Jasper Johns

gigatos | januari 7, 2022

Post Views: 89

Samenvatting

Jasper Johns (Augusta, 15 mei 1930) is een Amerikaanse schilder en beeldhouwer die samen met kunstenaar Robert Rauschenberg wordt beschouwd als een van de belangrijkste exponenten van de Nieuwe Dada.

Vroege jaren

Johns werd in 1930 geboren in Augusta, Georgia, maar groeide op in Allendale, South Carolina, bij zijn grootouders en ooms na de scheiding van zijn ouders. Over deze periode in zijn leven zou hij later zeggen: “waar ik opgroeide waren geen kunstenaars en er was geen kunst, dus ik wist niet echt wat het betekende. Ik dacht dat het betekende dat ik in een andere situatie zou zijn dan ik was. In een interview in het begin van de jaren zestig zegt hij dat hij op driejarige leeftijd begon te tekenen en nooit meer is gestopt, en dat hij op vijfjarige leeftijd besloot kunstenaar te worden. Hij studeerde in Columbia (South Carolina) tot het vierde leerjaar, verhuisde daarna met zijn moeder, stiefvader en stiefbroers van de ene staat naar de andere en voltooide zijn hogere studies in Sumter (South Carolina). Tussen 1947 en 1948 bezocht hij in totaal drie semesters de Universiteit van South Carolina, waarna hij op uitnodiging van zijn eigen kunstleraren naar New York verhuisde, waar hij in 1949 een semester aan de Parsons School of Design studeerde. Daarna werkte hij als koerier en verkoper.

Lees ook: geschiedenis – Bondsrepubliek Duitsland (1949-1990)

1950s

In het begin van de jaren vijftig diende Johns in het leger en werd ook uitgezonden naar het veld in Sendai, Japan, voor de Koreaanse oorlog; hij keerde in 1953 terug naar New York. In 1953 keerde hij terug naar New York, waar hij zich met een beurs voor veteranen inschreef aan het Hunter College, maar na een ongeval op de eerste dag stopte hij ermee. Tussen 1953 en 1954 werkte hij bij Marboro Books. Dankzij de schrijfster Suzi Gablick ontmoette hij de kunstenaar Robert Rauschenberg, met wie hij een lange en historische relatie van vriendschap en wederzijdse artistieke beïnvloeding ontwikkelde. In 1954 ontmoette Johns ook de componisten Morton Feldman en John Cage (met wie hij een paar jaar later terugkeerde naar Japan) en de danser en choreograaf Merce Cunningham.

Tegen het midden van het decennium besloot de kunstenaar al zijn vroegere werken te vernietigen (hij kocht zelfs de werken terug die hij had verkocht om zich ervan te ontdoen) en slechts vier ervan wisten te overleven: deze actie kwam overeen met het begin van een nieuwe periode voor de kunstenaar, van een radicale verandering en een wedergeboorte. Zo ontwikkelde hij een originele en persoonlijke artistieke stijl, in tegenstelling tot de gestuele en energieke stijl van het zogenaamde Abstract Expressionisme, die zou bijdragen tot de geboorte van bewegingen als Pop Art, Minimalisme en Conceptuele Kunst. Hij produceerde het eerste Doelwit met vier gezichten, de eerste reeks Nummers 1, 2, 5 en 7, en de eerste Witte vlag, die in de loop der jaren werd gevolgd door talrijke andere versies die werden opgebroken, omgekeerd, vermenigvuldigd of gedesaturiseerd in de vorm van schilderijen, prenten en tekeningen. Hij gebruikt iconen en onderwerpen die duidelijk en onpersoonlijk zijn, om zich te concentreren op de techniek van het maken en het handwerk.

In 1955 richtte hij samen met Rauschenberg de firma Matson Jones – Custom Display op, waarin zij als etalage-ontwerpers werkten, onder meer voor Tiffany&Co en Bonwit Teller het jaar daarop. Witte vlag werd tentoongesteld als onderdeel van een van deze tentoonstellingen.

In mei 1957 nam Johns deel aan een groepstentoonstelling in de Leo Castelli Gallery, en in 1958 exposeerde hij zijn werk opnieuw in een solotentoonstelling in dezelfde galerie. Alfred Barr, de eerste directeur van het MoMA – Museum of Modern Art in New York, was onder de indruk van Target with Plaster Casts (1955), ook al was het onderwerp van discussie en kritiek voordat het werd tentoongesteld omdat het te provocerend werd geacht om in een museum te worden tentoongesteld. Het New Yorkse museum kocht drie van de werken van de kunstenaar. Target with Four Faces verscheen op de cover van het bekende Artnews magazine. In 1958 werden de werken van Johns voor het eerst in Europa tentoongesteld ter gelegenheid van de 29e Biënnale van Venetië. De kunstenaar begon zijn stempel te drukken op de Amerikaanse en Europese kunstscène; in 1959 exposeerde hij in Parijs en Milaan. Nog in 1958 maakte hij zijn eerste metalen sculpturen, Flashlight I en Lightclub I.

Na het succes van zijn solotentoonstelling in Castelli”s in 1958 besloot Johns een nieuwe weg in te slaan, die begon met False Start (1959), waarin de kunstenaar overstapte van encaustiek naar olieverf ten gunste van een meer gelaagde, onstabiele penseelstreek. Barr was verbaasd over dit nieuwe werk omdat de kleurverdeling sterk leek op die van abstract expressionistische kunst, waar Johns altijd vijandig tegenover had gestaan.

Lees ook: belangrijke_gebeurtenissen – Cubaanse Revolutie

De jaren zestig

In het begin van de jaren 1960 begon de kunstenaar zich te interesseren voor het motief van de kaart van de Verenigde Staten (ook het onderwerp van verschillende latere versies zoals de vlag) en het thema van de menselijke lichaamsafdrukken; hij begon ook te werken met brons in de beeldhouwkunst. In 1961 reisde hij voor het eerst naar Europa toen zijn werken werden tentoongesteld in de Galerie Rive Droite in Parijs en hij later deelnam aan de tentoonstelling Le Nouveau Réalisme à Paris et à New York die in dezelfde galerie werd gehouden. In tegenstelling tot zijn vroegere periode werd zijn kunst meer autobiografisch, complexer en meer desoriënterend. In veel schilderijen gebruikte hij veelvuldig de kleur grijs (ook als hommage aan de schilder René Magritte), zoals bijvoorbeeld in Canvas (1956) en Gray Alphabets (1956) waarin een melancholisch uitdrukkingsniveau overheerst.

In de werken van dit decennium nam hij vaker lijnen, kleurschalen of thermometers op die het idee van meting uitdroegen, zoals te zien is in Periscope (1963). In deze jaren werkte hij samen met de schrijver en kunstcurator Frank O”Hara, met wie hij een verzameling beelden en gedichten samenstelde, en ook een van zijn gedichten citeerde in In Memory of My Feelings – Frank O”Hara (1961). In 1963 nam hij deel aan de Pop Art USA tentoonstelling in het Oakland Art Museum in Californië en werd hij een van de oprichters van de Foundation for Contemporany Performance Arts Inc. In 1964 maakte hij zijn grootste werk tot nu toe dat, volgens Kirk Varnedoe, een compendium vormt van al zijn kunstwerken.

In datzelfde jaar hield hij een retrospectieve van meer dan 170 van zijn werken in het Joods Museum in New York, die vervolgens werd herhaald in Engeland en Californië, en nam hij deel aan de XXXIIe Biënnale van Venetië en de Documenta III in Kassel. Tenslotte besloot kunsthandelaar Leo Castelli in 1964, op Vlaggetjesdag, president John Kennedy een bronzen versie van Flag (1960) te schenken, een keuze die Johns afschuwelijk vond omdat hij het zag als een instrumentalisering van zijn kunst. In 1969 publiceerde de kunstenaar Thoughts on Duchamp in Art in America en later ontving hij een eredoctoraat in de klassieke talen van de Universiteit van South Carolina. Aan het eind van het decennium publiceerde de kunsthistoricus Max Kozloff een monografie over hem, getiteld Jasper Johns.

Lees ook: geschiedenis – Centrale mogendheden

1970s

Tussen 1974 en 1982 werden de zogenaamde kruisarceringen het hoofdpatroon van zijn schilderijen. Het verschijnt voor het eerst in Untitled (1972), maar wordt het best vertegenwoordigd door Scent (1973-1974), waarin de groeiende belangstelling van de kunstenaar voor grafische technieken tot uiting komt, in dit werk gecombineerd met thema”s van seksualiteit en dood. Dezelfde thema”s zijn terug te vinden in zijn volgende werk, Between the Clock and the Bed (1981), dat geïnspireerd was op het gelijknamige schilderij van Edvard Munch. In 1973 ontmoette hij in Parijs de toneelschrijver Samuel Beckett om een mogelijke samenwerking te bespreken bij de productie van het kunstboek FoiradesFizzles, dat in 1976 werd gepubliceerd.

In de tweede helft van het decennium hield hij een grote retrospectieve in het Whitney Museum in New York, die vervolgens werd herhaald in Keulen, Parijs, Londen, Tokio en San Francisco. Vervolgens kocht het New Yorkse museum Three Flags voor één miljoen dollar, het hoogste bedrag dat tot dan toe ooit voor een levende Amerikaanse kunstenaar was betaald, en in de jaren tachtig zouden de werken van Johns voortdurend zeer hoge prijzen bereiken. In 1978 werd hij verkozen tot ere-academicus van de Accademia delle arti del disegno in Florence (en later tot emeritus-academicus in 1987 en 1993). Tussen 1979 en 1981 gebruikte hij weer voorwerpen als messen, vorken en lepels in zijn creaties en kreeg hij ook belangstelling voor nieuwe vormen van objectieve voorstelling, zoals Tantrische motieven.

Lees ook: biografieen – Herman Willem Daendels

1980s

Vanaf de jaren tachtig worden zijn werken gekenmerkt door een sterk psychologische en persoonlijke benadering, zoals bijvoorbeeld te zien is in In the Studio (1982), Perilous Night (1982) en Racing Thoughts (1983), waarin de kunstenaar verwijst naar een psychische stoornis die hem in deze periode teisterde. Ook zijn schilderstijl veranderde, met de introductie van dubbellezende afbeeldingen, citaten van andere kunstenaars en trompe l”œil-effecten. Tussen 1980 en 1982 werd hij lid van de Académie Royale des Beaux-Arts in Stockholm en de American Academy of Arts and Sciences in Boston. Tussen 1985 en 1986 schilderde hij Vier Jaargetijden, traditioneel erkend als de leeftijden van het leven, die hij voor het eerst tentoonstelde in Leo Castelli”s Gallery op West Broadway en die later de hoofdprijs won op de Biënnale van Venetië in 1988. In 1989 werd hij benoemd tot 38ste lid van de South Carolina Hall of Fame, een onderscheiding voorbehouden aan de meest illustere figuren van zijn land, en werd hij opgenomen in de American Academy of Arts and Letters. Hij is ook het onderwerp van de documentaire Jasper Johns: Ideas in Paint van Rick Tejada-Flores (1989).

Lees ook: belangrijke_gebeurtenissen – Conferentie van Teheran

Laatste jaren

In de jaren negentig ontving hij verschillende prijzen, waaronder de National Medal of Arts, die hem in 1990 in het Witte Huis werd uitgereikt door de Amerikaanse president George Bush. Hij heeft verschillende tentoonstellingen gehad: een retrospectieve in het MoMA in New York met aansluitende stops in Keulen en Tokio (1996-1997), Jasper Johns: New Paintings and Works on Paper in het San Francisco Museum of Modern Art gevolgd door tentoonstellingen in de Yale University Art Gallery en het Museum of Art in Dallas (1999), een tentoonstelling in het Walker Art Center die werd voortgezet in andere centra in de Verenigde Staten, Spanje, Schotland en Ierland (2003), en ten slotte Jasper Johns: Prints from the Low Road Studio in de Galleria di Castelli (2004).

Aan het einde van de eeuw brak een nieuwe fase aan in zijn schilderkunst, die neigt naar het “leegmaken” van het picturale oppervlak. Dit is bijvoorbeeld te zien in zijn Catenary-serie (1999), waarin de titel catenary duidt op de kromming die ontstaat door de werking van de zwaartekracht van een draad die aan de uiteinden is bevestigd, zodat in de verschillende werken de draden, echt of geschilderd, het oppervlak doorkruisen en het enige onderwerp binnen het doek vormen. De laatste jaren heeft Johns zich voornamelijk teruggetrokken in Sharon (Connecticut) en op het eiland Saint Martin in Frans West-Indië, waar hij een studio bezit die de architect Philip Johnson voor hem heeft gebouwd.

Er zijn verschillende manieren om de artiest in te lijsten. In de eerste plaats wordt Johns beschouwd als een van de belangrijkste exponenten van New Dada, een Amerikaanse kunststroming die verwijst naar de Dada-kunst van het begin van de eeuw en die, net als deze, de zogenaamde Duchampiaanse ready-mades (d.w.z. aan de werkelijkheid ontleende objecten) in het kunstwerk integreert. Deze stroming staat ook zeer dicht bij het hedendaagse Franse Nouveau Réalisme, waarin voorwerpen uit het meest banale dagelijkse leven worden gebruikt. Het opnemen van het kant-en-klare in het werk is dus ook een oplossing voor het probleem van de weergave van het reële en het gewone. De kunstenaar zelf zegt dat zijn creaties voorwerpen bevatten waar je naar kunt kijken, maar die je eigenlijk niet kunt zien.

Het gebruik van slecht gemanipuleerde voorwerpen die gewoon in het werk worden ingevoegd, houdt ook verband met het feit dat Johns de kunst van het abstract expressionisme afwijst en daarom de gestuele component van zijn interventie tot een minimum wil beperken, waarbij hij de voorkeur geeft aan de formele en constitutieve aspecten van het beeld zelf. Deze vijandige houding komt reeds tot uiting in het werk Target with Plaster Casts waar de aanwezigheid van afgietsels van menselijke lichaamsdelen zou kunnen zinspelen op de veronderstelde tegenstelling tussen “abstracte” en “figuratieve” kunst. Painting with Two Balls is ook een aanval op de mythe van de Amerikaanse schilderkunst die verbonden is met de generatie van kunstenaars als Jackson Pollock en Willem de Kooning: de twee geschilderde ballen zinspelen in feite op een ironische beschrijving van hemzelf, tegenover de typische viriliteit die door andere Amerikaanse kunstenaars op theatrale wijze wordt uitgedragen.

Tenslotte wordt hij beschouwd als de kunstenaar die de Pop Art heeft geïnitieerd, maar zonder zich daarvan bewust te zijn.

Een ander kenmerk van zijn kunst is dat het de vraag openhoudt naar het onderscheid of het verband tussen werkelijkheid en voorstelling, werkelijk beeld en geschilderd beeld; in feite worden veel van zijn werken, te beginnen met Vlaggen, gekenmerkt door een afstandelijke en tautologische voorstelling van een gemeenschappelijk object waarvan de grenzen samenvallen met de grenzen van het doek. Waar het de kunstenaar om gaat, is de intensiteit waarmee wat reeds bekend is over het voorwerp, beïnvloedt wat wij erin zien; hijzelf heeft geen model nodig om een vlag of een schietschijf te schilderen, want het idee dat hij van het voorwerp in zijn hoofd heeft, is voldoende. Zo spelen zijn werken met vlaggen, letters of doelwitten in het bijzonder in op de ambivalentie tussen het object zelf en de voorstelling ervan. Heel vaak stelt hij, wanneer hij naar zijn Vlaggen verwijst, de retorische vraag: “Is het een vlag of een schilderij?”.

Lees ook: biografieen – Benito Juárez

Encaustic

Encaustic is een techniek die de kunstenaar vaak gebruikt om zijn werken te creëren. Het gaat terug tot het oude Egypte en bestaat uit het mengen van pigmenten en gesmolten was in wat bekend staat als encausticisatie, waaraan Johns gewoonlijk stukjes stof of krantenknipsels toevoegt. Het eindresultaat grenst aan het figuratieve, maar behoudt zichtbare sporen van de manipulatie van de kunstenaar, het weven van de stoffen of de op het papier gedrukte teksten, waardoor het werk zich openstelt voor meerdere interpretatieniveaus tussen de presentatie en representatie van een beeld. Het oppervlak van de werken is verleidelijk en fascinerend, maar ook nieuw, origineel en actueel in de context van de Amerikaanse kunst in de jaren waarin Johns ze gebruikte.

Traditioneel wordt de zogenaamde Punische was die voor de encaustische schilderkunst wordt gebruikt, verkregen door hete was in zeewater te koken, waaraan vervolgens water, gebluste kalk en lijm worden toegevoegd; het in water opgeloste en nog hete mengsel wordt over de verf gegoten en onmiddellijk gemengd, over het werk uitgesmeerd, laten drogen en tenslotte opnieuw verwarmd om de pigmenten weer aan het oppervlak te laten verschijnen. Met deze techniek kan elk soort pigment worden toegevoegd en is geen zeer snelle verwerkingstijd nodig; zij is ook zeer duurzaam omdat de was niet onderhevig is aan oxidatie.

Werken

Bronnen