Giorgio Morandi
gigatos | februari 1, 2022
Samenvatting
Giorgio Morandi (20 juli 1890, Bologna – 18 juni 1964, Bologna) was een Italiaans schilder en graficus.
De toekomstige kunstenaar, de oudste van vijf kinderen, werd geboren in de familie Andrea Morandi (1858-1909) – mede-eigenaar van de Bologna-vestiging van een Franse firma, die hennep verhandelde, trouwde in 1889 met de 19-jarige Maria Maccaferri. Giorgio werkte aanvankelijk in het bedrijf van zijn vader, maar zijn vroege passie voor de schilderkunst zette hem op een andere weg in het leven: in 1907 schreef hij zich in aan de Accademia di Belle Arti di Bologna. Na de vroege dood van zijn vader kon hij, dankzij de inspanningen van zijn moeder om haar kinderen een opleiding te geven, zijn studie voortzetten en in 1913 afstuderen aan de Accademia. Morandi behaalde goede studieresultaten, maar kreeg van een academische opleiding niet de school van creativiteit, die hij nastreefde. Deze school had hem een reis naar Parijs kunnen bezorgen, waarvan hij in het begin van de jaren 1910 droomde, maar de financiële moeilijkheden van zijn familie lieten hem niet toe Bologna te verlaten, waar hij in 1914-1929 tekenonderricht gaf in lagere scholen.
In de nieuwe Franse schilderkunst, waarmee Morandi aanvankelijk alleen in zwart-wit reproducties kennismaakte, liet hij zich vooral leiden door de werken van Renoir en Cézanne. Maar terwijl de jonge kunstenaar de schilderijen van Renoir in 1910 rechtstreeks had gezien op de IXe Biënnale van Venetië, waar een hele zaal was gewijd aan de werken van Renoir, bestudeerde hij de schilderijen van Cézanne lange tijd alleen door reproductie.
Morandi”s vroegst bekende werken – een landschap en een portret van zijn zuster Dina, uitgevoerd op een scherpe plastische manier – zijn gedateerd 1911 en 1912. Tussen 1913 en 1914 nam Giorgio Morandi deel aan verschillende futuristische tentoonstellingen in Bologna en Rome, ontmoette Umberto Boccioni en Carlo Carrà, en werd geprezen door de Italiaanse futuristische leider Tomaso Marinetti, maar zijn artistieke zoektocht werd grotendeels beïnvloed door het werk van de Franse kubisten en gedeeltelijk door Henri Rousseau. Parallel aan zijn belangstelling voor de experimenten van de nieuwere stromingen, verdiepte Morandi zich in de schilderkunst van de oude meesters – Giotto, Masaccio, Uccello, Piero della Francesca – met reizen naar Florence (1910), Padua en Assisi.
In verband met de deelname van Italië aan de vijandelijkheden van de Eerste Wereldoorlog in de zomer van 1915, werd hij opgeroepen voor het leger (vanwege zijn zeer lange gestalte werd hij ingedeeld bij een grenadiersregiment), maar na twee maanden dienst kreeg hij een zenuwinzinking en werd ontslagen. In 1917 werd Morandi opnieuw ernstig ziek en was bijna niet meer in staat om te werken.
In 1916-1919 bracht Morandi”s creatieve zoektocht hem dichter bij de vertegenwoordigers van de zogenaamde “metafysische schilderkunst” – Giorgio de Chirico, Arturo Martini en, in het bijzonder, Carlo Carr. In de eerste naoorlogse jaren waren deze kunstenaars, samen met Morandi, lid van de “Valori Plastici” (“Plastische Waarden”), genoemd naar het gelijknamige tijdschrift dat in 1918 was opgericht door kunstenaar, uitgever en kunsthandelaar Mario Broglio, die in 1921 een reizende tentoonstelling van de groep organiseerde in Berlijn, Dresden, Hannover en München. Broglio tekende als eerste een exclusief contract met de Bolognese kunstenaar en begon zijn werk te verkopen. Tegen 1922, toen Morandi nog exposeerde met de Chirico, Carra en Martini op de ”Lentetentoonstelling” in Florence (en de Chirico een artikel over hem schreef in de catalogus van die tentoonstelling), gaven zijn nieuwe werken echter aan dat zijn ”metafysische fase” tot het verleden behoorde.
In de jaren ”30 krijgt Giorgio Morandi zijn eerste erkenning. Aanvankelijk als graficus: de successen van het voorafgaande decennium op het gebied van de etskunst stelden hem in staat in 1930 de leerstoel voor etstechniek aan de Academie voor Schone Kunsten van Bologna over te nemen (hij bekleedde deze leerstoel tot 1956). In 1932 woonde hij de eerste tentoonstelling van eigentijdse Italiaanse etsen in Florence bij, en in hetzelfde jaar wijdde het tijdschrift L”italiano een speciaal nummer aan hem met een artikel van Ardengo Soffici, die in 1938 voorstelde dat Morandi corresponderend lid zou worden van de Academie des Beaux-Arts in Florence. Geleidelijk aan wordt zijn schilderkunst ook een opmerkelijk fenomeen in de Italiaanse kunst: sinds 1931 worden Morandi”s werken gepresenteerd op de meest prestigieuze nationale tentoonstelling, de Quadrenale van Rome, en in 1939 wordt hij geëerd met 42 van zijn schilderijen in een aparte toonzaal op de Quadrenale III van Rome.
In het midden van de jaren dertig werd zijn schilderkunst zeer gewaardeerd door de beroemde kunsthistoricus Roberto Longhi en de belangrijke verzamelaar, criticus en zakenman Lamberto Vitali (1896-1992), met wie Giorgio Morandi vervolgens door een langdurige vriendschap verbonden raakte. Tijdens de Tweede Wereldoorlog hielp Longhi hem uit de gevangenis in Bologna te bevrijden en later steunde hij hem door een persoonlijke tentoonstelling te organiseren in de Galleria Il Fiore in Florence, die werd geopend op 25 april 1945, de dag waarop de geallieerden Bologna bevrijdden. Vitali werd niet alleen een van de grootste verzamelaars van Morandi”s werken (waarvan hij de meest waardevolle naliet aan de Brera Pinacotheca in Milaan), maar ook de auteur van een levenslange catalogus van zijn tekeningen (1957) en een postume catalogus van de kunstenaar (1977).
Ondanks de roem die Morandi in de naoorlogse jaren verwierf, veranderde hij zijn bescheiden levensstijl niet. Ongehuwd woonde hij met zijn ongehuwde zussen in de ouderwetse flat van zijn ouders in Bologna, waarvan één kamer als atelier en slaapkamer diende. Pas in 1959 bouwde hij een huis in de landelijke gemeente Grizzana, op 30 km van Bologna, waar hij tijdens de oorlog vele jaren had doorgebracht; hier bracht Morandi de zomermaanden door met zijn zussen en in de laatste jaren van zijn leven. In 1985 werd de naam van de kunstenaar toegevoegd aan de naam van deze gemeente: Grizzana-Morandi.
In een zeldzaam interview aan het eind van de jaren vijftig sprak Giordo Morandi op deze manier over het hoofdgenre van zijn werk:
“In wezen ben ik een kunstenaar die vooral stillevens maakt, waarmee hij de toeschouwer een gevoel van rust en intimiteit kan bijbrengen, kwaliteiten die ikzelf boven alles waardeer. <…>
In de geconsolideerde catalogi van Vitali zijn ongeveer 1.340 olieverfschilderijen van Giorgio Morandi opgenomen (aquarellen en tekeningen niet inbegrepen). Landschappen maken iets minder dan een vijfde van zijn nalatenschap uit, Morandi liet bijna geen portretten na (de rest van zijn werken zijn stillevens, waaronder een grote groep van zijn “Bloemen” (hij noemde ze “bloemstillevens” en schonk ze gewoonlijk aan kenners, vrienden en zijn zusters), evenals een aantal schilderijen en etsen waarop schelpen zijn afgebeeld – “beelden van de versteende wereld”.
Kunsthistorici die het atelier van Giorgio Morandi hebben bezocht, hebben gewezen op de bijzondere benadering door de kunstenaar van de natuur waaruit zijn stillevens zijn ontstaan. Volgens Roberto Longhi waren het “nutteloze voorwerpen”, d.w.z. aan de werkelijkheid onttrokken voorwerpen. Victoria Markova herinnerde zich: “…Bijna al deze objecten – verschillend gevormde flessen, potten, vazen – werden ofwel beschilderd met gouache in een bepaalde kleur <…> of bedekt met een opzettelijk slordige laag gips, waardoor ze niet alleen hun utilitaire verbinding met het dagelijks leven verloren, maar ook hun natuurlijke textuur en materiaaleigenschappen – glas was niet langer glas, en metaal was niet langer metaal. James Troll Sobie, curator van de New Yorkse tentoonstelling Italian Art of the 20th Century (1949), wees erop dat Morandi bij het voorbereiden van voorwerpen voor zijn stillevens (dozen, parallellepipedia) vaak “…hun oppervlak beschilderde in eenvoudige geometrische vormen – vierkanten, cirkels, rechthoeken – in onveranderlijk zachte kleuren”. Maria Christiane Bandera, onderzoeksdirecteur van de Robert Longy Foundation, beschreef een voorwerp “dat speciaal op verzoek van Morandi van tin is gemaakt en vaak in zijn werken voorkomt – in de vorm van een omgekeerde trechter die op een cilinder is geplaatst. Zij heeft een uitvoerige studie gemaakt van de werktechnieken van de kunstenaar, en benadrukt dat Morandi zich losmaakte van de functionaliteit van zijn geënsceneerde voorwerpen en veel tijd besteedde aan het rangschikken en aan elkaar aanpassen ervan.
Veelzeggend is dat Bandera, wanneer hij de onderwerpscomposities in de verschillende stillevens van Morandi uit dezelfde periode vergelijkt, bijvoorbeeld uit de late jaren veertig, erover schrijft in termen van muziek en architectuur:
“Hij voegt ze dan samen tot een geheel, draait ze dan om, orkestreert hun melodie met kleuren vol licht, verfijnd, geraffineerd. Hij koos voorwerpen met langwerpige vormen – kannen, vazen, lampen, flessen. Meestal flessen, zijn eigen flessen: donkere, traditionele Bourgogne-flessen; flessen met een langgerekte hals die lijken op de spitsen van gotische kathedralen, die zich naar boven uitstrekken, met lichtvlekken die hun structuur accentueren; spiraal- en cannelure-flessen; piramidevormige flessen met een driehoekige basis; “Perzische” flessen – plat, met een korte hals. Hij selecteerde vaten als elementaire vormen van verschillende hoogten en verhoudingen om een compositie te helpen opbouwen…”.
Giorgio Morandi is een volledig onafhankelijk fenomeen in de twintigste-eeuwse kunst. De “metafysische” invloed die hij in het beginstadium van zijn werk ondervond, zou niet van belang zijn geweest (die stereotiepe opstelling van “mannequin-achtige” figuren in de geest van G. Chirico in een vereenvoudigde geometrische driedimensionaliteit, en zou niets zeggen over de kunstenaar waarmee zijn naam wordt geassocieerd, als zelfs zijn vroegste werken niet de verfijnde colorist zouden tonen die hij was in de meest expressieve periode van zijn schilderkunst. De nabijheid van het minimalisme, die sommige kunstcritici beweren, is dan ook niet van toepassing – zijn gamma, hoewel schijnbaar eenvoudig, is uiterst complex, en gebouwd op de subtielste nuances; En de vormen in zijn werken zijn eenvoudig, maar voldoende gevarieerd, begiftigd met karakter, en soms ingewikkeld grillig in plaats van primitief – in de betekenis die deze stijl impliceert.
De sleutel tot het begrijpen van zijn kunst ligt in de schilderijen van de vroege Italiaanse Renaissance, in de fresco”s van Giotto, in de stillevens van F. De sleutel tot het begrijpen van zijn kunst ligt in de fresco”s van Giotto en de stillevens van F. Surbaran of de eenvoudige schetsen van J.-B. S. Chardin. Uit de levenswijze van de kunstenaar, die zich distantieerde van de problemen van de hectische wereld (hij verliet Bologna praktisch nooit), spreekt zijn verlangen om de schoonheid van eenvoudige vormen te zien en te tonen, het vermogen om die voortdurend te vinden in dit stille, kamerlijke leven, dat achter de denkbeeldige monotonie verschijnt in de verscheidenheid, de “intimiteit” van de stemmingen van zijn schilderijen.
Interessant is ook Morandi”s ervaring met schildersezels. Zijn etsen worden gekenmerkt door een zacht toonbereik dat dicht aanleunt bij dat van zijn schilderijen; in feite lost hij hier dezelfde problemen op als bij het schilderen met olieverf, maar hij bereikt dat door geheel andere technische middelen te gebruiken, met als resultaat de eenheid van de beeldtaal. De onderwerpen van de stillevens van G. Morandi zijn verweven met prozaïsche huishoudelijke voorwerpen, zoals koffiepotten, potten en flessen… De schilder heeft zijn eigen benadering gevonden om zijn meest interessante compositorische, artistieke en plastische problemen op te lossen. Hij bereikt de overdracht van ruimtelijke verhoudingen, licht en schaduw met behulp van kruisende streken, die elkaar kruisen of zonder contouren van het ene object naar het andere overgaan. De onderwerpen gaan vloeiend over in de achtergrond, er is geen omlijning, geen duidelijke grenzen. De schilder bereikt een hoge harmonie en een grote integriteit in de prent.
Zijn werken werden bekroond met de prijs voor schilderkunst op de Biënnale van Venetië (1948), met de grote prijs voor een serie etsen op de Biënnale van São Paulo (1953) en met de grote prijs voor schilderkunst op de Biënnale van São Paulo (1957). In 1962, na een solotentoonstelling in Siegen, kreeg de kunstenaar de Rubensprijs en in 1963 ontving hij de Gouden Arquiginasio-medaille namens de stad Bologna.
Morandi”s stillevens komen voor in “La Dolce Vita” (1960) van Federico Fellini en in “De nacht” (1961) van Michelangelo Antonioni.
De eerste monografische tentoonstelling van Giorgio Morandi in de Sovjet-Unie werd gehouden van 18 mei tot 10 juli 1973 in Moskou, in het Poesjkin Museum voor Schone Kunsten. Het omvatte 24 schilderijen (waaronder twee uit de collectie van de Hermitage), 13 aquarellen en tekeningen, en 50 etsen.
In 1989 werd in Leningrad en Moskou een grote retrospectieve tentoonstelling gehouden ter gelegenheid van de 100ste verjaardag van Morandi, als onderdeel van een uitgebreide internationale tournee onder de titel Progetto Morandi Europa. Sette mostre in sette musei” (“zeven tentoonstellingen in zeven musea”). Het project begon in november 1988 in Tampere (Finland) waarna de tentoonstelling te zien was in Leningrad van 21 januari tot 19 februari 1989 in de zalen van de Winter Palace Nadvornaya Gallery waar 58 schilderijen, 25 aquarellen, 25 potloodtekeningen en 22 etsen werden tentoongesteld. In Moskou was de tentoonstelling ondergebracht bij de Unie van Kunstenaars van de USSR en ten gevolge van organisatorische moeilijkheden werd de tentoonstelling, die in maart in de zalen van het Centraal Huis van Kunstenaars werd gehouden, met de helft ingekort. De tentoonstelling reisde vervolgens naar Londen, Locarno en Tübingen; volgens de organisatrice van deze tournee, Marilena Pasquali, eindigde zij in maart 1990 in Düsseldorf.
De derde nationale tentoonstelling van Morandi vond plaats in Moskou, in de zalen van het Poesjkin Museum voor Schone Kunsten, van 25 april tot 10 september 2017. De tentoonstelling omvatte 46 schilderijen, 7 aquarellen, 23 etsen en 8 etsplaten. Een gedetailleerde catalogus, gepubliceerd in het Russisch en het Italiaans in een parallelle vertaling, vormde een onmisbare aanvulling op de tentoongestelde werken.
Bronnen
