie Women dei dipinti figurativi di Willem de Kooning e dai rettangoli di colore dei dipinti Color Field di Rothko (che non sono ciò che di solito si definirebbe espressionista e che Rothko negava fossero astratti). Eppure tutti e quattro gli artisti sono classificati come espressionisti astratti.

L”espressionismo astratto presenta molte somiglianze stilistiche con gli artisti russi del primo Novecento, come Wassily Kandinsky. Sebbene sia vero che la spontaneità o l”impressione di spontaneità caratterizzasse molte delle opere degli espressionisti astratti, la maggior parte di questi dipinti richiedeva un”attenta pianificazione, soprattutto perché le loro grandi dimensioni lo richiedevano. Con artisti come Paul Klee, Kandinsky, Emma Kunz e più tardi Rothko, Newman e Agnes Martin, l”arte astratta implicava chiaramente l”espressione di idee riguardanti lo spirito, l”inconscio e la mente.

Il motivo per cui questo stile si sia affermato negli anni Cinquanta è oggetto di dibattito. Il realismo sociale americano era stato il mainstream negli anni Trenta. Era stato influenzato non solo dalla Grande Depressione, ma anche dai muralisti messicani come David Alfaro Siqueiros e Diego Rivera. Il clima politico del secondo dopoguerra non tollerava a lungo le proteste sociali di questi pittori. L”espressionismo astratto nacque durante la guerra e iniziò a essere esposto nei primi anni Quaranta nelle gallerie di New York, come la Art of This Century Gallery. L”era maccartista del dopoguerra fu un periodo di censura artistica negli Stati Uniti, ma se il soggetto era totalmente astratto veniva visto come apolitico e quindi sicuro. Oppure, se l”arte era politica, il messaggio era in gran parte destinato agli addetti ai lavori.

Sebbene il movimento sia strettamente associato alla pittura, anche la collagista Anne Ryan e alcuni scultori in particolare furono parte integrante dell”espressionismo astratto. David Smith e sua moglie Dorothy Dehner, Herbert Ferber, Isamu Noguchi, Ibram Lassaw, Theodore Roszak, Phillip Pavia, Mary Callery, Richard Stankiewicz, Louise Bourgeois e Louise Nevelson in particolare sono stati alcuni degli scultori considerati membri importanti del movimento. Inoltre, gli artisti David Hare, John Chamberlain, James Rosati, Mark di Suvero e gli scultori Richard Lippold, Raoul Hague, George Rickey, Reuben Nakian e persino Tony Smith, Seymour Lipton, Joseph Cornell e molti altri erano parte integrante del movimento espressionista astratto. Molti degli scultori elencati parteciparono alla Ninth Street Show, una famosa mostra curata da Leo Castelli sulla East Ninth Street di New York nel 1951. Oltre ai pittori e agli scultori del periodo, la Scuola di New York dell”espressionismo astratto generò anche una serie di poeti di supporto, tra cui Frank O”Hara e fotografi come Aaron Siskind e Fred McDarrah (il cui libro The Artist”s World in Pictures documentò la Scuola di New York durante gli anni Cinquanta), nonché registi, in particolare Robert Frank.

Sebbene la scuola espressionista astratta si sia diffusa rapidamente in tutti gli Stati Uniti, gli epicentri di questo stile sono stati New York City e la zona della baia di San Francisco in California.

A un certo punto la tela cominciò ad apparire a un pittore americano dopo l”altro come un”arena in cui agire. Quello che doveva andare sulla tela non era un quadro, ma un evento.

Negli anni Quaranta non solo c”erano poche gallerie (The Art of This Century, Pierre Matisse Gallery, Julien Levy Gallery e poche altre) ma anche pochi critici disposti a seguire il lavoro dell”Avanguardia newyorkese. C”erano anche alcuni artisti con una formazione letteraria, tra cui Robert Motherwell e Barnett Newman, che fungevano anche da critici.

Mentre alla fine degli anni Quaranta l”avanguardia newyorkese era ancora relativamente sconosciuta, la maggior parte degli artisti che oggi sono diventati nomi noti avevano i loro critici mecenati ben consolidati: Clement Greenberg sosteneva Jackson Pollock e i pittori di campi di colore come Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb e Hans Hofmann; Harold Rosenberg sembrava preferire i pittori d”azione come Willem de Kooning e Franz Kline, oltre ai dipinti fondamentali di Arshile Gorky; Thomas B. Hess, direttore di ARTnews, sosteneva Willem de Kooning.

I nuovi critici hanno innalzato i loro protetti, considerando gli altri artisti come “seguaci” o ignorando quelli che non servivano al loro obiettivo promozionale.

Nel 1958, Mark Tobey diventa il primo pittore americano dopo Whistler (1895) a vincere il primo premio alla Biennale di Venezia.

Barnett Newman, ultimo membro dell”Uptown Group, scrisse prefazioni e recensioni di cataloghi e alla fine degli anni Quaranta divenne un artista espositore della Betty Parsons Gallery. La sua prima mostra personale risale al 1948. Poco dopo la sua prima mostra, Barnett Newman osservò in una delle Artists” Sessions dello Studio 35: “Stiamo creando il mondo, in una certa misura, a nostra immagine e somiglianza”. Utilizzando le sue abilità di scrittore, Newman lottò in ogni momento per rafforzare la sua immagine di artista appena affermata e per promuovere il suo lavoro. Un esempio è la sua lettera del 9 aprile 1955, “Lettera a Sidney Janis: – è vero che Rothko parla da combattente. Combatte, però, per sottomettersi al mondo filisteo. La mia lotta contro la società borghese ha comportato il rifiuto totale di essa”.

Stranamente, la persona che si pensa abbia avuto più a che fare con la promozione di questo stile è un trotzkista di New York: Clement Greenberg. Critico d”arte di lunga data per la Partisan Review e The Nation, divenne un precoce e letterato sostenitore dell”espressionismo astratto. L”artista benestante Robert Motherwell si unì a Greenberg nel promuovere uno stile che si adattava al clima politico e al ribellismo intellettuale dell”epoca.

Greenberg proclama l”espressionismo astratto e Pollock in particolare come l”epitome del valore estetico. Egli sostenne l”opera di Pollock su basi formalistiche, considerandola semplicemente la migliore pittura dell”epoca e il culmine di una tradizione artistica che risaliva attraverso il cubismo e Cézanne fino a Monet, in cui la pittura diventava sempre più “pura” e più concentrata in ciò che era “essenziale” per essa, la realizzazione di segni su una superficie piatta.

L”opera di Pollock ha sempre polarizzato i critici. Rosenberg ha parlato della trasformazione della pittura in un dramma esistenziale nell”opera di Pollock, in cui “ciò che doveva andare sulla tela non era un quadro ma un evento”. “Il grande momento arrivò quando si decise di dipingere ”solo per dipingere”. Il gesto sulla tela era un gesto di liberazione dal valore, politico, estetico, morale”.

Uno dei critici più accesi dell”espressionismo astratto dell”epoca fu il critico d”arte del New York Times John Canaday. Meyer Schapiro e Leo Steinberg, insieme a Greenberg e Rosenberg, furono importanti storici dell”arte del dopoguerra che espressero il loro sostegno all”espressionismo astratto. All”inizio e alla metà degli anni Sessanta i critici d”arte più giovani Michael Fried, Rosalind Krauss e Robert Hughes aggiunsero notevoli spunti alla dialettica critica che continua a svilupparsi intorno all”espressionismo astratto.

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La seconda guerra mondiale e il dopoguerra

Nel periodo precedente e durante la Seconda Guerra Mondiale, artisti, scrittori e poeti modernisti, così come importanti collezionisti e commercianti, fuggirono dall”Europa e dall”assalto dei nazisti per trovare un rifugio sicuro negli Stati Uniti. Molti di coloro che non fuggirono morirono. Tra gli artisti e i collezionisti che arrivarono a New York durante la guerra (alcuni con l”aiuto di Varian Fry) vi furono Hans Namuth, Yves Tanguy, Kay Sage, Max Ernst, Jimmy Ernst, Peggy Guggenheim, Leo Castelli, Marcel Duchamp, André Masson, Roberto Matta, André Breton, Marc Chagall, Jacques Lipchitz, Fernand Léger e Piet Mondrian. Alcuni artisti, in particolare Picasso, Matisse e Pierre Bonnard, rimasero in Francia e sopravvissero.

Il dopoguerra ha lasciato le capitali europee in subbuglio, con l”urgenza di ricostruire economicamente e fisicamente e di riorganizzarsi politicamente. A Parigi, un tempo centro della cultura europea e capitale del mondo dell”arte, il clima per l”arte era disastroso e New York sostituì Parigi come nuovo centro del mondo dell”arte. L”Europa del dopoguerra vide la continuazione del Surrealismo, del Cubismo, del Dada e delle opere di Matisse. Sempre in Europa, l”Art brut e l”Astrazione lirica o Tachisme (l”equivalente europeo dell”espressionismo astratto) presero piede tra le nuove generazioni. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein, Pierre Soulages e Jean Messagier, tra gli altri, sono considerati figure importanti della pittura europea del dopoguerra. Negli Stati Uniti cominciò ad emergere e a dominare la scena mondiale una nuova generazione di artisti americani, chiamati Espressionisti astratti.

Gli anni Quaranta a New York segnarono il trionfo dell”espressionismo astratto americano, un movimento modernista che combinava le lezioni apprese da Matisse, Picasso, Surrealismo, Miró, Cubismo, Fauvismo e primo Modernismo attraverso grandi maestri americani come il tedesco Hans Hofmann e l”ucraino John D. Graham. L”influenza di Graham sull”arte americana dei primi anni Quaranta è particolarmente visibile nelle opere di Gorky, de Kooning, Pollock e Richard Pousette-Dart, tra gli altri. Il contributo di Gorky all”arte americana e mondiale è difficile da sopravvalutare. Il suo lavoro di astrazione lirica è stato un “nuovo linguaggio”. Ha “illuminato la strada per due generazioni di artisti americani”. La spontaneità pittorica di opere mature come Il fegato è il pettine del gallo, La promessa di matrimonio II e Un anno l”alga prefigurava immediatamente l”espressionismo astratto e i leader della Scuola di New York hanno riconosciuto la notevole influenza di Gorky. Anche i primi lavori di Hyman Bloom sono stati influenti. Gli artisti americani beneficiarono anche della presenza di Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst e del gruppo di André Breton, della galleria di Pierre Matisse e della galleria The Art of This Century di Peggy Guggenheim, oltre che di altri fattori. Hans Hofmann, in particolare, come insegnante, mentore e artista, fu importante e influente per lo sviluppo e il successo dell”espressionismo astratto negli Stati Uniti. Tra i suoi allievi c”era Clement Greenberg, che divenne una voce enormemente influente per la pittura americana, e tra i suoi studenti c”era Lee Krasner, che presentò il suo insegnante, Hofmann, a suo marito, Jackson Pollock.

Alla fine degli anni Quaranta, l”approccio radicale di Jackson Pollock alla pittura rivoluzionò il potenziale di tutta l”arte contemporanea che lo seguì. In un certo senso, Pollock si rese conto che il viaggio verso la realizzazione di un”opera d”arte era importante quanto l”opera stessa. Come le innovative reinvenzioni di Picasso della pittura e della scultura all”inizio del secolo attraverso il cubismo e la scultura costruita, con influenze diverse come le pitture di sabbia Navajo, il surrealismo, l”analisi junghiana e l”arte murale messicana, Pollock ridefinì il concetto di produzione artistica. Il suo allontanamento dalla pittura da cavalletto e dalla convenzionalità fu un segnale liberatorio per gli artisti della sua epoca e per tutti quelli che vennero dopo. Gli artisti si resero conto che il processo di Jackson Pollock – il posizionamento della tela grezza non tesa sul pavimento, dove poteva essere attaccata da tutti e quattro i lati usando materiali d”artista e materiali industriali; matasse lineari di pittura sgocciolate e gettate; disegno, macchie, pennellate; immagini e non immagini – portava essenzialmente il fare arte oltre qualsiasi confine precedente. L”espressionismo astratto in generale ha ampliato e sviluppato le definizioni e le possibilità che gli artisti avevano a disposizione per la creazione di nuove opere d”arte.

Gli altri espressionisti astratti seguirono la svolta di Pollock con nuove scoperte proprie. In un certo senso, le innovazioni di Pollock, de Kooning, Franz Kline, Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Richard Pousette-Dart, Robert Motherwell, Peter Voulkos e altri aprirono le porte alla diversità e alla portata di tutta l”arte che li seguì. I movimenti radicali antiformalisti degli anni Sessanta e Settanta, tra cui Fluxus, Neo-Dada, l”arte concettuale e il movimento artistico femminista, possono essere ricondotti alle innovazioni dell”espressionismo astratto. La rilettura dell”arte astratta, effettuata da storici dell”arte come Linda Nochlin e Catherine de Zegher, mostra tuttavia criticamente che le donne artiste pioniere che hanno prodotto importanti innovazioni nell”arte moderna sono state ignorate dai resoconti ufficiali della sua storia, ma hanno finalmente iniziato a ottenere un riconoscimento a lungo atteso sulla scia del movimento espressionista astratto degli anni Quaranta e Cinquanta. L”espressionismo astratto è emerso come un importante movimento artistico a New York durante gli anni Cinquanta e da allora diverse gallerie d”arte di primo piano hanno iniziato a includere gli espressionisti astratti nelle loro mostre e tra i loro clienti abituali. Alcune di queste importanti gallerie “uptown” includevano: la Charles Egan Gallery, la Betty Parsons Gallery, la Tibor de Nagy Gallery, la Stable Gallery, la Leo Castelli Gallery e altre ancora; e diverse gallerie del centro, note all”epoca come Tenth Street galleries, esponevano molti giovani artisti emergenti che lavoravano nel filone dell”espressionismo astratto.

L”action painting è stato uno stile diffuso dagli anni Quaranta fino ai primi anni Sessanta, ed è strettamente associato all”espressionismo astratto (alcuni critici hanno usato i termini action painting ed espressionismo astratto in modo intercambiabile). Spesso si fa un confronto tra l”action painting americana e il tachisme francese.

Il termine fu coniato dal critico americano Harold Rosenberg nel 1952 e segnò un importante cambiamento nella prospettiva estetica dei pittori e dei critici della Scuola di New York. Secondo Rosenberg la tela era “un”arena in cui agire”. Mentre gli espressionisti astratti come Jackson Pollock, Franz Kline e Willem de Kooning avevano da tempo espresso apertamente la loro visione del quadro come un”arena in cui confrontarsi con l”atto della creazione, i critici precedenti che simpatizzavano con la loro causa, come Clement Greenberg, si concentravano sulla “oggettualità” delle loro opere. Per Greenberg, era la fisicità delle superfici raggrumate e sporche d”olio dei dipinti la chiave per comprenderli come documenti della lotta esistenziale degli artisti.

La critica di Rosenberg spostava l”accento dall”oggetto alla lotta stessa, con il dipinto finito che era solo la manifestazione fisica, una sorta di residuo, dell”opera d”arte vera e propria, che era nell”atto o nel processo di creazione del dipinto. Questa attività spontanea era l””azione” del pittore, attraverso il movimento delle braccia e dei polsi, i gesti pittorici, le pennellate, la pittura gettata, schizzata, macchiata, sbocconcellata e sgocciolata. Il pittore a volte lasciava sgocciolare la pittura sulla tela, mentre danzava ritmicamente, o addirittura stava in piedi nella tela, a volte lasciava cadere la pittura secondo la mente inconscia, lasciando così che la parte inconscia della psiche si affermasse e si esprimesse. Tutto questo, però, è difficile da spiegare o interpretare perché si tratta di una presunta manifestazione inconscia dell”atto di pura creazione.

In pratica, il termine espressionismo astratto viene applicato a un numero qualsiasi di artisti che lavoravano (per lo più) a New York e che avevano stili molto diversi, e anche applicato a lavori che non sono particolarmente astratti o espressionisti. Gli energici dipinti d”azione di Pollock, con la loro atmosfera “impegnata”, sono diversi sia tecnicamente che esteticamente dalla serie delle Donne violente e grottesche di De Kooning. La Donna V fa parte di una serie di sei dipinti realizzati da de Kooning tra il 1950 e il 1953 che raffigurano una figura femminile a tre quarti. Il primo di questi dipinti, Donna I, fu iniziato nel giugno 1950, modificando e dipingendo ripetutamente l”immagine fino al gennaio o febbraio 1952, quando il quadro fu abbandonato incompiuto. Lo storico dell”arte Meyer Schapiro vide il dipinto nello studio di de Kooning poco dopo e incoraggiò l”artista a persistere. La risposta di de Kooning fu quella di iniziare altri tre dipinti sullo stesso tema: Donna II, Donna III e Donna IV. Durante l”estate del 1952, trascorsa a East Hampton, de Kooning esplorò ulteriormente il tema attraverso disegni e pastelli. Potrebbe aver terminato il lavoro sulla Donna I entro la fine di giugno, o forse già nel novembre 1952, e probabilmente gli altri tre quadri di donne furono conclusi più o meno nello stesso periodo. La serie Woman è costituita da dipinti decisamente figurativi.

Un altro artista importante è Franz Kline. Come Jackson Pollock e altri espressionisti astratti, Kline è stato etichettato come “pittore d”azione” per il suo stile apparentemente spontaneo e intenso, che si concentra meno, o per nulla, su figure o immagini, ma sulle pennellate e sull”uso della tela; come dimostra il suo dipinto Number 2 (1954).

La scrittura automatica è stata un veicolo importante per pittori d”azione come Kline (nei suoi dipinti in bianco e nero), Pollock, Mark Tobey e Cy Twombly, che hanno usato il gesto, la superficie e la linea per creare simboli e matasse calligrafiche e lineari che assomigliano al linguaggio e risuonano come potenti manifestazioni dell”inconscio collettivo. Robert Motherwell, nella sua serie Elegy to the Spanish Republic, dipinse potenti quadri in bianco e nero utilizzando il gesto, la superficie e il simbolo per evocare potenti cariche emotive.

Nel frattempo, altri pittori d”azione, in particolare de Kooning, Gorky, Norman Bluhm, Joan Mitchell e James Brooks, utilizzarono l”immaginario attraverso il paesaggio astratto o come visioni espressionistiche della figura per articolare le loro evocazioni altamente personali e potenti. I dipinti di James Brooks erano particolarmente poetici e preveggenti rispetto all”astrazione lirica che si affermò tra la fine degli anni Sessanta e gli anni Settanta.

Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb e i blocchi di colore serenamente scintillanti nell”opera di Mark Rothko (che non è ciò che si definirebbe di solito espressionista e che Rothko negava fosse astratto), sono classificati come espressionisti astratti, anche se da quella che Clement Greenberg ha definito la direzione del campo cromatico dell”espressionismo astratto. Sia Hans Hofmann che Robert Motherwell possono essere tranquillamente descritti come praticanti dell”Action painting e della Color field painting. Negli anni Quaranta le immagini strettamente costruite di Richard Pousette-Dart dipendevano spesso da temi di mitologia e misticismo, così come i dipinti di Gottlieb e Pollock in quel decennio.

La pittura Color Field si riferiva inizialmente a un particolare tipo di espressionismo astratto, in particolare alle opere di Rothko, Still, Newman, Motherwell, Gottlieb, Ad Reinhardt e a diverse serie di dipinti di Joan Miró. Greenberg percepisce la pittura Color Field come correlata ma diversa dall”Action painting. I pittori del Color Field cercavano di liberare la loro arte dalla retorica superflua. Artisti come Motherwell, Still, Rothko, Gottlieb, Hans Hofmann, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Mark Tobey e soprattutto Ad Reinhardt e Barnett Newman, il cui capolavoro Vir heroicus sublimis si trova nella collezione del MoMA, utilizzavano riferimenti alla natura molto ridotti e dipingevano con un uso del colore molto articolato e psicologico. In generale, questi artisti hanno eliminato le immagini riconoscibili, nel caso di Rothko e Gottlieb utilizzando talvolta simboli e segni in sostituzione delle immagini. Alcuni artisti hanno citato riferimenti all”arte passata o presente, ma in generale la pittura a campi di colore presenta l”astrazione come fine a se stessa. Nel perseguire questa direzione dell”arte moderna, gli artisti volevano presentare ogni dipinto come un”immagine unitaria, coesa e monolitica.

A differenza dell”energia emotiva e dei segni gestuali sulla superficie degli espressionisti astratti come Pollock e de Kooning, i pittori del Color Field apparvero inizialmente freddi e austeri, eliminando il segno individuale a favore di grandi aree piatte di colore, che questi artisti consideravano la natura essenziale dell”astrazione visiva, insieme alla forma stessa della tela, che più tardi, negli anni Sessanta, Frank Stella in particolare realizzò in modo insolito con combinazioni di bordi curvi e dritti. Tuttavia, la pittura Color Field si è dimostrata sensuale e profondamente espressiva, anche se in modo diverso dall”espressionismo astratto gestuale.

Sebbene l”espressionismo astratto si sia diffuso rapidamente in tutti gli Stati Uniti, i centri principali di questo stile sono stati New York e la California, in particolare la Scuola di New York, e l”area della baia di San Francisco. I dipinti dell”espressionismo astratto condividono alcune caratteristiche, tra cui l”uso di tele di grandi dimensioni, un approccio “all-over”, in cui l”intera tela è trattata con la stessa importanza (in contrapposizione al centro che è più interessante dei bordi). La tela come arena divenne un credo dell”Action painting, mentre l”integrità del piano dell”immagine divenne un credo dei Color field painters. Negli anni Cinquanta anche artisti più giovani iniziarono a esporre i loro dipinti legati all”espressionismo astratto, tra cui Alfred Leslie, Sam Francis, Joan Mitchell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Milton Resnick, Michael Goldberg, Norman Bluhm, Grace Hartigan, Friedel Dzubas e Robert Goodnough.

Sebbene Pollock sia strettamente associato all”Action Painting per il suo stile, la sua tecnica, il suo tocco pittorico e la sua applicazione fisica della pittura, i critici d”arte hanno paragonato Pollock sia all”Action painting che alla pittura a campi di colore. Un altro punto di vista critico avanzato da Greenberg collega le tele allover di Pollock alle grandi ninfee di Claude Monet realizzate negli anni Venti. Critici d”arte come Michael Fried, Greenberg e altri hanno osservato che la sensazione generale delle opere più famose di Pollock – i suoi drip paintings – si legge come vasti campi di elementi lineari costruiti. Essi notano che queste opere spesso si leggono come vasti complessi di matasse di pittura di valore simile e campi di colore e disegno all-over, e sono in relazione con i Monet di dimensioni murali, che sono costruiti in modo simile con segni pennellati e sbaffati di valore vicino, anch”essi letti come campi di colore e disegno. L”uso di Pollock della composizione all-over conferisce una connessione filosofica e fisica al modo in cui i pittori di campi di colore come Newman, Rothko e Still costruiscono le loro superfici ininterrotte e, nel caso di Still, spezzate. In diversi dipinti realizzati dopo il classico periodo di drip painting del 1947-1950, Pollock utilizza la tecnica di macchiare la pittura ad olio fluida e la vernice della casa sulla tela grezza. Nel 1951 realizzò una serie di dipinti semi-figurativi a macchie nere e nel 1952 realizzò dipinti a macchie utilizzando il colore. Nella mostra del novembre 1952 alla Sidney Janis Gallery di New York Pollock espone Number 12, 1952, un grande e magistrale dipinto a macchie che ricorda un paesaggio macchiato dai colori vivaci (il dipinto fu acquistato dalla mostra da Nelson Rockefeller per la sua collezione personale.

Arshile Gorky è considerato uno dei padri fondatori dell”espressionismo astratto e un surrealista, ma è stato anche uno dei primi pittori della Scuola di New York a utilizzare la tecnica della colorazione. Gorky creò ampi campi di colore vivido, aperto e ininterrotto che utilizzò in molti dei suoi dipinti come fondo. Nei dipinti più efficaci e completi realizzati da Gorky tra il 1941 e il 1948, l”artista utilizza costantemente intensi campi di colore macchiati, spesso lasciando che la pittura coli e sgoccioli, sotto e intorno al suo familiare lessico di forme organiche e biomorfiche e linee delicate. Un altro espressionista astratto le cui opere degli anni Quaranta richiamano alla mente i dipinti a macchie degli anni Sessanta e Settanta è James Brooks. Brooks utilizzava regolarmente la macchia come tecnica nei suoi dipinti della fine degli anni Quaranta. Brooks iniziò a diluire i suoi colori a olio per avere colori fluidi con cui versare, gocciolare e macchiare la tela, per lo più grezza, che utilizzava. Queste opere combinano spesso calligrafia e forme astratte. Negli ultimi tre decenni della sua carriera, lo stile di Sam Francis, caratterizzato da un luminoso espressionismo astratto su larga scala, è stato strettamente associato alla pittura a campi colorati. I suoi dipinti si collocavano a cavallo tra i due campi dell”espressionismo astratto, l”Action painting e la Color field painting.

Dopo aver visto i dipinti di Pollock del 1951, in cui la pittura a olio nera diluita veniva macchiata sulla tela grezza, nel 1952 Frankenthaler iniziò a produrre dipinti a macchia con vari colori a olio su tela grezza. Il suo dipinto più famoso di quel periodo è Montagne e mare. L”artista è una delle ideatrici del movimento Color Field, emerso alla fine degli anni Cinquanta. Frankenthaler ha studiato anche con Hans Hofmann.

I dipinti di Hofmann sono una sinfonia di colori, come si vede in The Gate, 1959-1960. Era rinomato non solo come artista ma anche come insegnante d”arte, sia nella sua nativa Germania che, più tardi, negli Stati Uniti. Hofmann, giunto negli Stati Uniti dalla Germania all”inizio degli anni Trenta, portò con sé l”eredità del Modernismo. Come giovane artista nella Parigi precedente la prima guerra mondiale, Hofmann lavorò con Robert Delaunay e conobbe in prima persona il lavoro innovativo di Picasso e Matisse. Il lavoro di Matisse ebbe un”enorme influenza su di lui e sulla sua comprensione del linguaggio espressivo del colore e delle potenzialità dell”astrazione. Hofmann è stato uno dei primi teorici della pittura a campi di colore e le sue teorie hanno influenzato gli artisti e i critici, in particolare Clement Greenberg, e altri negli anni Trenta e Quaranta. Nel 1953 Morris Louis e Kenneth Noland furono entrambi profondamente influenzati dai dipinti a macchia di Helen Frankenthaler dopo aver visitato il suo studio a New York. Tornati a Washington, iniziarono a produrre le opere più importanti che diedero vita al movimento dei campi di colore alla fine degli anni Cinquanta.

Nel 1972 l”allora curatore del Metropolitan Museum of Art Henry Geldzahler disse:

Clement Greenberg incluse il lavoro di Morris Louis e Kenneth Noland in una mostra che tenne alla Kootz Gallery nei primi anni Cinquanta. Clem fu il primo a vedere il loro potenziale. Li invitò a New York nel 1953, credo, nello studio di Helen per vedere un dipinto che lei aveva appena realizzato, intitolato Mountains and Sea, un dipinto molto, molto bello, che in un certo senso si rifaceva a Pollock e a Gorky. Era anche uno dei primi quadri a macchie, uno dei primi quadri di grandi dimensioni in cui si usava la tecnica delle macchie, forse il primo. Louis e Noland videro il quadro srotolato sul pavimento del suo studio, tornarono a Washington e lavorarono insieme per un po”, studiando le implicazioni di questo tipo di pittura.

Nella pittura astratta degli anni Cinquanta e Sessanta sono emerse diverse nuove direzioni, come la pittura Hard-edge esemplificata da John McLaughlin. Nel frattempo, come reazione al soggettivismo dell”espressionismo astratto, altre forme di astrazione geometrica cominciarono ad apparire negli studi degli artisti e nei circoli dell”avanguardia radicale. Greenberg si fece portavoce dell”astrazione post-pittorica, curando un”influente mostra di nuova pittura che fece il giro di importanti musei d”arte in tutti gli Stati Uniti nel 1964. La pittura a campi di colore, la pittura a bordi duri e l”astrazione lirica emersero come nuove direzioni radicali.

Dalla metà degli anni Settanta si sostiene che questo stile attirò l”attenzione, all”inizio degli anni Cinquanta, della CIA, che lo considerava rappresentativo degli Stati Uniti come paradiso del libero pensiero e del libero mercato, nonché una sfida sia agli stili realisti socialisti prevalenti nelle nazioni comuniste sia al dominio dei mercati artistici europei. Il libro di Frances Stonor Saunders, The Cultural Cold War-The CIA and the World of Arts and Letters (pubblicato nel Regno Unito con il titolo Who Paid the Piper?: CIA and the Cultural Cold War) descrive nei dettagli come la CIA finanziò e organizzò la promozione degli espressionisti astratti americani come parte dell”imperialismo culturale attraverso il Congress for Cultural Freedom dal 1950 al 1967. In particolare, la serie Elegy to the Spanish Republic di Robert Motherwell affrontava alcuni di questi temi politici. Tom Braden, capo fondatore della Divisione Organizzazioni Internazionali (IOD) della CIA ed ex segretario esecutivo del Museum of Modern Art, ha dichiarato in un”intervista: “Penso che sia stata la divisione più importante dell”agenzia e che abbia avuto un ruolo enorme nella Guerra Fredda”.

Contro questa tradizione revisionista, un saggio di Michael Kimmelman, capo critico d”arte del New York Times, intitolato Revisiting the Revisionists: The Modern, Its Critics and the Cold War, afferma che molte delle informazioni relative a ciò che accadeva sulla scena artistica americana negli anni Quaranta e Cinquanta, così come l”interpretazione dei revisionisti, sono false o decontestualizzate. Altri libri sull”argomento sono Art in the Cold War, di Christine Lindey, che descrive anche l”arte dell”Unione Sovietica nello stesso periodo, e Pollock and After, a cura di Francis Frascina, che riprende l”articolo di Kimmelman.

Il pittore canadese Jean-Paul Riopelle (1923-2002), membro del gruppo di ispirazione surrealista Les Automatistes di Montreal, ha contribuito a introdurre nel mondo dell”arte parigino uno stile affine all”impressionismo astratto a partire dal 1949. Anche il libro rivoluzionario di Michel Tapié, Un Art Autre (1952), ha avuto un”enorme influenza in questo senso. Tapié fu anche un curatore e organizzatore di mostre che promosse le opere di Pollock e Hans Hofmann in Europa. Negli anni Sessanta l”effetto iniziale del movimento era stato assimilato, ma i suoi metodi e i suoi promotori rimasero molto influenti nell”arte, influenzando profondamente il lavoro di molti artisti successivi. L”espressionismo astratto ha preceduto il Tachisme, la pittura a campi di colore, l”astrazione lirica, Fluxus, la Pop Art, il minimalismo, il postminimalismo, il neoespressionismo e gli altri movimenti degli anni Sessanta e Settanta e ha influenzato tutti i movimenti successivi che si sono evoluti. I movimenti che furono risposte dirette e ribelli all”espressionismo astratto iniziarono con la pittura hard-edge (Frank Stella, Robert Indiana e altri) e con gli artisti Pop, in particolare Andy Warhol, Claes Oldenburg e Roy Lichtenstein che raggiunsero la ribalta negli Stati Uniti, accompagnati da Richard Hamilton in Gran Bretagna. Robert Rauschenberg e Jasper Johns negli Stati Uniti costituirono un ponte tra l”espressionismo astratto e la Pop Art. Il minimalismo è stato esemplificato da artisti come Donald Judd, Robert Mangold e Agnes Martin.

Tuttavia, molti pittori, come Jules Olitski, Joan Mitchell e Antoni Tàpies, hanno continuato a lavorare nello stile espressionista astratto per molti anni, estendendo e ampliando le sue implicazioni visive e filosofiche, come molti artisti astratti continuano a fare oggi, in stili descritti come Astrazione lirica, Neo-espressionismo e altri.

Nel secondo dopoguerra, un gruppo di artisti newyorkesi diede vita a una delle prime vere scuole di artisti in America, dando vita a una nuova era dell”arte americana: l”espressionismo astratto. Questo ha portato al boom dell”arte americana che ha portato a stili come la Pop Art. Questo ha contribuito a fare di New York un centro culturale e artistico.

Gli espressionisti astratti privilegiano l”organismo rispetto all”insieme statico, il divenire rispetto all”essere, l”espressione rispetto alla perfezione, la vitalità rispetto alla finitura, la fluttuazione rispetto al riposo, il sentimento rispetto alla formulazione, l”ignoto rispetto al noto, il velato rispetto al chiaro, l”individuo rispetto alla società e l”interno rispetto all”esterno.

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Fonti

1. Abstract expressionism
2. Espressionismo astratto
3. ^ Editors of Phaidon Press (2001). The 20th-Century art book (Reprinted. ed.). London: Phaidon Press. ISBN 0714835420.
4. Hess, Barbara; “Abstract Expressionism”, 2005
5. Carrassat, P.F.R. y Marcadé, I., Movimientos de la pintura, pág. 151
6. a b c d Frances Stonor Saunders, « Modern art was CIA “weapon” », sur independent.co.uk, 22 octobre 1995.
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9. (en) « Abstract Expressionism Exhibition catalogue », sur Royal Academy of Arts, 2017 (consulté le 8 septembre 2018).
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12. Zitiert nach Barbara Hess; Uta Grosenick (Hrsg.): Abstrakter Expressionismus. Taschen, Köln 2005, S. 7.
13. Hans Sahl: Das Exil im Exil. Sammlung Luchterhand, 1994, S. 161.