Lucio Fontana
gigatos | april 4, 2022
Samenvatting
Lucio Fontana (Rosario, 19 februari 1899 – Comabbio, 7 september 1968) was een Italiaans schilder, keramist en beeldhouwer.
Zijn familie was Italiaans, maar hij werd in Argentinië geboren. Hij bezocht de Brera-academie in Milaan en legde zich toe op de beeldhouwkunst; bij zijn terugkeer in Buenos Aires stelde hij het Manifiesto blanco op, waarmee hij de grondslag legde voor de Spatialistische beweging. In het begin van de jaren 1950 creëerde hij doeken met gaten, gevolgd door de beroemde “cuts”. In zijn artistieke prestaties gebruikte hij talrijke technieken, in de schilderkunst, de beeldhouwkunst en de keramiek.
Als zoon van de Italiaanse beeldhouwer Luigi Fontana (1865-1946) en zijn Argentijnse moeder, begon hij zijn artistieke loopbaan in 1921 in het beeldhouwatelier van zijn vader en zijn vaders collega en vriend Giovanni Scarabelli. Daarna werd hij een volgeling van Adolfo Wildt. Al in 1949 overwon hij, door het doek te breken met gaten en sneden, het traditionele onderscheid tussen schilderkunst en beeldhouwkunst. De ruimte is niet langer een voorwerp van voorstelling volgens de conventionele regels van het perspectief. Het oppervlak zelf van het doek, onderbroken door reliëfs en inkepingen, gaat een directe relatie aan met de reële ruimte en het licht. Eind jaren veertig werkte hij samen met Fontana Arte aan de creatie van keramische onderstellen voor tafels en salontafels (ontworpen door de architect Roberto Menghi), en met de firma Borsani.
Lucio werd geboren uit een relatie tussen Lucia Bottini, dochter van de Zwitserse graveur Jean en later getrouwd met Juan Pablo Maroni, en zijn vader Luigi, die het kind bij zich hield en later trouwde met Anita Campiglio, die Fontana altijd als een echte moeder heeft beschouwd. Omdat de familie Fontana het niet breed had, werd de jonge Lucio naar Italië gestuurd om eerst aan belangrijke kostscholen en vervolgens aan het Technisch Instituut Carlo Cattaneo en de Kunstacademie Brera te studeren. In 1917 meldde hij zich als vrijwilliger bij het leger en in 1921 keerde hij, nadat hij zijn diploma van bouwkundig opzichter had behaald, terug naar Argentinië. In 1924 opende hij, na met zijn vader te hebben samengewerkt, zijn eigen studio in Rosario, waarbij hij de realistische stijl van zijn vader achter zich liet en in plaats daarvan op zoek ging naar de kubistische modellen van Alexander Archipenko, zoals in Nude (1926) en La mujer y la balde (1927). In het eerste werk zijn invloeden van Archipenko en het Secessionisme te zien, terwijl in het tweede werk de les van Aristide Maillol te zien is.
In 1927 keerde hij terug naar Milaan en schreef zich in aan de Brera Academie voor Schone Kunsten, waar hij in 1930 afstudeerde. Hij werd beïnvloed door zijn leraar Adolfo Wildt.
Hij zou in 1963 zeggen: “Ik werd begeleid door een groot meester: Wildt, ik werd beschouwd als de beste student van de opleiding. En Wildt had me inderdaad meermaals te kennen gegeven dat ik een voortzetter van zijn kunst moest worden. In plaats daarvan nam ik, zodra ik de Academie had verlaten, een massa gips, gaf het een ruwweg figuratieve structuur van een zittende man en gooide er teer op. Zomaar, voor een gewelddadige reactie. Wildt klaagde, en wat kon ik tegen hem zeggen? Ik had veel waardering voor hem, ik was hem dankbaar, maar ik wilde een nieuwe weg inslaan, een geheel eigen weg. “Zo ontstond een van de belangrijkste werken uit Fontana”s vroege periode: De zwarte man (1930 – nu verloren). Hij herinnerde zich werken van Archipenko en Zadkine en zocht naar een terugkeer naar de oorsprong van de vorm. Het zwarte teer en de bijna vormeloze massa contrasteren met het herstel van Romeinse en Etruskische vormen door Arturo Martini en Marino Marini. Samen met Renato Birolli en Aligi Sassu beschouwde hij het expressionisme als een alternatief voor de mode van de 20e eeuw zoals in Campione olimpico (of Kampioen Wachten) (1932).
Hij maakte ook een aantal felgekleurde keramische producten. Hij maakte kennis met de architectonische avant-garde van Milaan: Figini en Pollini en de BBPR-groep nl: Belgioioso, Banfi, Peressutti, Rogers. Hij heeft de les van Le Corbusier geleerd. Zijn nabijheid tot de architectuur komt duidelijk tot uiting in het monument voor Giuseppe Grandi (de grote beeldhouwer van de Lombardische “Scapigliatura”), dat helaas nooit is gerealiseerd (1931) en dat hij samen met zijn architectennicht Bruno Fontana en de ingenieur Alcide Rizzardi heeft ontworpen. Het ontwerp omvat een omgekeerde kegel en kristallen. De afleiding van constructivistische en rationalistische werken is te zien: zie Melnikov (Colombo Lighthouse 1929) en Tatlin (monument voor de Derde Internationale).In de jaren dertig balanceerde Fontana steeds tussen expressionistische figuratie en rarefactie van vorm en tweedimensionaliteit. Zie Il fiocinatore (1934) of Scultura astratta (1934).
In 1937 ging hij naar Parijs voor de Wereldtentoonstelling. Hij ontmoette Tristan Tzara en Constantin Brancusi en zag de werken van Picasso. Hij bezocht de keramiekateliers in Sèvres en maakte nieuw keramiek. Van 1940 tot 1947 woonde hij in Argentinië en schreef samen met andere abstracte kunstenaars het Manifiesto blanco: Een verandering in essentie en vorm is vereist. Schilderkunst, beeldhouwkunst, poëzie en muziek moeten overwonnen worden. Er is een grotere kunst nodig die beantwoordt aan de eisen van de nieuwe geest.
In 1947 schreef hij samen met Beniamino Joppolo, Giorgio Kaisserlian en Milena Milani het Eerste Manifest van het Spatialisme Het is onmogelijk voor de mens om niet over te gaan van doek, brons, gips en plasticine naar zuivere lucht-, universele, zwevende beelden, net zoals het onmogelijk was voor hem om niet over te gaan van grafiet naar doek, brons, gips en plasticine, zonder op enigerlei wijze de eeuwige geldigheid te ontkennen van de beelden die door middel van grafiet, brons, doek, gips en plasticine tot stand zijn gekomen. Dit werd gevolgd door het Technisch Manifest van het Spatialisme in 1951 (De eerste door de mens geconstrueerde ruimtelijke vorm is de aerostat. Met de beheersing van de ruimte bouwt de mens de eerste architectuur van het ruimtetijdperk – het vliegtuig. Deze ruimtelijke architecturen in beweging zullen aanleiding geven tot de nieuwe fantasieën van de kunst. Er wordt een nieuwe esthetiek gevormd, lichtgevende vormen door de ruimte. Beweging, kleur, tijd en ruimte de begrippen van de nieuwe kunst).
In 1952 werd het Manifest van de Ruimtelijke Beweging voor de Televisie gepubliceerd: “Voor het eerst in de wereld zenden wij, Spatialisten, via de televisie onze nieuwe vormen van kunst uit, die gebaseerd zijn op de begrippen van de ruimte, gezien vanuit een tweeledig gezichtspunt: het eerste is dat van de ruimte, die vroeger mysterieus werd geacht en nu bekend en onderzocht is, en daarom door ons als plastisch materiaal wordt gebruikt; het tweede is dat van de nog onbekende ruimten van de kosmos, die wij willen aanspreken als gegevens van intuïtie en mysterie, gegevens die typerend zijn voor kunst als waarzeggerij. Voor ons is televisie een medium waarop wij hebben gewacht als integratie van onze concepten. Wij zijn verheugd dat deze ruimtelijke manifestatie van ons vanuit Italië zal worden uitgezonden, bestemd om de kunstvelden te vernieuwen.
Zijn monochrome doeken, vaak gespoten, dragen het stempel van de precieze, zelfverzekerde gebaren van de kunstenaar die, nadat hij zijn penselen heeft verlaten, scheermesjes, messen en zagen hanteert. Alles speelt zich af in schaduwen waarmee het grazende licht de oplossingen van continuïteit benadrukt.
Het werk Il fiore (of Concetto spaziale) uit 1952 introduceert beweging: een bloem gemaakt van geel geverfde ijzeren platen met een reeks keurige gaatjes die ertussen bewegen. Maar het interessantste werk uit deze periode is misschien wel de Struttura al neon (Neonstructuur) voor de IX Triennale van Milaan in 1951. Aan een blauw plafond (ontworpen samen met de architecten Baldessari en Grisotti) hangt een doorlopend neonlicht dat verschillende keren in elkaar verstrengeld is en de beweging van een toorts of de beweging van een papieren schets (zoals te zien is in de voorbereidende schetsen) lijkt te kristalliseren, vergelijkbaar met de spiraalvormige patronen van Hans Hartung. In de daaropvolgende jaren vijftig produceerde hij een reeks werken die steeds representatiever werden voor het informele denken. De Stenen serie, de Barok serie en de Gipsen serie. Hij ontmoette Yves Klein, die hem op zijn beurt bewonderde. Fontana opende een deur naar een zoektocht naar oneindigheid, ruimte en spiritualiteit. Dezelfde zoektocht naar spiritualiteit als Kandinsky, Pollock, Yves Klein en Rothcko.
Fontana kwam tot de poëtica van zijn beroemdste werken (de insnijdingen in het doek) in 1958, na de les van de barok te hebben overwogen, waarin, zoals hij schreef, de figuren het vlak lijken te verlaten en zich in de ruimte voortzetten. Als openlijk provocerende gebaren hebben bepaalde monochrome doeken van hem, zoals de gaten en sneden, het publiek ook geschandeerd vanwege het gemak waarmee ze konden worden nagebouwd. Tegen een steeds monochrome achtergrond snijdt hij met één of meer sneden in het doek, zodat de illusie van het doek als drager van een tekening wordt onderbroken en het werk een materiaal wordt dat het doek omvormt tot een driedimensionale sculptuur. Doeken die gekenmerkt worden door insnijdingen worden ook wel Ruimtelijk Concept (of Wachten) genoemd, afhankelijk van het aantal insnijdingen. In het begin hebben de doeken veel uitsnijdingen, zelfs in min of meer geordende reeksen, en worden ze gekleurd met aniline; later worden de uitsnijdingen verkleind, worden de doeken gekleurd met waterverf en worden de uitsnijdingen aan de achterkant gesloten met zwart gaas. De volgende reeksen werken van Lucio Fontana zijn gegroepeerd per thema:
Le Sculture (1925-1967), I Buchi (1949-1968), Le Pietre (1952-1956), I Barocchi (1954-1957), I Gessi (1954-1958), Gli Inchiostri (1956-1959);
Gli Olii (1957-1968), I Tagli (1958-1968), I Quanta (1959-1960), Le Nature (1959-1960), I Metalli (1961-1968), La Fine Di Dio (1963-1964);
I Teatrini (1964-1966), Le Ellissi (1964-1967), Le Ambientazioni (1926-1968), I Disegni (1928-1968), Le Ceramiche (1949-1968).
Er waren veel vervalsers, maar weinigen met een even zeker teken. Om zichzelf te beschermen schreef Fontana onzinnige zinnen op de achterkant van elk doek, een eenvoudige kruk voor kalligrafische expertise. Hij was schilder, beeldhouwer, keramist, mozaïekwerker, hij hield zich bezig met beschilderd cement, en hij beoefende ook de architectuur. Op het Piazza Pozzo Garitta, in Albissola Marina, bevindt zich de “Spazio Lucio Fontana” waar zich in de jaren 1950 en 1960 het atelier van de kunstenaar bevond. Voor de plaatselijke “Passeggiata degli Artisti” (Wandeling van de Kunstenaars) maakte hij een ontwerp voor een mozaïek en goot hij een metalen beeldhouwwerk.
In Albissola Marina werkte hij ook in de Via Ferdinando Isola, in de Fornace “APA Assalini Poggi Albisola”. In het begin van de jaren zestig correspondeerde hij met bewonderaars, onder wie de kunstcriticus Franco Russoli. In 1963-64 exposeerde hij op de tentoonstelling Peintures italiennes d”aujourd”hui, georganiseerd in het Midden-Oosten en Noord-Afrika. Hij overleed in Comabbio, in de provincie Varese, op 7 september 1968, op de leeftijd van 69 jaar.
In 1982 richtte zijn echtgenote Teresita Rasini de Stichting Lucio Fontana op, waaraan zij meer dan zeshonderd werken van de kunstenaar naliet en waarvan zij tot haar dood in 1995 voorzitter was. De stichting werkt mee aan de organisatie van tentoonstellingen in belangrijke openbare en particuliere instellingen, zoals: de grote anthologische tentoonstelling, de Guggenheim-tentoonstelling, de reizende solotentoonstelling in Japan en de tentoonstelling in het Centre Pompidou in Parijs. De voorzitter van de stichting is momenteel Nini Ardemagni Laurini.
Op 12 april 2008 werd in de veilingzaal van Christie”s in Londen het werk van de auteur “Spatial Concept. Waiting”, geschat op 3,5 tot 5,5 miljoen pond, bracht 6.740.500 pond (9.018.789 euro) op in de verkoop “Naoorlogse en hedendaagse kunst”.
Vanaf 27 maart 1965 is in Studio Fontana de tentoonstelling Zero Avantgarde te zien. Te zien zijn werken van Nobuya Abe, Armando, Bernard Aubertin, Hans Bischoffshausen, Agostino Bonalumi, Pol Bury, Enrico Castellani, Lucio Fontana, Hermann Goepfert, Hans Haacke, Yves Klein, Yayoi Kusama, Walter Leblanc, Adolf Luther, Heinz Mack, Piero Manzoni, Christian Megert, Henk Peeters, Otto Piene, George Rickey, Jan Schoonhoven, Turi Simeti, Jesùs Rafael Soto, Paul Talman, Erwin Thorn, Giancarlo Tognoni, Günther Uecker, Jef Verheyen, Nanda Vigo, Herman de Vries.
Bronnen
