Marc Chagall

gigatos | januari 8, 2022

Post Views: 131

Samenvatting

Marc Chagall (6 juli 1887 – 28 maart 1985) was een Russisch-Franse kunstenaar. Hij was een vroege modernist, werd geassocieerd met verschillende belangrijke artistieke stijlen en creëerde werken in een breed scala van artistieke formaten, waaronder schilderen, tekeningen, boekillustraties, glas in lood, decorstukken, keramiek, wandtapijten en fine art prints.

Hij werd geboren in het huidige Wit-Rusland, dat toen deel uitmaakte van het Russische Rijk, en was van Wit-Russisch-Joodse afkomst. Voor de Eerste Wereldoorlog reisde hij tussen Sint-Petersburg, Parijs en Berlijn. In deze periode creëerde hij zijn eigen mengeling en stijl van moderne kunst, gebaseerd op zijn idee van Oost-Europa en de Joodse volkscultuur. Hij bracht de oorlogsjaren door in Sovjet Wit-Rusland en werd een van de meest vooraanstaande kunstenaars van het land en een lid van de modernistische avant-garde. Hij richtte het Vitebsk Arts College op voordat hij in 1923 weer naar Parijs vertrok.

Kunstcriticus Robert Hughes noemde Chagall “de joodse kunstenaar bij uitstek van de twintigste eeuw” (hoewel Chagall zijn werk beschouwde als “niet de droom van één volk, maar van de hele mensheid”). Volgens kunsthistoricus Michael J. Lewis werd Chagall beschouwd als “de laatste overlevende van de eerste generatie Europese modernisten”. Decennialang was hij “ook gerespecteerd als ”s werelds meest vooraanstaande Joodse kunstenaar”. Hij gebruikte het medium glas-in-lood en maakte ramen voor de kathedralen van Reims en Metz, ramen voor de VN en het Art Institute of Chicago en de Jeruzalem Windows in Israël. Hij maakte ook schilderijen op grote schaal, waaronder een deel van het plafond van de Parijse Opéra.

Hij had twee basisreputaties, schrijft Lewis: als een pionier van het modernisme en als een belangrijke Joodse kunstenaar. Hij beleefde de “gouden eeuw” van het modernisme in Parijs, waar hij “de kunstvormen van het kubisme, symbolisme en fauvisme samenvoegde, en de invloed van het fauvisme gaf aanleiding tot het surrealisme”. Toch bleef hij gedurende deze fasen van zijn stijl “zeer nadrukkelijk een Joodse kunstenaar, wiens werk één lange dromerige mijmering was over het leven in zijn geboortedorp Vitebsk.” “Als Matisse sterft,” merkte Pablo Picasso in de jaren vijftig op, “zal Chagall de enige overgebleven schilder zijn die begrijpt wat kleur werkelijk is”.

Lees ook: gevechten – Beleg van Parijs (1870-1871)

Vroege leven

Marc Chagall werd in 1887 geboren als Moishe Shagal in een Litouws-Joods Hassidisch gezin in Liozna, nabij de stad Vitebsk (Wit-Rusland, toen deel van het Russische Rijk). Ten tijde van zijn geboorte telde Vitebsk ongeveer 66.000 inwoners. De helft van de bevolking was Joods. Het was een schilderachtige stad met kerken en synagogen en werd “Russisch Toledo” genoemd, naar de kosmopolitische stad van het voormalige Spaanse keizerrijk. Omdat de stad voornamelijk uit hout was opgetrokken, overleefde weinig ervan de jarenlange bezetting en verwoesting tijdens de Tweede Wereldoorlog.

Chagall was de oudste van negen kinderen. De familienaam, Shagal, is een variant van de naam Segal, die in een Joodse gemeenschap gewoonlijk werd gedragen door een Levitische familie. Zijn vader, Khatskl (Zachar) Shagal, was in dienst van een haringhandelaar, en zijn moeder, Feige-Ite, verkocht kruidenierswaren vanuit hun huis. Zijn vader werkte hard, droeg zware vaten maar verdiende slechts 20 roebel per maand (het gemiddelde loon in het Russische Rijk was 13 roebel per maand). Chagall zou later vismotieven opnemen “uit respect voor zijn vader”, schrijft Chagall biograaf, Jacob Baal-Teshuva. Chagall schreef over deze vroege jaren:

Dag na dag, winter en zomer, om zes uur ”s morgens, stond mijn vader op en ging naar de synagoge. Daar zei hij zijn gebruikelijke gebed voor een of andere dode. Bij zijn terugkeer zette hij de samovar klaar, dronk wat thee en ging aan het werk. Hels werk, het werk van een galeislaaf. Waarom het proberen te verbergen? Hoe erover te vertellen? Geen woord zal ooit het lot van mijn vader verzachten… Er was altijd genoeg boter en kaas op onze tafel. Geboterd brood, als een eeuwig symbool, was nooit uit mijn kinderhanden.

Een van de belangrijkste bronnen van inkomsten van de Joodse bevolking van de stad was de vervaardiging van kleding die in het hele Russische Rijk werd verkocht. Ze maakten ook meubels en diverse landbouwwerktuigen. Vanaf het einde van de 18e eeuw tot aan de Eerste Wereldoorlog werden de Joden door de Keizerlijk Russische regering beperkt tot het woongebied van het Paleis van Nederzetting, dat het huidige Oekraïne, Wit-Rusland, Polen, Litouwen en Letland omvatte, bijna precies overeenkomend met het grondgebied van het Pools-Litouwse Gemenebest dat kort daarvoor door Keizerlijk Rusland was overgenomen. Dit veroorzaakte de oprichting van Joodse markt-dorpen (sjtetls) in heel het huidige Oost-Europa, met hun eigen markten, scholen, ziekenhuizen en andere gemeenschapsinstellingen..: 14

Chagall schreef als jongen: “Ik voelde bij elke stap dat ik een Jood was – de mensen lieten het me voelen”. Tijdens een pogrom, schreef Chagall dat: “De straatlantaarns zijn uit. Ik voel me paniekerig, vooral voor de ramen van slagers. Daar zie je nog levende kalveren liggen naast de bijlen en messen van de slagers”. Toen Chagall door pogromniks werd gevraagd “Jood of niet?”, herinnerde hij zich dat hij dacht: “Mijn zakken zijn leeg, mijn vingers gevoelig, mijn benen zwak en ze zijn uit op bloed. Mijn dood zou zinloos zijn. Ik wilde zo graag leven”. Chagall ontkende een Jood te zijn, waarop de pogromniks riepen: “Goed zo! Opschieten!”

Het meeste van wat bekend is over Chagall”s vroege leven is afkomstig uit zijn autobiografie, Mijn Leven. Daarin beschrijft hij de grote invloed die de cultuur van het chassidische jodendom had op zijn leven als kunstenaar. Chagall vertelde hoe hij zich realiseerde dat de Joodse tradities waarin hij was opgegroeid snel aan het verdwijnen waren en dat hij ze moest documenteren. Vitebsk zelf was vanaf de jaren 1730 een centrum van die cultuur geweest, met zijn van de Kabbala afgeleide leer. Chagall-onderzoekster Susan Tumarkin Goodman beschrijft de verbanden en bronnen van zijn kunst met zijn vroege thuis:

Chagall”s kunst kan worden begrepen als het antwoord op een situatie die de geschiedenis van de Russische Joden lang heeft gekenmerkt. Hoewel zij culturele vernieuwers waren die belangrijke bijdragen leverden aan de bredere samenleving, werden Joden beschouwd als buitenstaanders in een vaak vijandige samenleving… Chagall zelf werd geboren in een familie die doordrenkt was van religieus leven; zijn ouders waren observerende chassidische joden die spirituele bevrediging vonden in een leven dat gedefinieerd werd door hun geloof en georganiseerd werd door gebed.: 14

Chagall was bevriend met Sholom Dovber Schneersohn, en later met Menachem M. Schneerson.

Een keerpunt in zijn artistieke leven kwam toen hij voor het eerst een medestudent zag tekenen. Baal-Teshuva schrijft dat voor de jonge Chagall, kijken naar iemand die tekent “als een visioen was, een openbaring in zwart en wit”. Chagall zou later zeggen dat er in zijn familie thuis geen kunst van welke soort dan ook was en dat het concept hem totaal vreemd was. Toen Chagall de schoolvriend vroeg hoe hij had leren tekenen, antwoordde zijn vriend: “Ga op zoek naar een boek in de bibliotheek, idioot, kies een plaatje dat je leuk vindt, en kopieer het gewoon”. Hij begon al snel afbeeldingen uit boeken te kopiëren en vond de ervaring zo bevredigend dat hij besloot kunstenaar te willen worden.

Uiteindelijk vertrouwde hij zijn moeder toe: “Ik wil schilder worden”, hoewel zij zijn plotselinge belangstelling voor kunst nog niet kon begrijpen of waarom hij een roeping zou kiezen die “zo onpraktisch leek”, schrijft Goodman. De jonge Chagall legde uit: “Er is een plek in de stad; als ik word toegelaten en als ik de cursus afmaak, kom ik eruit als een gewone kunstenaar. Ik zou zo gelukkig zijn!” Het was 1906, en hij had het atelier opgemerkt van Yehuda (Yuri) Pen, een realistisch kunstenaar die ook een kleine tekenschool in Vitebsk leidde, waar de toekomstige kunstenaars El Lissitzky en Ossip Zadkine zaten. Omdat Chagall nog jong was en geen inkomen had, bood Pen aan hem gratis les te geven. Na een paar maanden op de school realiseerde Chagall zich echter dat academische portretschilderen niet bij zijn wensen paste.

Lees ook: geschiedenis – Tweede Soedanese Burgeroorlog

Artistieke inspiratie

Goodman merkt op dat in deze periode in Imperiaal Rusland, Joden twee alternatieven hadden om toe te treden tot de kunstwereld: Het ene was het “verbergen of ontkennen van je Joodse wortels”. Het andere alternatief – het alternatief dat Chagall koos – was “zijn Joodse wortels koesteren en publiekelijk tot uitdrukking brengen” door ze in zijn kunst te integreren. Voor Chagall was dit ook zijn middel van “zelfbevestiging en een uitdrukking van principe.”: 14

Waarom? Waarom heb ik je verlaten vele jaren geleden? … Je dacht, de jongen zoekt iets, zoekt zo”n speciale subtiliteit, die kleur die neerdaalt als sterren uit de hemel en landt, helder en doorzichtig, als sneeuw op onze daken. Hoe komt hij daaraan? Hoe komt een jongen als hij eraan? Ik weet niet waarom hij het niet bij ons kon vinden, in de stad, in zijn vaderland. Misschien is de jongen gek, maar gek omwille van de kunst. …Je dacht: “Ik zie het, ik ben in het hart van de jongen gegrift, maar hij is nog steeds aan het ”vliegen”, hij wil nog steeds opstijgen, hij heeft ”wind” in zijn hoofd.” … Ik heb niet met jou geleefd, maar ik heb geen enkel schilderij gehad dat niet ademde met jouw geest en reflectie.

Russische Rijk (1906-1910)

In 1906 verhuisde hij naar Sint-Petersburg, toen de hoofdstad van het Russische Rijk en het centrum van het artistieke leven van het land met zijn beroemde kunstscholen. Omdat Joden de stad niet in mochten zonder een binnenlands paspoort, wist hij van een vriend een tijdelijk paspoort te bemachtigen. Hij schreef zich in aan een prestigieuze kunstacademie en studeerde daar twee jaar. In 1907 was hij begonnen met het schilderen van naturalistische zelfportretten en landschappen. Chagall was een actief lid van de onregelmatige vrijmetselaarsloge, het Groot Oriënt van de Russische Volkeren. Hij behoorde tot de “Vitebsk” loge.

Tussen 1908 en 1910 was Chagall een leerling van Léon Bakst aan de Zvantseva School voor Tekenen en Schilderen. In Sint-Petersburg ontdekte hij het experimentele theater en het werk van kunstenaars als Paul Gauguin. Bakst, ook Joods, was ontwerper van decoratieve kunst en beroemd als tekenaar van decors en kostuums voor de Ballets Russes, en hielp Chagall door op te treden als rolmodel voor Joods succes. Bakst verhuisde een jaar later naar Parijs. Kunsthistoricus Raymond Cogniat schrijft dat “Chagall, na vier jaar op zichzelf te hebben gewoond en kunst te hebben gestudeerd, toetrad tot de hoofdstroom van de hedendaagse kunst. …Zijn leertijd voorbij, Rusland had een gedenkwaardige eerste rol in zijn leven gespeeld.”: 30

Chagall verbleef in Sint-Petersburg tot 1910, en bezocht vaak Vitebsk waar hij Bella Rosenfeld ontmoette. In Mijn Leven, beschreef Chagall zijn eerste ontmoeting met haar: “Haar stilte is de mijne, haar ogen de mijne. Het is alsof ze alles weet over mijn jeugd, mijn heden, mijn toekomst, alsof ze dwars door me heen kan kijken.”: 22 Bella schreef later over haar ontmoeting met hem: “Als je een glimp van zijn ogen kon opvangen, waren ze zo blauw alsof ze recht uit de hemel waren gevallen. Het waren vreemde ogen… lang, amandelvormig… en ze leken uit zichzelf te varen, als een klein bootje.”

Hij ontwikkelde daarom vriendschappen met Guillaume Apollinaire en andere avant-garde kunstenaars, waaronder Robert Delaunay en Fernand Léger. Baal-Teshuva schrijft dat “Chagall”s droom van Parijs, de stad van het licht en vooral van de vrijheid, was uitgekomen.” 33 Zijn eerste dagen waren een ontbering voor de 23-jarige Chagall, die eenzaam was in de grote stad en geen Frans kon spreken. Sommige dagen had hij “zin om terug te vluchten naar Rusland, terwijl hij dagdroomde terwijl hij schilderde, over de rijkdom van de Slavische folklore, zijn Hasidische ervaringen, zijn familie, en vooral Bella”.

In Parijs schreef hij zich in aan de Académie de La Palette, een avant-gardistische kunstschool waar de schilders Jean Metzinger, André Dunoyer de Segonzac en Henri Le Fauconnier doceerden, en vond ook werk aan een andere academie. In zijn vrije tijd bezocht hij galerieën en salons, vooral het Louvre; hij bewonderde onder meer Rembrandt, de gebroeders Le Nain, Chardin, van Gogh, Renoir, Pissarro, Matisse, Gauguin, Courbet, Millet, Manet, Monet, Delacroix en anderen. Het was in Parijs dat hij de techniek van de gouache leerde, die hij gebruikte om Wit-Russische taferelen te schilderen. Hij bezocht ook Montmartre en het Quartier Latin “en was al gelukkig als hij de Parijse lucht inademde. “Baal-Teshuva beschrijft deze nieuwe fase in Chagall”s artistieke ontwikkeling:

Chagall was opgewonden, bedwelmd, toen hij door de straten en langs de oevers van de Seine slenterde. Alles aan de Franse hoofdstad wond hem op: de winkels, de geur van vers brood in de ochtend, de markten met hun verse groenten en fruit, de brede boulevards, de cafés en restaurants, en bovenal de Eiffeltoren.Een andere geheel nieuwe wereld die voor hem openging was de caleidoscoop van kleuren en vormen in de werken van Franse kunstenaars. Chagall bekeek met enthousiasme hun vele verschillende tendensen en moest zijn positie als kunstenaar heroverwegen en beslissen welke creatieve weg hij wilde bewandelen.: 33

Tijdens zijn verblijf in Parijs werd Chagall voortdurend herinnerd aan zijn thuis in Vitebsk, aangezien Parijs ook de thuishaven was van vele schilders, schrijvers, dichters, componisten, dansers en andere émigrés uit het Russische Rijk. Maar “nacht na nacht schilderde hij tot de dageraad”, ging dan pas voor een paar uur naar bed, en weerstond ”s nachts de vele verleidingen van de grote stad: 44 “Mijn vaderland bestaat alleen in mijn ziel”, zei hij eens.: viii Hij bleef Joodse motieven en onderwerpen uit zijn herinneringen aan Vitebsk schilderen, hoewel hij ook Parijse taferelen opnam – de Eiffeltoren in het bijzonder, samen met portretten. Veel van zijn werken waren bijgewerkte versies van schilderijen die hij in Rusland had gemaakt, omgezet in fauvistische of kubistische toetsen.

Chagall ontwikkelde een heel repertoire van eigenzinnige motieven: spookachtige figuren die in de lucht zweven, … de gigantische vioolspeler die danst op miniatuur poppenhuizen, de veestapel en doorzichtige baarmoeders en daarbinnen piepkleine nakomelingen die op hun kop slapen. De meeste van zijn scènes van het leven in Vitebsk schilderde hij terwijl hij in Parijs woonde, en “in zekere zin waren het dromen”, merkt Lewis op. Hun “ondertoon van verlangen en verlies”, met een afstandelijke en abstracte uitstraling, zorgde ervoor dat Apollinaire “getroffen werd door deze kwaliteit” en noemde ze “surnaturel!” Zijn “dier-mens hybriden en in de lucht zwevende fantomen” zouden later een vormende invloed worden op het surrealisme. Chagall wilde echter niet dat zijn werk geassocieerd zou worden met een school of stroming en beschouwde zijn eigen persoonlijke taal van symbolen als betekenisvol voor hemzelf. Maar Sweeney merkt op dat anderen zijn werk nog vaak associëren met “onlogische en fantastische schilderkunst”, vooral wanneer hij “merkwaardige representatieve juxtaposities” gebruikt: 10

Sweeney schrijft: “Dit is de bijdrage van Chagall aan de hedendaagse kunst: het opnieuw tot leven wekken van een poëzie van de voorstelling, waarbij enerzijds feitelijke illustratie en anderzijds non-figuratieve abstracties worden vermeden”. André Breton zei dat “alleen met hem, de metafoor zijn triomfantelijke terugkeer in de moderne schilderkunst maakte”: 7

Lees ook: biografieen – Æthelstan van Engeland

Rusland en Sovjet-Rusland (1914-1922)

Omdat hij zijn verloofde Bella miste, die nog steeds in Vitebsk was – “Hij dacht dag en nacht aan haar”, schrijft Baal-Teshuva – en bang was haar te verliezen, besloot Chagall in te gaan op een uitnodiging van een bekende kunsthandelaar in Berlijn om zijn werk tentoon te stellen, met de bedoeling door te gaan naar Wit-Rusland, met Bella te trouwen, en dan met haar naar Parijs terug te keren. Chagall nam 40 doeken en 160 gouaches, aquarellen en tekeningen mee om tentoon te stellen. De tentoonstelling, gehouden in Herwarth Walden”s Sturm Gallery was een groot succes, “De Duitse critici zongen positief zijn lof.”

Na de tentoonstelling ging hij verder naar Vitebsk, waar hij slechts lang genoeg wilde blijven om met Bella te trouwen. Na een paar weken begon echter de Eerste Wereldoorlog, waardoor de Russische grens voor onbepaalde tijd gesloten werd. Een jaar later trouwde hij met Bella Rosenfeld en zij kregen hun eerste kind, Ida. Voor het huwelijk had Chagall moeite Bella”s ouders ervan te overtuigen dat hij een geschikte echtgenoot zou zijn voor hun dochter. Zij waren bezorgd dat zij zou trouwen met een schilder uit een arme familie en vroegen zich af hoe hij haar zou kunnen onderhouden. Een succesvol kunstenaar worden werd nu een doel en inspiratie. Volgens Lewis “zijn de euforische schilderijen uit die tijd, waarop het jonge paar als een ballon over Vitebsk zweeft – de houten gebouwen gefacetteerd op de Delaunay manier – de meest luchthartige uit zijn carrière”. Zijn huwelijksschilderijen waren ook een onderwerp waarop hij later zou terugkomen als hij nadacht over deze periode van zijn leven. 75

In 1915 begon Chagall zijn werk in Moskou tentoon te stellen, eerst in een bekende salon en in 1916 exposeerde hij schilderijen in Sint Petersburg. Petersburg. Hij toonde zijn kunst opnieuw op een Moskouse tentoonstelling van avant-garde kunstenaars. Deze tentoonstelling zorgde voor erkenning en een aantal rijke verzamelaars begon zijn kunst te kopen. Hij begon ook een aantal Jiddische boeken te illustreren met inkttekeningen. Hij illustreerde I. L. Peretz”s De Magiër in 1917. Chagall was 30 jaar oud en begon bekendheid te verwerven.: 77

De Oktoberrevolutie van 1917 was een gevaarlijke tijd voor Chagall, maar bood ook kansen. Chagall schreef dat hij bang werd voor Bolsjewistische bevelen die op hekken waren geprikt: “De fabrieken stopten. De horizonten gingen open. Ruimte en leegte. Geen brood meer. De zwarte letters op de ochtendaffiches maakten me misselijk van hart”. Chagall had vaak dagenlang honger en herinnerde zich later hoe hij keek naar “een bruid, de bedelaars en de arme stakkers, beladen met bundels”, wat hem tot de conclusie bracht dat het nieuwe regime het Russische Rijk “op zijn kop had gezet, zoals ik mijn schilderijen op mijn kop zet”. Tegen die tijd was hij een van de meest vooraanstaande kunstenaars van Keizerlijk Rusland en een lid van de modernistische avant-garde, die speciale privileges en prestige genoot als de “esthetische arm van de revolutie”. Hij kreeg een belangrijke positie aangeboden als commissaris van beeldende kunsten voor het land, maar gaf de voorkeur aan iets minder politieks en aanvaardde in plaats daarvan een baan als commissaris van kunsten voor Vitebsk. Dit resulteerde in de oprichting van het Vitebsk Arts College, dat volgens Lewis de “meest vooraanstaande kunstschool in de Sovjet-Unie” werd.

In Moskou kreeg hij een baan aangeboden als decorontwerper voor het pas opgerichte Joodse Staatstheater. Het zou begin 1921 in gebruik worden genomen met een aantal stukken van Sholem Aleichem. Voor de opening maakte hij een aantal grote achtergrondschilderingen met technieken die hij leerde van Bakst, zijn vroegere leermeester. Een van de belangrijkste muurschilderingen was 2,7 m hoog en 7,3 m lang en bevatte afbeeldingen van verschillende levendige onderwerpen zoals dansers, vioolspelers, acrobaten en boerderijdieren. Een criticus uit die tijd noemde het “Hebreeuwse jazz in verf”. Chagall creëerde het als een “opslagplaats van symbolen en apparaten”, merkt Lewis op. De muurschilderingen “vormden een mijlpaal” in de geschiedenis van het theater, en waren de voorlopers van zijn latere grootschalige werken, waaronder muurschilderingen voor de Metropolitan Opera van New York en de Opera van Parijs.: 87

De Eerste Wereldoorlog eindigde in 1918, maar de Russische burgeroorlog duurde voort en de hongersnood breidde zich uit. De Chagalls vonden het nodig om te verhuizen naar een kleinere, minder dure stad in de buurt van Moskou, hoewel Chagall nu dagelijks naar Moskou moest reizen met overvolle treinen. In 1921 werkte hij als kunstleraar samen met zijn vriend beeldhouwer Isaac Itkind in een Joods opvangtehuis voor jongens in de buitenwijken van Malakhovka, waar jonge vluchtelingen verbleven die wees waren geworden door pogroms: 270 Terwijl hij daar was, maakte hij een reeks illustraties voor de Jiddische gedichtencyclus Grief, geschreven door David Hofstein, die een andere leraar was in het opvangtehuis in Malakhovka: 273

Nadat hij tussen 1921 en 1922 in primitieve omstandigheden had geleefd, besloot hij naar Frankrijk terug te keren om zijn kunst in een comfortabeler land te kunnen ontwikkelen. Talrijke andere kunstenaars, schrijvers en musici waren eveneens van plan naar het Westen te verhuizen. Hij vroeg een uitreisvisum aan en terwijl hij op de onzekere goedkeuring wachtte, schreef hij zijn autobiografie, Mijn leven: 121

Frankrijk (1923-1941)

In 1923 verliet Chagall Moskou om naar Frankrijk terug te keren. Onderweg stopte hij in Berlijn om de vele schilderijen terug te vinden die hij daar tien jaar eerder, voor het uitbreken van de oorlog, had tentoongesteld, maar hij slaagde er niet in ze terug te vinden of te recupereren. Niettemin, na zijn terugkeer in Parijs herontdekte hij opnieuw “de vrije expansie en vervulling die zo essentieel voor hem waren”, schrijft Lewis. Nu al zijn vroege werken verloren waren gegaan, begon hij te proberen te schilderen vanuit zijn herinneringen aan zijn vroegste jaren in Vitebsk met schetsen en olieverfschilderijen.

Hij kreeg een zakelijke relatie met de Franse kunsthandelaar Ambroise Vollard. Dit inspireerde hem tot het maken van etsen voor een reeks geïllustreerde boeken, waaronder Gogol”s Dode Zielen, de Bijbel, en de Fabels van La Fontaine. Deze illustraties zouden uiteindelijk zijn beste prenten worden. In 1924 reisde hij naar Bretagne en schilderde La fenêtre sur l”Île-de-Bréhat. In 1926 had hij zijn eerste tentoonstelling in de Verenigde Staten in de Reinhardt galerie in New York, die ongeveer 100 werken omvatte, hoewel hij niet naar de opening reisde. In plaats daarvan bleef hij in Frankrijk en “schilderde onophoudelijk”, merkt Baal-Teshuva op. Het was pas in 1927 dat Chagall naam maakte in de Franse kunstwereld, toen kunstcriticus en historicus Maurice Raynal hem een plaats gaf in zijn boek Moderne Franse schilders. Raynal was echter nog steeds niet in staat om Chagall nauwkeurig te beschrijven voor zijn lezers:

Chagall ondervraagt het leven in het licht van een verfijnde, bezorgde, kinderlijke gevoeligheid, een licht romantisch temperament … een mengeling van droefheid en vrolijkheid die kenmerkend is voor een ernstige kijk op het leven. Zijn verbeelding, zijn temperament, verbieden ongetwijfeld een Latijnse strengheid van compositie..: 314

In deze periode reisde hij door Frankrijk en de Côte d”Azur, waar hij genoot van de landschappen, de kleurrijke vegetatie, de blauwe Middellandse Zee en het milde weer. Hij maakte herhaaldelijk uitstapjes naar het platteland, waarbij hij zijn schetsboek meenam: 9 Hij bezocht ook nabijgelegen landen en schreef later over de indrukken die sommige van die reizen op hem nalieten:

Ik zou eraan willen herinneren hoe nuttig mijn reizen buiten Frankrijk voor mij zijn geweest in artistiek opzicht – in Nederland of in Spanje, Italië, Egypte, Palestina, of gewoon in het zuiden van Frankrijk. Daar, in het zuiden, zag ik voor de eerste keer in mijn leven die rijke groenheid, die ik in mijn eigen land nog nooit had gezien. In Holland meende ik dat vertrouwde en kloppende licht te ontdekken, als het licht tussen de late namiddag en de schemering. In Italië vond ik die rust van de musea die het zonlicht tot leven bracht. In Spanje vond ik gelukkig de inspiratie van een mystiek, zij het soms wreed, verleden, het lied van zijn hemel en van zijn volk. En in het Oosten vond ik onverwacht de Bijbel en een deel van mijn wezen..: 77

Na terugkeer in Parijs van een van zijn reizen, gaf Vollard Chagall de opdracht het Oude Testament te illustreren. Hoewel hij het project in Frankrijk had kunnen voltooien, gebruikte hij de opdracht als een excuus om naar Israël te reizen en zelf het Heilige Land te ervaren. In 1931 reisde Marc Chagall met zijn gezin naar Tel Aviv op uitnodiging van Meir Dizengoff. Dizengoff had Chagall eerder aangemoedigd Tel Aviv te bezoeken in verband met Dizengoffs plan om in de nieuwe stad een Joods Kunstmuseum te bouwen. Chagall en zijn familie werden uitgenodigd om te verblijven in het huis van Dizengoff in Tel Aviv, dat later de Onafhankelijkheidshal van de Staat Israël werd.

Chagall verbleef uiteindelijk twee maanden in het Heilige Land. Chagall voelde zich thuis in Israël, waar veel mensen Jiddisch en Russisch spraken. Volgens Jacob Baal-Teshuva “was hij onder de indruk van de pioniersgeest van de mensen in de kibboetsim en diep ontroerd door de Klaagmuur en de andere heilige plaatsen”: 133

Chagall vertelde later aan een vriend dat Israël hem “de meest levendige indruk die hij ooit had gekregen” had gegeven. Wullschlager merkt echter op dat terwijl Delacroix en Matisse inspiratie hadden gevonden in het exotisme van Noord-Afrika, hij als Jood in Israël een ander perspectief had. “Wat hij daar werkelijk zocht was geen externe stimulans maar een innerlijke autorisatie vanuit het land van zijn voorouders, om zich in zijn werk op de bijbelillustraties te storten”: 343 Chagall verklaarde: “In het Oosten vond ik de Bijbel en een deel van mijn eigen wezen.”

Als gevolg daarvan verdiepte hij zich in “de geschiedenis van de Joden, hun beproevingen, profetieën en rampen”, merkt Wullschlager op. Ze voegt eraan toe dat het beginnen aan de opdracht een “buitengewoon risico” was voor Chagall, aangezien hij eindelijk bekend was geworden als een vooraanstaand hedendaags schilder, maar nu zijn modernistische thema”s zou beëindigen en zich zou verdiepen in “een oud verleden”: 350 Tussen 1931 en 1934 werkte hij “obsessief” aan “De Bijbel”, hij ging zelfs naar Amsterdam om de bijbelse schilderijen van Rembrandt en El Greco zorgvuldig te bestuderen, om de uitersten van de religieuze schilderkunst te zien. Hij liep door de straten van de Joodse wijk van de stad om de vroegere sfeer opnieuw te voelen. Hij zei tegen Franz Meyer:

Ik heb de Bijbel niet gezien, ik heb hem gedroomd. Sinds mijn prille jeugd ben ik geboeid door de Bijbel. Het heeft mij altijd de grootste bron van poëzie aller tijden geleken en lijkt mij dat nu nog steeds. 350

Chagall zag het Oude Testament als een “menselijk verhaal, … niet met de schepping van de kosmos maar met de schepping van de mens, en zijn engelenfiguren zijn berijmd of gecombineerd met menselijke figuren”, schrijft Wullschlager. Zij wijst erop dat in een van zijn vroege bijbelafbeeldingen, “Abraham en de drie engelen”, de engelen zitten te praten bij een glas wijn “alsof ze net zijn langsgekomen voor het avondeten”: 350

Hij keerde terug naar Frankrijk en het volgende jaar had hij 32 van de in totaal 105 platen voltooid. In 1939, bij het begin van de Tweede Wereldoorlog, had hij er 66 voltooid. Vollard overleed echter nog datzelfde jaar. Toen de serie in 1956 was voltooid, werd zij uitgegeven door Edition Tériade. Baal-Teshuva schrijft dat “de illustraties verbluffend waren en veel bijval oogstten. Opnieuw had Chagall zich een van de belangrijkste grafische kunstenaars van de 20ste eeuw getoond”: 135 Leymarie heeft deze tekeningen van Chagall beschreven als “monumentaal” en,

Niet lang nadat Chagall met zijn werk aan de Bijbel was begonnen, kwam Adolf Hitler aan de macht in Duitsland. Antisemitische wetten werden ingevoerd en het eerste concentratiekamp in Dachau was opgericht. Wullschlager beschrijft de vroege effecten op de kunst:

De nazi”s begonnen hun campagne tegen de modernistische kunst zodra ze de macht grepen. Expressionistische, kubistische, abstracte en surrealistische kunst – alles wat intellectueel, Joods, buitenlands, socialistisch geïnspireerd of moeilijk te begrijpen was – was het doelwit, van Picasso en Matisse tot Cézanne en van Gogh; in plaats daarvan werd het traditionele Duitse realisme, toegankelijk en open voor patriottische interpretatie, geprezen..: 374

Vanaf 1937 werden ongeveer twintigduizend werken uit Duitse musea als “ontaard” in beslag genomen door een commissie onder leiding van Joseph Goebbels..: 375 Hoewel de Duitse pers ooit “zwijmelde bij hem”, dreven de nieuwe Duitse autoriteiten nu de spot met de kunst van Chagall, door ze te beschrijven als “groene, paarse en rode Joden die uit de aarde schieten, vioolspelen spelen, door de lucht vliegen… representerend : 376

Nadat Duitsland Frankrijk was binnengevallen en bezet, bleven de Chagalls naïef in Vichy-Frankrijk, niet wetend dat Franse Joden, met de hulp van de Vichy-regering, werden verzameld en naar Duitse concentratiekampen gestuurd, van waaruit slechts weinigen zouden terugkeren. De collaborerende regering van Vichy, geleid door maarschalk Philippe Pétain, stelde onmiddellijk na de machtsovername een commissie in om “het Franse staatsburgerschap opnieuw te definiëren” met als doel “ongewensten”, waaronder genaturaliseerde burgers, van hun Franse nationaliteit te ontdoen. Chagall was zo met zijn kunst bezig geweest, dat hij pas in oktober 1940, nadat de regering van Vichy, in opdracht van de nazi-bezetter, antisemitische wetten begon goed te keuren, begon te begrijpen wat er aan de hand was. Toen hij hoorde dat Joden uit openbare en academische functies werden verwijderd, werden de Chagalls eindelijk “wakker voor het gevaar waarmee ze werden geconfronteerd”. Maar Wullschlager merkt op dat “tegen die tijd zaten ze in de val”..: 382 Hun enige toevluchtsoord kon Amerika zijn, maar “ze konden zich de overtocht naar New York niet veroorloven” of de grote borgsom die elke immigrant bij binnenkomst moest betalen om ervoor te zorgen dat ze geen financiële last voor het land zouden worden.

Volgens Wullschlager “verbaasde de snelheid waarmee Frankrijk ineenstortte iedereen: het capituleerde zelfs sneller dan Polen een jaar eerder had gedaan”. Er gingen schokgolven over de Atlantische Oceaan… omdat Parijs tot dan toe in de hele niet-Nazi wereld gelijkgesteld was met beschaving”: 388 Maar de gehechtheid van de Chagalls aan Frankrijk “verblindde hen voor de urgentie van de situatie.” 389 Veel andere bekende Russische en Joodse kunstenaars probeerden uiteindelijk te ontsnappen: Chaïm Soutine, Max Ernst, Max Beckmann, Ludwig Fulda, schrijver Victor Serge en de bekroonde schrijver Vladimir Nabokov, die weliswaar zelf niet Joods was, maar wel getrouwd met een Joodse vrouw: 1181 De Russische schrijver Victor Serge beschreef veel van de mensen die tijdelijk in Marseille woonden en wachtten om naar Amerika te emigreren:

Hier is een bedelaarssteegje waar de restanten van revoluties, democratieën en verpletterde intellecten bijeenkomen… In onze rangen zijn genoeg dokters, psychologen, ingenieurs, pedagogen, dichters, schilders, schrijvers, muzikanten, economen en publieke mensen om een heel groot land te vitaliseren..: 392

Na aandringen van hun dochter Ida, die “de noodzaak inzag om snel te handelen”, : 388 en met hulp van Alfred Barr van het New York Museum of Modern Art, werd Chagall gered door zijn naam te laten toevoegen aan de lijst van vooraanstaande kunstenaars wier leven in gevaar was en die de Verenigde Staten moesten trachten te bevrijden. Varian Fry, de Amerikaanse journalist, en Hiram Bingham IV, de Amerikaanse vice-consul in Marseille, voerden een reddingsoperatie uit om kunstenaars en intellectuelen uit Europa naar de VS te smokkelen door hen vervalste visa voor de VS te verstrekken. In april 1941 werd Chagall en zijn vrouw het Franse staatsburgerschap ontnomen. De Chagalls verbleven in een hotel in Marseille waar ze samen met andere Joden werden gearresteerd. Varian Fry slaagde erin de Franse politie onder druk te zetten om hem vrij te laten, door hen te bedreigen met een schandaal. Chagall was een van de meer dan 2.000 die door deze operatie werden gered. Hij verliet Frankrijk in mei 1941, “toen het bijna te laat was”, voegt Lewis eraan toe. Picasso en Matisse werden ook uitgenodigd om naar Amerika te komen, maar zij besloten in Frankrijk te blijven. Chagall en Bella arriveerden in New York op 23 juni 1941, de dag nadat Duitsland de Sovjet-Unie was binnengevallen: 150 Ida en haar man Michel volgden op het beruchte vluchtelingenschip SS Navemar met een grote kist met Chagall”s werk. Een toevallige naoorlogse ontmoeting in een Frans café tussen Ida en inlichtingenanalist Konrad Kellen leidde ertoe dat Kellen meer schilderijen meenam op zijn terugkeer naar de Verenigde Staten.

Lees ook: mythologie-nl – Herakles (mythologie)

Verenigde Staten (1941-1948)

Nog vóór hij in 1941 in de Verenigde Staten aankwam, had Chagall in 1939 de derde prijs van de Carnegie Prize gekregen voor “Les Fiancés”. Na zijn verblijf in Amerika ontdekte hij dat hij reeds een “internationaal aanzien” had verworven, schrijft Cogniat, hoewel hij zich slecht geschikt voelde in deze nieuwe rol in een vreemd land waarvan hij de taal nog niet machtig was. Hij werd een beroemdheid, meestal tegen zijn zin, omdat hij zich verloren voelde in de vreemde omgeving: 57

Na enige tijd begon hij zich in New York te vestigen, dat vol zat met schrijvers, schilders en componisten die, net als hij, uit Europa waren gevlucht tijdens de nazi-invasies. Hij woonde op 4 East 74th Street. Hij bracht tijd door met het bezoeken van galeries en musea, en raakte bevriend met andere kunstenaars, waaronder Piet Mondriaan en André Breton: 155

Baal-Teshuva schrijft dat Chagall “graag” naar de delen van New York ging waar Joden woonden, vooral de Lower East Side. Hij voelde zich er thuis, genoot van het Joodse voedsel en kon er de Jiddische pers lezen, die zijn belangrijkste bron van informatie werd omdat hij nog geen Engels sprak.

Hedendaagse kunstenaars begrepen Chagall”s kunst nog niet of vonden het zelfs maar mooi. Volgens Baal-Teshuva “hadden zij weinig gemeen met een folkloristische verteller van Russisch-Joodse afkomst met een neiging tot mystiek.” De Parijse School, die ”Parijse Surrealisme” werd genoemd, betekende weinig voor hen..: 155 Die opvattingen zouden echter beginnen te veranderen toen Pierre Matisse, de zoon van de erkende Franse kunstenaar Henri Matisse, zijn vertegenwoordiger werd en in 1941 Chagall tentoonstellingen in New York en Chicago leidde. Een van de vroegste tentoonstellingen omvatte 21 van zijn meesterwerken van 1910 tot 1941. Kunstcriticus Henry McBride schreef over deze expositie voor de New York Sun:

Chagall is een echte zigeuner… deze schilderijen hebben meer voor zijn reputatie gedaan dan alles wat we tot nu toe hebben gezien… zijn kleuren sprankelen van poëzie… zijn werk is authentiek Russisch als het lied van een Wolga schipper…

Choreograaf Léonide Massine van het Ballet Theatre of New York gaf hem de opdracht de decors en kostuums te ontwerpen voor zijn nieuwe ballet, Aleko. Dit ballet zou de woorden van Aleksandr Poesjkins versverhaal De zigeuners ensceneren met de muziek van Tsjaikovski. Het ballet zou oorspronkelijk in New York debuteren, maar om kosten te besparen werd het verplaatst naar Mexico, waar de arbeidskosten goedkoper waren dan in New York. Chagall had al eerder toneelstukken gemaakt in Rusland, maar dit was zijn eerste ballet, en het gaf hem de gelegenheid Mexico te bezoeken. Daar begon hij al snel de “primitieve manieren en kleurrijke kunst van de Mexicanen” te waarderen, aldus Cogniat. Hij vond daar “iets wat nauw verwant was aan zijn eigen natuur” en maakte daar alle kleurdetails voor de decors. Uiteindelijk maakte hij vier grote coulissen en liet hij Mexicaanse naaisters de balletkostuums naaien.

Toen het ballet op 8 september 1942 in première ging in het Palacio de Bellas Artes in Mexico Stad, werd het beschouwd als een “opmerkelijk succes”. In het publiek waren andere beroemde muurschilders die Chagall”s werk kwamen zien, waaronder Diego Rivera en José Clemente Orozco. Volgens Baal-Teshuva, toen de laatste maat muziek was afgelopen, “was er een tumultueus applaus en 19 gordijnkreten, waarbij Chagall zelf steeds weer op het podium werd geroepen.” De productie verhuisde vervolgens naar New York, waar het vier weken later werd gepresenteerd in de Metropolitan Opera en de reactie werd herhaald, “opnieuw was Chagall de held van de avond”: 158 Kunstcriticus Edwin Denby schreef over de opening voor de New York Herald Tribune dat het werk van Chagall:

is veranderd in een gedramatiseerde tentoonstelling van reusachtige schilderijen… Het overtreft alles wat Chagall op de schaal van een ezel heeft gedaan, en het is een adembenemende ervaring, van een soort die men nauwelijks in het theater verwacht.

Nadat Chagall in 1943 naar New York terugkeerde, begon de actualiteit hem meer te interesseren, en dit kwam tot uiting in zijn kunst, waar hij onderwerpen schilderde als de Kruisiging en oorlogstaferelen. Hij vernam dat de Duitsers de stad waar hij was opgegroeid, Vitebsk, hadden verwoest en raakte daardoor zeer ontsteld: 159 Hij vernam ook over de concentratiekampen van de Nazi”s. Tijdens een toespraak in februari 1944, beschreef hij enkele van zijn gevoelens:

Ondertussen maakt de vijand grapjes door te zeggen dat wij een “domme natie” zijn. Hij dacht dat toen hij de Joden begon af te slachten, wij allen in ons verdriet plotseling de grootste profetische kreet zouden slaken, en daarbij zouden worden vergezeld door de christelijke humanisten. Maar, na tweeduizend jaar “Christendom” in de wereld – zeg wat je wilt – maar, op enkele uitzonderingen na, zwijgen hun harten… Ik zie de kunstenaars in de christelijke naties stilzitten – wie heeft hen horen spreken? Zij zijn niet bezorgd over zichzelf, en ons Joodse leven gaat hen niet aan. 89

In dezelfde toespraak gaf hij Sovjet-Rusland de eer het meest te hebben gedaan om de Joden te redden:

De Joden zullen het altijd dankbaar zijn. Welk ander groot land heeft anderhalf miljoen Joden gered uit Hitlers handen, en zijn laatste stukje brood gedeeld? Welk ander land heeft het antisemitisme afgeschaft? Welk ander land heeft ten minste een stuk land als autonome regio bestemd voor Joden die er willen wonen? Dit alles, en nog veel meer, weegt zwaar op de weegschaal van de geschiedenis.: 89

Op 2 september 1944 overleed Bella plotseling aan een virusinfectie, die door het tekort aan medicijnen in oorlogstijd niet werd behandeld. Als gevolg daarvan stopte hij vele maanden met werken, en toen hij het schilderen hervatte waren zijn eerste schilderijen gericht op het bewaren van Bella”s herinnering. Wullschlager schrijft over het effect op Chagall: “Terwijl het nieuws in 1945 binnenstroomde over de voortdurende Holocaust in de nazi-concentratiekampen, nam Bella in Chagalls gedachten haar plaats in tussen de miljoenen Joodse slachtoffers.” Hij overwoog zelfs de mogelijkheid dat hun “ballingschap uit Europa haar wil om te leven had aangetast.” 419

Na een jaar bij zijn dochter Ida en haar man Michel Gordey te hebben gewoond, begon hij een romance met Virginia Haggard, dochter van de diplomaat Sir Godfrey Digby Napier Haggard en achternicht van de schrijver Sir Henry Rider Haggard; hun relatie duurde zeven jaar. Ze kregen samen een kind, David McNeil, geboren op 22 juni 1946. Haggard herinnerde zich haar “zeven jaar van overvloed” met Chagall in haar boek, Mijn leven met Chagall (Robert Hale, 1986).

Enkele maanden nadat de Geallieerden erin geslaagd waren Parijs te bevrijden van de nazi-bezetting, met de hulp van de geallieerde legers, publiceerde Chagall een brief in een Parijs weekblad, “Aan de Parijse kunstenaars”:

De laatste jaren heb ik me ongelukkig gevoeld dat ik niet bij jullie kon zijn, mijn vrienden. Mijn vijand dwong mij de weg van ballingschap in te slaan. Op die tragische weg heb ik mijn vrouw verloren, de metgezel van mijn leven, de vrouw die mijn inspiratie was. Aan mijn vrienden in Frankrijk wil ik zeggen dat zij zich bij mij voegt in deze groet, zij die Frankrijk en de Franse kunst zo trouw heeft liefgehad. Haar laatste vreugde was de bevrijding van Parijs… Nu, wanneer Parijs bevrijd is, wanneer de kunst van Frankrijk herrijst, zal ook de hele wereld voor eens en voor altijd bevrijd zijn van de satanische vijanden die niet alleen het lichaam maar ook de ziel wilden vernietigen – de ziel, zonder welke er geen leven is, geen artistieke creativiteit..: 101

Tegen 1946 kreeg zijn werk steeds meer erkenning. Het Museum of Modern Art in New York had een grote tentoonstelling die 40 jaar van zijn werk vertegenwoordigde, waardoor bezoekers een van de eerste volledige indrukken kregen van de veranderende aard van zijn kunst door de jaren heen. De oorlog was voorbij en hij begon plannen te maken om naar Parijs terug te keren. Volgens Cogniat “merkte hij dat hij nog meer gehecht was dan voorheen, niet alleen aan de sfeer van Parijs, maar aan de stad zelf, aan haar huizen en haar uitzichten”. Chagall vatte zijn jaren in Amerika als volgt samen:

Ik heb hier in Amerika gewoond tijdens de onmenselijke oorlog waarin de mensheid zichzelf in de steek liet… Ik heb het ritme van het leven gezien. Ik heb Amerika zien vechten met de geallieerden… de rijkdom die zij heeft uitgedeeld om verlichting te brengen aan de mensen die de gevolgen van de oorlog moesten ondergaan… Ik hou van Amerika en de Amerikanen… de mensen zijn er openhartig. Het is een jong land met de kwaliteiten en gebreken van de jeugd. Het is een genot om van zulke mensen te houden… Bovenal ben ik onder de indruk van de grootsheid van dit land en de vrijheid die het geeft..: 170

Hij keerde voorgoed terug in de herfst van 1947, waar hij de opening bijwoonde van de tentoonstelling van zijn werken in het Musée National d”Art Moderne.

Frankrijk (1948-1985)

Na zijn terugkeer in Frankrijk reisde hij door Europa en koos hij voor een verblijf aan de Côte d”Azur, dat tegen die tijd een soort “artistiek centrum” was geworden. Matisse woonde in de buurt van Saint-Paul-de-Vence, ongeveer zeven mijl ten westen van Nice, terwijl Picasso in Vallauris woonde. Hoewel ze in de buurt woonden en soms samenwerkten, was er artistieke rivaliteit tussen hen omdat hun werk zo duidelijk verschilde, en ze werden nooit langdurige vrienden. Volgens Picasso”s minnares, Françoise Gilot, had Picasso nog steeds veel respect voor Chagall, en zei hij haar eens,

Als Matisse sterft, zal Chagall de enige schilder zijn die nog begrijpt wat kleur is… Zijn doeken zijn echt geschilderd, niet zomaar bij elkaar gegooid. Sommige van zijn laatste werken in Vence hebben me ervan overtuigd dat er sinds Renoir niemand meer is geweest met het gevoel voor licht dat Chagall heeft.”

In april 1952 verliet Virginia Haggard Chagall voor de fotograaf Charles Leirens; zij werd later zelf professioneel fotograaf.

Chagall”s dochter Ida trouwde in januari 1952 met de kunsthistoricus Franz Meyer, en omdat ze vond dat haar vader het gezelschap van een vrouw in zijn huis miste, stelde ze hem voor aan Valentina (Vava) Brodsky, een vrouw met een gelijkaardige Russisch-Joodse achtergrond, die een succesvolle hoedenzaak had gerund in Londen. Zij werd zijn secretaresse, en na een paar maanden stemde zij er alleen mee in te blijven als Chagall met haar trouwde. Het huwelijk vond plaats in juli 1952: 183 – hoewel zes jaar later, toen er een conflict was tussen Ida en Vava, “Marc en Vava scheidden en onmiddellijk hertrouwden onder een overeenkomst die gunstiger was voor Vava” (Jean-Paul Crespelle, auteur van Chagall, l”Amour le Reve et la Vie, geciteerd in Haggard: Mijn leven met Chagall).

In 1954 werd hij aangesteld als decorontwerper voor Robert Helpmann”s productie van Rimsky-Korsakov”s opera Le Coq d”Or in het Royal Opera House, Covent Garden, maar hij trok zich terug. De Australische ontwerper Loudon Sainthill werd op korte termijn in zijn plaats aangesteld.

In de daaropvolgende jaren kon hij niet alleen schilderijen en grafiek produceren, maar ook talrijke beeldhouwwerken en keramiek, waaronder wandtegels, beschilderde vazen, borden en kruiken. Hij begon ook op grotere schaal te werken en produceerde grote muurschilderingen, glas-in-loodramen, mozaïeken en wandtapijten.

In 1963 kreeg Chagall de opdracht het nieuwe plafond te schilderen voor de Parijse Opera (Palais Garnier), een majestueus 19de-eeuws gebouw en nationaal monument. André Malraux, de Franse Minister van Cultuur wilde iets unieks en besloot dat Chagall de ideale kunstenaar zou zijn. De keuze van de kunstenaar veroorzaakte echter controverse: sommigen hadden er bezwaar tegen dat een Russische Jood een Frans nationaal monument zou versieren; anderen vonden het maar niets dat het plafond van het historische gebouw door een moderne kunstenaar werd beschilderd. Sommige tijdschriften schreven neerbuigende artikelen over Chagall en Malraux, waarop Chagall tegen een schrijver opmerkte:

Ze hadden het echt op mij gemunt… Het is verbazingwekkend hoe de Fransen buitenlanders haten. Je woont hier het grootste deel van je leven. Je wordt een genaturaliseerde Franse burger… werkt voor niets om hun kathedralen te versieren, en nog verachten ze je. Je bent niet een van hen..: 196

Desondanks ging Chagall door met het project, dat de 77-jarige kunstenaar een jaar kostte om te voltooien. Het uiteindelijke doek was bijna 220 vierkante meter groot en vergde 200 kilo verf. Het bestond uit vijf delen die op polyester panelen werden gelijmd en aan het 21 meter hoge plafond werden opgehesen. De beelden die Chagall op het doek schilderde waren eerbetonen aan de componisten Mozart, Wagner, Moesorgski, Berlioz en Ravel, en aan beroemde acteurs en dansers.: 199

Het werd op 23 september 1964 aan het publiek voorgesteld in aanwezigheid van Malraux en 2.100 genodigden. De Parijse correspondent van de New York Times schreef: “Voor één keer bevonden de beste plaatsen zich in de bovenste cirkel::: 199 Baal-Teshuva schrijft:

Om te beginnen was de grote kristallen kroonluchter die in het midden van het plafond hing, onverlicht… het hele corps de ballet kwam het podium op, waarna het orkest van de opera ter ere van Chagall de finale speelde van de “Jupiter Symfonie” van Mozart, Chagalls favoriete componist. Tijdens de laatste maten van de muziek lichtte de kroonluchter op, waardoor de plafondschildering van de kunstenaar in al zijn glorie tot leven kwam, wat een uitbundig applaus van het publiek opleverde.

Na de onthulling van het nieuwe plafond, “schenen zelfs de bitterste tegenstanders van de commissie stil te vallen”, schrijft Baal-Teshuva. “Unaniem verklaarde de pers het nieuwe werk van Chagall tot een grote bijdrage aan de Franse cultuur.” Malraux zei later: “Welke andere levende kunstenaar zou het plafond van de Parijse Opera hebben kunnen beschilderen op de manier waarop Chagall dat deed?… Hij is bovenal een van de grote coloristen van onze tijd… veel van zijn doeken en het plafond van de Opera vertegenwoordigen sublieme beelden die behoren tot de mooiste poëzie van onze tijd, net zoals Titiaan de mooiste poëzie van zijn tijd produceerde.”: 199 In Chagall”s toespraak tot het publiek legde hij de betekenis van het werk uit:

Daarboven in mijn schilderij wilde ik, als een spiegel in een boeket, de dromen en creaties van de zangers en musici weerspiegelen, de beweging van het kleurrijk geklede publiek beneden in herinnering brengen, en de grote opera- en balletcomponisten eren… Nu bied ik dit werk aan als een geschenk van dankbaarheid aan Frankrijk en haar École de Paris, zonder welke er geen kleur en geen vrijheid zou zijn: 151

Lees ook: biografieen – Maharana Pratap

Kleur

Volgens Cogniat waren het in al Chagall”s werk gedurende alle fasen van zijn leven, zijn kleuren die de aandacht van de kijker trokken en vasthielden. Tijdens zijn vroegere jaren was zijn bereik beperkt door zijn nadruk op vorm en zijn schilderijen gaven nooit de indruk van geschilderde tekeningen. Hij voegt eraan toe: “De kleuren zijn een levend, integraal deel van het schilderij en zijn nooit passief vlak, of banaal als een bijzaak. Ze beeldhouwen en animeren het volume van de vormen… ze geven zich over aan fantasievluchten en uitvindingen die nieuwe perspectieven en gegradueerde, gemengde tinten toevoegen… Zijn kleuren proberen niet eens de natuur te imiteren, maar eerder bewegingen, vlakken en ritmes te suggereren.”

Hij was in staat om opvallende beelden over te brengen met slechts twee of drie kleuren. Cogniat schrijft: “Chagall is ongeëvenaard in zijn vermogen om met het eenvoudigste gebruik van kleuren een levendige indruk van explosieve beweging te geven…” Gedurende zijn hele leven creëerden zijn kleuren een “levendige sfeer” die gebaseerd was op “zijn eigen persoonlijke visie.”: 60

Volgens Cogniat zijn er bepaalde elementen in zijn kunst die blijvend zijn gebleven en gedurende zijn hele carrière te zien zijn geweest. Een daarvan was zijn keuze van onderwerpen en de manier waarop ze werden uitgebeeld. “Het duidelijkste constante element is zijn gave voor geluk en zijn instinctieve medeleven, die hem zelfs bij de ernstigste onderwerpen van dramatisering weerhouden…”: 89 Muzikanten zijn een constante geweest in alle fasen van zijn werk. Na zijn eerste huwelijk “hebben geliefden elkaar opgezocht, omhelsd, gestreeld, door de lucht gezweefd, elkaar in bloemenkransen ontmoet, zich uitgestrekt en gezwiept als de melodieuze passage van hun levendige dagdromen. Acrobaten kronkelen zich met de gratie van exotische bloemen aan het einde van hun stengels; bloemen en gebladerte zijn overal in overvloed”. Wullschlager verklaart de bronnen voor deze beelden:

Voor hem leken clowns en acrobaten altijd op figuren in religieuze schilderijen… De evolutie van de circuswerken… weerspiegelt een geleidelijke vertroebeling van zijn wereldbeeld, en de circusartiesten maakten nu plaats voor de profeet of wijze in zijn werk – een figuur in wie Chagall zijn angst goot toen Europa donkerder werd, en hij niet langer kon vertrouwen op de lumiére-liberté van Frankrijk voor inspiratie..: 337

Chagall beschreef zijn liefde voor circusmensen:

Waarom ben ik zo geraakt door hun make-up en grimassen? Met hen kan ik nieuwe horizonten betreden… Chaplin probeert in film te doen wat ik in mijn schilderijen probeer te doen. Hij is vandaag misschien de enige kunstenaar met wie ik kan opschieten zonder een woord te hoeven zeggen.: 337

Zijn vroege foto”s waren vaak van de stad waar hij geboren en getogen was, Vitebsk. Cogniat merkt op dat ze realistisch zijn en de indruk geven van een ervaring uit de eerste hand door het vastleggen van een moment in de tijd met actie, vaak met een dramatisch beeld. Tijdens zijn latere jaren, zoals bijvoorbeeld in de “Bijbel serie”, waren de onderwerpen dramatischer. Hij slaagde erin het reële met het fantastische te vermengen, en in combinatie met zijn gebruik van kleur waren de beelden altijd op zijn minst aanvaardbaar, zo niet krachtig. Hij trachtte nooit de zuivere werkelijkheid weer te geven, maar creëerde zijn atmosfeer altijd door middel van fantasie: 91 In alle gevallen is Chagalls “meest hardnekkige onderwerp het leven zelf, in zijn eenvoud of zijn verborgen complexiteit… Hij presenteert voor onze studie plaatsen, mensen en voorwerpen uit zijn eigen leven”.

Na zich de technieken van het Fauvisme en het Kubisme eigen te hebben gemaakt (onder invloed van Jean Metzinger en Albert Gleizes) was Chagall in staat deze stilistische tendensen te vermengen met zijn eigen volkse stijl. Hij gaf het grimmige leven van de chassidische joden de “romantische boventonen van een betoverde wereld”, merkt Goodman op. Het was door het combineren van de aspecten van het Modernisme met zijn “unieke artistieke taal”, dat hij in staat was de aandacht te trekken van critici en verzamelaars in heel Europa. Over het algemeen was het zijn jeugd in een Wit-Russische provinciestad die hem een voortdurende bron van verbeeldingskracht gaf. Chagall zou een van de vele Joodse emigranten worden die later bekende kunstenaars werden, die allemaal deel uitmaakten van “de meest talrijke en creatieve minderheden van Rusland”, merkt Goodman op.: 13

De Eerste Wereldoorlog, die eindigde in 1918, had bijna een miljoen Joden verdreven en vernietigde wat overbleef van de provinciale sjtetl-cultuur die eeuwenlang het leven van de meeste Oost-Europese Joden had bepaald. Goodman merkt op: “Het vervagen van de traditionele Joodse samenleving liet kunstenaars als Chagall achter met krachtige herinneringen die niet langer konden worden gevoed door een tastbare werkelijkheid. In plaats daarvan werd die cultuur een emotionele en intellectuele bron die alleen bestond in het geheugen en de verbeelding… Zo rijk was de ervaring geweest, dat het hem de rest van zijn leven in stand hield.”: 15 Sweeney voegt eraan toe dat “als je Chagall vraagt om zijn schilderijen uit te leggen, hij zou antwoorden: ”Ik begrijp ze helemaal niet. Het is geen literatuur. Het zijn slechts picturale arrangementen van beelden die mij obsederen…”: 7

In 1948, na zijn terugkeer uit de VS naar Frankrijk na de oorlog, zag hij met eigen ogen de verwoesting die de oorlog had aangericht in Europa en bij de Joodse bevolkingsgroepen. In 1951 schreef hij, als onderdeel van een gedenkboek gewijd aan vierentachtig Joodse kunstenaars die door de nazi”s in Frankrijk waren vermoord, een gedicht getiteld “Voor de afgeslachte kunstenaars: 1950”, dat de inspiratiebron vormde voor schilderijen als het Lied van David (zie foto):

Ik zie het vuur, de rook en het gas; opstijgend naar de blauwe wolk, die het zwart maakt. Ik zie het uitgescheurde haar, de uitgetrokken tanden. Ze overspoelen me met mijn razende palet. Ik sta in de woestijn voor hopen laarzen, kleding, as en mest, en mompel mijn Kaddish. En terwijl ik sta van mijn schilderijen, daalt de geschilderde David naar me neer, harp in de hand. Hij wil me helpen wenen en hoofdstukken van Psalmen reciteren..: 114-115

Muziek speelde een belangrijke rol in de vorming van de onderwerpen van zijn werk. Hoewel hij later van de muziek van Bach en Mozart ging houden, werd hij tijdens zijn jeugd vooral beïnvloed door de muziek binnen de chassidische gemeenschap waar hij opgroeide. Kunsthistoricus Franz Meyer wijst erop dat een van de belangrijkste redenen voor het onconventionele karakter van zijn werk verband houdt met het hassidisme dat de wereld van zijn kindertijd en jeugd inspireerde en dat eigenlijk al sinds de 18e eeuw indruk had gemaakt op de meeste Oost-Europese Joden. Hij schrijft: “Voor Chagall is dit een van de diepste bronnen, niet van inspiratie, maar van een bepaalde spirituele houding… de hassidische geest is nog steeds de basis en voedingsbron van zijn kunst.”: 24 In een toespraak die Chagall in 1963 hield tijdens een bezoek aan Amerika, besprak hij enkele van die indrukken.

Chagall had echter een complexe relatie met het Jodendom. Aan de ene kant schreef hij zijn Russisch-Joodse culturele achtergrond toe als cruciaal voor zijn artistieke verbeelding. Maar hoe ambivalent hij ook stond tegenover zijn religie, hij kon er niet omheen zijn Joodse verleden als artistiek materiaal te gebruiken. Als volwassene was hij geen praktiserende Jood, maar door middel van zijn schilderijen en glas-in-lood probeerde hij voortdurend een meer “universele boodschap” te suggereren, waarbij hij zowel Joodse als Christelijke thema”s gebruikte.

Ongeveer tweeduizend jaar lang heeft een reserve van energie ons gevoed en ondersteund, en ons leven gevuld, maar in de loop van de laatste eeuw is er een scheur in deze reserve gekomen, en zijn de bestanddelen ervan uiteen beginnen te vallen: God, perspectief, kleur, de Bijbel, vorm, lijn, tradities, de zogenaamde geesteswetenschappen, liefde, toewijding, familie, school, opvoeding, de profeten en Christus zelf. Heb ik, misschien, ook getwijfeld in mijn tijd? Ik heb schilderijen op de kop geschilderd, mensen onthoofd en ontleed, de stukken in de lucht verstrooid, en dat alles in naam van een ander perspectief, een ander soort compositie en een ander formalisme. 29

Hij deed ook zijn best om zijn werk te distantiëren van een enkele Joodse focus. Bij de opening van het Chagall Museum in Nice zei hij: “Mijn schilderij vertegenwoordigt niet de droom van één volk, maar van de hele mensheid”.

Gebrandschilderde ramen

Een van de belangrijkste bijdragen van Chagall aan de kunst is zijn werk met glas-in-lood. Met dit medium kon hij zijn verlangen om intense en frisse kleuren te creëren verder uitdrukken en had hij het bijkomende voordeel dat natuurlijk licht en breking op elkaar inwerkten en voortdurend veranderden: alles, van de positie waar de toeschouwer stond tot het weer buiten, zou het visuele effect veranderen (hoewel dit niet het geval is met zijn Hadassah-ramen). Pas in 1956, toen hij bijna 70 jaar oud was, ontwierp hij ramen voor de kerk van Assy, zijn eerste grote project. Daarna, van 1958 tot 1960, ontwierp hij ramen voor de kathedraal van Metz.

In 1960 begon hij glas-in-loodramen te maken voor de synagoge van het Hadassah Medisch Centrum van de Hebreeuwse Universiteit in Jeruzalem. Leymarie schrijft dat “om de synagoge zowel geestelijk als lichamelijk te verlichten”, werd besloten dat de twaalf ramen, die de twaalf stammen van Israël voorstellen, met glas-in-lood moesten worden gevuld. Chagall zag de synagoge als “een kroon aangeboden aan de Joodse koningin”, en de ramen als “juwelen van doorschijnend vuur”, schrijft ze. Chagall wijdde de volgende twee jaar aan het werk, en na voltooiing in 1961 werden de ramen tentoongesteld in Parijs en vervolgens in het Museum of Modern Art in New York. In februari 1962 werden ze permanent geïnstalleerd in Jeruzalem. Elk van de twaalf ramen is ongeveer 1 meter hoog en 2,4 meter breed, veel groter dan alles wat hij tot dan toe had gemaakt. Cogniat beschouwt ze als “zijn grootste werk op het gebied van gebrandschilderd glas”, hoewel Virginia Haggard McNeil melding maakt van Chagalls teleurstelling dat ze met kunstlicht moesten worden verlicht en dus niet zouden veranderen naar gelang de omstandigheden van natuurlijk licht.

De Franse filosoof Gaston Bachelard merkte op dat “Chagall de Bijbel leest en plotseling worden de passages licht.”: xii In 1973 bracht Israël een 12-zegelset uit met afbeeldingen van de glas-in-loodramen.

De ramen symboliseren de twaalf stammen van Israël die gezegend werden door Jakob en Mozes in de verzen die Genesis en Deuteronomium besluiten. In die boeken, merkt Leymarie op, “herhaalde de stervende Mozes de plechtige daad van Jakob en zegende, in een enigszins andere volgorde, ook de twaalf stammen van Israël die op het punt stonden het land Kanaän binnen te gaan… In de synagoge, waar de ramen op dezelfde wijze zijn verdeeld, vormen de stammen een symbolische erewacht rond het tabernakel.”: xii Leymarie beschrijft de fysieke en spirituele betekenis van de ramen:

De essentie van de Jeruzalem Vensters ligt in kleur, in Chagalls magische vermogen om materiaal tot leven te wekken en het in licht om te zetten. Woorden hebben niet de kracht om Chagalls kleur te beschrijven, zijn spiritualiteit, zijn zingende kwaliteit, zijn verblindende helderheid, zijn steeds subtielere stroom, en zijn gevoeligheid voor de buigingen van de ziel en de transporten van de verbeelding. Het is tegelijkertijd juweelhard en schuimend, galmend en doordringend, licht uitstralend vanuit een onbekende binnenkant.: xii

Bij de inwijdingsceremonie in 1962, beschreef Chagall zijn gevoelens over de ramen:

Voor mij is een glas-in-loodraam een doorzichtige afscheiding tussen mijn hart en het hart van de wereld. Glas in lood moet serieus en hartstochtelijk zijn. Het is iets verheffends en opwekkends. Het moet leven door de perceptie van licht. De bijbel lezen is een bepaald licht waarnemen, en het raam moet dit duidelijk maken door zijn eenvoud en gratie… Deze gedachten hebben zich vele jaren in mij genesteld, sinds de tijd dat mijn voeten in het Heilige Land wandelden, toen ik mij voorbereidde om gravures van de Bijbel te maken. Zij hebben mij gesterkt en aangemoedigd om mijn bescheiden geschenk te brengen aan het Joodse volk – dat volk dat hier duizenden jaren geleden leefde, te midden van de andere Semitische volkeren: 145-146

In 1964 maakte Chagall een glas-in-loodraam, getiteld Vrede, voor de VN ter ere van Dag Hammarskjöld, de tweede secretaris-generaal van de VN die in 1961 bij een vliegtuigongeluk in Afrika om het leven kwam. Het raam is ongeveer 4,6 m breed en 3,7 m hoog en bevat symbolen van vrede en liefde, naast muzikale symbolen. In 1967 wijdde hij een glas-in-loodraam aan John D. Rockefeller in de Union Church van Pocantico Hills, New York.

De Fraumünster kerk in Zurich, Zwitserland, gesticht in 853, is bekend om zijn vijf grote gebrandschilderde ramen, gemaakt door Chagall in 1967. Elk raam is 9,8 m hoog en 0,91 m breed. De godsdiensthistoricus James H. Charlesworth merkt op dat het “verrassend is hoe christelijke symbolen voorkomen in het werk van een kunstenaar die afkomstig is uit een streng en orthodox joodse achtergrond”. Hij veronderstelt dat Chagall, als gevolg van zijn Russische achtergrond, vaak Russische iconen gebruikte in zijn schilderijen, met hun interpretaties van christelijke symbolen. Hij legt uit dat de door hem gekozen thema”s meestal ontleend waren aan bijbelse verhalen, en vaak de “gehoorzaamheid en het lijden van Gods uitverkoren volk” uitbeeldden. Op een van de panelen is Mozes afgebeeld die de Torah ontvangt, met lichtstralen uit zijn hoofd. Bovenaan een ander paneel staat een afbeelding van de kruisiging van Jezus.

In 1978 begon hij ramen te maken voor de St. Stephanus kerk in Mainz, Duitsland. Tegenwoordig bezoeken 200.000 bezoekers per jaar de kerk en “pelgrimeren toeristen uit de hele wereld de Sint-Stefanberg op, om de stralend blauwe glas-in-loodramen van de kunstenaar Marc Chagall te zien”, aldus de website van de stad. “Stephanus is de enige Duitse kerk waarvoor Chagall ramen heeft gemaakt.

De website merkt ook op: “De kleuren spreken ons vitale bewustzijn rechtstreeks aan, omdat ze vertellen van optimisme, hoop en vreugde in het leven”, aldus Monseigneur Klaus Mayer, die het werk van Chagall overbrengt in mediaties en boeken. Hij correspondeerde met Chagall in 1973 en slaagde erin de “meester van de kleur en de bijbelse boodschap” over te halen tot het maken van een teken voor joods-christelijke verbondenheid en internationale verstandhouding. Eeuwen eerder was Mainz “de hoofdstad van het Europese Jodendom” geweest, en bevatte de grootste Joodse gemeenschap van Europa, merkt historicus John Man op. In 1978, op 91-jarige leeftijd, creëerde Chagall het eerste raam en er volgden er nog acht. Chagall”s medewerker Charles Marq vulde Chagall”s werk aan met verschillende glas-in-loodramen in de typische kleuren van Chagall.

All Saints” Church in Tudeley is de enige kerk ter wereld waarvan alle twaalf ramen door Chagall zijn versierd. De andere drie religieuze gebouwen met complete sets ramen van Chagall zijn de synagoge van het Hadassah Medical Center, de kapel van Le Saillant in Limousin, en de Union Church van Pocantico Hills, New York.

De ramen in Tudeley werden gemaakt in opdracht van Sir Henry en Lady Rosemary d”Avigdor-Goldsmid als eerbetoon aan hun dochter Sarah, die in 1963 op 21-jarige leeftijd omkwam bij een zeilongeluk bij Rye. Toen Chagall in 1967 aankwam voor de inwijding van het oostelijke raam en de kerk voor het eerst zag, riep hij uit: “C”est magnifique! Je les ferai tous!” (In de volgende tien jaar ontwierp Chagall de resterende elf ramen, opnieuw gemaakt in samenwerking met de glasblazer Charles Marq in zijn werkplaats in Reims in Noord-Frankrijk. De laatste ramen werden in 1985 geplaatst, vlak voor Chagalls dood.

Aan de noordzijde van de kathedraal van Chichester bevindt zich een glas-in-loodraam dat Chagall op 90-jarige leeftijd heeft ontworpen en gemaakt. Het raam, zijn laatste in opdracht gegeven werk, is geïnspireerd op Psalm 150; ”Laat alles wat adem heeft de Heer loven” op voorstel van deken Walter Hussey. Het raam werd in 1978 onthuld door de hertogin van Kent.

Chagall bezocht Chicago in het begin van de jaren 1970 om zijn muurschildering De Vier Jaargetijden te installeren, en werd toen geïnspireerd tot het maken van een reeks glas-in-loodramen voor het Art Institute of Chicago. Na gesprekken met het Art Institute en verdere reflectie, maakte Chagall de ramen een eerbetoon aan de Amerikaanse tweehonderdste verjaardag, en in het bijzonder de inzet van de Verenigde Staten voor culturele en religieuze vrijheid. De ramen waren prominent te zien in de film Ferris Bueller”s Day Off uit 1986. Van 2005 tot 2010 werden de ramen verplaatst in verband met de bouw van een nieuwe vleugel van het Art Institute, en voor archiefreiniging.

Lees ook: geschiedenis – Nationaal Bevrijdingsfront (Vietnam)

Muurschilderingen, theaterdecors en kostuums

Chagall werkte voor het eerst aan toneelontwerpen in 1914 toen hij in Rusland woonde, onder de inspiratie van de theaterontwerper en kunstenaar Léon Bakst. Het was in deze periode in het Russische theater dat de voorheen statische ideeën over scenografie, volgens Cogniat, “werden weggevaagd ten gunste van een geheel willekeurig gevoel van ruimte met verschillende dimensies, perspectieven, kleuren en ritmes.”: 66 Deze veranderingen spraken Chagall aan, die met het kubisme had geëxperimenteerd en een manier zocht om zijn beelden te verlevendigen. Door het ontwerpen van muurschilderingen en toneelontwerpen kwamen Chagall”s “dromen tot leven en werden een werkelijke beweging.”

Als gevolg daarvan speelde Chagall een belangrijke rol in het Russische artistieke leven in die tijd en “was een van de belangrijkste krachten in de huidige drang naar anti-realisme” die het nieuwe Rusland hielp “verbazingwekkende” creaties te bedenken. Veel van zijn ontwerpen werden gemaakt voor het Joods Theater in Moskou, dat talrijke Joodse toneelstukken opvoerde van toneelschrijvers als Gogol en Singe. Chagall”s decorontwerpen hielpen bij het creëren van illusoire sferen die de essentie werden van de theatervoorstellingen.

Na zijn vertrek uit Rusland duurde het twintig jaar voordat hij weer een kans kreeg om theaterdecors te ontwerpen. In de tussenliggende jaren waren in zijn schilderijen nog steeds harlekijnen, clowns en acrobaten te zien, die volgens Cogniat “zijn sentimentele gehechtheid aan en heimwee naar het theater uitdrukken”. Zijn eerste opdracht voor het ontwerpen van decors na Rusland was voor het ballet “Aleko” in 1942, toen hij in Amerika woonde. In 1945 kreeg hij ook de opdracht om de decors en kostuums te ontwerpen voor Stravinsky”s Vuurvogel. Deze ontwerpen droegen in hoge mate bij aan zijn verbeterde reputatie in Amerika als een belangrijk kunstenaar en worden, vanaf 2013, nog steeds gebruikt door het New York City Ballet.

Cogniat beschrijft hoe Chagalls ontwerpen “de toeschouwer onderdompelen in een lichtgevend, gekleurd sprookjesland waar vormen mistig gedefinieerd zijn en de ruimtes zelf bezield lijken met wervelwinden of explosies”. Zijn techniek om theatrale kleuren op deze manier te gebruiken bereikte zijn hoogtepunt toen Chagall terugkeerde naar Parijs en de decors ontwierp voor Ravels Daphnis en Chloë in 1958.

In 1964 beschilderde hij het plafond van de Opera van Parijs opnieuw met 220 m2 doek. Hij schilderde twee monumentale muurschilderingen die aan weerszijden van het nieuwe Metropolitan Opera huis in het Lincoln Center in New York hangen, dat in 1966 werd geopend. De werken, The Sources of Music en The Triumph of Music, die hangen vanaf het bovenste balkonniveau en doorlopen tot het lobbyniveau van de Grand Tier, werden in Frankrijk voltooid en naar New York verscheept, en worden bedekt door een systeem van panelen tijdens de uren dat het operahuis direct zonlicht ontvangt om verbleking te voorkomen. Hij ontwierp ook de decors en kostuums voor een nieuwe productie van Die Zauberflöte voor het gezelschap, die in februari 1967 werd geopend en werd gebruikt gedurende het seizoen 19811982.

Lees ook: biografieen – Cyrus II de Grote

Wandtapijten

Chagall ontwierp ook wandtapijten die geweven werden onder leiding van Yvette Cauquil-Prince, die ook met Picasso samenwerkte. Deze wandtapijten zijn veel zeldzamer dan zijn schilderijen: slechts 40 ervan hebben ooit de commerciële markt bereikt. Chagall ontwierp drie wandtapijten voor de staatszaal van de Knesset in Israël, samen met 12 vloermozaïeken en een muurmozaïek.

Lees ook: biografieen – Jacques-Louis David

Keramiek en beeldhouwwerk

Chagall begon keramiek en beeldhouwkunst te leren toen hij in Zuid Frankrijk woonde. Keramiek werd een mode aan de Côte d”Azur met verschillende ateliers die begonnen in Antibes, Vence en Vallauris. Hij volgde lessen samen met andere bekende kunstenaars waaronder Picasso en Fernand Léger. Aanvankelijk schilderde Chagall bestaande stukken aardewerk, maar al snel breidde hij uit met het ontwerpen van zijn eigen stukken, waarmee zijn werk als beeldhouwer begon als aanvulling op zijn schilderkunst.

Na te hebben geëxperimenteerd met aardewerk en vaatwerk ging hij zich toeleggen op grote keramische muurschilderingen. Hij was echter nooit tevreden met de beperkingen die hem werden opgelegd door de vierkante tegelsegmenten, die hem volgens Cogniat “een discipline oplegden die de creatie van een plastisch beeld in de weg stond”: 76

Auteur Serena Davies schrijft: “Tegen de tijd dat hij in 1985 in Frankrijk stierf – de laatste overlevende meester van het Europese modernisme, die Joan Miró twee jaar overleefde – had hij de hoge verwachtingen en verpletterende teleurstellingen van de Russische revolutie van dichtbij meegemaakt, en was hij getuige geweest van het einde van het Paleis van Nederzetting, de bijna-vernietiging van het Europese Jodendom, en de vernietiging van Vitebsk, zijn geboortestad, waar slechts 118 van de 240.000 inwoners de Tweede Wereldoorlog overleefden”.

Zijn relatie met zijn Joodse identiteit was “onopgelost en tragisch”, aldus Davies. Hij zou zonder joodse riten zijn gestorven, als niet een joodse vreemdeling naar voren was gestapt en de kaddisj, het joodse gebed voor de doden, over zijn kist had gezegd. Chagall ligt begraven naast zijn laatste vrouw Valentina “Vava” Brodsky Chagall, op de multi-kerkelijke begraafplaats in de traditionele kunstenaarsstad Saint-Paul-de-Vence, in de Franse regio Provence.

Chagall biografe Jackie Wullschlager prijst hem als een “pionier van de moderne kunst en een van haar grootste figuratieve schilders … vond een visuele taal uit die de sensatie en terreur van de twintigste eeuw vastlegde”. Ze voegt eraan toe:

Op zijn doeken lezen we de triomf van het modernisme, de doorbraak in de kunst naar een uitdrukking van innerlijk leven die … een van de markante erfenissen van de vorige eeuw is. Tegelijkertijd werd Chagall persoonlijk meegesleept in de verschrikkingen van de Europese geschiedenis tussen 1914 en 1945: wereldoorlogen, revolutie, etnische vervolging, de moord op en verbanning van miljoenen. In een tijd waarin veel grote kunstenaars de realiteit ontvluchtten voor abstractie, distilleerde hij zijn ervaringen van lijden en tragedie in beelden die tegelijk onmiddellijk, eenvoudig en symbolisch waren en waarop iedereen kon reageren. 4

De kunsthistorici Ingo Walther en Rainer Metzger noemen Chagall een “dichter, dromer en exotische verschijning”. Ze voegen eraan toe dat gedurende zijn lange leven de “rol van buitenstaander en artistieke excentriekeling” voor hem natuurlijk was, omdat hij een soort tussenpersoon leek te zijn tussen werelden: “als Jood met een heerszuchtige minachting voor het oude verbod op het maken van beelden; als Rus die verder ging dan het rijk van de vertrouwde zelfvoorziening; of de zoon van arme ouders, die opgroeide in een groot en behoeftig gezin.” Toch vestigde hij zich in de verfijnde wereld van “elegante artistieke salons.” 7

Door zijn verbeelding en sterke herinneringen was Chagall in staat om typische motieven en onderwerpen te gebruiken in de meeste van zijn werken: dorpstaferelen, het boerenleven, en intieme weergaven van de kleine wereld van het Joodse dorp (sjtetl). Zijn rustige figuren en eenvoudige gebaren hielpen een “monumentaal gevoel van waardigheid” te produceren door alledaagse joodse rituelen te vertalen naar een “tijdloos rijk van iconische vredigheid”: 8 Leymarie schrijft dat Chagall “de grenzen van zijn eeuw heeft overstegen. Hij heeft mogelijkheden onthuld die onvermoed waren door een kunst die het contact met de Bijbel had verloren, en daarmee heeft hij een geheel nieuwe synthese bereikt van de Joodse cultuur die lang door de schilderkunst werd genegeerd.” Hij voegt eraan toe dat, hoewel Chagalls kunst niet tot religie kan worden beperkt, zijn “meest ontroerende en originele bijdragen, wat hij ”zijn boodschap” noemde, die zijn welke aan religieuze of, nauwkeuriger, Bijbelse bronnen zijn ontleend.”: x

Walther en Metzger proberen Chagall”s bijdrage aan de kunst samen te vatten:

Zijn leven en zijn kunst vormen samen het beeld van een eenzame visionair, een wereldburger met nog veel van zijn kind in zich, een vreemdeling verloren in verwondering – een beeld dat de kunstenaar alles in het werk stelde om te cultiveren. Diep religieus en met een diepe liefde voor het vaderland, is zijn werk misschien wel de meest dringende oproep tot verdraagzaamheid en respect voor al wat anders is die de moderne tijd kon doen. 7

Andre Malraux prees hem. Hij zei: “is de grootste beeldmaker van deze eeuw. Hij heeft naar onze wereld gekeken met het licht van de vrijheid, en heeft haar gezien met de kleuren van de liefde.”

Lees ook: biografieen – Constantius I Chlorus

Kunstmarkt

Een olieverfschilderij van Chagall uit 1928, Les Amoureux, van 117,3 x 90,5 cm, voorstellende Bella Rosenfeld, de eerste vrouw van de kunstenaar en geadopteerd tehuis Parijs, verkocht voor $28,5 miljoen (met honoraria) bij Sotheby”s New York, 14 november 2017, bijna een verdubbeling van Chagall”s 27 jaar oude veilingrecord van $14,85 miljoen.

In oktober 2010 was zijn schilderij Bestiaire et Musique, waarop een bruid en een vioolspeler te midden van circusartiesten en dieren in een nachtelijke hemel zweven, “het topstuk” op een veiling in Hongkong. Toen het voor 4,1 miljoen dollar werd verkocht, werd het het duurste hedendaagse westerse schilderij dat ooit in Azië is verkocht.

In 2013 werden voorheen onbekende werken van Chagall ontdekt in de berg kunstwerken die waren verborgen door de zoon van een van Hitlers kunsthandelaars, Hildebrand Gurlitt.

In de jaren 1990 schreef Daniel Jamieson The Flying Lovers of Vitebsk, een toneelstuk over het leven van Chagall en zijn partner Bella. Het stuk is meerdere malen opnieuw opgevoerd, voor het laatst in 2020 met Emma Rice als regisseur. De productie werd live gestreamd vanuit de Bristol Old Vic en vervolgens beschikbaar gesteld voor on-demand weergave, in samenwerking met theaters over de hele wereld. Deze productie had Marc Antolin in de rol van Chagall en Audrey Brisson speelde Bella Chagall; geproduceerd tijdens de COVID-epidemie, moest de hele crew samen in quarantaine om de live-voorstelling en uitzending mogelijk te maken.

Vanwege de internationale faam die hij genoot en de populariteit van zijn kunst, heeft een aantal landen herdenkingspostzegels ter ere van hem uitgegeven met voorbeelden uit zijn werk. In 1963 gaf Frankrijk een postzegel uit met zijn schilderij Het echtpaar van de Eiffeltoren. In 1969 gaf Israël een postzegel uit met een afbeelding van zijn schilderij Koning David. In 1973 gaf Israël een set van 12 postzegels uit met afbeeldingen van de gebrandschilderde ramen die hij had gemaakt voor de Hadassah Hebrew University Medical Center Synagoge; elk raam was gemaakt om een van de “Twaalf Stammen van Israël” aan te duiden.

In 1987, als eerbetoon aan de honderdste verjaardag van zijn geboorte in Wit-Rusland, hebben zeven landen een speciaal omnibusprogramma opgezet en postzegels ter ere van hem uitgegeven. De landen die de postzegels uitgaven waren Antigua & Barbuda, Dominica, Gambia, Ghana, Sierra Leone en Grenada, die samen 48 postzegels en 10 souvenirvelletjes produceerden. Hoewel de postzegels allemaal zijn verschillende meesterwerken afbeelden, staan de namen van de kunstwerken niet op de postzegels vermeld.

Er waren ook verschillende grote tentoonstellingen van het werk van Chagall tijdens zijn leven en na zijn dood.

Tijdens de slotceremonie van de Olympische Winterspelen 2014 in Sotsji trok een Chagall-achtige praalwagen met wolken en dansers ondersteboven voorbij, zwevend boven 130 gekostumeerde dansers, 40 steltlopers en een violist die volksmuziek speelde.

Bronnen