Robert Rauschenberg

gigatos | januari 3, 2022

Post Views: 140

Samenvatting

Milton Ernest “Robert” Rauschenberg (22 oktober 1925 – 12 mei 2008) was een Amerikaanse schilder en graficus die met zijn vroege werken vooruitliep op de Pop Art-beweging. Rauschenberg is vooral bekend om zijn Combines (1954-1964), een groep kunstwerken waarin alledaagse voorwerpen als kunstmateriaal zijn verwerkt en waarin het onderscheid tussen schilder- en beeldhouwkunst vervaagde. Rauschenberg was zowel schilder als beeldhouwer, maar hij werkte ook met fotografie, drukwerk, papier en performance.

Rauschenberg ontving talrijke onderscheidingen tijdens zijn bijna 60-jarige artistieke loopbaan. Tot de meest prominente behoorden de International Grand Prize in Painting op de 32ste Biënnale van Venetië in 1964 en de National Medal of Arts in 1993.

Rauschenberg woonde en werkte in New York City en op Captiva Island, Florida, tot aan zijn dood op 12 mei 2008.

Rauschenberg werd geboren als Milton Ernest Rauschenberg in Port Arthur, Texas, als zoon van Dora Carolina (geboren Matson) en Ernest R. Rauschenberg. Zijn vader was van Duitse en Cherokee afkomst en zijn moeder van Nederlandse afkomst. Zijn vader werkte voor Gulf States Utilities, een licht- en elektriciteitsbedrijf. Zijn ouders waren Fundamentalistische Christenen. Hij had een jongere zus, Janet Begneaud.

Op 18-jarige leeftijd werd Rauschenberg toegelaten tot de Universiteit van Texas in Austin waar hij farmacologie ging studeren, maar hij stopte er kort daarna mee vanwege de moeilijkheidsgraad van de studie – hij realiseerde zich toen nog niet dat hij dyslectisch was – en vanwege zijn onwil om in de biologieles een kikker te ontleden. In 1944 werd hij opgeroepen voor de marine van de Verenigde Staten. Gestationeerd in Californië, diende hij als neuropsychiatrisch technicus in een marine hospitaal tot zijn ontslag in 1945 of 1946.

Rauschenberg studeerde vervolgens aan het Kunstinstituut van Kansas City en aan de Académie Julian in Parijs, Frankrijk, waar hij zijn medestudente Susan Weil ontmoette. In 1948 schreef Rauschenberg zich samen met Weil in aan het Black Mountain College in North Carolina.

In Black Mountain zocht Rauschenberg Josef Albers op, de oprichter van het Bauhaus in Duitsland, over wie hij had gelezen in een nummer van Time magazine van augustus 1948. Hij hoopte dat Albers” strenge onderwijsmethoden zijn gebruikelijke slordigheid zouden kunnen beteugelen. Albers” voorbereidende ontwerpcursussen berustten op een strikte discipline die geen ruimte liet voor “onbeïnvloedbare experimenten”.

Rauschenberg werd, in zijn eigen woorden, “Albers” domkop, het uitstekende voorbeeld van waar hij het niet over had”. Hoewel Rauschenberg Albers als zijn belangrijkste leraar beschouwde, vond hij in John Cage, een gevestigd componist van avant-garde muziek, een meer compatibele sensibiliteit. Net als Rauschenberg had Cage zich afgewend van de disciplinaire lessen van zijn leermeester, Arnold Schönberg, ten gunste van een meer experimentele benadering van muziek. Cage gaf Rauschenberg de broodnodige steun en aanmoediging tijdens de eerste jaren van zijn carrière, en de twee bleven vrienden en artistieke medewerkers voor de decennia die volgden.

Van 1949 tot 1952 studeerde Rauschenberg bij Vaclav Vytlacil en Morris Kantor aan de Art Students League van New York, waar hij collega-kunstenaars Knox Martin en Cy Twombly ontmoette.

Rauschenberg trouwde met Susan Weil in de zomer van 1950 in het huis van de familie Weil in Outer Island, Connecticut. Hun enige kind, Christopher, werd geboren op 16 juli 1951. De twee scheidden in juni 1952 en gingen in 1953 uit elkaar. Daarna had Rauschenberg romantische relaties met onder meer collega-kunstenaars Cy Twombly en Jasper Johns. Zijn partner voor de laatste 25 jaar van zijn leven was kunstenaar Darryl Pottorf,

In de jaren 1970 verhuisde hij naar NoHo in Manhattan in New York City.

Rauschenberg kocht het Beach House, zijn eerste woning op Captiva Island, op 26 juli 1968. Het huis werd echter pas zijn permanente verblijfplaats in de herfst van 1970.

Rauschenberg stierf aan hartfalen op 12 mei 2008, op Captiva Island, Florida.

Rauschenbergs benadering werd soms “neo-Dadaïstisch” genoemd, een etiket dat hij deelde met de schilder Jasper Johns. Rauschenberg verklaarde beroemd dat “schilderen betrekking heeft op zowel kunst als leven,” en hij wilde werken “in de kloof tussen de twee.” Zoals veel van zijn dadaïstische voorgangers stelde Rauschenberg het onderscheid tussen kunstvoorwerpen en alledaagse voorwerpen ter discussie, en zijn gebruik van readymade materialen herhaalde de intellectuele kwesties die Marcel Duchamps Fountain (1917) opriep. Duchamps dadaïstische invloed is ook waarneembaar in Jasper Johns” schilderijen van doelen, cijfers en vlaggen, die bekende culturele symbolen waren: “dingen die de geest al kent.”

Op Black Mountain College experimenteerde Rauschenberg met een verscheidenheid aan artistieke media, waaronder prentkunst, tekenen, fotografie, schilderen, beeldhouwen en theater; zijn werken bestonden vaak uit een of andere combinatie van deze media. Zijn schilderijen Night Blooming (1951) maakte hij op Black Mountain door kiezelstenen en grind in zwart pigment op doek te persen.

Van de herfst van 1952 tot de lente van 1953 reisde Rauschenberg met zijn collega-kunstenaar en partner Cy Twombly door Italië en Noord-Afrika. Daar maakte hij collages en kleine sculpturen, waaronder de Scatole Personali en Feticci Personali, van gevonden materialen. Hij stelde ze tentoon in galerijen in Rome en Florence. Tot Rauschenbergs verrassing verkocht een aantal van de werken; veel werken die niet verkocht werden gooide hij in de rivier de Arno, op aanraden van een kunstcriticus die zijn tentoonstelling beoordeelde.

Na zijn terugkeer naar New York City in 1953, begon Rauschenberg beeldhouwwerken te maken met gevonden materialen uit zijn buurt in Lower Manhattan, zoals schroot, hout en touw. In de jaren 1950 voorzag Rauschenberg in zijn levensonderhoud door etalages te ontwerpen voor Tiffany & Co. en Bonwit Teller, eerst samen met Susan Weil en later in samenwerking met Jasper Johns onder het pseudoniem Matson Jones.

In een beroemd geciteerd voorval in 1953 vroeg Rauschenberg de abstract expressionistische schilder Willem de Kooning om een tekening die hij als artistiek statement wilde uitwissen. Dit conceptuele werk, getiteld Erased de Kooning Drawing, werd uitgevoerd met toestemming van de oudere kunstenaar.

In 1961 verkende Rauschenberg een soortgelijke conceptuele benadering door een idee te presenteren als het kunstwerk zelf. Hij werd uitgenodigd deel te nemen aan een tentoonstelling in de Galerie Iris Clert in Parijs, waar kunstenaars portretten moesten presenteren van Clert, de galeriehoudster. Rauschenbergs inzending bestond uit een telegram met de verklaring: “Dit is een portret van Iris Clert, als ik het zeg.

Tegen 1962 begon Rauschenberg in zijn schilderijen niet alleen gevonden voorwerpen, maar ook gevonden beelden te verwerken. Na een bezoek aan de studio van Andy Warhol dat jaar, begon Rauschenberg met het gebruik van een zeefdrukprocédé, gewoonlijk gereserveerd voor commerciële reproductiemiddelen, om foto”s op doek over te brengen. De zeefdrukschilderijen die tussen 1962 en 1964 ontstonden, brachten critici ertoe Rauschenbergs werk te identificeren met Pop Art.

Rauschenberg had in zijn kunstwerken geëxperimenteerd met technologie sinds het maken van zijn vroege Combines in het midden van de jaren vijftig, waarbij hij soms werkende radio”s, klokken en elektrische ventilatoren als sculpturaal materiaal gebruikte. Later verdiepte hij zijn interesse in technologie toen hij samenwerkte met Bell Laboratories onderzoekswetenschapper Billy Klüver. Samen realiseerden zij enkele van Rauschenbergs meest ambitieuze op technologie gebaseerde experimenten, zoals Soundings (1968), een lichtinstallatie die reageerde op omgevingsgeluid. In 1966 lanceerden Klüver en Rauschenberg officieel Experiments in Art and Technology (E.A.T.), een non-profitorganisatie die werd opgericht om de samenwerking tussen kunstenaars en ingenieurs te bevorderen.

In 1969 nodigde de NASA Rauschenberg uit om getuige te zijn van de lancering van de Apollo 11. Naar aanleiding van deze mijlpaal maakte Rauschenberg zijn lithografieënreeks Stoned Moon. Hierbij werden diagrammen en andere beelden uit NASA”s archieven gecombineerd met zijn eigen tekeningen en handgeschreven tekst.

Vanaf 1970 werkte Rauschenberg vanuit zijn huis en studio in Captiva, Florida. De eerste werken die hij in zijn nieuwe studio maakte waren Cardboards (1971-72) en Early Egyptians (1973-74), waarvoor hij gebruik maakte van plaatselijk verkregen materialen zoals karton en zand. Terwijl zijn eerdere werken vaak stedelijke beelden en materialen benadrukten, gaf Rauschenberg nu de voorkeur aan het effect van natuurlijke vezels in stof en papier. Hij bedrukte textiel met behulp van zijn solvent-transfer techniek om de Hoarfrost te maken (de laatste bestond uit grote stroken gecollageerde stof op houten panelen. Rauschenberg creëerde zijn Jammer (1975-76) serie met kleurrijke stoffen, geïnspireerd door zijn reis naar Ahmedabad, India, een stad beroemd om zijn textiel. De beeldloze eenvoud van de Jammer-serie staat in schril contrast met de beeldrijke Hoarfrosts en de korreligheid van zijn vroegste werken die hij in New York City maakte.

Internationale reizen werden een centraal onderdeel van Rauschenbergs artistieke proces na 1975. In 1984 kondigde Rauschenberg bij de Verenigde Naties de start aan van zijn Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI). Het ROCI-project, dat bijna volledig door de kunstenaar werd gefinancierd, bestond uit een zeven jaar durende tournee naar tien landen over de hele wereld. Rauschenberg nam op elke locatie foto”s en maakte kunstwerken geïnspireerd door de culturen die hij bezocht. De resulterende werken werden tentoongesteld in een lokale tentoonstelling in elk land. Vaak schonk Rauschenberg een kunstwerk aan een lokale culturele instelling.

Vanaf het midden van de jaren 1980 legde Rauschenberg zich toe op het zeefdrukken van beelden op een verscheidenheid van verschillend behandelde metalen, zoals staal en spiegelend aluminium. Hij creëerde vele series van zogenaamde “metaalschilderijen,” waaronder: Borealis (1988-92), Urban Bourbons (1988-1996), Phantoms (1991), en Night Shades (1991). Bovendien bleef Rauschenberg in de jaren 1990 nieuwe materialen gebruiken, terwijl hij nog steeds met meer rudimentaire technieken werkte. Als onderdeel van zijn betrokkenheid bij de nieuwste technologische innovaties, bracht hij in zijn late schilderijenseries digitale inkjet fotografische beelden over op een verscheidenheid aan schilderdragers. Voor zijn Arcadian Retreats (1996) bracht hij beeldmateriaal over op natte fresco. In overeenstemming met zijn engagement voor het milieu gebruikte Rauschenberg biologisch afbreekbare kleurstoffen en pigmenten, en water in plaats van chemicaliën in het overdrachtsproces.

Lees ook: geschiedenis – Eerste Perzische Invasie van Griekenland

De Witte Schilderijen, de Zwarte Schilderijen, en de Rode Schilderijen

In 1951 creëerde Rauschenberg zijn White Painting serie in de traditie van de monochrome schilderkunst, opgericht door Kazimir Malevich, die het schilderen reduceerde tot zijn meest essentiële kwaliteiten voor een ervaring van esthetische zuiverheid en oneindigheid. De White Paintings werden in de herfst van 1953 tentoongesteld in Eleanor Ward”s Stable Gallery in New York. Rauschenberg gebruikte alledaagse witte huisverf en verfrollers om gladde, onopgesmukte oppervlakken te creëren die op het eerste gezicht een leeg canvas lijken. Maar in plaats van ze als inhoudsloos te beschouwen, beschreef John Cage de White Paintings als “luchthavens voor de lichten, schaduwen en deeltjes”; oppervlakken die de delicate atmosferische veranderingen in de ruimte weerspiegelden. Rauschenberg zelf zei dat ze werden beïnvloed door de omgevingsomstandigheden, “zodat je bijna kunt zien hoeveel mensen er in de kamer zijn. “Net als de White Paintings werden de zwarte schilderijen van 1951-1953 uitgevoerd op meerdere panelen en waren het overwegend werken in één kleur. Rauschenberg bracht matte en glanzende zwarte verf aan op een gestructureerde ondergrond van krantenpapier op doek, waarbij hij af en toe het krantenpapier zichtbaar liet.

Tegen 1953 was Rauschenberg van de White Painting en de Black Painting series overgestapt op het verhoogde expressionisme van zijn Red Painting series. Hij beschouwde rood als “de moeilijkste kleur” om mee te schilderen en nam de uitdaging aan door lagen rood pigment rechtstreeks op doek te druppelen, te plakken en uit te knijpen, op ondergronden van stof met patronen, kranten, hout en spijkers. De complexe materiële oppervlakken van de Red Paintings waren voorlopers van Rauschenbergs bekende Combine-serie (1954-1964).

Combineert

Rauschenberg verzamelde afgedankte voorwerpen in de straten van New York City en bracht ze terug naar zijn atelier waar hij ze in zijn werk integreerde. Hij beweerde dat hij “iets anders wilde dan wat ik zelf kon maken en ik wilde de verrassing en de collectiviteit en de vrijgevigheid van het vinden van verrassingen gebruiken. Dus het object zelf werd veranderd door zijn context en daardoor werd het een nieuw ding.”

Rauschenbergs opmerking over de kloof tussen kunst en leven vormt het uitgangspunt voor een begrip van zijn bijdragen als kunstenaar. Hij zag de potentiële schoonheid in bijna alles; hij zei eens: “Ik heb echt medelijden met mensen die dingen als zeepbakjes of spiegels of colaflesjes lelijk vinden, want ze zijn de hele dag omringd door dat soort dingen, en ze moeten zich er ellendig door voelen.” Zijn Combines-serie gaf alledaagse voorwerpen een nieuwe betekenis door ze in de context van de beeldende kunst te brengen naast traditionele schildermaterialen. De Combines elimineerden de grenzen tussen kunst en beeldhouwkunst, zodat beide aanwezig waren in één enkel kunstwerk. Hoewel “Combines” technisch gezien verwijst naar Rauschenbergs werk van 1954 tot 1964, bleef Rauschenberg gedurende zijn hele artistieke carrière alledaagse voorwerpen gebruiken, zoals kleding, krantenpapier, stedelijk afval en karton.

Zijn overgangswerken die leidden tot de creatie van Combines waren Charlene (1954) en Collection (19541955), waarin hij voorwerpen als sjaals, gloeilampen, spiegels en stripverhalen in collages verwerkte. Hoewel Rauschenberg kranten en gedessineerd textiel in zijn zwarte schilderijen en Red Paintings had verwerkt, gaf hij in de Combines alledaagse voorwerpen een even prominente plaats als de traditionele schildermaterialen. Bed (1955), dat als een van de eerste Combines wordt beschouwd, werd gemaakt door rode verf uit te smeren over een versleten dekbed, laken en kussen. Het werk werd verticaal aan de muur opgehangen als een traditioneel schilderij. Vanwege de intieme relatie van de materialen met het eigen leven van de kunstenaar wordt Bed vaak beschouwd als een zelfportret en een directe afdruk van Rauschenbergs innerlijke bewustzijn. Sommige critici suggereerden dat het werk gelezen kon worden als een symbool voor geweld en verkrachting, maar Rauschenberg beschreef Bed als “een van de vriendelijkste schilderijen die ik ooit heb geschilderd”. Tot zijn beroemdste Combines behoren die waarin taxidermiedieren zijn verwerkt, zoals Monogram (1955-1959), waarin een opgezette angorageit is verwerkt, en Canyon (1959), met een opgezette steenarend. Hoewel de adelaar uit de vuilnisbak werd gered, wekte Canyon de woede op van de regering vanwege de wet op de bescherming van de zeearend en de steenarend van 1940.

Critici bekeken de Combines oorspronkelijk in termen van hun formele kwaliteiten: kleur, textuur, en compositie. De formalistische visie van de jaren zestig werd later weerlegd door criticus Leo Steinberg, die zei dat elke Combine “een receptor-oppervlak was waarop objecten worden verspreid, waarop gegevens worden ingevoerd”. Volgens Steinberg had de horizontaliteit van wat hij Rauschenbergs “vlakke beeldvlak” noemde, de traditionele verticaliteit van de schilderkunst vervangen, en vervolgens de unieke materiaalgebonden oppervlakken van Rauschenbergs werk mogelijk gemaakt.

Voorstelling en dans

Rauschenberg begon zijn interesse in dans te onderzoeken nadat hij begin jaren vijftig naar New York verhuisde. Hij kwam voor het eerst in aanraking met avant-garde dans en performance kunst op Black Mountain College, waar hij deelnam aan John Cage”s Theatre Piece No. 1 (1952), vaak beschouwd als de eerste Happening. Hij begon decors, licht en kostuums te ontwerpen voor Merce Cunningham en Paul Taylor. In het begin van de jaren zestig was hij betrokken bij de radicale dans-theater experimenten in de Judson Memorial Church in Greenwich Village, en hij choreografeerde zijn eerste voorstelling, Pelican (1963), voor het Judson Dance Theater in mei 1963. Rauschenberg was goed bevriend met aan Cunningham gelieerde dansers als Carolyn Brown, Viola Farber en Steve Paxton, die allemaal in zijn choreografieën te zien waren. Rauschenberg”s full-time band met de Merce Cunningham Dance Company eindigde na de wereldtournee in 1964. In 1966 creëerde Rauschenberg de Open Score voorstelling als onderdeel van 9 Avonden: Theatre and Engineering in de 69th Regiment Armory, New York. De serie speelde een belangrijke rol bij de oprichting van Experiments in Art and Technology (E.A.T.).

In 1977 kwamen Rauschenberg, Cunningham en Cage voor het eerst in dertien jaar weer bij elkaar om samen te werken aan Travelogue (1977), waarvoor Rauschenberg de kostuum- en decorontwerpen verzorgde. Na 1967 choreografeerde Rauschenberg geen eigen werk meer, maar hij bleef de rest van zijn artistieke carrière samenwerken met andere choreografen, waaronder Trisha Brown.

Commissies

Gedurende zijn hele carrière ontwierp Rauschenberg talrijke affiches ter ondersteuning van zaken die hem na aan het hart lagen. Toen hij in 1965 van het tijdschrift Life de opdracht kreeg om een modern Inferno te visualiseren, aarzelde hij niet om zijn woede te uiten over de oorlog in Vietnam en andere hedendaagse sociaal-politieke kwesties, waaronder raciaal geweld, neonazisme, politieke moorden en ecologische rampen.

Op 30 december 1979 drukte de Miami Herald 650.000 exemplaren van Tropic, haar zondagsmagazine, met een door Rauschenberg ontworpen omslag. In 1983 won hij een Grammy Award voor zijn albumontwerp van Talking Heads” album Speaking in Tongues. In 1986 kreeg Rauschenberg de opdracht van BMW om een BMW 635 CSi op ware grootte te beschilderen voor de zesde aflevering van het befaamde BMW Art Car Project. Rauschenbergs auto was de eerste in het project met reproducties van werken uit het Metropolitan Museum of Art, New York, en van zijn eigen foto”s.

In 1998 gaf het Vaticaan Rauschenberg de opdracht een werk te maken ter ere van het Jubeljaar 2000, dat zou worden tentoongesteld in de Pater Pio Liturgische Zaal in San Giovanni Rotondo, Italië. Rauschenberg werkte rond het thema van het Laatste Oordeel en creëerde The Happy Apocalypse (1999), een maquette van 20 voet lang. Het werd uiteindelijk afgewezen door het Vaticaan omdat Rauschenbergs afbeelding van God als een satellietschotel een ongepaste theologische verwijzing zou zijn.

Rauschenberg had zijn eerste solotentoonstelling in de Betty Parsons Gallery in de lente van 1951. In 1953, toen hij in Italië was, werd hij opgemerkt door Irene Brin en Gaspero del Corso en zij organiseerden zijn eerste Europese tentoonstelling in hun beroemde galerie in Rome. In 1953 nodigde Eleanor Ward Rauschenberg uit om deel te nemen aan een gezamenlijke tentoonstelling met Cy Twombly in de Stable Gallery. In zijn tweede solotentoonstelling in New York in de Charles Egan Gallery in 1954, presenteerde Rauschenberg zijn Red Paintings (1953-1953) en Combines (1954-1964). Leo Castelli organiseerde een solotentoonstelling van Rauschenbergs Combines in 1958. De enige verkoop was een aankoop door Castelli zelf van Bed (1955), nu in de collectie van het Museum of Modern Art, New York.

Rauschenbergs eerste retrospectieve tentoonstelling werd in 1963 georganiseerd door het Jewish Museum in New York. In 1964 werd hij een van de eerste Amerikaanse kunstenaars die de Internationale Grote Prijs voor schilderkunst won op de Biënnale van Venetië (Mark Tobey en James Whistler hadden eerder al schilderkunstprijzen gewonnen in respectievelijk 1895 en 1958). Een retrospectieve halverwege zijn carrière werd georganiseerd door de National Collection of Fine Arts (nu het Smithsonian American Art Museum), Washington, D.C., en reisde tussen 1976 en 1978 door de Verenigde Staten.

In de jaren negentig werd een retrospectieve gehouden in het Solomon R. Guggenheim Museum, New York (1997), die doorreisde naar musea in Houston, Keulen, en Bilbao tot 1999. Een tentoonstelling van Combines werd gepresenteerd in het Metropolitan Museum of Art, New York (doorgereisd naar het Museum of Contemporary Art, Los Angeles, Centre Georges Pompidou, Parijs, en Moderna Museet, Stockholm, tot 2007). Rauschenbergs eerste postume retrospectieve tentoonstelling werd gehouden in Tate Modern (reisde naar Museum of Modern Art, New York, en San Francisco Museum of Modern Art tot 2017).

Verdere tentoonstellingen zijn onder meer: Robert Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery, Londen ( A Visual Lexicon, Leo Castelli Gallery (Rauschenberg in China, Ullens Center for Contemporary Art, Beijing (en Rauschenberg: The 14 Mile in het Los Angeles County Museum of Art (2018-2019).

Rauschenberg geloofde sterk in de kracht van kunst als katalysator voor sociale verandering. De Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) begon in 1984 als een poging om een internationale dialoog op gang te brengen en cultureel begrip te vergroten door middel van artistieke expressie. Een ROCI-tentoonstelling was te zien in de National Gallery of Art, D.C., in 1991, als afsluiting van een tournee van tien landen: Mexico, Chili, Venezuela, China, Tibet, Japan, Cuba, U.S.S.R., Duitsland en Maleisië.

In 1970 creëerde Rauschenberg een programma, Change, Inc. genaamd, om eenmalige noodsubsidies van maximaal $1.000 toe te kennen aan beeldende kunstenaars op basis van financiële nood. In 1990 richtte Rauschenberg de Robert Rauschenberg Foundation (RRF) op om de aandacht te vestigen op zaken die hem na aan het hart liggen, zoals wereldvrede, het milieu en humanitaire kwesties. In 1986 ontving Rauschenberg de Golden Plate Award van de American Academy of Achievement. In 1993 ontving hij de National Medal of Arts van president Bill Clinton. In 2000 werd Rauschenberg geëerd met de amfAR”s Award of Excellence for Artistic Contributions to the Fight Against AIDS.

RRF bezit vandaag de dag vele werken van Rauschenberg uit elke periode van zijn carrière. In 2011 presenteerde de stichting The Private Collection of Robert Rauschenberg in samenwerking met Gagosian Gallery, met selecties uit de persoonlijke kunstcollectie van Rauschenberg. De opbrengst van de tentoonstelling droeg bij aan de financiering van de filantropische activiteiten van de stichting. In 2011 lanceerde de stichting ook het project “Artist as Activist” en nodigde kunstenaar Shepard Fairey uit om zich te richten op een kwestie van zijn keuze. Het oplagewerk dat hij maakte werd verkocht om geld in te zamelen voor de Coalition for the Homeless. RRF blijft ieder jaar opkomende kunstenaars en kunstorganisaties steunen met beurzen en filantropische samenwerkingen. De RRF heeft verschillende residentieprogramma”s die plaatsvinden in het hoofdkwartier van de stichting in New York en op het landgoed van de overleden kunstenaar in Captiva Island, Florida.

In 2013 plaatste Dale Eisinger van Complex Open Score (1966) op de zevende plaats in zijn lijst van de grootste performance kunstwerken aller tijden.

In 2010 werd Studio Painting (1960-61), een van Rauschenbergs Combines die oorspronkelijk op $ 6 miljoen tot $ 9 miljoen werd geschat, gekocht uit de collectie van Michael Crichton voor $ 11 miljoen bij Christie”s, New York. In 2019 verkocht Christie”s het zeefdrukschilderij Buffalo II (1964) voor $ 88,8 miljoen, waarmee het vorige record van de kunstenaar werd verbrijzeld.

Lees ook: biografieen – Jacobus V van Schotland

Lobbyen voor royalty”s van kunstenaars voor wederverkoop

In het begin van de jaren zeventig lobbyde Rauschenberg bij het Amerikaanse Congres voor een wet die kunstenaars zou compenseren wanneer hun werk op de secundaire markt werd doorverkocht. Rauschenberg begon zijn strijd voor royalty”s voor kunstenaars bij doorverkoop nadat de taxibaron Robert Scull een deel van zijn collectie abstract expressionistische en popartwerken had verkocht voor 2,2 miljoen dollar. Scull had oorspronkelijk Rauschenbergs schilderijen Thaw gekocht (ongeveer een decennium later verkocht Scull de stukken voor $85.000 en $90.000 in een veiling in 1973 bij Sotheby Parke Bernet in New York.

De lobby-inspanningen van Rauschenberg werden in 1976 beloond toen Jerry Brown, gouverneur van Californië, de California Resale Royalty Act van 1976 ondertekende. Na de Californische overwinning bleef de kunstenaar zich inzetten voor een landelijke wetgeving op het gebied van volgrecht.

Bronnen