Edvard Munch

gigatos | juli 6, 2022

Samenvatting

Edvard Munch (12 december 1863 – 23 januari 1944) was een Noorse schilder. Zijn bekendste werk, De Schreeuw (1893), is een iconisch beeld geworden van de kunstwereld.

Zijn jeugd werd overschaduwd door ziekte, rouw en de vrees een geestelijke aandoening te erven die in de familie voorkwam. Tijdens zijn studie aan de Koninklijke School voor Kunst en Design in Kristiania (het huidige Oslo) begon Munch een bohemien leven onder invloed van de nihilist Hans Jæger, die hem aanspoorde zijn eigen emotionele en psychologische toestand te schilderen (”zielschilderen”). Hieruit ontstond zijn kenmerkende stijl.

Reizen bracht nieuwe invloeden en afzetmogelijkheden. In Parijs leerde hij veel van Paul Gauguin, Vincent van Gogh en Henri de Toulouse-Lautrec, vooral hun gebruik van kleur. In Berlijn ontmoette hij de Zweedse dramaturg August Strindberg, die hij schilderde, terwijl hij begon aan een grote serie schilderijen die hij later The Frieze of Life zou noemen en die een reeks diep gevoelde thema”s uitbeeldden, zoals liefde, angst, jaloezie en verraad, doordrenkt van sfeer.

De Schreeuw is ontstaan in Kristiania. Volgens Munch was hij aan het wandelen bij zonsondergang, toen hij ”de enorme, oneindige schreeuw van de natuur hoorde”. Het gekwelde gezicht van het schilderij wordt algemeen geïdentificeerd met de angst van de moderne mens. Tussen 1893 en 1910 maakte hij twee geschilderde versies en twee in pastel, alsmede een aantal prenten. Een van de pastels zou uiteindelijk de op drie na hoogste nominale prijs opbrengen die op een veiling voor een schilderij werd betaald.

Terwijl zijn roem en rijkdom groeiden, bleef zijn emotionele toestand onzeker. Hij overwoog kort een huwelijk, maar kon zich niet binden. Een mentale inzinking in 1908 dwong hem het zware drinken op te geven, en hij werd opgevrolijkt door zijn toenemende acceptatie door de bevolking van Kristiania en zijn bekendheid in de musea van de stad. Zijn laatste jaren werkte hij in alle rust en privacy. Hoewel zijn werken in het door de Nazi”s bezette Europa verboden waren, overleefden de meeste de Tweede Wereldoorlog, wat hem een erfenis opleverde.

Lees ook: biografieen – Kostís Palamás

Kindertijd

Edvard Munch werd geboren in een boerderij in het dorp Ådalsbruk in Løten, Noorwegen, als dochter van Laura Catherine Bjølstad en Christian Munch, de zoon van een priester. Christian was een arts en medisch officier die in 1861 trouwde met Laura, een vrouw half zo oud als hij. Edvard had een oudere zus, Johanne Sophie, en drie jongere broers en zussen: Peter Andreas, Laura Catherine, en Inger Marie. Laura was artistiek getalenteerd en heeft Edvard en Sophie wellicht aangemoedigd. Edvard was verwant met de schilder Jacob Munch en de historicus Peter Andreas Munch.

De familie verhuisde in 1864 naar Christiania (in 1877 omgedoopt tot Kristiania en nu Oslo) toen Christian Munch werd aangesteld als medisch officier in de vesting Akershus. Edvard”s moeder stierf in 1868 aan tuberculose, net als Munch”s lievelingszus Johanne Sophie in 1877. Na de dood van hun moeder werden de broers en zussen Munch opgevoed door hun vader en door hun tante Karen. Vaak was hij ”s winters ziek en niet naar school geweest, dus tekende Edvard om zichzelf bezig te houden. Hij kreeg bijles van zijn schoolkameraden en van zijn tante. Christian Munch onderwees zijn zoon ook in geschiedenis en literatuur, en vermaakte de kinderen met levendige spookverhalen en de verhalen van de Amerikaanse schrijver Edgar Allan Poe.

Zoals Edvard het zich herinnerde, werd Christian”s positieve gedrag ten opzichte van zijn kinderen overschaduwd door zijn morbide piëtisme. Munch schreef: “Mijn vader was temperamentvol nerveus en obsessief religieus tot op het punt van psychoneurose. Van hem erfde ik de kiem van de waanzin. De engelen van angst, verdriet en dood stonden aan mijn zijde vanaf de dag dat ik geboren werd.” Christian berispte zijn kinderen door hen te vertellen dat hun moeder vanuit de hemel neerkeek en treurde om hun wangedrag. Het beklemmende religieuze milieu, Edvard”s slechte gezondheid en de levendige spookverhalen droegen bij aan zijn macabere visioenen en nachtmerries; de jongen had het gevoel dat de dood voortdurend op hem afkwam. Bij een van Munchs jongere zussen, Laura, werd al op jonge leeftijd een geestesziekte vastgesteld. Van de vijf broers en zussen trouwde alleen Andreas, maar hij stierf een paar maanden na het huwelijk. Munch zou later schrijven: “Ik erfde twee van de meest angstaanjagende vijanden van de mensheid – de erfenis van consumptie en krankzinnigheid.”

Christian Munch kreeg een zeer laag salaris en zijn pogingen om een eigen praktijk op te zetten mislukten, waardoor zijn gezin in armoede bleef leven. Ze verhuisden vaak van de ene goedkope flat naar de andere. Munch”s vroege tekeningen en aquarellen beeldden deze interieurs uit, en de individuele objecten, zoals medicijnflesjes en tekengerei, plus enkele landschappen. Tegen zijn tienerjaren beheerste kunst Munch”s interesses. Op zijn dertiende kwam Munch voor het eerst in aanraking met andere kunstenaars in de pas opgerichte Kunstvereniging, waar hij het werk bewonderde van de Noorse landschapschool. Hij keerde terug om de schilderijen te kopiëren, en al snel begon hij met olieverf te schilderen.

Lees ook: biografieen – Wallis Simpson

Studies en invloeden

In 1879 schreef Munch zich in aan een technische hogeschool om techniek te studeren, waar hij uitblonk in natuurkunde, scheikunde en wiskunde. Hij leerde tekenen in schaal en perspectief, maar veelvuldige ziektes onderbraken zijn studie. Het jaar daarop verliet Munch, tot grote teleurstelling van zijn vader, de hogeschool vastbesloten om schilder te worden. Zijn vader beschouwde kunst als een “onheilig beroep” en zijn buren reageerden verbitterd en stuurden hem anonieme brieven. In tegenstelling tot het rabiate piëtisme van zijn vader, nam Munch een ondogmatische houding aan ten opzichte van kunst. Hij schreef zijn doel in zijn dagboek: “In mijn kunst probeer ik het leven en zijn betekenis aan mezelf uit te leggen.”

In 1881 schreef Munch zich in aan de Koninklijke School voor Kunst en Vormgeving van Kristiania, waarvan zijn verre verwant Jacob Munch een van de oprichters was. Zijn leraren waren de beeldhouwer Julius Middelthun en de naturalistische schilder Christian Krohg. Dat jaar toonde Munch zijn snelle absorptie van zijn figuurlijke opleiding aan de academie in zijn eerste portretten, waaronder een van zijn vader en zijn eerste zelfportret. In 1883 nam Munch deel aan zijn eerste openbare tentoonstelling en deelde hij een atelier met andere studenten. Zijn portret ten voeten uit van Karl Jensen-Hjell, een beruchte bohémien in de stad, werd door een criticus afkeurend beantwoord: “Het is impressionisme tot het uiterste doorgevoerd. Het is een aanfluiting van de kunst.” Van Munchs naaktschilderijen uit deze periode zijn alleen schetsen bewaard gebleven, behalve van Standing Nude (1887). Mogelijk zijn ze door zijn vader in beslag genomen.

Van jongs af aan werd Munch beïnvloed door impressionisten als Édouard Manet en later door post-impressionistische kunstenaars als Vincent van Gogh en Paul Gauguin. Tijdens deze vroege jaren experimenteerde hij met vele stijlen, waaronder naturalisme en impressionisme. Sommige vroege werken doen denken aan Manet. Veel van deze pogingen leverden hem ongunstige kritiek op van de pers en leverden hem voortdurende berispingen op van zijn vader, die hem niettemin voorzag van kleine bedragen om in zijn levensonderhoud te voorzien. Op een bepaald moment echter vernietigde Munch”s vader, misschien beïnvloed door de negatieve mening van Munch”s neef Edvard Diriks (een gevestigd, traditioneel schilder), tenminste één schilderij (waarschijnlijk een naakt) en weigerde hij nog geld voor kunstbenodigdheden voor te schieten.

Munch kreeg ook de woede van zijn vader over zich heen vanwege zijn relatie met Hans Jæger, de plaatselijke nihilist die leefde volgens de code “een passie om te vernietigen is ook een creatieve passie” en die zelfmoord voorstond als de ultieme weg naar vrijheid. Munch raakte in zijn kwaadaardige, anti-establishment ban. “Mijn ideeën ontwikkelden zich onder invloed van de bohémiens, of beter gezegd onder Hans Jæger. Velen hebben ten onrechte beweerd dat mijn ideeën werden gevormd onder invloed van Strindberg en de Duitsers … maar dat is onjuist. Ze waren toen al gevormd.” In die tijd was Munch, in tegenstelling tot veel andere bohémiens, nog steeds respectvol tegenover vrouwen, gereserveerd en welgemanierd, maar hij begon toe te geven aan het comazuipen en de vechtpartijen in zijn kring. De seksuele revolutie van die tijd en de onafhankelijke vrouwen om hem heen verontrustten hem. Later werd hij cynisch over seksuele zaken, wat niet alleen tot uiting kwam in zijn gedrag en zijn kunst, maar ook in zijn geschriften, zoals een lang gedicht met de titel De stad van de vrije liefde. Munch was nog steeds afhankelijk van zijn familie voor veel van zijn maaltijden en zijn relatie met zijn vader bleef gespannen vanwege zorgen over zijn bohemien leven.

Na talrijke experimenten kwam Munch tot de conclusie dat het impressionistische idioom niet voldoende expressie toeliet. Hij vond het oppervlakkig en te veel verwant aan wetenschappelijke experimenten. Hij voelde een behoefte om dieper te gaan en situaties te verkennen die bol stonden van emotionele inhoud en expressieve energie. Onder Jægers gebod dat Munch “zijn leven moest schrijven”, waarmee hij bedoelde dat Munch zijn eigen emotionele en psychologische toestand moest onderzoeken, begon de jonge kunstenaar aan een periode van reflectie en zelfonderzoek, waarbij hij zijn gedachten vastlegde in zijn “dagboek van de ziel”. Dit diepere perspectief hielp hem om tot een nieuwe kijk op zijn kunst te komen. Hij schreef dat zijn schilderij Het zieke kind (1886), gebaseerd op de dood van zijn zus, zijn eerste “zielsschilderij” was, zijn eerste breuk met het impressionisme. Het schilderij kreeg een negatieve reactie van critici en van zijn familie, en veroorzaakte opnieuw een “hevige uitbarsting van morele verontwaardiging” vanuit de gemeenschap.

Alleen zijn vriend Christian Krohg verdedigde hem:

Hij schildert, of liever beschouwt, de dingen op een manier die verschilt van die van andere kunstenaars. Hij ziet alleen het essentiële, en dat is natuurlijk alles wat hij schildert. Daarom zijn de schilderijen van Munch in het algemeen “niet compleet”, zoals de mensen zo graag zelf ontdekken. Oh, ja, ze zijn compleet. Zijn complete handwerk. Kunst is compleet als de kunstenaar werkelijk alles heeft gezegd wat hem bezighield, en dat is nu juist het voordeel dat Munch heeft boven schilders van de andere generatie, dat hij werkelijk weet te laten zien wat hij heeft gevoeld, wat hem heeft aangegrepen, en daaraan al het andere ondergeschikt maakt.

Munch bleef in de jaren 1880 en begin jaren 1890 een verscheidenheid aan penseelstreektechnieken en kleurpaletten gebruiken, terwijl hij worstelde om zijn stijl te definiëren. Zijn idioom bleef schommelen tussen naturalistisch, zoals te zien in Portret van Hans Jæger, en impressionistisch, zoals in Rue Lafayette. Zijn Inger On the Beach (1889), dat een nieuwe storm van verwarring en controverse veroorzaakte, geeft een hint naar de vereenvoudigde vormen, zware contouren, scherpe contrasten en emotionele inhoud van zijn volwassen stijl die nog zou komen. Hij begon zijn composities zorgvuldig te berekenen om spanning en emotie te creëren. Hoewel stilistisch beïnvloed door de Post-Impressionisten, ontwikkelde zich een onderwerp met een symbolistische inhoud, die eerder een gemoedstoestand uitbeeldde dan een externe realiteit. In 1889 presenteerde Munch zijn eerste solotentoonstelling van bijna al zijn werken tot dan toe. De erkenning die hij kreeg leidde tot een tweejarige staatsbeurs om in Parijs te studeren bij de Franse schilder Léon Bonnat.

Munch schijnt een vroege criticus te zijn geweest van de fotografie als kunstvorm, en merkte op dat het “nooit zal wedijveren met het penseel en het palet, totdat er foto”s kunnen worden genomen in Hemel of Hel!”

Munch”s jongere zus Laura was het onderwerp van zijn interieur Melancholie uit 1899: Laura. Amanda O”Neill zegt over het werk: “In deze verhitte claustrofobische scène portretteert Munch niet alleen Laura”s tragedie, maar ook zijn eigen angst voor de waanzin die hij zou kunnen hebben geërfd.”

Lees ook: geschiedenis – Habsburgse monarchie

Parijs

Munch arriveerde in Parijs tijdens de festiviteiten van de Exposition Universelle (1889) en trok in bij twee Noorse collega-kunstenaars. Zijn schilderij Morning (1884) werd tentoongesteld in het Noorse paviljoen. Hij bracht zijn ochtenden door in Bonnats drukke atelier (waar ook vrouwelijke modellen werkten) en bracht de middagen door op de tentoonstelling, in galeries en musea (waar van studenten werd verwacht dat ze kopieën maakten als een manier om techniek en observatie te leren). Munch toonde weinig enthousiasme voor Bonnats tekenlessen – “Het verveelt en verveelt me – het is afstompend” – maar genoot van het commentaar van de meester tijdens museumtrips.

Munch was gefascineerd door de grote tentoonstelling van moderne Europese kunst, waaronder de werken van drie kunstenaars die invloedrijk zouden blijken: Paul Gauguin, Vincent van Gogh, en Henri de Toulouse-Lautrec-allemaal opmerkelijk voor de manier waarop ze kleur gebruikten om emotie over te brengen. Munch werd vooral geïnspireerd door Gauguin”s “reactie tegen het realisme” en zijn credo dat “kunst mensenwerk is en geen imitatie van de natuur”, een overtuiging die eerder door Whistler was verkondigd. Zoals een van zijn Berlijnse vrienden later over Munch zei: “Hij hoeft niet naar Tahiti te gaan om het primitieve in de menselijke natuur te zien en te ervaren. Hij draagt zijn eigen Tahiti in zich.” Onder invloed van Gauguin en de etsen van de Duitse kunstenaar Max Klinger, experimenteerde Munch met prenten als medium om grafische versies van zijn werken te maken. In 1896 maakte hij zijn eerste houtsneden – een medium dat ideaal bleek voor Munchs symbolische beeldtaal. Samen met zijn tijdgenoot Nikolai Astrup wordt Munch beschouwd als een vernieuwer van het houtsnijkunstmedium in Noorwegen.

In december 1889 overleed zijn vader, waardoor Munchs familie berooid achterbleef. Hij keerde terug naar huis en regelde een grote lening van een rijke Noorse verzamelaar toen rijke familieleden niet wilden helpen, en nam vanaf dat moment de financiële verantwoordelijkheid voor zijn gezin op zich. De dood van Christian maakte hem depressief en hij werd geplaagd door zelfmoordgedachten: “Ik leef met de doden – mijn moeder, mijn zus, mijn grootvader, mijn vader…Dood jezelf en dan is het voorbij. Waarom leven?” Munch”s schilderijen van het volgende jaar omvatten schetsmatige kroegtaferelen en een reeks heldere stadsgezichten waarin hij experimenteerde met de pointillistische stijl van Georges Seurat.

Lees ook: biografieen – Michail Gorbatsjov

Berlijn

Tegen 1892 formuleerde Munch zijn karakteristieke, en originele, Synthetistische esthetiek, zoals te zien is in Melancholie (1891), waarin kleur het element met symbolen is. Melancholie, door de kunstenaar en journalist Christian Krohg beschouwd als het eerste symbolistische schilderij van een Noorse kunstenaar, werd in 1891 tentoongesteld op de Herfsttentoonstelling in Oslo. In 1892 nodigde Adelsteen Normann, namens de Unie van Berlijnse Kunstenaars, Munch uit om te exposeren op de November-tentoonstelling, de eerste solotentoonstelling van de vereniging. Zijn schilderijen riepen echter bittere controverse op (ook wel “De Munch affaire” genoemd), en na een week werd de tentoonstelling gesloten. Munch was blij met de “grote opschudding”, en schreef in een brief: “Nooit heb ik me zo geamuseerd – het is ongelooflijk dat zoiets onschuldigs als schilderen zo”n opschudding heeft veroorzaakt.

In Berlijn raakte Munch betrokken bij een internationale kring van schrijvers, kunstenaars en critici, waaronder de Zweedse dramaturg en vooraanstaand intellectueel August Strindberg, die hij in 1892 schilderde. Hij ontmoette ook de Deense schrijver en schilder Holger Drachmann, die hij in 1898 schilderde. Drachmann was 17 jaar ouder dan Munch en in 1893-94 een drinkebroer bij Zum schwarzen Ferkel. In 1894 schreef Drachmann over Munch: “Hij worstelt hard. Veel geluk met je strijd, eenzame Noor.”

Gedurende zijn vier jaar in Berlijn, schetste Munch de meeste ideeën die zijn belangrijkste werk zouden vormen, The Frieze of Life, eerst ontworpen voor boekillustratie maar later uitgedrukt in schilderijen. Hij verkocht weinig, maar verdiende wat inkomsten door entreegelden te vragen voor zijn controversiële schilderijen. Munch gaf al blijk van tegenzin om afstand te doen van zijn schilderijen, die hij zijn “kinderen” noemde.

Zijn andere schilderijen, waaronder casinoscènes, vertonen een vereenvoudiging van vorm en detail die zijn vroege, volwassen stijl kenmerkte. Munch begon ook de voorkeur te geven aan een ondiepe picturale ruimte en een minimale achtergrond voor zijn frontale figuren. Omdat poses werden gekozen om de meest overtuigende beelden van gemoedstoestanden en psychologische omstandigheden te produceren, zoals in Ashes, geven de figuren een monumentale, statische kwaliteit. Munch”s figuren lijken rollen te spelen op een theaterpodium (aangezien elk personage een enkele psychologische dimensie belichaamt, zoals in De schreeuw, begonnen Munch”s mannen en vrouwen meer symbolisch dan realistisch te lijken. Hij schreef: “Niet langer zouden interieurs moeten worden geschilderd, mensen die lezen en vrouwen die breien: er zouden levende mensen zijn, ademend en voelend, lijdend en liefhebbend.”

Lees ook: gevechten – Slag bij Marathon

De Schreeuw

De Schreeuw bestaat in vier versies: twee pastels (1893 en 1895) en twee schilderijen (1893 en 1910). Er bestaan ook verschillende lithografieën van De schreeuw (1895 en later).

Het pastel uit 1895 werd op 2 mei 2012 geveild voor US$119.922.500, inclusief commissie. Het is de kleurrijkste van de versies en onderscheidt zich door de naar beneden gerichte houding van een van de achtergrondfiguren. Het is ook de enige versie die niet in het bezit is van een Noors museum.

De versie uit 1893 werd in 1994 uit de National Gallery in Oslo gestolen en teruggevonden. Het schilderij uit 1910 werd in 2004 uit het Munch Museum in Oslo gestolen, maar in 2006 met beperkte schade teruggevonden.

De Schreeuw is het beroemdste werk van Munch, en een van de meest herkenbare schilderijen in de kunst. Het is algemeen geïnterpreteerd als een voorstelling van de universele angst van de moderne mens. Geschilderd met brede stroken van schreeuwerige kleuren en sterk vereenvoudigde vormen, en gebruikmakend van een hoog gezichtspunt, reduceert het de gekwelde figuur tot een geklede schedel in de greep van een emotionele crisis.

Met dit schilderij bereikte Munch zijn verklaarde doel van “de studie van de ziel, d.w.z. de studie van mijn eigen ik”. Munch schreef over hoe het schilderij tot stand kwam: “Ik liep op de weg met twee vrienden toen de zon onderging; plotseling werd de lucht zo rood als bloed. Ik stopte en leunde tegen het hek, ik voelde me onuitsprekelijk moe. Tongen van vuur en bloed strekten zich uit over de blauwzwarte fjord. Mijn vrienden liepen verder, terwijl ik rillend van angst achterbleef. Toen hoorde ik de enorme, oneindige schreeuw van de natuur.” Later beschreef hij de persoonlijke angst achter het schilderij: “Gedurende verscheidene jaren was ik bijna gek… Je kent mijn schilderij, ”De Schreeuw?” Ik was tot het uiterste gespannen – de natuur schreeuwde in mijn bloed… Daarna gaf ik de hoop op om ooit nog lief te kunnen hebben.”

In 2003, toen ze het schilderij vergeleek met andere grote werken, schreef kunsthistorica Martha Tedeschi:

Whistlers Mother, Woods American Gothic, Leonardo da Vinci”s Mona Lisa en Edvard Munchs De Schreeuw hebben allemaal iets bereikt wat de meeste schilderijen – ongeacht hun kunsthistorisch belang, schoonheid of geldelijke waarde – niet hebben bereikt: zij communiceren vrijwel onmiddellijk een specifieke betekenis aan bijna elke toeschouwer. Deze weinige werken hebben met succes de overgang gemaakt van het elitaire rijk van de museumbezoeker naar het enorme trefpunt van de populaire cultuur.

Lees ook: biografieen – Jean Dubuffet

Frieze van het leven – een gedicht over leven, liefde en dood

In december 1893 vond in Unter den Linden in Berlijn een tentoonstelling plaats van het werk van Munch, met onder andere zes schilderijen met de titel Study for a Series: Liefde. Hiermee begon een cyclus die hij later de “Frieze des Levens” noemde – een gedicht over leven, liefde en dood. De motieven van de Frieze of Life, zoals De storm en het maanlicht, zijn doordrenkt van sfeer. Andere motieven belichten de nachtelijke kant van de liefde, zoals Roos en Amelie en Vampier. In Dood in de ziekenkamer is de dood van zijn zuster Sophie het onderwerp, dat hij in vele latere variaties herwerkte. De dramatische focus van het schilderij, waarop zijn hele familie is afgebeeld, wordt verstrooid in de afzonderlijke en losgekoppelde figuren van verdriet. In 1894 breidde hij het spectrum van motieven uit door de toevoeging van Angst, As, Madonna en Vrouwen in drie stadia (van onschuld tot ouderdom).

Rond het begin van de 20e eeuw werkte Munch aan de voltooiing van de “Frieze”. Hij schilderde een aantal schilderijen, waarvan een aantal op groter formaat en tot op zekere hoogte met de Art Nouveau-esthetiek van die tijd. Voor het grote schilderij Metabolisme (1898), dat aanvankelijk Adam en Eva heette, maakte hij een houten lijst met gebeeldhouwde reliëfs. Uit dit werk blijkt Munch”s preoccupatie met de “val van de mens” en zijn pessimistische filosofie over de liefde. Motieven als Het lege kruis en Golgotha (beide ca. 1900) getuigen van een metafysische oriëntatie en weerspiegelen ook Munch”s piëtistische opvoeding. Het gehele Fries werd voor het eerst getoond op de secessionistische tentoonstelling in Berlijn in 1902.

Thema”s uit “Het levenspad” komen overal in Munchs werk terug, maar hij concentreerde zich er vooral op in het midden van de jaren 1890. In schetsen, schilderijen, pastels en prenten diepte hij zijn gevoelens uit om zijn belangrijkste motieven te onderzoeken: de stadia van het leven, de femme fatale, de hopeloosheid van de liefde, angst, ontrouw, jaloezie, seksuele vernedering, en scheiding in leven en dood. Deze thema”s komen tot uiting in schilderijen als Het zieke kind (1893-94), As (1894), en De brug. Het laatste schilderij toont slappe figuren met gezichtsloze of verborgen gezichten, waarboven de dreigende vormen van zware bomen en dreigende huizen opdoemen. Munch portretteerde vrouwen ofwel als tere, onschuldige lijders (zie Puberteit en Liefde en pijn) of als de oorzaak van groot verlangen, jaloezie en wanhoop (zie Scheiding, Jaloezie en As).

Munch gebruikt vaak schaduwen en ringen van kleur rond zijn figuren om een aura van angst, dreiging, bezorgdheid, of seksuele intensiteit te benadrukken. Deze schilderijen zijn geïnterpreteerd als reflecties van de seksuele angsten van de kunstenaar, maar men zou ook kunnen stellen dat ze zijn turbulente relatie met de liefde zelf en zijn algemeen pessimisme over het menselijk bestaan weergeven. Veel van deze schetsen en schilderijen werden in verschillende versies gemaakt, zoals Madonna, Handen en Puberteit, en ook overgeschreven als houtblokdrukken en litho”s. Munch haatte het om afstand te doen van zijn schilderijen, omdat hij zijn werk beschouwde als één enkel lichaam van expressie. Dus om zijn productie te kapitaliseren en wat inkomsten te verwerven, wendde hij zich tot de grafische kunsten om veel van zijn schilderijen te reproduceren, waaronder die in deze serie. Munch gaf toe aan de persoonlijke doelen van zijn werk, maar hij bood zijn kunst ook aan een breder doel aan: “Mijn kunst is eigenlijk een vrijwillige bekentenis en een poging om aan mezelf mijn relatie met het leven uit te leggen – het is dus eigenlijk een soort egoïsme, maar ik hoop voortdurend dat ik hierdoor anderen kan helpen helderheid te bereiken.”

Hoewel hij sterk negatieve reacties kreeg, begon Munch in de jaren 1890 enig begrip te krijgen voor zijn artistieke doelen, zoals een criticus schreef: “Met meedogenloze minachting voor vorm, helderheid, elegantie, heelheid en realisme, schildert hij met intuïtieve kracht van talent de meest subtiele visioenen van de ziel.” Een van zijn grote medestanders in Berlijn was Walther Rathenau, later de Duitse minister van Buitenlandse Zaken, die sterk bijdroeg tot zijn succes.

Lees ook: geschiedenis – Derde Franse Republiek

Parijs, Berlijn en Kristiania

In 1896 verhuisde Munch naar Parijs, waar hij zich toelegde op grafische voorstellingen van zijn Frieze des Levens thema”s. Hij ontwikkelde zijn houtsnede en lithografische techniek verder. Munch”s Zelfportret met skeletarm (1895) is gemaakt met een ets-naald-en-inkt methode die ook door Paul Klee werd gebruikt. Munch maakte ook veelkleurige versies van Het zieke kind, over tuberculose, die goed verkochten, evenals verschillende naakten en meerdere versies van Kus (1892). In mei 1896 hield Siegfried Bing een tentoonstelling van het werk van Munch in Bing”s Maison de l”Art Nouveau. De tentoonstelling toonde zestig werken, waaronder De Kus, De Schreeuw, Madonna, Het zieke kind, De dodenkamer en De dag erna. De tentoonstelling van Bing hielp Munch te introduceren bij een Frans publiek. Toch beschouwden veel Parijse critici het werk van Munch nog steeds als “gewelddadig en brutaal”, ook al kregen zijn tentoonstellingen serieuze aandacht en werden ze goed bezocht. Zijn financiële situatie verbeterde aanzienlijk en in 1897 kocht Munch voor zichzelf een zomerhuis met uitzicht op de fjorden van Kristiania, een kleine vissershut gebouwd aan het eind van de 18e eeuw, in het stadje Åsgårdstrand in Noorwegen. Hij noemde dit huis het “Gelukkige Huis” en keerde hier bijna elke zomer terug gedurende de volgende 20 jaar. Het was deze plek die hij miste als hij in het buitenland was en als hij zich depressief en uitgeput voelde. “Wandelen in Åsgårdstrand is als wandelen tussen mijn schilderijen – ik raak zo geïnspireerd om te schilderen als ik hier ben”.

In 1897 keerde Munch terug naar Kristiania, waar hij ook met tegenzin werd geaccepteerd – een criticus schreef: “Een groot aantal van deze schilderijen is al eerder tentoongesteld. Naar mijn mening worden ze beter bij nadere kennismaking.” In 1899 begon Munch een intieme relatie met Tulla Larsen, een “bevrijde” vrouw uit de hogere klasse. Ze reisden samen naar Italië en na hun terugkeer begon Munch aan een nieuwe vruchtbare periode in zijn kunst, die landschappen omvatte en zijn laatste schilderij in de serie “De fresco”s van het leven”, De dans van het leven (1899). Larsen wilde dolgraag trouwen, en Munch smeekte hem af. Zijn drankgebruik en slechte gezondheid versterkten zijn angsten, zoals hij schreef in de derde persoon: “Van kinds af aan had hij een hekel aan het huwelijk. Zijn zieke en nerveuze thuis had hem het gevoel gegeven dat hij geen recht had om te trouwen.” Munch zwichtte bijna voor Tulla, maar vluchtte in 1900 van haar weg, ook van haar aanzienlijke fortuin, en verhuisde naar Berlijn. Zijn Meisjes op de steiger, gemaakt in achttien verschillende versies, toonde het thema van de vrouwelijke jeugd zonder negatieve connotaties. In 1902 toonde hij zijn werken thematisch in de hal van de Berlijnse Secession, wat “een symfonisch effect teweegbracht – het veroorzaakte een grote opschudding – veel tegenwerking en veel bijval”. De Berlijnse critici begonnen het werk van Munch te waarderen, ook al vond het publiek zijn werk nog steeds vreemd en vreemd.

De goede persaandacht trok Munch de aandacht van invloedrijke mecenassen Albert Kollman en Max Linde. Hij beschreef de wending in zijn dagboek als volgt: “Na twintig jaar strijd en ellende komen eindelijk goede krachten mij in Duitsland te hulp en gaat er een heldere deur voor mij open.” Maar ondanks deze positieve verandering bracht Munchs zelfdestructieve en grillige gedrag hem eerst in een gewelddadige ruzie met een andere kunstenaar, daarna in een toevallige schietpartij in het bijzijn van Tulla Larsen, die was teruggekeerd voor een korte verzoening, waarbij hij twee van zijn vingers verwondde. Munch zaagde later een zelfportret van hem en Larsen doormidden als gevolg van de schietpartij en de daaropvolgende gebeurtenissen. Zij verliet hem uiteindelijk en trouwde met een jongere collega van Munch. Munch beschouwde dit als verraad, en hij bleef nog enige tijd stilstaan bij de vernedering, waarbij hij een deel van de bitterheid kanaliseerde in nieuwe schilderijen. Zijn schilderijen Stilleven (De moordenares) en De dood van Marat I, gemaakt in 1906-07, verwijzen duidelijk naar het schietincident en de emotionele nawerkingen.

In 1903-04 exposeerde Munch in Parijs, waar de opkomende Fauvisten, beroemd om hun gedurfde valse kleuren, waarschijnlijk zijn werken hebben gezien en er wellicht inspiratie uit hebben geput. Toen de Fauves in 1906 hun eigen expositie hielden, werd Munch uitgenodigd en toonde zijn werk samen met dat van hen. Na de beeldhouwkunst van Rodin te hebben bestudeerd, experimenteerde Munch wellicht met plasticine als hulpmiddel bij het ontwerpen, maar hij maakte weinig beeldhouwwerk. In deze periode kreeg Munch veel opdrachten voor portretten en prenten, die zijn meestal precaire financiële toestand verbeterden. In 1906 beschilderde hij het scherm voor een toneelstuk van Ibsen in het kleine Kammerspiele-theater in het Deutsches Theater in Berlijn, waarin het Frieze des Levens was opgehangen. De directeur van het theater, Max Reinhardt, verkocht het later; het bevindt zich nu in de Berlijnse Nationalgalerie. Na een eerdere periode van landschappen, richtte hij in 1907 zijn aandacht weer op menselijke figuren en situaties.

Lees ook: biografieen – Juice WRLD

Pech en herstel

In de herfst van 1908 was Munch”s angst, verergerd door overmatig drankgebruik en vechtpartijen, acuut geworden. Zoals hij later schreef: “Mijn toestand grensde aan waanzin – het was kantje boord.” Onderhevig aan hallucinaties en gevoelens van vervolging, kwam hij in de kliniek van Daniel Jacobson. De therapie die Munch de volgende acht maanden kreeg, bestond uit een dieet en “elektrificatie” (een behandeling die toen in de mode was voor zenuwaandoeningen, niet te verwarren met elektroconvulsietherapie). Munch”s verblijf in het ziekenhuis stabiliseerde zijn persoonlijkheid, en na zijn terugkeer naar Noorwegen in 1909 werd zijn werk kleurrijker en minder pessimistisch. Het grote publiek in Kristiania begon eindelijk warm te lopen voor zijn werk, en musea begonnen zijn schilderijen aan te kopen. Hij werd benoemd tot Ridder in de Koninklijke Orde van St. Olav “voor verdiensten in de kunst”. Zijn eerste Amerikaanse tentoonstelling was in 1912 in New York.

Als onderdeel van zijn herstel adviseerde Dr. Jacobson Munch om alleen met goede vrienden om te gaan en niet in het openbaar te drinken. Munch volgde dit advies op en maakte verschillende portretten van hoge kwaliteit van vrienden en mecenassen – eerlijke portretten zonder vleierij. Hij maakte ook landschappen en scènes van mensen aan het werk en aan het spelen, gebruikmakend van een nieuwe optimistische stijl – brede, losse penseelstreken van levendige kleuren met veelvuldig gebruik van witte ruimte en zeldzaam gebruik van zwart – met slechts af en toe verwijzingen naar zijn morbide thema”s. Met meer inkomsten kon Munch verschillende eigendommen kopen die hem nieuwe vergezichten boden voor zijn kunst en hij was eindelijk in staat om voor zijn gezin te zorgen.

Het uitbreken van de Eerste Wereldoorlog bracht Munch tot verdeeldheid, zoals hij verklaarde: “Al mijn vrienden zijn Duits, maar het is Frankrijk waar ik van hou.” In de jaren dertig verloren zijn Duitse opdrachtgevers, velen joods, hun fortuin en sommigen hun leven tijdens de opkomst van de nazibeweging. Munch vond Noorse drukkers om de Duitsers te vervangen die zijn grafisch werk hadden gedrukt. Gezien zijn slechte gezondheid voelde Munch zich in 1918 gelukkig dat hij een aanval van de Spaanse griep, de wereldwijde pandemie van dat jaar, had overleefd.

Lees ook: biografieen – Georges-Eugène Haussmann

Latere jaren

Munch bracht het grootste deel van zijn laatste twee decennia in eenzaamheid door op zijn bijna zelfvoorzienende landgoed in Ekely, bij Skøyen, Oslo. Veel van zijn late schilderijen zijn geïnspireerd op het boerenleven, waaronder een aantal waarin hij zijn werkpaard “Rousseau” als model gebruikte. Zonder enige moeite trok Munch een gestage stroom vrouwelijke modellen aan, die hij schilderde als onderwerp van talrijke naaktschilderijen. Waarschijnlijk had hij met sommigen van hen een seksuele relatie. Munch verliet af en toe zijn huis om in opdracht muurschilderingen te maken, onder andere voor de chocoladefabriek Freia.

Tot het einde van zijn leven bleef Munch onverbiddelijke zelfportretten schilderen, als aanvulling op zijn zelfonderzoekende cyclus van zijn leven en zijn onverbiddelijke reeks beschouwingen over zijn emotionele en fysieke toestand. In de jaren 1930 en 1940 bestempelden de Nazi”s Munch”s werk als “ontaarde kunst” (samen met dat van Picasso, Klee, Matisse, Gauguin en vele andere moderne kunstenaars) en verwijderden zijn 82 werken uit Duitse musea. Adolf Hitler kondigde in 1937 aan: “Voor onze part kunnen die prehistorische cultuurbarbaren en kunststoters terugkeren naar de grotten van hun voorouders en daar hun primitieve internationale krasserij toepassen.”

In 1940 vielen de Duitsers Noorwegen binnen en de Nazi partij nam de regering over. Munch was 76 jaar oud. Met bijna zijn gehele kunstverzameling op de tweede verdieping van zijn huis, leefde Munch in angst voor een inbeslagname door de Nazi”s. Eenenzeventig van de eerder door de Nazi”s in beslag genomen schilderijen waren door aankoop door verzamelaars naar Noorwegen teruggekeerd (de andere elf zijn nooit teruggevonden), waaronder De schreeuw en Het zieke kind, en ook deze werden voor de Nazi”s verborgen gehouden.

Munch stierf in zijn huis in Ekely bij Oslo op 23 januari 1944, ongeveer een maand na zijn 80ste verjaardag. Zijn door de nazi”s georkestreerde begrafenis deed de Noren vermoeden dat hij een nazi-sympathisant was, een soort toe-eigening van de onafhankelijke kunstenaar. De stad Oslo kocht het landgoed Ekely van Munch”s erfgenamen in 1946; zijn huis werd gesloopt in mei 1960.

Toen Munch stierf, werden zijn overgebleven werken nagelaten aan de stad Oslo, die het Munch Museum in Tøyen bouwde (het museum werd geopend in 1963). Het museum bezit een collectie van ongeveer 1.100 schilderijen, 4.500 tekeningen en 18.000 prenten, de omvangrijkste verzameling van zijn werken ter wereld. Het Munch Museum fungeert als de officiële nalatenschap van Munch; het heeft actief gereageerd op inbreuken op het auteursrecht en heeft het auteursrecht voor het werk opgeheven, zoals de verschijning van Munch”s De Schreeuw in een reclamecampagne van M&M”s in 2006. De vertegenwoordiger van het Munch Museum en de nalatenschap van Edvard Munch voor het auteursrecht in de VS is de Artists Rights Society.

Munch”s kunst was zeer persoonlijk en hij gaf weinig les. Zijn “privé” symboliek was veel persoonlijker dan die van andere Symbolistische schilders zoals Gustave Moreau en James Ensor. Munch was nog steeds zeer invloedrijk, vooral bij de Duitse expressionisten, die zijn filosofie volgden: “Ik geloof niet in de kunst die niet het dwangmatige resultaat is van de drang van de mens om zijn hart te openen.” Veel van zijn schilderijen, waaronder De Schreeuw, hebben naast hun zeer persoonlijke betekenis ook een universele aantrekkingskracht.

De werken van Munch zijn nu vertegenwoordigd in talrijke grote musea en galeries in Noorwegen en daarbuiten. Zijn hut, “het gelukkige huis”, werd in 1944 aan de gemeente Åsgårdstrand geschonken; het doet dienst als een klein Munch-museum. De inventaris is precies zo onderhouden als hij hem heeft achtergelaten.

Een versie van De Schreeuw werd in 1994 uit de National Gallery gestolen. In 2004 werd een andere versie van De Schreeuw, samen met een van Madonna, gestolen uit het Munch Museum tijdens een gewaagde overval bij daglicht. Al deze schilderijen werden uiteindelijk teruggevonden, maar de schilderijen die bij de overval in 2004 werden gestolen, werden zwaar beschadigd. Ze werden zorgvuldig gerestaureerd en zijn opnieuw te zien. In 2005 werden drie werken van Munch gestolen uit de Goden van Hotel Refsnes; zij werden spoedig teruggevonden, hoewel een van de werken tijdens de roof werd beschadigd.

In oktober 2006 vestigde de kleurenhoutsnede Twee mensen. De eenzame (To mennesker. De ensomme) vestigde een nieuw record voor zijn prenten toen het werd verkocht op een veiling in Oslo voor 8,1 miljoen kronen (US$ 1,27 miljoen, wat overeenkomt met $ 1.700.000 in 2021). Het vestigde ook een record voor de hoogste prijs betaald op een veiling in Noorwegen. Op 3 november 2008 vestigde het schilderij Vampire een nieuw record voor zijn schilderijen toen het werd verkocht voor US$38.162.000 (gelijk aan $48.000.000 in 2021) bij Sotheby”s New York.

De afbeelding van Munch staat op het Noorse biljet van 1.000 kroon, samen met afbeeldingen die op zijn kunstwerken zijn geïnspireerd.

In februari 2012 opende een grote Munch-tentoonstelling, Edvard Munch. The Modern Eye, geopend in de Schirn Kunsthalle Frankfurt; de tentoonstelling werd geopend door Mette-Marit, kroonprinses van Noorwegen.

In mei 2012 werd De Schreeuw verkocht voor 119,9 miljoen dollar (gelijk aan 141.500.000 dollar in 2021), en is daarmee het op één na duurste kunstwerk dat ooit op een open veiling is verkocht. (Het werd in november 2013 overtroffen door Three Studies of Lucian Freud, dat voor 142,4 miljoen dollar werd verkocht).

In 2013 werden vier van Munchs schilderijen afgebeeld op een reeks postzegels van de Noorse postdienst, om in 2014 de 150e verjaardag van zijn geboorte te herdenken.

Op 14 november 2016 verkocht een versie van Munch”s De meisjes op de brug voor US$54,5 miljoen (omgerekend $61.500.000 in 2021) bij Sotheby”s, New York, waarmee het de op één na hoogste prijs was die voor een van zijn schilderijen werd behaald.

In april 2019 was in het British Museum de tentoonstelling, Edvard Munch: Love and Angst, bestaande uit 83 kunstwerken en inclusief een zeldzame originele afdruk van De Schreeuw.

Lees ook: geschiedenis – Slag bij Adrianopel (378)

Universitaire Aula

In 1911 ging de uiteindelijke wedstrijd voor de decoratie van de grote muren van de Aula (vergaderzaal) van de Universiteit van Oslo tussen Munch en Emanuel Vigeland. Deze episode staat bekend als de “Aula controverse”. In 1914 kreeg Munch uiteindelijk de opdracht om de Aula te decoreren en het werk werd voltooid in 1916. Dit belangrijke werk in de Noorse monumentale schilderkunst omvat 11 schilderijen die 223 m2 beslaan. De Zon, Geschiedenis en Alma Mater zijn de sleutelwerken in deze reeks. Munch verklaarde: “Ik wilde dat de decoraties een complete en onafhankelijke wereld van ideeën zouden vormen, en ik wilde dat hun visuele expressie zowel onderscheidend Noors als universeel menselijk zou zijn”. In 2014 werd gesuggereerd dat de Aula-schilderijen een waarde hebben van minstens 500 miljoen kronen.

Lees ook: biografieen – Benito Mussolini

Algemene bronnen

Bronnen

1. Edvard Munch
2. Edvard Munch
3. ^ Wells 2008.
4. ^ Eggum 1984, p. 15
5. ^ a b Eggum 1984, p. 16
6. ^ Prideaux 2005, p. 17
7. 4,0 4,1 «Большая советская энциклопедия» (Ρωσικά) The Great Russian Encyclopedia. Μόσχα. 1969. Ανακτήθηκε στις 28  Σεπτεμβρίου 2015.
8. The Fine Art Archive. 7896.
9. James F. Masterson: Search For The Real Self. Unmasking The Personality Disorders Of Our Age, Chapter 12: The Creative Solution: Sartre, Munch, and Wolfe, S. 208–230, Simon and Schuster, New York 1988, ISBN 1451668910, S. 212–213, eingeschränkte Vorschau in der Google-Buchsuche.
10. Tove Aarkrog: Edvard Munch: the life of a person with borderline personality as seen through his art, Lundbeck Pharma A/S, Denmark 1990, ISBN 87-983524-0-7.
11. Albert Rothenberg: Bipolar illness, creativity, and treatmernt. In: The Psychiatric quarterly, Band 72, Nummer 2, 2001, S. 131–147, ISSN 0033-2720, PMID 11433879, doi:10.1023/A:1010367525951.
12. Ulrich Bischoff: Edvard Munch 1863–1944, Bilder vom Leben und vom Tod, Taschen, Köln 2006, ISBN 978-3-8228-6369-5.
13. Nikolaus Bernau: Wo hing Munchs „Lebens-Fries“? Zu dem Bau der Kammerspiele und ihrem berühmtesten Schmuck, in: Roland Koberg, Bernd Stegemann, Henrike Thomsen (Hrsg.): Blätter des Deutschen Theaters. Max Reinhardt und das Deutsche Theater, Henschel, Leipzig 2005, ISBN 3-89487-528-3, S. 65–78, Inhaltsverzeichnis.
14. Lecture de l”œuvre du philosophe par l”influence de Stanislas Przybyszewski, amenant également la rencontre avec la sœur du penseur, Elisabeth Förster, à Weimar. Cette dernière lui commande un portrait à partir d”une photographie familiale quelques années après la disparition de Friedrich à l”asile.
15. Une autre graphie ancienne française est « Christiania ». Il s”agit de la capitale, Oslo.
16. Lionel Richard, « J”aime la vie, la vie, même malade », Beaux Arts, hors-série Edvard Munch, L’œil moderne au Centre Pompidou.
17. Dans ses carnets, cette compagne est nommée par ellipse « Fru L » ou « madame L. ». Le terme « Fru » en norvégien correspond au mot « Frau » (dame) en allemand.