Ellsworth Kelly

gigatos | februari 6, 2022

Post Views: 13

Samenvatting

Ellsworth Kelly (31 mei 1923 – 27 december 2015) was een Amerikaanse schilder, beeldhouwer en graficus die geassocieerd werd met hard-edge schilderkunst, Color Field schilderkunst en minimalisme. Zijn werken tonen onopvallende technieken die de nadruk leggen op lijn, kleur en vorm, vergelijkbaar met het werk van John McLaughlin en Kenneth Noland. Kelly gebruikte vaak felle kleuren. Hij woonde en werkte in Spencertown, New York.

Kelly werd geboren als tweede zoon van drie kinderen van Allan Howe Kelly en Florence Rose Elizabeth (Githens) Kelly in Newburgh, New York, ongeveer 60 mijl ten noorden van New York City. Zijn vader was een directeur van een verzekeringsmaatschappij van Schots-Ierse en Duitse afkomst. Zijn moeder was een voormalig onderwijzeres van Welshe en Pennsylvania Duitse afkomst. Zijn familie verhuisde van Newburgh naar Oradell, New Jersey, een stad met bijna 7.500 inwoners. Zijn familie woonde in de buurt van het Oradell Reservoir, waar zijn grootmoeder van vaderskant hem kennis liet maken met ornithologie toen hij acht of negen jaar oud was.

Daar ontwikkelde hij zijn passie voor vorm en kleur. John James Audubon had een bijzonder sterke invloed op Kelly”s werk gedurende zijn hele carrière. Auteur Eugene Goossen speculeerde dat de twee- en driekleurenschilderijen (zoals Three Panels: Red Yellow Blue, I 1963) waar Kelly zo bekend om staat, terug te voeren zijn op zijn vogelkijken en zijn studie van de twee- en driekleurige vogels die hij al op jonge leeftijd zo vaak zag. Kelly heeft gezegd dat hij als jonge jongen vaak alleen was en een beetje een “eenzaat” werd. Hij stotterde een beetje en dat bleef hij tot in zijn tienerjaren.

Kelly ging naar de openbare school, waar de kunstlessen de nadruk legden op materialen en de ontwikkeling van de “artistieke verbeelding” beoogden. Dit leerplan was typerend voor de bredere tendens in het onderwijs die was voortgekomen uit de progressieve onderwijstheorieën van het Columbia University”s Teacher”s College, waar de Amerikaanse modernistische schilder Arthur Wesley Dow had lesgegeven. Hoewel zijn ouders aarzelden om Kelly”s kunstopleiding te steunen, moedigde zijn schoollerares, Dorothy Lange Opsut, hem aan om verder te gaan. Omdat zijn ouders alleen een technische opleiding wilden betalen, studeerde Kelly eerst aan het Pratt Institute in Brooklyn, waar hij van 1941 tot zijn inlijving in het leger op nieuwjaarsdag 1943 naartoe ging.

Bij zijn indiensttreding in 1943 verzocht Kelly om te worden ingedeeld bij het 603ste genie Camouflage Bataljon, waarvoor vele artiesten nodig waren. Hij werd ingelijfd in Fort Dix, New Jersey en naar Camp Hale, Colorado gestuurd, waar hij met bergskitroepen trainde. Hij had nog nooit geskied. Zes tot acht weken later werd hij overgeplaatst naar Fort Meade, Maryland. Tijdens de Tweede Wereldoorlog diende hij met andere kunstenaars en ontwerpers in een misleidingseenheid die bekend stond als The Ghost Army. De Spooksoldaten gebruikten opblaasbare tanks, vrachtwagens en andere elementen van bedrog om de As-strijdkrachten te misleiden over de richting en de dispositie van de Geallieerde strijdkrachten. Zijn kennismaking met militaire camouflage in de tijd dat hij diende werd onderdeel van zijn basis kunstopleiding. Kelly diende bij de eenheid van 1943 tot het einde van de Europese fase van de oorlog.

Kelly gebruikte de G.I. Bill om van 1946-47 te studeren aan de School of the Museum of Fine Arts, Boston, waar hij profiteerde van de collecties van het museum, en vervolgens aan de École nationale supérieure des Beaux-Arts in Parijs. In Boston exposeerde hij in zijn eerste groepstentoonstelling in de Boris Mirski Gallery en gaf hij kunstlessen in het Norfolk House Center in Roxbury. In Parijs vestigde Kelly zijn esthetiek. Hij volgde niet vaak lessen, maar verdiepte zich in de rijke artistieke bronnen van de Franse hoofdstad. Hij had in 1948 een lezing gehoord van Max Beckmann over de Franse kunstenaar Paul Cézanne en verhuisde dat jaar naar Parijs. Daar ontmoette hij zijn Amerikaanse collega”s John Cage en Merce Cunningham, die experimenteerden met respectievelijk muziek en dans; de Franse surrealistische kunstenaar Jean Arp; en de abstracte beeldhouwer Constantin Brâncuși, wiens vereenvoudiging van natuurlijke vormen een blijvend effect op hem had. De ervaring van het bezoeken van kunstenaars als Alberto Magnelli, Francis Picabia, Alberto Giacometti en Georges Vantongerloo in hun ateliers was transformerend.

Na zes jaar in het buitenland te zijn geweest was Kelly”s Frans nog steeds slecht en had hij slechts één schilderij verkocht. In 1953 werd hij uit zijn atelier gezet en het jaar daarop keerde hij terug naar Amerika. Hij was geïnteresseerd geraakt na het lezen van een recensie van een expositie van Ad Reinhardt, een kunstenaar met wiens werk hij verwantschap voelde. Bij zijn terugkeer in New York vond hij de kunstwereld “erg hard”. Hoewel Kelly nu wordt beschouwd als een essentiële vernieuwer en bijdrager aan de Amerikaanse kunstbeweging, was het voor velen moeilijk om het verband te vinden tussen Kelly”s kunst en de dominante stilistische trends. In mei 1956 had Kelly zijn eerste tentoonstelling in New York City in de galerie van Betty Parsons. Zijn kunst werd beschouwd als meer Europees dan in die tijd populair was in New York. Hij exposeerde opnieuw in haar galerie in de herfst van 1957. Drie van zijn werken: Atlantic, Bar, en Painting in Three Panels, werden geselecteerd voor en getoond in de Whitney Museum of American Art”s tentoonstelling, “Young America 1957″. Zijn werken werden beschouwd als radicaal verschillend van de werken van de andere negenentwintig kunstenaars. Painting in Three Panels, bijvoorbeeld, werd bijzonder opgemerkt; critici trokken destijds in twijfel dat hij een werk had gemaakt van drie doeken. Michael Plante heeft bijvoorbeeld gezegd dat Kelly”s werken met meerdere panelen meestal krap waren door installatiebeperkingen, waardoor de interactie tussen de werken en de architectuur van de ruimte minder werd.

Kelly verhuisde uiteindelijk van Coenties Slip, waar hij soms een studio deelde met collega-kunstenaar en vriendin Agnes Martin, naar de negende verdieping van de hoogbouwstudio

Kelly verliet New York City voor Spencertown in 1970 en kreeg daar gezelschap van zijn partner, fotograaf Jack Shear, in 1984. Van 2001 tot aan zijn dood werkte Kelly in een studio van 20.000 vierkante meter in Spencertown, heringericht en uitgebreid door architect Richard Gluckman. Kelly en Shear verhuisden in 2005 naar de woning die ze tot aan de dood van de schilder deelden, een met hout bekleed koloniaal huis gebouwd rond 1815. Shear is directeur van de Ellsworth Kelly Foundation. In 2015 schonk Kelly zijn ontwerpconcept voor een plek van bezinning aan het Blanton Museum of Art van de University of Texas in Austin. Het stenen gebouw van 2.715 vierkante meter, getiteld Austin, met ramen van gekleurd glas, een totemische houten sculptuur en zwart-wit marmeren panelen, is het enige gebouw dat Kelly heeft ontworpen en is zijn meest monumentale werk. Austin, dat Kelly dertig jaar eerder ontwierp, werd in februari 2018 geopend.

Kelly overleed in Spencertown, New York op 27 december 2015, 92 jaar oud.

Lees ook: biografieen – Cuauhtemoc (tlahtoani)

Schilderen

Terwijl Kelly in Parijs was, bleef hij de figuur schilderen, maar in mei 1949 maakte hij zijn eerste abstracte schilderijen. Terwijl hij observeerde hoe het licht zich over het wateroppervlak verspreidde, schilderde hij Seine (1950), gemaakt van zwarte en witte rechthoeken die door toeval waren gerangschikt. In 1951 begon hij aan een serie van acht collages, getiteld Spectrum Colors Arranged by Chance I to VIII. Hij maakte ze met behulp van genummerde strookjes papier; elk verwees naar een kleur, een van de achttien verschillende tinten die op een raster van 40 bij 40 centimeter moesten worden geplaatst. Elk van de acht collages gebruikte een ander procédé.

Kelly”s ontdekking in 1952 van Monet”s late werk gaf hem een nieuwe vrijheid van schilderkunstige expressie: hij begon te werken op extreem grote formaten en verkende de begrippen serialiteit en monochrome schilderijen. Als schilder werkte hij vanaf dat moment uitsluitend abstract. Tegen het einde van de jaren 1950 legde zijn schilderkunst de nadruk op vorm en vlakke massa”s (waarbij hij vaak niet-rechtlijnige formaten aannam). Zijn werk uit deze periode vormde ook een nuttige brug tussen de Amerikaanse geometrische abstractie van de voorhoede uit de jaren 1930 en begin jaren 1940 en het minimalisme en de reductieve kunst uit het midden van de jaren 1960 en de jaren 1970. Kelly”s reliëfschilderij Blue Tablet (1962), bijvoorbeeld, werd opgenomen in de baanbrekende tentoonstelling Toward a New Abstraction in het Joods Museum in 1963.

In de jaren zestig begon hij te werken met onregelmatig gevormde doeken. Yellow Piece (1966), het eerste gevormde doek van de kunstenaar, vertegenwoordigt Kelly”s cruciale breuk met de rechthoekige drager en zijn herdefiniëring van de figuur van de schilderkunst

In de jaren 1970 voegde hij gebogen vormen toe aan zijn repertoire. Green White (1968) markeert het debuut van de driehoek in Kelly”s oeuvre, een vorm die gedurende zijn hele carrière terugkomt; het schilderij bestaat uit twee afzonderlijke, vormgegeven monochromatische doeken, die boven elkaar zijn aangebracht: een groot, omgekeerd, groen trapezium is verticaal boven een kleinere witte driehoek geplaatst, waardoor een nieuwe geometrische compositie wordt gevormd.

Nadat hij in 1970 New York City had verlaten voor Spencertown, huurde hij een voormalig theater in het nabijgelegen stadje Chatham, waardoor hij kon werken in een atelier dat ruimer was dan alle andere die hij eerder had gebruikt. Na daar een jaar gewerkt te hebben, begon Kelly aan een serie van 14 schilderijen die de Chatham Series zouden worden. Elk werk heeft de vorm van een omgekeerde ell, en bestaat uit twee samengevoegde doeken, elk doek een monochroom van een andere kleur. De werken verschillen van elkaar in verhouding en palet; er werd zorgvuldig aandacht besteed aan de grootte van elk paneel en de gekozen kleur om evenwicht en contrast tussen de twee te bereiken.

Gray, een grotere serie van twaalf werken waaraan Kelly in 1972 begon en die hij pas in 1983 voltooide, was oorspronkelijk bedoeld als een anti-oorlogsverklaring en is kleurloos. In 1979 gebruikte hij curves in tweekleurige schilderijen die uit afzonderlijke panelen bestonden.

In latere schilderijen distilleerde Kelly zijn palet en introduceerde hij nieuwe vormen. In elk werk begon hij met een rechthoekig doek dat hij zorgvuldig beschilderde met vele lagen witte verf; een gevormd doek, meestal zwart geschilderd, wordt er bovenop geplaatst.

Met betrekking tot zijn eigen werk zei Kelly in een interview in 1996: “Ik denk dat wat we allemaal van kunst verlangen een gevoel van vastigheid is, een gevoel van verzet tegen de chaos van het dagelijkse leven. Dit is een illusie, natuurlijk. Canvas rot. Verf verandert van kleur. Maar je blijft proberen om de wereld te bevriezen, alsof je het eeuwig kunt laten duren. In zekere zin heb ik geprobeerd de realiteit van de flux vast te leggen, om kunst een open, onvolledige situatie te laten zijn, om de verrukking van het zien te bereiken.”

Kelly merkte op: “Ik realiseerde me dat ik geen foto”s wilde samenstellen… ik wilde ze vinden. Ik voelde dat mijn visie bestond uit het kiezen van dingen die er in de wereld waren en ze te presenteren. Voor mij was het onderzoek van de waarneming het meest interessant. Er was zoveel te zien, en het zag er allemaal fantastisch uit voor mij.”

Lees ook: gevechten – Slag bij Pavia (1525)

Litho”s en tekeningen

Kelly maakte tekeningen van planten en bloemen vanaf het einde van de jaren 1940. Ailanthus (1948) is de eerste plantentekening die hij in Boston maakte, Hyacinth (1949) was de eerste die hij maakte toen hij in Parijs was. Vanaf 1949, toen hij in Parijs woonde (en in zijn onderwerpkeuze beïnvloed werd door Henri Matisse en Jean Arp) begon hij eenvoudige vormen van planten en zeewier te tekenen. De plantstudies zijn voor het grootste deel contourtekeningen van bladeren, stengels en bloemen, gemaakt met schone potlood- of pennestreken en gecentreerd op de pagina.

In het midden van de jaren zestig gaat hij zich meer toeleggen op de prentkunst, met de productie van zijn Suite van zevenentwintig lithografieën (1964-66) bij Maeght Éditeur in Parijs. Het is in die periode dat hij zijn eerste groep plantenlitho”s creëert. Vanaf 1970 werkte hij voornamelijk samen met Gemini G.E.L.. Zijn eerste reeks van 28 transferlitho”s, getiteld Suite van plantenlitho”s, vormde het begin van een corpus dat zou uitgroeien tot 72 prenten en talloze tekeningen van gebladerte. In 1971 voltooide hij bij Gemini G.E.L. vier edities van prenten en een editie van de meervoudige Gespiegelde Concorde. Zijn Purper

Lees ook: geschiedenis – Pestepidemie in Marseille (1720)

Beeldhouwwerk

Hoewel Kelly misschien beter bekend is om zijn schilderijen, heeft hij gedurende zijn hele carrière ook aan beeldhouwkunst gedaan. In 1958 ontwierp Kelly een van zijn eerste houten sculpturen, Concorde Relief I (1958), een bescheiden wandreliëf in iepenhout, dat het visuele spel en evenwicht verkent tussen twee rechthoekige vormen die op elkaar zijn gelaagd, waarbij de bovenste de rechterbovenhoek en de linkerbenedenhoek heeft verwijderd. Tijdens zijn carrière maakte hij 30 sculpturen in hout. Vanaf 1959 maakte hij vrijstaande gevouwen sculpturen. De Rocker-serie begon in 1959 na Kelly”s terloopse gesprek met Agnes Martin, die onder hem woonde op Coenties Slip in Lower Manhattan. Spelend met de papieren bovenkant van een meeneemkoffiebeker, sneed en vouwde Kelly een deel van het ronde object, dat hij vervolgens op tafel zette en heen en weer wiegde. Kort daarna bouwde hij zijn eerste sculptuur-in-de-ronde, Pony. De titel verwijst naar een kinderpaardje met gebogen schommelpoten.

In 1973 begon Kelly regelmatig grootschalige buitenbeelden te maken. Kelly liet beschilderde oppervlakken achter zich en koos in plaats daarvan voor ongelakt staal, aluminium of brons, vaak in totemachtige configuraties zoals Curve XXIII (1981). Terwijl de totemvormen van zijn vrijstaande sculpturen tot 2 meter hoog kunnen zijn, kunnen zijn wandreliëfs meer dan 2 meter breed zijn. Kelly”s beeldhouwkunst “is gebaseerd op het vasthouden aan absolute eenvoud en helderheid van vorm”. Voor zijn sculpturen uit de jaren tachtig, in deze periode van zijn verblijf in Spencertown, besteedde de kunstenaar voor het eerst evenveel energie aan zijn sculpturen als aan zijn schilderkunst, en produceerde daarbij meer dan zestig procent van zijn in totaal 140 sculpturen.

Kelly creëerde zijn stukken door een opeenvolging van ideeën over verschillende vormen. Het kan zijn dat hij begon met een tekening, de tekening verbeterde tot een afdruk, de afdruk nam en er een vrijstaand stuk van maakte, dat vervolgens tot een sculptuur werd verwerkt. Zijn sculpturen zijn bedoeld om heel eenvoudig te zijn en snel bekeken te worden, vaak maar in één oogopslag. De toeschouwer ziet gladde, platte vlakken die losstaan van de ruimte die hen omringt. Dit gevoel van vlakheid en minimalisme maakt het moeilijk om het verschil te zien tussen de voorgrond en de achtergrond. Kelly”s Blue Disc werd opgenomen in de baanbrekende tentoonstelling van 1966 in het Joods Museum in New York, getiteld Primary Structures, samen met vele veel jongere kunstenaars die net begonnen te werken met minimale vormen.

Lees ook: biografieen – Clyfford Still

Stijl

William Rubin merkte op dat “Kelly”s ontwikkeling resoluut innerlijk gericht was: noch een reactie op het Abstract Expressionisme, noch het resultaat van een dialoog met zijn tijdgenoten”. Veel van zijn schilderijen bestaan uit een enkele (meestal heldere) kleur, waarbij sommige doeken een onregelmatige vorm hebben, soms “shaped canvases” genoemd. De kwaliteit van de lijn in zijn schilderijen en in de vorm van zijn gevormde doeken is zeer subtiel, en impliceert perfectie. Dit blijkt uit zijn werk Block Island Study (1959).

Invloeden

Kelly”s achtergrond in het leger is gesuggereerd als een bron van de ernst van zijn werken. Tijdens zijn diensttijd in het leger werd Kelly blootgesteld aan en beïnvloed door de camouflage waarmee zijn specifieke bataljon werkte. Dit leerde hem over het gebruik van vorm en schaduw, en ook over de constructie en deconstructie van het zichtbare. Het was fundamenteel voor zijn vroege opleiding als kunstenaar. Ralph Coburn, een vriend van Kelly uit Boston, introduceerde hem in de techniek van het automatisch tekenen toen hij op bezoek was in Parijs. Kelly omarmde deze techniek om een beeld te maken zonder naar het blad papier te kijken. Deze technieken hielpen Kelly in het versoepelen van zijn tekenstijl en verbreedde zijn acceptatie van wat hij als kunst beschouwde. Tijdens zijn laatste jaar in Parijs was Kelly ziek en leed hij ook aan depressies; Sims dacht dat dit van invloed was op zijn overheersende gebruik van zwart en wit in die periode.

Kelly”s bewondering voor Henri Matisse en Pablo Picasso komt duidelijk naar voren in zijn werk. Door hun inspiratie trainde hij zichzelf om de dingen op verschillende manieren te bekijken en in verschillende media te werken. Piet Mondriaan beïnvloedde de niet-objectieve vormen die hij gebruikte in zowel zijn schilderijen als zijn beeldhouwwerken. Kelly werd voor het eerst beïnvloed door de kunst en architectuur van de Romaanse en Byzantijnse tijdperken toen hij in Parijs studeerde. Zijn kennismaking met het surrealisme en het neoplasticisme beïnvloedde zijn werk en bracht hem ertoe de abstractie van geometrische vormen uit te proberen.

Curating

In 2014 organiseerde Kelly een tentoonstelling van Matisse tekeningen in het Mount Holyoke College Art Museum in South Hadley, Massachusetts. In 2015 was hij curator van “Monet

In 1990 was Kelly curator van de tentoonstelling, “Artist”s Choice: Ellsworth Kelly Fragmentation and the Single Form,” in het Museum of Modern Art.

In 1956 ontmoette hij Robert Indiana die in hetzelfde gebouw kwam wonen en zij werden partners. Kelly werd zijn mentor. Rond 1964 gingen ze uit elkaar. Een van de redenen was Indiana”s gebruik van woorden in zijn schilderijen en Kelly vond een dergelijke techniek geen hoge kunst waardig.

Van 1984 tot aan zijn dood leefde Kelly samen met zijn echtgenoot, fotograaf Jack Shear, die directeur is van de Ellsworth Kelly Foundation.

Kelly”s eerste solotentoonstelling vond plaats in de Galerie Arnaud, Parijs, in 1951. Zijn eerste solotentoonstelling in New York vond plaats in de Betty Parsons Gallery in 1956. In 1957 nam hij deel aan een groepstentoonstelling in de Ferus Gallery in Los Angeles. In 1959 werd hij opgenomen in de baanbrekende tentoonstelling van het Museum of Modern Art, Sixteen Americans. Kelly werd uitgenodigd om te exposeren op de Biënnale van São Paulo in 1961. Zijn werk werd later opgenomen in de documenta van 1964, 1968, 1977 en 1992. Een zaal met zijn schilderijen werd opgenomen in de Biënnale van Venetië in 2007.

Kelly”s eerste retrospectieve tentoonstelling werd gehouden in het Museum of Modern Art in 1973. Sindsdien werd zijn werk erkend in talrijke retrospectieve tentoonstellingen, waaronder een beeldententoonstelling in het Whitney Museum of American Art in New York in 1982; een tentoonstelling van werken op papier en een tentoonstelling van zijn drukwerk die van 1987-88 uitgebreid door de Verenigde Staten en Canada reisde; en een retrospectieve in 1996 georganiseerd door het Solomon R. Guggenheim Museum, die reisde naar het Museum of Contemporary Art in Los Angeles, de Tate Gallery in Londen, en het Haus der Kunst in München. Sindsdien zijn er solotentoonstellingen van Kelly”s werk geweest in het Metropolitan Museum of Art in New York (1998), Fogg Art Museum in Cambridge (1999), San Francisco Museum of Modern Art (1988

In 1993 organiseerde de Galerie nationale du Jeu de Paume in Parijs de tentoonstelling “Ellsworth Kelly: The French Years, 1948-54,” gebaseerd op de relatie van de kunstenaar met de stad, die doorreisde naar de National Gallery of Art, Washington D.C.; in 2008 eerde het Musée d”Orsay Kelly met de tentoonstelling “Correspondences: Paul Cézanne Ellsworth Kelly”. Haus der Kunst toonde in 2012 de eerste omvangrijke overzichtstentoonstelling van Kelly”s zwart-wit werken.

Ter gelegenheid van de 90ste verjaardag van de kunstenaar in 2013 organiseerde de National Gallery of Art in Washington een tentoonstelling van zijn prenten; de Barnes Foundation in Philadelphia stelde vijf beeldhouwwerken samen in een show; de Phillips Collection in Washington stelde zijn paneelschilderijen tentoon; en het Museum of Modern Art opende een show van de “Chatham Series”.

Lees ook: biografieen – Camille Pissarro

Geselecteerde solotentoonstellingen

In 1957 kreeg Kelly de opdracht om een 65 voet lange wandsculptuur te maken voor het Transportation Building in Penn Center in Philadelphia, zijn grootste werk tot dan toe. De sculptuur, getiteld Sculpture for a Large Wall (1957), werd grotendeels vergeten en uiteindelijk ontmanteld. Kelly heeft sindsdien vele openbare opdrachten uitgevoerd, waaronder Wright Curve (1966), een stalen sculptuur ontworpen voor permanente installatie in het Peter B. Lewis Theater van het Guggenheim; een muurschildering voor het UNESCO hoofdkwartier in Parijs in 1969; Curve XXII (een opdracht van I. M. Pei voor het Raffles City-gebouw in Singapore; de Houston Triptych, verticale bronzen vlakken gemonteerd op een hoog beton in het Museum of Fine Arts, Houston, in 1986; Totem (de Dallas Panels), een beeldhouwwerk uit 1989 voor het hoofdkantoor van Nestlé in Vevey, Zwitserland; Gaul (een tweedelig gedenkteken voor het United States Holocaust Memorial Museum, Washington, D.C., in 1993; en grootschalige Berlijnse panelen voor de Deutscher Bundestag, Berlijn, in 1998. Voor het John Joseph Moakley United States Courthouse (ontworpen door Henry N. Cobb) in Boston ontwierp hij The Boston Panels, 21 briljant gekleurde aluminium panelen die in de centrale rotunda als één enkel werk door het hele gebouw zijn aangebracht.

Kelly”s twee-luik Blue Black (2001), 28 voet hoog en gemaakt van beschilderd honingraat aluminium, werd besteld voor de Pulitzer Arts Foundation, St. Louis, en het grootschalige brons Untitled (2005) werd speciaal besteld voor de binnenplaats van de Phillips Collection. In 2005 kreeg Kelly de opdracht voor het enige site-specifieke werk voor de moderne vleugel van het Art Institute of Chicago van Renzo Piano. Hij creëerde White Curve, de grootste wandsculptuur die hij ooit heeft gemaakt en die sinds 2009 te zien is. Kelly installeerde Berlin Totem, een sculptuur van 40 voet in roestvrij staal, op de binnenplaats van de Ambassade van de Verenigde Staten, Berlijn, in 2008. Later maakte hij een gordijn, Spectrum VIII (2014), bestaande uit 12 gekleurde stroken, voor het auditorium van de Louis Vuitton Foundation in Parijs.

In 1986 ontwierp Kelly zijn eerste vrijstaande gebouw voor een particuliere verzamelaar, maar het werd nooit gerealiseerd. Pas in 2015 verwierf het Blanton Museum of Art zijn ontwerp voor een stenen gebouw van 2.715 vierkante meter, inclusief 14 zwart-witte marmeren panelen en ramen van gekleurd glas, met de bedoeling het te bouwen op het terrein van het museum aan de Universiteit van Texas, Austin. Het gebouw werd op 18 februari 2018 voor het publiek geopend. Een werk van kunst en architectuur, Austin, wordt beschouwd als het hoogtepunt van Kelly”s carrière.

Kelly kreeg in 1968 de opdracht een groot buitenbeeld te maken voor de Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection in Albany, NY. De sculptuur met de titel Yellow Blue was geïnspireerd op de omgeving van het Empire State Plaza en is Kelly”s grootste staande sculptuur van negen voet hoog en bijna zestien voet in doorsnee. Yellow Blue was zijn eerste stalen sculptuur en is tot op heden de enige in beschilderd staal.

In 1957 kocht het Whitney Museum of American Art een schilderij, Atlantic, dat twee witte golfachtige bogen afbeeldde tegen effen zwart; het was Kelly”s eerste museumaankoop. Tegenwoordig bevindt zijn werk zich in vele openbare collecties, waaronder die van het Centre Pompidou, Parijs, het Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, de gouverneur Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection, Albany, NY, en Tate Modern, Londen. In 1999 kondigde het San Francisco Museum of Modern Art aan dat het 22 werken, schilderijen, wandreliëfs en sculpturen, van Ellsworth Kelly had gekocht. Ze zijn getaxeerd op meer dan 20 miljoen dollar. In 2003 ontving de Menil Collection Kelly”s Tablet, 188 ingelijste werken op papier, waaronder schetsen, werktekeningen en collages. Bekende privéverzamelaars zijn onder meer Eli Broad en Gwyneth Paltrow.

Kelly heeft ook talrijke eredoctoraten ontvangen, onder meer van Bard College (Harvard University, Cambridge) en Williams College (2005).

Lees ook: biografieen – Edward John Smith

Kelly postzegels

De United States Postal Service kondigde in januari 2019 aan dat een set postzegels ter ere van Kelly”s kunstwerken in 2019 zou worden uitgegeven. Het persbericht van USPS erkent Kelly”s pionierswerk van een “kenmerkende stijl van abstractie gebaseerd op reële elementen teruggebracht tot hun essentiële vormen.” Tien werken zijn vertegenwoordigd, waaronder Yellow White, Colors for a Large Wall, Blue Red Rocker, Spectrum I, South Ferry, Blue Green, Orange Red Relief (voor Delphine Seyrig), Meschers, Red Blue en Gaza. De set postzegels zal op 31 mei 2019 worden uitgegeven.

De handelaar Betty Parsons bood hem voor het eerst een solotentoonstelling aan in 1956. In 1965, na bijna een decennium bij Parsons, begon hij te exposeren bij de Sidney Janis Gallery. In de jaren 1970 en 1980 werd zijn werk gezamenlijk behandeld door Leo Castelli en Blum Helman in New York. In 1992 sloot hij zich aan bij de Matthew Marks Gallery, New York en Los Angeles, en de Anthony d”Offay Gallery in Londen. De gevel van Marks” galerie in Los Angeles is geïnspireerd op Study for Black and White Panels, een collage die hij maakte toen hij in 1954 in Parijs woonde, en een schilderij, Black Over White. Vanaf 1964 produceerde hij prints en beeldhouwwerken in oplage bij Gemini G.E.L. in Los Angeles en Tyler Graphics Ltd in de buurt van New York City.

In 2014 verkocht Kelly”s schilderij Red Curve (1982) op een veiling voor 4,5 miljoen dollar bij Christie”s New York. Dat veilingrecord voor een werk van Ellsworth Kelly werd gevestigd door het 13-delige schilderij Spectrum VI (1969), dat voor $ 5,2 miljoen werd verkocht bij Sotheby”s New York, Contemporary Art Evening sale, 14 november 2007.

In nov 2019 vestigde Christie”s een veilingrecord voor de kunstenaar met het werk Red Curve VII, verkocht voor een bedrag van $9,8miljoen.

Bronnen