Jean-Baptiste Corot

gigatos | maart 29, 2022

Post Views: 11

Samenvatting

Jean-Baptiste-Camille Corot (16 juli 1796 – 22 februari 1875) was een Franse landschaps- en portretschilder en etsend prentkunstenaar. Hij is een spilfiguur in de landschapsschilderkunst en met zijn enorme oeuvre verwees hij tegelijkertijd naar de neoklassieke traditie en liep hij vooruit op de plein-air vernieuwingen van het impressionisme.

Jeugd en opleiding

Jean-Baptiste-Camille Corot (kortweg Camille Corot) werd op 16 juli 1796 in Parijs geboren in een huis aan de Rue du Bac 125, dat nu wordt gesloopt. Zijn familie was bourgeois – zijn vader was pruikenmaker en zijn moeder hoedenmaakster – en in tegenstelling tot sommige van zijn artistieke collega”s heeft hij zijn hele leven nooit gebrek aan geld gehad, omdat zijn ouders goede investeringen deden en hun zaken goed runden. Nadat zijn ouders trouwden, kochten zij de hoedenwinkel waar zijn moeder had gewerkt en zijn vader gaf zijn carrière als pruikenmaker op om de zakelijke kant van de winkel te leiden. De winkel was een beroemde bestemming voor modieuze Parijzenaars en leverde de familie een uitstekend inkomen op. Corot was het tweede van drie kinderen die in het gezin werden geboren en die in die jaren boven hun winkel woonden.

Corot kreeg een beurs om te studeren aan het Lycée Pierre-Corneille in Rouen, maar vertrok na schoolse moeilijkheden en ging naar een kostschool. Hij “was geen briljante leerling, en gedurende zijn gehele schoolloopbaan heeft hij geen enkele nominatie voor een prijs gekregen, zelfs niet voor de tekenlessen”. In tegenstelling tot veel meesters die al vroeg blijk gaven van talent en aanleg voor de kunst, toonde Corot vóór 1815 geen enkele belangstelling. In die jaren woonde hij bij de familie Sennegon, waarvan de patriarch bevriend was met Corots vader en die veel tijd met de jonge Corot doorbracht tijdens natuurwandelingen. Het was in deze streek dat Corot zijn eerste schilderijen naar de natuur maakte. Toen hij negentien was, was Corot een “groot kind, verlegen en onhandig. Hij bloosde als hij werd aangesproken. Voor de mooie dames die de salon van zijn moeder bezochten, schaamde hij zich en vluchtte als een wild ding… Emotioneel was hij een aanhankelijke en goed opgevoede zoon, die zijn moeder adoreerde en beefde als zijn vader sprak”. Toen de ouders van Corot in 1817 naar een nieuw huis verhuisden, betrok de 21-jarige Corot de dakkapel op de derde verdieping, die ook zijn eerste atelier werd.

Met de hulp van zijn vader ging Corot in de leer bij een manufacturier, maar hij haatte het commerciële leven en verachtte wat hij “handelstrucs” noemde. Toch bleef hij trouw in het vak tot hij 26 jaar oud was, toen zijn vader ermee instemde dat hij het kunstvak zou kiezen. Later verklaarde Corot: “Ik zei tegen mijn vader dat handel en ik gewoon niet te combineren waren, en dat ik ging scheiden”. De ervaring in de handel bleek echter nuttig te zijn, omdat het hem hielp een esthetisch gevoel te ontwikkelen door zijn blootstelling aan de kleuren en texturen van de stoffen. Misschien uit verveling ging hij rond 1821 olieverf schilderen en begon onmiddellijk met landschappen. Vanaf 1822, na de dood van zijn zuster, ontving Corot een toelage van 1500 francs per jaar, waarmee hij zijn nieuwe carrière, atelier, materiaal en reizen voor de rest van zijn leven kon financieren. Hij huurde onmiddellijk een atelier aan de Quai Voltaire.

In de periode waarin Corot de middelen verwierf om zich aan de kunst te wijden, was de landschapsschilderkunst in opmars en kon zij in het algemeen in twee kampen worden verdeeld: een historisch landschap door neoclassicisten in Zuid-Europa, met geïdealiseerde weergaven van echte en gefantaseerde plaatsen, bevolkt met oude, mythologische en bijbelse figuren; en een realistisch landschap, meer gebruikelijk in Noord-Europa, dat grotendeels trouw was aan de werkelijke topografie, architectuur en flora, en waarop vaak figuren van boeren te zien waren. In beide benaderingen begonnen landschapskunstenaars gewoonlijk met schetsen en voorbereidend schilderwerk in de open lucht, terwijl het afwerkingswerk binnenshuis gebeurde. Het werk van de Engelsen John Constable en J.M.W. Turner was van grote invloed op de Franse landschapskunstenaars in het begin van de 19e eeuw; zij versterkten de trend ten gunste van het realisme en ten koste van het neoclassicisme.

Gedurende een korte periode tussen 1821 en 1822 studeerde Corot bij Achille Etna Michallon, een landschapschilder van Corots leeftijd die een protegé was van de schilder Jacques-Louis David en die reeds een gerespecteerd leraar was. Michallon had een grote invloed op de carrière van Corot. Corot”s tekenlessen omvatten het natekenen van litho”s, het kopiëren van driedimensionale vormen, en het maken van landschapsschetsen en schilderijen in de buitenlucht, vooral in de bossen van Fontainebleau, de zeehavens langs Normandië, en de dorpen ten westen van Parijs zoals Ville-d”Avray (waar zijn ouders een buitenhuis hadden). Michallon bracht hem ook in aanraking met de principes van de Franse neoclassicistische traditie, zoals die in het beroemde traktaat van de theoreticus Pierre-Henri de Valenciennes werden aangehangen, en in de werken van de Franse neoclassicisten Claude Lorrain en Nicolas Poussin werden geïllustreerd, waarbij het belangrijkste doel de weergave van de ideale Schoonheid in de natuur was, gekoppeld aan gebeurtenissen in de oudheid.

Hoewel deze school op zijn retour was, hield hij nog steeds de toon aan in de Salon, de belangrijkste kunsttentoonstelling in Frankrijk, die telkens door duizenden werd bijgewoond. Corot verklaarde later: “Ik maakte mijn eerste landschap naar de natuur… onder het oog van deze schilder, wiens enige advies was om alles wat ik voor me zag met de grootste nauwgezetheid weer te geven. De les werkte; sindsdien heb ik altijd precisie gekoesterd.” Na Michallons vroege dood in 1822, studeerde Corot bij Michallons leraar, Jean-Victor Bertin, een van de bekendste neoklassieke landschapsschilders in Frankrijk, die Corot kopieën liet tekenen van litho”s van botanische onderwerpen om precieze organische vormen te leren. Hoewel hij de neoclassicisten zeer waardeerde, beperkte Corot zijn opleiding niet tot hun traditie van allegorieen in een verbeelde natuur. Zijn notitieboekjes bevatten nauwkeurige weergaven van boomstammen, rotsen en planten die de invloed van het noordelijk realisme laten zien. Gedurende zijn hele carrière toonde Corot een neiging om beide tradities in zijn werk toe te passen, en soms combineerde hij ze.

Eerste reis naar Italië

Met de steun van zijn ouders volgde Corot het gevestigde patroon van Franse schilders die naar Italië trokken om de meesters van de Italiaanse Renaissance te bestuderen en de afbrokkelende monumenten van de Romeinse oudheid te tekenen. Een voorwaarde van zijn ouders voor zijn vertrek was dat hij voor hen een zelfportret zou schilderen, zijn eerste. Corots verblijf in Italië van 1825 tot 1828 was zeer vormend en productief. In die periode maakte hij meer dan 200 tekeningen en 150 schilderijen. Hij werkte en reisde met een aantal jonge Franse schilders die ook in het buitenland studeerden en die samen schilderden en ”s avonds in de cafés bijeenkwamen om elkaar te bekritiseren en te roddelen. Corot leerde weinig van de Renaissance meesters (hoewel hij later Leonardo da Vinci als zijn favoriete schilder noemde) en bracht het grootste deel van zijn tijd door in de omgeving van Rome en op het Italiaanse platteland. De Farnese Tuinen met hun prachtige uitzicht op de oude ruïnes was een frequente bestemming, en hij schilderde deze op drie verschillende tijdstippen van de dag. De training was bijzonder waardevol voor het verkrijgen van inzicht in de uitdagingen van zowel het middenperspectief als het panoramische perspectief, en voor het effectief plaatsen van door mensen gemaakte structuren in een natuurlijke omgeving. Hij leerde ook hoe hij gebouwen en rotsen het effect van volume en stevigheid kon geven met het juiste licht en de juiste schaduw, terwijl hij een vloeiende en dunne techniek gebruikte. Bovendien was het plaatsen van geschikte figuren in een wereldlijke omgeving een noodzaak van een goede landschapsschilderkunst, om menselijke context en schaal toe te voegen, en het was zelfs nog belangrijker in allegorische landschappen. Daartoe werkte Corot zowel aan figuurstudies in inheemse gewaden als aan naaktstudies. In de winter bracht hij tijd door in een atelier, maar zodra het weer het toeliet ging hij weer buiten aan het werk. Het intense licht van Italië vormde een grote uitdaging: “Deze zon geeft een licht dat me wanhopig maakt. Het laat me de volslagen machteloosheid van mijn palet voelen.” Hij leerde het licht te beheersen en de stenen en de lucht in subtiele en dramatische variatie te schilderen.

Het waren niet alleen de Italiaanse architectuur en het licht die Corots aandacht trokken. De laatbloeiende Corot was ook in de ban van Italiaanse vrouwen: “Zij hebben nog steeds de mooiste vrouwen ter wereld die ik heb ontmoet…. – hun ogen, hun schouders, hun handen zijn spectaculair. Daarin overtreffen ze onze vrouwen, maar aan de andere kant zijn ze niet hun gelijken in gratie en vriendelijkheid… Ikzelf, als schilder, geef de voorkeur aan de Italiaanse vrouw, maar ik neig naar de Franse vrouw als het op emotie aankomt.” Ondanks zijn sterke aantrekkingskracht op vrouwen, schreef hij over zijn toewijding aan de schilderkunst: “Ik heb maar één doel in het leven dat ik trouw wil nastreven: het maken van landschappen. Dit vaste voornemen weerhoudt mij van een serieuze verbintenis. Dat wil zeggen, in het huwelijk…maar mijn onafhankelijke aard en mijn grote behoefte aan serieuze studie doen mij de zaak licht opvatten.”

Lees ook: biografieen – Jörg Immendorff

Streven naar de Salon

In de periode van zes jaar die volgde op zijn eerste Italiaanse bezoek en zijn tweede, concentreerde Corot zich op het voorbereiden van grote landschappen voor presentatie op de Salon. Verschillende van zijn schilderijen voor de Salon waren bewerkingen van zijn Italiaanse olieverfschetsen die hij in het atelier bewerkte door er denkbeeldige, formele elementen aan toe te voegen die in overeenstemming waren met de neoklassieke principes. Een voorbeeld hiervan was zijn eerste Saloninzending, View at Narni (1827), waar hij zijn snelle, natuurlijke studie van een ruïne van een Romeins aquaduct in een stoffige felle zon omtoverde in een vals idyllische pastorale omgeving met reusachtige schaduwbomen en groene gazons, een omzetting bedoeld om de neoklassieke juryleden aan te spreken. Veel critici hebben zijn Italiaanse plein-air schilderijen hoog gewaardeerd om hun “kiem van het impressionisme”, hun trouw aan het natuurlijke licht, en hun vermijding van academische waarden, ook al waren ze bedoeld als studies. Enkele decennia later zorgde het Impressionisme voor een revolutie in de kunst door een soortgelijke aanpak – snel, spontaan schilderen in de open lucht; maar waar de Impressionisten snel en ongemengd kleuren gebruikten om licht en stemming vast te leggen, mengde Corot gewoonlijk zijn kleuren om zijn dromerige effecten te verkrijgen.

Buiten het atelier reisde Corot, in navolging van zijn Italiaanse werkwijze, door Frankrijk en legde zich toe op rustieke landschappen. Hij keerde terug naar de Normandische kust en naar Rouen, de stad waar hij als jongeman woonde. Corot maakte ook enkele portretten van vrienden en familieleden en kreeg zijn eerste opdrachten. Zijn gevoelige portret van zijn nichtje, Laure Sennegon, gekleed in poederblauw, was een van zijn meest succesvolle en werd later aan het Louvre geschonken. Hij schilderde meestal twee kopieën van elk familieportret, één voor de geportretteerde en één voor de familie, en maakte ook vaak kopieën van zijn landschappen.

In het voorjaar van 1829 kwam Corot naar Barbizon om in het bos van Fontainebleau te schilderen; in 1822 had hij voor het eerst in het bos van Chailly geschilderd. Hij keerde terug naar Barbizon in de herfst van 1830 en in de zomer van 1831, waar hij tekeningen en olieverfstudies maakte, waaruit hij een schilderij maakte dat bestemd was voor de Salon van 1830; zijn Gezicht op het bos van Fontainebleau (nu in de National Gallery in Washington) en, voor de salon van 1831, nog een Gezicht op het bos van Fontainebleau. Daar ontmoette hij de leden van de Barbizon-school: Théodore Rousseau, Paul Huet, Constant Troyon, Jean-François Millet, en de jonge Charles-François Daubigny. Corot exposeerde een portret en verschillende landschappen op de Salon in 1831 en 1833. Zijn ontvangst door de critici op de Salon was koel en Corot besloot terug te keren naar Italië, nadat hij er niet in geslaagd was hen tevreden te stellen met zijn neoklassieke thema”s.

Midden-carrière

Tijdens zijn twee terugreizen naar Italië bezocht hij Noord-Italië, Venetië en opnieuw het Romeinse platteland. In 1835 baarde Corot opzien in de Salon met zijn bijbelse schilderij Agar dans le desert (Hagar in de woestijn), waarop Hagar, het dienstmeisje van Sarah, en het kind Ismaël staan afgebeeld, stervend van de dorst in de woestijn totdat ze worden gered door een engel. De achtergrond is waarschijnlijk ontleend aan een Italiaanse studie. Ditmaal slaagde Corots onverwacht gedurfde, frisse verklaring van het neoklassieke ideaal bij de critici door “de harmonie aan te tonen tussen de omgeving en de hartstocht of het lijden dat de schilder verkiest erin uit te beelden”. Hij volgde dat op met andere bijbelse en mythologische onderwerpen, maar die schilderijen waren niet zo succesvol, omdat de Salon-critici vonden dat hij tekort schoot in vergelijkingen met Poussin. In 1837 schilderde hij zijn vroegst overgeleverde naakt, De Nimf van de Seine. Later gaf hij zijn leerlingen de volgende raad: “De studie van het naakt, ziet u, is de beste les die een landschapsschilder kan krijgen. Als iemand weet hoe hij zonder kunstgrepen een figuur moet neerzetten, is hij in staat een landschap te maken; anders kan hij het nooit.”

In de jaren 1840 bleef Corot problemen houden met de critici (veel van zijn werken werden botweg afgewezen voor een Salon-tentoonstelling), en ook het publiek kocht niet veel werken. Hoewel erkenning en acceptatie door de gevestigde orde langzaam op gang kwamen, leidde Baudelaire in 1845 een aanklacht waarin hij Corot de leider noemde van de “moderne school van landschapsschilderkunst”. Terwijl sommige critici Corots kleuren “flets” en zijn werk “naïef onbeholpen” vonden, antwoordde Baudelaire scherpzinnig: “M. Corot is meer een harmonist dan een colorist, en zijn composities, die altijd geheel vrij zijn van pedanterie, zijn verleidelijk juist door hun eenvoud van kleur.” In 1846 decoreerde de Franse regering hem met het kruis van het Légion d”honneur en in 1848 kreeg hij een medaille van de tweede klasse op de Salon, maar hij ontving weinig staatspatronaat als gevolg daarvan. Zijn enige werk in opdracht was een religieus schilderij voor een doopkapel, geschilderd in 1847, in de trant van de renaissance meesters. Hoewel de gevestigde orde terughoudend bleef, erkenden andere schilders Corots groeiende statuur. In 1847 noteerde Delacroix in zijn dagboek: “Corot is een echte kunstenaar. Men moet een schilder op zijn eigen plaats zien om een idee te krijgen van zijn waarde…Corot verdiept zich diep in een onderwerp: ideeën komen bij hem op en hij voegt toe terwijl hij werkt; het is de juiste benadering.” Op aanbeveling van Delacroix kocht de schilder Constant Dutilleux een schilderij van Corot en begon een lange en vruchtbare relatie met de kunstenaar, die hem vriendschap en beschermheren opleverde. Corot”s publieke behandeling verbeterde drastisch na de Revolutie van 1848, toen hij werd toegelaten als lid van de Salon jury. In 1867 werd hij bevorderd tot officier van de Salon.

Corot, die van langdurige relaties met vrouwen afzag, bleef ook op zijn vijftigste nog heel dicht bij zijn ouders. Een tijdgenoot zei over hem: “Corot is een principieel man, onbewust christelijk; hij geeft al zijn vrijheid over aan zijn moeder… hij moet haar herhaaldelijk smeken om toestemming te krijgen om uit te gaan… voor een diner om de andere vrijdag.” Afgezien van zijn veelvuldige reizen bleef Corot nauw verbonden met zijn familie tot zijn ouders stierven, daarna kreeg hij eindelijk de vrijheid om te gaan en staan waar hij wilde. Die vrijheid stelde hem in staat leerlingen aan te nemen voor informele sessies, waaronder de Joodse kunstenaars Édouard Brandon en de toekomstige impressionist Camille Pissarro, die er korte tijd bij was. Corot”s doortastendheid en scherpzinnige adviezen maakten indruk op zijn leerlingen. Charles Daubigny verklaarde: “Hij is een perfecte Oude Man Vreugde, deze Vader Corot. Hij is al met al een geweldige man, die grapjes combineert met zijn zeer goede adviezen.” Een andere student zei over Corot: “De kranten hadden Corot zo verdraaid door hem Theocritus en Vergilius in handen te geven, dat het mij verbaasde dat hij noch Grieks noch Latijn kende…Zijn onthaal is heel open, heel vrij, heel amusant: hij spreekt of luistert naar je terwijl hij op één voet of op twee staat te huppelen; hij zingt stukjes opera met een heel getrouwe stem”, maar hij heeft een “scherpzinnige, bijtende kant die zorgvuldig verborgen blijft achter zijn goede aard”.

Tegen het midden van de jaren 1850 begon Corots steeds impressionistischer stijl de erkenning te krijgen die zijn plaats in de Franse kunst vastlegde. “M. Corot blinkt uit in het weergeven van vegetatie in haar frisse begin; hij geeft de eerstelingen van de nieuwe wereld prachtig weer. Vanaf de jaren 1850 schilderde Corot veel landschapssouvenirs en paysages, dromerige verbeelde schilderijen van herinnerde locaties van eerdere bezoeken, geschilderd met licht en losjes gedruppelde streken.

Latere jaren

In de jaren 1860 mengde Corot nog steeds boerenfiguren met mythologische figuren en mengde hij neoclassicisme met realisme, waardoor een criticus klaagde: “Als M. Corot voor eens en voor altijd de nimfen uit zijn bossen zou doden en ze door boeren zou vervangen, zou ik hem onmetelijk aardig vinden.” In werkelijkheid nam in zijn latere leven het aantal menselijke figuren toe en het aantal nimfen af, maar zelfs de menselijke figuren werden vaak in idyllische mijmeringen geplaatst.

Op latere leeftijd was Corot”s atelier gevuld met leerlingen, modellen, vrienden, verzamelaars en handelaren die kwamen en gingen onder het tolerante oog van de meester, waardoor hij wel eens zei: “Waarom staan jullie met z”n tienen om me heen en denkt niet één eraan om mijn pijp aan te steken”. Zijn werken vonden gretig aftrek bij handelaars en zijn prijzen lagen vaak boven de 4.000 francs per schilderij. Met zijn succes verzekerd, gaf Corot gul van zijn geld en tijd. Hij werd een lid van de kunstenaarsgemeenschap en gebruikte zijn invloed om opdrachten voor andere kunstenaars binnen te halen. In 1871 gaf hij 2000 pond voor de armen van Parijs, dat belegerd werd door de Pruisen. (zie: Frans-Pruisische oorlog) Tijdens de eigenlijke Parijse Commune was hij met Alfred Robaut in Arras. In 1872 kocht hij een huis in Auvers als geschenk voor Honoré Daumier, die op dat moment blind, zonder middelen en dakloos was. In 1875 schonk hij 10.000 francs aan de weduwe van Millet ter ondersteuning van haar kinderen. Zijn liefdadigheid was bijna spreekwoordelijk. Hij steunde ook financieel het onderhoud van een dagcentrum voor kinderen in de rue Vandrezanne in Parijs. In zijn latere leven bleef hij een bescheiden en bescheiden man, apolitiek en gelukkig met zijn geluk in het leven, en hield hij vast aan de overtuiging dat “de mensen zich niet moeten ophemelen met trots, of het nu keizers zijn die deze of gene provincie aan hun rijk toevoegen of schilders die een reputatie verwerven”.

Ondanks groot succes en waardering bij kunstenaars, verzamelaars en de meer gulle critici, vonden zijn vele vrienden toch dat hij officieel verwaarloosd werd en in 1874, kort voor zijn dood, overhandigden zij hem een gouden medaille. Hij stierf in Parijs aan een maagaandoening op 78-jarige leeftijd en werd begraven op de begraafplaats Père Lachaise.

Een aantal volgelingen noemde zichzelf Corot”s leerlingen. De bekendste zijn Camille Pissarro, Eugène Boudin, Berthe Morisot, Stanislas Lépine, Antoine Chintreuil, François-Louis Français, Charles Le Roux, en Alexandre Defaux.

Corot is een spilfiguur in de landschapsschilderkunst. Zijn werk verwijst tegelijkertijd naar de neoklassieke traditie en loopt vooruit op de plein-air vernieuwingen van het impressionisme. Claude Monet riep in 1897 over hem uit: “Er is hier maar één meester – Corot. Wij zijn niets vergeleken met hem, niets.” Zijn bijdragen aan de figuurschilderkunst zijn nauwelijks minder belangrijk; Degas verkoos zijn figuren boven zijn landschappen, en de klassieke figuren van Picasso zijn een openlijk eerbetoon aan de invloed van Corot.

Historici hebben zijn werk in perioden verdeeld, maar de scheidslijnen zijn vaak vaag, omdat hij een schilderij vaak jaren nadat hij eraan begonnen was, voltooide. In zijn beginperiode schilderde hij traditioneel en “strak” – met minieme precisie, duidelijke contouren, dunne penseelvoering, en met absolute definitie van de voorwerpen overal, met een monochrome onderschildering of ébauche. Na zijn 50e jaar veranderde zijn werkwijze en ging hij zich meer richten op de breedte van de kleuren en een benadering van poëtische kracht die werd overgebracht met dikkere verflagen; en ongeveer 20 jaar later, vanaf ongeveer 1865, werd zijn manier van schilderen lyrischer, beïnvloed met een meer impressionistische toets. Voor een deel kan deze evolutie in expressie gezien worden als een overgang van de plein-air schilderijen van zijn jeugd, doorspekt met warm natuurlijk licht, naar de studio-geschapen landschappen van zijn late rijpheid, gehuld in uniforme tinten van zilver. In zijn laatste tien jaar werd hij de “Père (Vader) Corot” van de Parijse artistieke kringen, waar hij werd beschouwd met persoonlijke genegenheid, en erkend als een van de vijf of zes grootste landschapsschilders die de wereld had gezien, samen met Meindert Hobbema, Claude Lorrain, J.M.W. Turner en John Constable. In zijn lange en productieve leven schilderde hij meer dan 3.000 schilderijen.

Hoewel Corot vaak wordt gezien als een voorloper van het impressionisme, benaderde hij zijn landschappen op een traditionelere manier dan gewoonlijk wordt aangenomen. Vergeleken met de impressionisten die later kwamen, is Corot”s palet ingetogen, gedomineerd door bruin en zwart (“verboden kleuren” bij de impressionisten), samen met donker en zilverachtig groen. Hoewel hij soms snel en spontaan leek, waren zijn streken meestal beheerst en zorgvuldig, en zijn composities goed doordacht en over het algemeen zo eenvoudig en beknopt mogelijk weergegeven, waardoor het poëtische effect van de beelden werd versterkt. Zoals hij verklaarde: “Ik merkte dat alles wat bij de eerste poging goed was gedaan, meer waarheidsgetrouw was, en de vormen mooier.”

Corot”s benadering van zijn onderwerpen was eveneens traditioneel. Hoewel hij een groot voorstander was van studies in de open lucht, was hij in wezen een atelierschilder en slechts weinig van zijn voltooide landschappen werden voltooid voor het motief. Het grootste deel van zijn leven bracht Corot zijn zomers door met reizen en het verzamelen van studies en schetsen, en zijn winters met het afwerken van meer gepolijste, marktklare werken. Zo verwijst de titel van zijn Badgasten van de Borromeïsche eilanden (1865-70) naar het Lago Maggiore in Italië, ondanks het feit dat Corot daar al 20 jaar niet meer was geweest. Zijn nadruk op het tekenen van beelden uit de verbeelding en het geheugen in plaats van directe waarneming kwam overeen met de smaak van de Salon-juryleden, waarvan hij lid was.

In de jaren 1860 raakte Corot geïnteresseerd in fotografie, hij nam zelf foto”s en leerde veel vroege fotografen kennen, wat tot gevolg had dat hij zijn schilderspalet nog meer ging onderdrukken in overeenstemming met de monochrome tinten van foto”s. Dit had tot gevolg dat zijn schilderijen nog minder dramatisch maar wel iets poëtischer werden, een resultaat dat sommige critici een monotonie in zijn latere werk deden aanmerken. Théophile Thoré schreef dat Corot “slechts één octaaf heeft, uiterst beperkt en in een mineur toonaard; een musicus zou zeggen. Hij kent nauwelijks meer dan een enkel uur van de dag, de ochtend, en een enkele kleur, lichtgrijs.” Corot antwoordde:

Wat er in de schilderkunst te zien is, of liever wat ik zoek, is de vorm, het geheel, de waarde van de tonen…Daarom komt voor mij de kleur pas daarna, want ik hou meer dan wat ook van het totaaleffect, de harmonie van de tonen, terwijl kleur je een soort schok geeft waar ik niet van houd. Misschien is het de overdaad van dit principe dat mensen doet zeggen dat ik loden tonen heb.

In zijn afkeer van schokkende kleuren week Corot sterk af van de opkomende impressionisten, die het experiment met levendige kleuren omarmden.

Naast zijn landschappen (deze late stijl was zo populair dat er talrijke vervalsingen bestaan), vervaardigde Corot een aantal gewaardeerde figuurstukken. Hoewel de onderwerpen soms in een pastorale omgeving werden geplaatst, waren dit meestal atelierstukken, getekend naar het levende model met zowel specificiteit als subtiliteit. Net als zijn landschappen worden ze gekenmerkt door een contemplatieve lyriek, waarvan zijn late schilderijen L”Algérienne (Algerijnse vrouw) en La Jeune Grecque (Het Griekse meisje) goede voorbeelden zijn. Corot schilderde een vijftigtal portretten, voornamelijk van familie en vrienden. Hij schilderde ook dertien liggende naakten, waarbij zijn Les Repos (1860) qua pose opvallend veel lijkt op Ingres beroemde Le Grande Odalisque (1814), maar Corot”s vrouw is in plaats daarvan een rustieke bacchante. In misschien wel zijn laatste figuurschilderij, Dame in blauw (1874), bereikt Corot een effect dat doet denken aan Degas, zacht maar expressief. In alle gevallen van zijn figuurschilderijen is de kleur terughoudend en valt op door zijn kracht en zuiverheid. Corot maakte ook veel etsen en potloodschetsen. Sommige van deze schetsen maakten gebruik van een systeem van visuele symbolen – cirkels die lichtvlakken voorstelden en vierkanten die schaduw voorstelden. Hij experimenteerde ook met het cliché verre proces – een kruising tussen fotografie en gravure. Vanaf de jaren 1830 schilderde Corot ook decoratieve panelen en muren in de huizen van vrienden, daarbij geholpen door zijn leerlingen.

Corot vatte zijn benadering van kunst rond 1860 samen: “Ik interpreteer met mijn kunst net zoveel als met mijn oog.”

De werken van Corot zijn ondergebracht in musea in Frankrijk en Nederland, Groot-Brittannië, Noord-Amerika en Rusland.

De sterke markt voor de werken van Corot en zijn relatief gemakkelijk te imiteren late schilderstijl resulteerden in een enorme productie van vervalsingen van Corot tussen 1870 en 1939. René Huyghe heeft de beroemde uitspraak gedaan dat “Corot drieduizend doeken heeft geschilderd, waarvan er tienduizend in Amerika zijn verkocht”. Hoewel dit een humoristische overdrijving is, zijn er duizenden vervalsingen verzameld, waarvan alleen al de Jousseaume-collectie er 2.414 bevat. Het probleem werd nog vergroot door de lakse houding van Corot, die het kopiëren en vervalsen aanmoedigde. Hij stond zijn studenten toe zijn werken te kopiëren en zelfs te lenen om ze later terug te geven, hij mocht kopieën van studenten en verzamelaars bijwerken en signeren, en hij leende werken uit aan professionele kopieerders en verhuurbedrijven. Volgens de Corot-catalogus Etienne Moreau-Nélaton “authenticeerde het zelfgenoegzame penseel van de meester deze kopieën met een paar persoonlijke en doorslaggevende retouches. Toen hij er niet meer was om zijn ”dubbelen” af te maken, ging men zonder hem door met de productie ervan”. De catalogisering van de werken van Corot in een poging om de kopieën van de originelen te scheiden, werkte averechts toen vervalsers de publicaties gebruikten als leidraad om hun valse schilderijen uit te breiden en te verfijnen.

Twee van Corots werken zijn te zien en spelen een belangrijke rol in het plot van de Franse film L”Heure d”été (zomeruur) uit 2008. De film werd geproduceerd door het Musée d”Orsay, en de twee werken werden door het museum uitgeleend voor het maken van de film.

Er is een straat genaamd Rue Corot op Île des Sœurs, Quebec, genoemd naar de kunstenaar.

In Arthur Conan Doyle”s roman The Sign of the Four uit 1890 heeft Thaddeus Sholto een onbekend werk van Corot tentoongesteld.

Lees ook: biografieen – Tribhuwana Wijayatunggadewi

Referenties

Bronnen