Franz Kline
gigatos | januari 24, 2022
Samenvatting
Franz Kline (23 mei 1910 – 13 mei 1962) was een Amerikaanse schilder. Hij wordt geassocieerd met de abstract expressionistische beweging van de jaren 1940 en 1950. Kline, samen met andere actie schilders zoals Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell, John Ferren, en Lee Krasner, alsmede plaatselijke dichters, dansers, en musici werden bekend als de informele groep, de New York School. Hoewel hij dezelfde vernieuwingen in de schilderkunst toepaste als de andere kunstenaars in deze groep, is Kline”s werk op zichzelf staand en wordt het al sinds de jaren 1950 vereerd.
Kline werd geboren in Wilkes-Barre, een kleine steenkoolmijngemeente in Oost-Pennsylvania. Toen hij zeven jaar oud was, pleegde Kline”s vader zelfmoord. Tijdens zijn jeugd verhuisde hij naar Lehighton, Pennsylvania en studeerde af aan de Lehighton High School. Zijn moeder hertrouwde later en stuurde hem naar het Girard College, een academie in Philadelphia voor vaderloze jongens. Na de middelbare school studeerde Kline van 1931 tot 1935 kunst aan de Boston University en bracht daarna een jaar door in Engeland aan de Heatherley School of Fine Art in Londen. In die tijd ontmoette hij zijn toekomstige vrouw, Elizabeth V. Parsons, een Britse balletdanseres. Zij keerde met Kline terug naar de Verenigde Staten in 1938.
Na zijn terugkeer op het platteland werkte Kline als ontwerper voor een warenhuis in de staat New York. Vervolgens verhuisde hij in 1939 naar New York City en werkte voor een decorontwerper. Het was tijdens deze periode in New York dat Kline zijn artistieke technieken ontwikkelde en erkenning kreeg als een belangrijk kunstenaar.
Later gaf hij les aan een aantal instellingen, waaronder Black Mountain College in North Carolina en het Pratt Institute in Brooklyn. Hij bracht de zomers van 1956 tot 1962 schilderend door in Provincetown, Massachusetts, en overleed in 1962 in New York City aan een reumatische hartkwaal, tien dagen voor zijn 52ste verjaardag.
Lees ook: biografieen – Jacques de Molay
Vroeg werk
Kline”s artistieke opleiding was gericht op traditioneel illustreren en tekenen. Tijdens de late jaren 1930 en vroege jaren 1940 werkte Kline figuratief, schilderde hij landschappen en stadsgezichten naast portretten en muurschilderingen in opdracht. Zijn individuele stijl is voor het eerst te zien in de muurschilderingen serie Hot Jazz, die hij maakte voor de Bleecker Street Tavern in Greenwich Village in 1940.
De serie onthulde zijn interesse in het uitsplitsen van representatieve vormen in snelle, rudimentaire penseelstreken.
De persoonlijke stijl die hij in deze periode ontwikkelde, waarbij hij vereenvoudigde vormen gebruikte, werd steeds abstracter. Veel van de figuren die hij afbeeldde zijn gebaseerd op de locomotieven, grimmige landschappen en grote mechanische vormen van zijn geboortestreek, de steenkoolwinning in Pennsylvania. Dit is voor de kijker soms alleen duidelijk omdat de werken naar die plaatsen en voorwerpen zijn genoemd, niet omdat ze daadwerkelijk op het onderwerp lijken. Onder invloed van de hedendaagse kunstscène in New York werkte Kline verder aan abstractie en verliet hij uiteindelijk het representationalisme. Vanaf het einde van de jaren 1940 begon Kline zijn figuratieve onderwerpen te veralgemenen in lijnen en vlakken die in elkaar pasten, zoals de werken van het kubisme uit die tijd.
In 1946 gaf de Lehighton, Pennsylvania Post van het Amerikaanse Legioen Kline de opdracht om een groot doek te maken met een afbeelding van de stad waar hij op de middelbare school had gezeten. De muurschildering Lehighton werd in 2016 van de post van het Amerikaanse legioen verworven door het Allentown Art Museum in Allentown, Pennsylvania en is daar vandaag permanent te zien.
Lees ook: biografieen – Paul Gauguin
Later werk
Algemeen wordt aangenomen dat Kline”s meest herkenbare stijl voortkwam uit een suggestie van zijn vriend en creatieve invloed, Willem de Kooning. De Kooning”s vrouw Elaine gaf een geromantiseerd verslag van de gebeurtenis: in 1948 adviseerde de Kooning een artistiek gefrustreerde Kline om een schets te projecteren op de muur van zijn studio, met behulp van een Bell-Opticon projector. Kline beschreef de projectie als volgt:
“Een zwarte tekening van een schommelstoel van vier bij vijf inch… doemde op in gigantische zwarte strepen die elk beeld uitwisten, de strepen groeiden uit als entiteiten op zichzelf, niet gerelateerd aan enig entiteit dan dat van hun eigen bestaan.”
Zoals Elaine de Kooning suggereert, was het toen dat Kline zich toelegde op grootschalige, abstracte werken. Hoewel Willem de Kooning zich herinnert dat Kline zich “ineens” in de abstractie stortte, geeft hij ook toe dat het veel tijd in beslag nam: “Franz had een visie op iets en soms duurt het een hele tijd om dat uit te werken”. In de volgende twee jaar werden Kline”s penseelstreken volledig niet-representatief, vloeiend en dynamisch. Het was ook in deze periode dat Kline begon te schilderen in enkel zwart en wit. Hij legde uit hoe zijn monochroom palet bedoeld was om negatieve en positieve ruimte weer te geven door te zeggen: “Ik schilder het wit net zo goed als het zwart, en het wit is net zo belangrijk.” Zijn gebruik van zwart en wit lijkt sterk op de schilderijen die de Kooning en Pollock in de jaren veertig maakten. Er lijken ook verwijzingen te zijn naar Japanse kalligrafie in Kline”s zwart-wit schilderijen, door zijn uitwisseling met de Japanse avant-garde kalligrafie groep Bokujinkai en haar leider Morita Shiryu, hoewel Kline later dat verband ontkende.
Kline”s eerste one-man show vond plaats van 16 oktober tot 4 november 1950 in de Egan Gallery, 63 East 57th Street. De tentoonstelling bestond uit elf abstracte schilderijen. Kleur was een zeldzaam element in de schilderijen: bruine onderschildering aan de onderkant van Nijinsky en vluchtige hints van groen in Leda. De schilderijen vertoonden een verscheidenheid aan composities en stemmingen, maar ze hadden allemaal één bepalende eigenschap: Kline”s kenmerkende stijl van zwart op wit. Dertien jaar eerder had Kline zichzelf in Londen een “zwart-wit man” genoemd, maar pas op deze tentoonstelling werd de juistheid van deze fase voor anderen duidelijk. Door Kline”s impact en zijn concrete stijl kreeg Kline de bijnaam “zwart-wit kunstenaar”, een etiket dat de kunstenaar bijbleef, en waar hij zich af en toe door beperkt zou voelen. Kline”s eerste one-man show was een scharniermoment in Kline”s carrière, omdat het vrijwel gelijktijdig het begin en het einde betekende van Kline”s belangrijke uitvinding als abstract kunstenaar. Op veertigjarige leeftijd had Kline zich verzekerd van een persoonlijke stijl die hij zich reeds eigen had gemaakt. Er waren geen echte manieren voor Kline om zijn onderzoek verder te zetten; hij had alleen de mogelijkheid om de stijl die hij reeds beheerste te repliceren. Om verder te gaan, was er slechts één logische richting voor Kline: terug naar kleur, de richting die hij uitging op het moment van zijn vroegtijdige dood door hartfalen.
In de latere jaren 1950, in schilderijen als Requiem (1958), begon Kline te experimenteren met meer complexe clair-obscur in plaats van zich te concentreren op een strikt monochroom palet. Dan in 1958, herintroduceerde hij het gebruik van kleur in zijn werk door middel van kleurrijke accenten in zijn zwart-wit schilderijen. Dit teruggrijpen naar kleurgebruik was nog in ontwikkeling toen Kline in 1962 overleed.
Kline wordt beschouwd als een van de belangrijkste maar meest problematische kunstenaars van de abstract expressionistische beweging in New York. Zijn stijl is voor critici moeilijk te interpreteren in relatie tot zijn tijdgenoten. Net als Jackson Pollock, Willem de Kooning, en andere abstract expressionisten, werd van Kline gezegd dat hij een action painter was vanwege zijn schijnbaar spontane en intense stijl, waarbij hij zich helemaal niet concentreerde op figuren of beelden, maar op de expressie van zijn penseelstreken en het gebruik van het doek. Kline”s schilderijen zijn echter bedrieglijk subtiel. Hoewel zijn schilderijen over het algemeen een spontane en dramatische impact hebben, verwees Kline vaak nauwgezet naar zijn compositietekeningen. Kline maakte veel van zijn meest complexe schilderijen zorgvuldig op basis van uitgebreide studies, meestal gemaakt op afvalpagina”s van telefoonboeken. In tegenstelling tot zijn collega abstract expressionisten, waren Kline”s werken enkel bedoeld om eruit te zien alsof ze in een moment van inspiratie werden gemaakt; elk schilderij werd echter uitvoerig verkend voordat zijn huisschilderspenseel het doek aanraakte.
Kline stond er ook om bekend geen betekenis aan zijn schilderijen te geven, in tegenstelling tot zijn collega”s die mystieke beschrijvingen van hun werken gaven. In een catalogus van Kline”s werken schrijft kunsthistorica Carolyn Christov-Bakargiev dat “zijn kunst zowel betekenis en betekenis suggereert als ontkent”. Veel van zijn werken zijn door kunsthistorici gezien als indicaties van een progressie naar minimalistische schilderkunst. Zij menen dat zijn werken een objectieve ondoorzichtigheid en openhartigheid bezitten die verschilt van de subjectiviteit die met de stijl van de New York School gepaard gaat. Hierdoor zou zijn werk meer lijken op de avant-garde platforms zoals het minimalisme dat in de jaren zestig in de plaats kwam van de abstract expressionistische beweging.
Kunsthistoricus David Anfam merkt op dat kunstenaars die tijdens en na Kline”s leven werkten – zoals Robert Rauschenberg, Aaron Siskind, Cy Twombly, Mark di Suvero, en Brice Marden – allen Kline een inspiratiebron hebben genoemd.
In 2012 verkocht financier George R. Roberts uit San Francisco een bijna 3 meter breed zwart-wit werk zonder titel uit 1957 bij Christie”s in New York. Het schilderij ging naar een telefonische bieder voor $36 miljoen, of $40,4 miljoen met toeslagen (Christie”s garandeerde de verkoper Robert Mnuchin een niet nader genoemd minimum), een recordprijs voor de kunstenaar op een veiling en meer dan zes keer het vorige record, dat in 2005 werd gevestigd toen Christie”s Crow Dancer (1958) verkocht voor $6,4 miljoen.
Een vroeg werk, UNTITLED, uit 1940 (van een binnenkamer) werd in 1995 door een particuliere verzamelaar bij Sotheby”s aangekocht voor $ 21.850. Dit vroege werk helpt bij het definiëren van zijn vroege fase, voor zijn transformatie van een realistische schilder tot een baanbrekend abstract expressionist. De krachtige penseelstreken van het schilderij zijn een voorbode van de epische zwarte abstractie van zijn baanbrekende stijl.
In 2018 is het Hauser & Wirth Instituut in samenwerking met de Estate of Franz Kline begonnen met de voorbereiding van de catalogue raisonné Franz Kline Paintings, 1950-1962. Het project, dat voor het eerst een online compendium zal presenteren van Kline”s olieverf op doek werken gemaakt tussen 1950 en de dood van de kunstenaar in 1962, zal naar verwachting in 2022 worden voltooid.
Kline had zijn doorbraak show in de Charles Egan Gallery in 1950, en hij nam deel aan de 9th Street Art Exhibition het volgende jaar. In 1958 werd hij opgenomen in de grote tentoonstelling van het Museum of Modern Art, “The New American Painting”, die door acht Europese steden toerde. In het decennium voor zijn dood werd zijn werk opgenomen in talrijke internationale tentoonstellingen, waaronder de Biënnale van Venetië (en Whitney Annuals and Biennials (1952, 1953, 1955, 1961). De Washington Gallery of Modern Art, Washington, D.C., organiseerde een herdenkingstentoonstelling (1962). Grote monografische tentoonstellingen werden ook gehouden in het Whitney Museum of American Art, New York (Cincinnati Art Museum, reizend naar San Francisco Museum of Modern Art en Pennsylvania Academy of Fine Arts (en Castello di Rivoli, Museo d”arte contemporanea, Italië (2004).
Bronnen
