Alexander Archipenko
gigatos | januari 8, 2022
Samenvatting
Alexander Porfyrovych Archipenko was een Amerikaanse beeldhouwer van Oekraïense afkomst, geboren in Kiev op 30 mei 1887 en overleden in New York op 25 februari 1964.
Als zoon van een ingenieur, studeerde Alexander Archipenko ook wiskunde. De kunstenaar was gefascineerd door de relatie tussen kunst en wetenschap. Hij volgde een opleiding schilder- en beeldhouwkunst in Kiev en Moskou van 1902 tot 1906. In deze periode raakte hij gefascineerd door Byzantijnse iconen, fresco”s en mozaïeken in Kiev. Na een verblijf in Moskou verhuisde hij in 1908 naar Parijs, waar hij in contact kwam met de avant-garde bewegingen, in het bijzonder de kubistische groep. Hij vestigde zich in La Ruche, 2, passage de Dantzig, een voormalig wijnpaviljoen van de wereldtentoonstelling van 1889 omgebouwd tot kunstenaarsateliers. Hij werkte alleen en ging liever naar het Louvre om de archaïsche Griekse beeldhouwkunst te bestuderen dan naar de Beaux-Arts, waar hij het academische onderwijs verachtte. De kunstenaar had zijn leraren aan de kunstacademie in Kiev al op de vingers getikt, die hem uiteindelijk van school hadden gestuurd. Onder invloed van Rodin tot aan zijn werken die in 1906 in Moskou werden gepresenteerd, liet hij zich op 24-jarige leeftijd gelden als een van de leiders van de avant-garde beeldhouwkunst.
In 1910 exposeerde hij op de Salon des indépendants in Parijs. Op vrijdag 21 april 1911, tijdens de 27e Salon des indépendants, werden de werken van Albert Gleizes, Jean Metzinger, Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier, André Lhote, Joseph Csaky en Archipenko het voorwerp van opruiende kritiek die niet onderdoet voor die van de Fauve-tentoonstelling. Beschouwd als “meester-kubussen”, was zelfs Guillaume Apollinaire ontdaan door deze tentoonstelling. Men verweet hen de afwijking van het kubisme, zijn karikatuur en zelfs zijn anti-academisme. De afwezigheid van Picasso en Braque (die uitsluitend bij de galerie van Daniel-Henry Kahnweiler exposeerden) op deze tentoonstelling werd betreurd.
Zijn eerste solotentoonstelling vond plaats in Duitsland in het Folkwang Hagen Museum in 1912. Dat jaar opende hij een kunstschool in Parijs en sloot zich aan bij de Section d”Or, waar hij zijn eerste reliëfschilderijen maakte: de beeldhouwwerken. In oktober 1912 werd in de Galerie de la Boétie de eerste tentoonstelling van de groep Section d”Or georganiseerd, met Léger, Gleizes, Metzinger, Gris, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Villon, Lhote, La Fresnaye, Marcoussis en Archipenko. Eenendertig kunstenaars met tweehonderd schilderijen zonder de aanwezigheid van Picasso. Deze tentoonstelling heeft een didactisch karakter: het kubisme kwam vier jaar na zijn geboorte in een theoretische fase. De tentoonstelling van de groep Section d”Or lokte harde kritiek uit op deze revolutionaire werken: Apollinaire verdedigde ze in zijn columns in L”Intransigeant of in voorwoorden van catalogi.
In 1913 werden vier van zijn werken tentoongesteld op de Armory Show in New York. Hij maakte zijn eerste gravures die in 1914 werden opgenomen in het Italiaanse futuristische tijdschrift Lacerba. Hij nam deel aan de Salon des Indépendants in 1914 en aan de Biënnale van Venetië in 1920. Tijdens de oorlogsjaren woonde de kunstenaar in Cimiez bij Nice. Van 1919 tot 1921 reisde hij naar Genève, Zürich, Parijs, Londen, Brussel, Athene en andere Europese steden om zijn werk tentoon te stellen. Zijn eerste solotentoonstelling in de Verenigde Staten vond plaats in 1921 in New York in de Société Anonyme. In 1923 vertrok hij uit Berlijn naar de Verenigde Staten, waar hij in de loop der jaren verschillende kunstscholen opende in New York, Woodstock, Los Angeles en Chicago. De volgende dertig jaar gaf hij les in de Verenigde Staten aan kunstscholen en universiteiten, zelfs aan het kortstondige Nieuwe Bauhaus. Hij werd Amerikaans staatsburger in 1928.
In 1933 exposeerde hij in het Oekraïense Paviljoen in Chicago, als onderdeel van de Century of Progress World”s Fair. Van 1937 tot 1939 was hij assistent-instructeur aan de New Bauhaus School of Industrial Arts in Chicago. De meeste werken van de kunstenaar in Duitse musea werden door de nazi”s in beslag genomen met de bedoeling ontaarde kunst te zuiveren. In 1947 creëerde hij sculpturen die van binnenuit verlicht werden. Hij begeleidde een reizende tentoonstelling van zijn werk door heel Duitsland in 1955 en 1956. Hij begon met het schrijven van zijn boek Archipenko: 50 Years of Creation 1908-1958, dat in 1960 werd gepubliceerd. Het boek bevat bijdragen van vijftig kunsthistorici en teksten van Archipenko over artistieke creatie. In 1962 werd hij verkozen tot lid van de American Academy of Arts and Letters.
Voor Archipenko “is het moeilijk om het werk van een kunstenaar in perioden in te delen”. Hij voegt eraan toe: “Ik ben nooit lid geweest van scholen: ik ben van scholen gestuurd. Ik deed onderzoek, ik vond uit en experimenteerde, toen werd ik geïmiteerd… Voor iedere kunstenaar is kunst een creatieve opwaartse stroom naar de individuele ontdekking van waarheid in de vormen van de natuur en periodes zijn slechts dozen in de hoofden van critici.
Het probleem dat de beeldhouwkunst volgens Archipenko opwerpt is het volume en de verbinding van massa”s met elkaar. Hierin is hij nog extremer dan moderne beeldhouwers als Brancusi of Duchamp-Villon, die net als hij deel uitmaken van de Gouden Sectie-groep. Zijn hoofdprobleem is dat van de leegte, die de kracht heeft van het afwezige voorwerp en zo volume creëert. Vereenvoudiging en de vanzelfsprekendheid van volumes met behoud van het figuratieve aspect zijn de principes van zijn beeldhouwkunst. Zijn kunst wordt gekenmerkt door een grote mathematische strengheid en geeft een overheersende plaats aan het vrouwelijk lichaam. Hij herinnert zich graag de alomtegenwoordigheid van de stenen afgodsbeelden van de oude Slaven in zijn kindertijd.
Picasso had de eerste regels van deze sculpturale grammatica ontwikkeld: polychromie, integratie van de meest uiteenlopende materialen, ritmisch gebruik van vlakken, en de verschijning van open vormen. Net als bij de schilderkunst gaat het bij de kubistische beeldhouwkunst vooral om de verhouding tussen voorwerpen en ruimte, om de volumes en leegtes die hen scheiden of waarin zij worden opgenomen. De invloed van het Italiaanse Futurisme, vooral via Boccioni, die Archipenko in 1912 ontmoette, leidde tot de vorming van dynamische vormen. Archipenko verkende vooral de dialectiek van concave en convexe vormen.
Hij ontwikkelde een persoonlijke stijl met stereometrisch vereenvoudigde lichaamsmassa”s, ruimtelijk opgerichte figuren, afgeschuinde vormen, scherpe hoeken, kristallijne breuken uit de formele inventaris van het kubisme en werd ook geïnspireerd door het maniërisme.
Met uitzondering van Boccioni heeft geen enkele beeldhouwer de analyse van de ruimte, het centrale probleem van dit decennium, als een absoluut probleem gesteld. Geen enkele kunstenaar heeft de wisselwerking tussen volume en leegte op zo”n persoonlijke manier naar expressieve en lyrische, dynamische en statueske domeinen geduwd. Hij heeft een eenheid bereikt tussen formele strengheid en speelse aantrekkingskracht. Hij heeft de vier ongrijpbare elementen: ruimte, transparantie, licht en reflectie in één vorm verenigd, wat resulteert in een moderne sculptuur met een concave vorm.
Torso (1909) is zijn eerste sculptuur met kubistische tendensen. Het laat zien hoe hij volumes ontleedt en perforeert om de ruimte te laten doordringen.
In 1909 en het jaar daarop wist hij nog niets van het kubisme en liet hij zich inspireren door de gevouwen beelden van Barlach of Köllwitz (Vrouw met kat in 1910 of Vrouw met kat in 1911). In 1911-12 ontvouwden zij zich, en men bespeurt de kubistische invloed in zijn opgeblazen dijen en armen of, integendeel, een eticisme (Wandelende vrouw in 1912). Vanaf 1911 nam hij actief deel aan de kubistische beweging. De plastische problemen die zijn beeldhouwkunst in die tijd aanpakte, waren resoluut nieuw: volle volumes, de relatie tussen leegtes en volle volumes in holtes. Hij wilde de “afwezige werkelijkheid” symboliseren. Met Femme qui marche in 1912 spaarde hij voor het eerst een hoofd in negatief. In 1912 identificeerde hij zijn favoriete thema: de interpenetratie van lichaam en ruimte, de ontwikkeling van concave en convexe curven zodat de sculpturale vorm op de een of andere manier waarneembaar wordt door zijn matrix. Hij ontwikkelde zijn eigen theorie van complementaire vormen: elke leegte genereert zijn imaginaire antithese.
Met Medrano, gemaakt in 1912, creëerde hij zijn eerste assemblage van verschillende beschilderde materialen (glas, hout en metaal). In voortdurend artistiek onderzoek ontwikkelde hij nieuwe scheppingsmethoden en creëerde hij een wisselwerking tussen schilderkunst en beeldhouwkunst. Met Medrano I Le Jongleur, in 1912, maakte hij met hout, glas en metaaldraad beweeglijke poppen die leken op houten harlekijntjes met behulp van glas, metaalfolie, draad, cilindrische kegels en schijven die van energie werden voorzien met polychrome verf. Met deze bevrijding van de vorm brak Archipenko met de traditionele beeldhouwkunst en vestigde hij zich als een van de meesters van de avant-garde. Hij blies een genre nieuw leven in dat sinds de 17e eeuw door de westerse beeldhouwkunst werd verwaarloosd, de polychromie.
Zijn beeldhouwwerken uit 1912 zijn geschilderde reliëfs in gips. Tussen schilderkunst en beeldhouwkunst bestudeerde hij de wederkerige relatie tussen vorm en kleur, waarbij de een de ander accentueert of juist vermindert. Deze twee kunsten worden verenigd of tegenover elkaar gesteld op visueel en spiritueel niveau, afhankelijk van het doel.
Van 1913 tot 1916 overheerste de vorm de werkelijkheid. Met De dans in 1912 definieerde hij een oplopende binnenruimte doordrongen van lichtheid door de arabesk gevormd door een paar. Hij organiseerde deze sculptuur rond de leegte. In dit werk over leegte en volheid lette hij erop de lichamen, waarvan hij de ledematen stopzette wanneer de plasticiteit hem daartoe dwong, niet te voltooien door de leegte in te voeren als een belanghebbende, zoals in Vrouw in 1915, wier hoofd rond een opening is getekend.
In 1913 maakte hij een draadsculptuur die Apollinaire “en baleine de parapluie” noemde. Later zou zijn behandeling van het kubisme omslaan in constructivisme.
Met La Boxe in 1913 probeerde de kunstenaar de brute energie van de sport te vertalen in abstracte vormen. De boksers zijn gereduceerd tot scherpe vormen die in elkaar grijpen en heftig botsen, de spieren zijn vervangen door ritmische energie.
Tête constructiviste (1913) is gemaakt van een assemblage van vlakken. De Gondelier (1914) is gecomponeerd in licht verschoven delen om een gevoel van beweging te geven in het futuristische perspectief, en Stilleven (1915) is een van zijn weinige schilderijen in reliëf.
Bij zijn aankomst in de Verenigde Staten in het begin van de jaren twintig omarmde hij de traditie: gladheid voert de boventoon, perfect en ontspannen. Met Femme (1920) keerde hij onmiddellijk terug naar de beeldhouwkunst met een hoge metalen figuur op een beschilderd paneel. Hij werd traditioneel.
Van 1924 tot 1928 ontwikkelde hij de Archipentura. De archipeintura in 1924 zijn doeken die in beweging worden gebracht door vernuftig verborgen motoren: een elektrisch mechanisme aan de voet van het toestel brengt het centrale frame in beweging en duizenden geschilderde fragmenten verschijnen na elkaar op het oppervlak om een volledig schilderij te vormen. Deze uitvinding werd in New York toegepast. Zijn onderzoek is altijd gericht geweest op de visuele animatie van zijn werken, hetzij door ze in de massa te doorboren zodat de ruimte erin doordringt, hetzij door materialen te gebruiken zoals glas, hout of metaal en zelfs voor zijn beeldhouwwerken door kleur toe te voegen.
En Famille (1935) is een geconcentreerd werk dat beïnvloed is door het constructivisme.
In de twee dimensies is er ook een uitzonderlijk werk zoals deze vrouwenfiguur in gouache, waarvan de afwisselend bruine en witte massa”s het reliëf van het lichaam creëren (Maanlicht in 1937).
In de jaren ”40 en ”50 zette hij zijn artistieke verkenningen met materialen en technieken voort. Voor Figure assise, bijvoorbeeld, gebruikte hij gesneden en verlicht plastic. Hij nam zijn oorspronkelijke vormen, waarvan de meeste waren verdwenen, weer op in reusachtige formaten (Figures d”acier in 1951, Cléopâtre in 1957). In de jaren vijftig realiseerde hij zich dat hij zich enige tijd had vergist in zijn oriëntatie en begon hij met het pasticheeren van zijn begin of het reconstrueren ervan, aangezien veel van zijn werken de Eerste Wereldoorlog niet hadden overleefd.
Vanaf het einde van de jaren 1950 keerde hij terug naar zijn kubo-constructivistische stijl, met sterk geometrische figuren, met behoud van de significante leegten, en meestal symmetrisch (Kimono in 1961 of Roi Salomon in 1963).
Lees ook: biografieen – Louis Prima
Externe links
Bronnen
