Pablo Picasso

gigatos | 8 listopada, 2021

Post Views: 194

Streszczenie

Przeczytaj także: historia-pl – Bracia Wright

Między Barceloną a Paryżem. Okres niebieski

Innymi wpływami na twórczość Picassa w tym okresie byli Van Gogh i Gauguin, ten pierwszy przede wszystkim na płaszczyźnie psychologicznej, co znajduje odzwierciedlenie w emocjonalnej intensywności obrazów tego okresu, choć pojawia się też uproszczenie wolumenu i zdefiniowanych konturów, przywodzące na myśl Gauguina, od którego przejmie też uniwersalną koncepcję sentymentalizmu. Picasso wyraził samotność bohaterów poprzez odizolowanie ich w nieprecyzyjnym otoczeniu, przy niemal wyłącznym użyciu błękitu przez okres ponad dwóch lat, co było praktycznie niespotykane w historii sztuki. Podobnie wydłużenie postaci, które pojawiało się w jego pracach, ponownie nawiązywało do stylu El Greca.

W Paryżu Mańach zorganizował wystawę obrazów i pasteli w galerii Berthe Weill od 1 do 15 kwietnia, z pracami Picassa i Lemaire”a, a w czerwcu w tej samej galerii kolejną, z pracami Picassa i Matisse”a. W Barcelonie Picasso otrzymał wezwanie do odbycia służby wojskowej w październiku. Aby tego uniknąć, musiał zapłacić dwa tysiące peset, kwotę przekazaną przez wuja. Zaraz potem powrócił do Paryża wraz z Sébastienem Junyerem i po raz pierwszy pokazał swoje niebieskie obrazy od 15 listopada do 15 grudnia na wystawie zbiorowej zorganizowanej ponownie przez Mańka w galerii Berthe Weill.

Przeczytaj także: biografie-pl – Marcelo H. del Pilar

Paryż, Bateau Lavoir. Okres różowy

Od 25 lutego do 6 marca 1905 r. wystawiał w Galerie Sérurier swoje pierwsze różowe płótna. Krytycy mówili o zapowiedzi świetlistej przemiany jego talentu; po dramatach okresu błękitnego Apollinaire opisywał w Revue immoraliste utwory okresu różowego: „Pod migotliwymi blaszkami jego akrobatów czuje się naprawdę litość ludzi, wszechstronnych, przebiegłych, chytrych, biednych i kłamców”. Jak powiedziała Fernande Olivier, Picasso zdawał się kochać to, do czego nie był stworzony, co było inne niż on: Cyganów, walki byków, szemrane kabarety, klaunów i świat cyrku; kochał i zanurzał się z zachwytem we wszystkim, co miało gwałtowny koloryt lokalny.

Wiosną tego samego roku namalował jedno z najważniejszych dzieł tego roku, Rodzinę Saltimbanquis, wyraźną ewolucję w kierunku okresu różowego; nagi, rozmazany pejzaż, w którym dobrze narysowane, stylizowane postacie lalkarzy, marginalnych bohaterów, których samotne życie zaimponowało Picasso, są skadrowane w izolacji. Pewnego popołudnia, po wyjściu z Cirque Médrano z Maxem Jacobem, postanowił wymodelować swoją głowę w glinie, a pracując nad dziełem przez kilka następnych dni, dodał kapelusz i dzwonki błazna, w stylu postaci cyrkowych. Praca nosiła tytuł Szaleniec (Głowa Harlequina) (Musée Picasso, Paryż), którą właściciel galerii Ambroise Vollard zlecił odlać z brązu.

W lecie odbył podróż na północ Holandii, zatrzymując się na sześć tygodni w Schoorl na zaproszenie holenderskiego pisarza Toma Schilperoorta. W czasie pobytu namalował akt Piękna holenderska (Queensland Art Gallery, South Brisbane) oraz Trzy Holenderki (Musée Picasso, Paryż), osobistą wersję klasycznego tematu trzech wdzięków. Po krótkim pobycie w Paryżu, w sierpniu spędził wakacje z Fernande w Tiana, na północny wschód od Barcelony. Po jego powrocie we wrześniu, Fernande wprowadziła się do skromnego studia Picassa w Bateau-Lavoir; początek ich związku był szczęśliwy, a obrazy i rysunki Picassa przedstawiające Fernande celebrowały jej piękno i osobistą bliskość. Picasso wyrobił sobie nawyk odwiedzania małych galerii, a wraz z Fernande uczestniczył w popularnych wernisażach oficjalnych salonów.

Gertruda Stein i jej brat Leo zamieszkali w Paryżu i poświęcili swój majątek na zgromadzenie niezwykłej kolekcji dzieł sztuki. Leo Stein kupił Rodzinę akrobatów z małpami od handlarza dziełami sztuki Clovisa Sagota, za pośrednictwem którego Leo i Gertruda odwiedzili pracownię Picassa i kupili od niego liczne dzieła za 900 franków. Picasso stał się stałym bywalcem salonu Gertrudy Stein w jej paryskim mieszkaniu; namalował portret Leo i jego syna Michaela i rozpoczął pierwszą z osiemdziesięciu do dziewięćdziesięciu sesji do słynnego Portretu Gertrudy Stein (Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork). Gertruda kupiła niedawno Kobietę w kapeluszu Matisse”a i postanowiła, że obaj artyści powinni się spotkać.

Salon d”Automne 1906 wystawił retrospektywę Gauguina, która wywarła głębokie wrażenie na Picassie i miała duży wpływ na jego twórczość; Salon zawierał również dziesięć prac Cézanne”a, który zmarł mniej więcej w tym samym czasie. Zimą Picasso namalował Dwie nagie kobiety (monumentalność postaci i autonomiczne operowanie światłem i cieniem przywodzą na myśl Wielkie kąpiące się Cézanne”a). Pod koniec roku przestał malować i zajął się serią studiów i szkiców aktów do wielofiguralnej kompozycji o tematyce burdelowej, której kulminacją będzie rewolucja przedstawiona w 1907 roku w Demoiselles d”Avignon.

Pierwsza reakcja otoczenia Picassa na wcześniejsze studia młodych dam była w zasadzie nieprzychylna: przyjaciele nie do końca rozumieli ten nowy styl. W notatniku Apollinaire określił ją jako „cudowny język, którego nie może wyrazić żadna literatura, ponieważ nasze słowa zostały już stworzone”. Wiosną 1907 roku Picasso poznał, za pośrednictwem Apollinaire”a, Georges”a Braque”a, który po wizycie w jego pracowni wyraził pewne poruszenie w kierunku malarstwa wielkoformatowego.

Zachęcony przez André Deraina, Picasso odwiedził w 1907 roku Muzeum Etnograficzne w Pałacu Trocadero w Paryżu. Był to jego pierwszy kontakt z dużą ilością afrykańskich i oceanicznych dzieł, które zarówno Derain jak i Matisse od dawna kolekcjonowali, ale na które Picasso nie zwracał do tej pory większej uwagi. Odkrycie sztuki niezachodniej dało nowy impuls Młodym damom z Avignonu, a także wywarło znaczny wpływ na jego twórczość rzeźbiarską. Picasso zmodyfikował wówczas twarze niektórych pań, z których dwie najbardziej „kubistyczne” przypominają maski afrykańskie, podczas gdy dwie środkowe są bardziej zbliżone do stylu średniowiecznych fresków i wczesnych rzeźb iberyjskich; również twarz postaci po lewej ma profil przywodzący na myśl malowidła egipskie. Jednak „art négre, connais pas” – tak odpowiedział Picasso na pytanie w magazynie „Action” w 1920 roku; ten proto-kubistyczny okres, trwający od 1907 do 1909 roku, nazywany jest także okresem afrykańskim, czarnym lub ciemnym Picassa; jego styl był pod silnym wpływem rzeźby afrykańskiej, ale intencją artysty zawsze było coś przeciwnego.

Na obraz mogły też mieć wpływ wydłużone figury El Greca, a zwłaszcza jego Wizja Apokalipsy, którą Picasso prawdopodobnie widział tego lata w Paryżu; jego struktura i kompozycja wywodzą się z Wielkich kąpiących się Cézanne”a; malarstwo Cézanne”a urzeczywistnia przedmioty, kładąc szczególny nacisk na wolumeny i ich ciężar, bez atmosferycznej palpitacji impresjonizmu. Według Fermigier, 1969, s. 69, jego retrospektywa na Salon d”Automne 1907 zdeterminowała późniejszą ewolucję Picassa. Braque, również zainspirowany przez Cézanne”a, rozpoczął serię pejzaży ukazujących jego przejście od fowizmu do okresu proto-kubistycznego.

W styczniu 1908 roku Matisse otworzył swoją szkołę, Academie Matisse. Z drugiej strony, Derain i Braque byli naśladowcami Picassa, co w połączeniu z ich rosnącą przyjaźnią z Gertrudą Stein drażniło Matisse”a. Na Salon des Indépendants w maju tego samego roku Derain i Braque zaprezentowali obrazy inspirowane nowym stylem Picassa, co wywołało wielkie poruszenie wśród krytyków. Picasso był oburzony, że pierwsza wystawa sztuki kubistycznej odbyła się bez uznania jego roli jako źródła inspiracji, zwłaszcza Kobiety (1908), bardzo aktualnego aktu Braque”a, o którym nie rozmawiał z nikim, nawet z Picassem. Po zamknięciu Salonu Braque do września przebywał w L”Estaque. Elementy afrykańskie stopniowo ustępowały w twórczości Picassa miejsca efektom oddziaływania Cézanne”a, być może związanym z Cezanistycznym redukcjonizmem pejzaży Braque”a.

Latem Braque zrealizował w L”Estaque serię kubistycznych pejzaży, w których zerwanie z mechaniczną perspektywą Cézanne”a, zamiast inspiracji, traktuje jako inicjację malarza. Picasso wynajął gospodarstwo w Rue des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, 60 kilometrów na północ od Paryża; Fernande wspomina, że tym odosobnieniem Picasso chciał przezwyciężyć stan nerwowego wzburzenia, jaki wywołała u niego śmierć Wieghelsa. Obaj artyści zaczęli przedstawiać poczucie ulgi poprzez arbitralne stosowanie światła i cienia ze szkodą dla naturalistycznego cieniowania; formy zostały uproszczone do ekstremum, z większą i głębszą rzeźbiarskością w obrazach Picassa, którego paleta została ograniczona do gamy brązów, szarości i zieleni. Pejzaże Picassa pozostają pod wpływem Henri Rousseau (1844-1910) i wczesnego Cezanne”a.

Kiedy we wrześniu Braque zgłosił swoje pejzaże na Salon d”Automne, jury, w skład którego wchodził Matisse, odrzuciło prace. Według Apollinaire”a, Matisse jako pierwszy użył terminów „kubista” i „kubizm”, odrzucając prace Braque”a zgłoszone do Salonu. Historia ta od 1912 roku uważana jest za oficjalny początek ruchu. Josep Palau i Fabre zwraca uwagę, że jesień 1908 roku to początek tego, co nazywa zielonym okresem Picassa: martwe natury, które wówczas maluje, wykazują formalną stylizację, wynikającą prawdopodobnie z zastosowania postulatów Cezanesa, zgodnie z którymi kształty miały być zredukowane do stożków, cylindrów i kul. Ta geometryczna schematyzacja nie pociąga za sobą utraty cielesności przedstawianych przedmiotów, dlatego można ją określić jako płaski relief. Latem i w październiku ukończył ostateczną wersję Trzech kobiet (Muzeum Ermitażu, Sankt Petersburg), w której afrykańskie wpływy wczesnych studiów obrazu rozmywają się w nowej stylistyce zielonego okresu.

W pracach namalowanych w Horta drzewa i formy naturalne zostały wyeliminowane, a amorficzna na pierwszy rzut oka skała została przeanalizowana i rozbita na płaszczyzny, a następnie zrekonstruowana przez nałożenie płaszczyzn; w niektórych przypadkach geometryzacja objęła także niebo, a całość tworzyła rygorystyczną kompozycję o głębi nie ustępującej tradycyjnej perspektywie. Użycie światła było całkowicie dowolne, służyło wyłącznie podkreśleniu konturów i wyostrzeniu reliefów. Jednak kubizm analityczny był wciąż raczej rewizją niż odrzuceniem tradycji; obraz pozostawał iluzorycznym oknem do świata przedstawionego, zrekonstruowanego. Syntetyczny kubizm stanowił negację europejskiej tradycji, kolaż przełamał nienaruszalność powierzchni obrazu, a przedstawienie rzeczywistości przestało być celem obrazu, a stało się jego punktem wyjścia.

We wrześniu przeniósł się do Paryża, na 11 boulevard de Clichy. Wrócił obładowany dziełami w nowym stylu i mimo odrzucenia przez publiczność i krytyków wystawy, którą Vollard dla nich zorganizował, wybrana grupa kolekcjonerów z Gertrudą Stein i Siergiejem Szczukinem na czele nadal je kupowała. Zamknięty w swojej nowej pracowni, kontynuował rozwój kubizmu, który w tym czasie dzielił nie tylko z Braque”iem, ale także z grupą artystów z Montmartre”u pozostających pod silnym wpływem nowego stylu, m.in. z Derainem, Hiszpanem Juanem Grisem i Légerem. Kubizm rozprzestrzeniał się w całej Europie, z konstruktywistami i suprematystami Malewiczem w Rosji i Mondrianem w Holandii, choć obaj wykazywali poważne różnice ze stylem Picassa: według Penrose”a, ich dążenie do czystej geometrii form odwiodło ich od piktorialnego tematu w kierunku abstrakcji, co nie leżało w instynktach Picassa, dla którego usuwanie symboli i poetyckich aluzji z malarstwa było formą emaskulacji; zainspirowało także futurystów z Marinettim na czele we Włoszech i wortykalistów w Anglii, którzy oparli swoją teorię estetyczną na formie oraz mechanicznym ruchu i rytmie, próbując wprowadzić czas do obrazowego przedstawienia. Picasso nie dążył jednak do rozwoju teorii czy szkół, jego potrzebą było zerwanie z przeszłością i nadanie dziełu sztuki własnego, wewnętrznego życia.

W pracowni Manuela Hugué powstały rzeźby, takie jak Głowa kobiety (Fernande) (Muzeum Picassa w Barcelonie, inspirowane płótnami namalowanymi w Horta. Fernande nie czuła się dobrze ze zmianami, jakie zachodziły w ich otoczeniu i stylu życia, tęskniła za spontanicznością pierwszych wspólnych dni.

Zimą z 1910 na 1911 Picasso i Braque współpracowali tak blisko, że trudno prześledzić pochodzenie pomysłów, które obaj wprowadzali w życie, a ponieważ nie podpisywali swoich obrazów, zdarzało się, że trudno było im odróżnić własne dzieło od dzieła drugiego; w miarę postępów w analizie przedmiotu Picasso i Braque czuli, że tracą odniesienie do jego rozpoznawalnej rzeczywistości. Włączenie elementów rzeczywistości do ich kubistycznych kompozycji doprowadziło ich później do trompe l”œil, a stamtąd do wynalezienia kolażu, zrywając w ten sposób z tradycją używania nie więcej niż jednego medium dla dzieła i kwestionując zasady samego malarstwa.

Picasso przybył do Céret, francuskiej wioski w historycznym regionie Roussillon, w lipcu 1911 roku. Fernande Olivier i Braque dołączyli do niego w sierpniu, a obaj malarze kontynuowali bliską współpracę w definiowaniu kubizmu. Stworzyli kilka obrazów, w których wprowadzili do swoich dzieł nagłówek lokalnej gazety, z rozpoznawalną gotycką typografią, np. Wachlarz („L”Indépendant”) (kolekcja prywatna, Ascona, Szwajcaria). 5 września Picasso wrócił do Paryża i na Salon d”Automne 1911 zaprezentował kubistyczny pokój, w którym zarówno on, jak i Braque byli nieobecni. Fakt ten wstrząsnął prasą w Nowym Jorku, Madrycie i Amsterdamie, która relacjonowała to wydarzenie, gdyż znani byli oni jako twórcy stylu; w całej Europie ukazało się kilka artykułów i esejów o Picassie i Braque”u. Związek z Fernandą uległ pogorszeniu, a jesienią tego samego roku Picasso poznał Evę Gouel (Marcelle Humbert), dotychczasową sentymentalną partnerkę polskiego malarza Ludwika Markusa, którą w kilku obrazach nazwał ma jolie (moja piękność).

Na początku 1912 roku Picasso wykonał pierwszą skonstruowaną rzeźbę, Gitara (MoMA, Nowy Jork), wykonaną z tektury, sznurka i drutu. Picasso w dużej mierze zapoczątkował proces, który doprowadził do uwolnienia rzeźby od klasycznych pojęć, takich jak objętość i zastąpienia procesów modelowania lub rzeźbienia wszelkiego rodzaju technikami konstrukcyjnymi, które stanowiły rewolucyjną transformację w rzeźbie. Równolegle do kubistycznej techniki kolażu, której pierwszym przykładem jest powstała wiosną 1912 roku Martwa natura z plecionym krzesłem (Musée Picasso, Paryż), formy zostały zredukowane do płaszczyzn, które można dowolnie artykułować. Koncepcje asamblażu i konstrukcji pozwoliły na wprowadzenie nowych technik i materiałów; dekompozycja objętości przyniosła nowe perspektywy, uznanie pustki i światła jako elementów rzeźbiarskich równorzędnych z masą.

W połowie grudnia wrócił do Céret, skąd udał się z Evą do Barcelony na święta Bożego Narodzenia. Do Paryża powrócił 21 stycznia 1913 roku, gdzie rozpoczął pracę nad Skrzypcami wiszącymi na ścianie (Musée des Beaux-Arts, Berno), w której zastosował zabieg dodawania piasku do farby i w podwójnym naśladownictwie symuluje efekt kolażu za pomocą płaszczyzn przypominających wycinanki z papieru (imitujące fakturę drewna), jakie stosowali w swoich kolażach Braque i Picasso, W tym samym czasie wykonał drugą serię papiers collés, w których wykorzystał współczesne gazety z Paryża (w kilku z nich użył Le Figaro) lub z Céret, w których można zaobserwować wzrost abstrakcji i większą kolorystykę.

W 1914 roku Picasso wykonał trzecią serię papiers collés. 14 stycznia Kahnweiler opublikował Oblężenie Jerozolimy Maxa Jacoba, ilustrowane przez Picassa. Pracował też nad swoimi konstrukcjami, m.in. nad Szklanką absyntu (MoMA, Nowy Jork), której dealer Kahnweiler zamówił sześć egzemplarzy w brązie, malowanych na różne sposoby, jedne mocno kolorowe, inne o piaskowej fakturze.

Pod koniec czerwca Picasso i Eva przenieśli się do Avignon, w pobliże Deraina, który przebywał w Montfavet, i Braque”a w Sorgues. Zamach w Sarajewie, w którym zamordowano arcyksięcia austriackiego Franciszka Ferdynanda i jego żonę, zapoczątkował wybuch I wojny światowej. Apollinaire wystąpił o francuskie obywatelstwo, by zaciągnąć się jako ochotnik; Braque i Derain zostali zmobilizowani; Picasso pożegnał ich na dworcu w Awinionie 2 sierpnia 1914 r. Jesienią, jeszcze w Awinionie, Karty, kieliszki, butelka rumu (Vive la France) (Leigh B. Bloch Collection, Chicago) otworzyły okres kubizmu Pointillist. Pracował nad seriami rysunków mężczyzn opierających się o balustradę, stół lub krzesło, w stylach od naturalizmu do kubizmu; niedokończone płótno Artysta i jego model (Musée Picasso, Paryż), przypuszczalnie Eva, pokazuje tendencję do powrotu do figuracji reprezentacyjnej, która później powróci.

Powrót do Paryża w połowie listopada, jego nieco ambiwalentny stosunek do wojny i relacji z niemieckimi mecenasami Kahnweilerem i Thannhauserem, w połączeniu z faktem, że większość młodych mężczyzn była na froncie, spowodował, że Picasso był postrzegany z podejrzliwością. Zimą namalował obraz olejny Martwa natura: gitara, gazeta, szklanka i koniczyna (Musée Picasso, Paryż), który wprowadził okres zwany zimnym kubizmem, w którym kompozycja została opracowana w zimnych barwach, z przewagą błękitu.

Przeczytaj także: historia-pl – Biblioteka Aleksandryjska

Balety Rosyjskie

W 1916 roku związał się z dwiema kobietami: Gabrielle Lespinasse, showmanką z Montparnasse, z którą miał romans bez konsekwencji, oraz Elvirą Paladini, zmysłową i sybarycką, której obecność stymulowała pewne przeczucie Włoch w twórczości Picassa. W marcu Apollinaire powrócił ranny z frontu, a Picasso w ciągu następnych trzech miesięcy wykonał kilka rysunków przedstawiających go, m.in. Portret Apollinaire”a (kolekcja prywatna), również utrzymany w stylu realistycznym. W czerwcu rozpoczął przeprowadzkę na 22 rue Victor-Hugo w dzielnicy Montrouge. Namalował kilka portretów Elviry Paladini i Apollinaire”a, utrzymanych w stylu realistycznym, oraz kilka rysunków harlequinów nawiązujących do okresu różowego. Pierwsza publiczna wystawa Demoiselles d”Avignon odbyła się w lipcu na Salon d”Automne, zorganizowanym przez André Salmona. Podobnie jak w przypadku kubizmu, krytycy byli dość surowi wobec dzieła, którego nie mogli zrozumieć.

Po kilku wcześniejszych wizytach, Jean Cocteau, którego poznał w grudniu poprzedniego roku, zaprosił go 1 maja do zaprojektowania scenografii dla zespołu Ballets Russes pod dyrekcją Sergéi Diágileva, z librettem samego Cocteau i muzyką Erika Satie; podczas wizyty miał wykonać realistyczny portret pisarza. Pod koniec maja Cocteau zabrał Diágileva do swojego studia, gdzie omawiali plany baletu Parada. W sierpniu 1916 roku ostatecznie zgodził się pracować nad baletem Parada. Picasso wprowadził do dzieła kilka zmian, pomysły, które bardziej podobały się Satiemu niż Cocteau. Wreszcie we wrześniu doszli do porozumienia, a w styczniu 1917 roku potwierdził z Diágilevem umowę na wykonanie scenografii i kostiumów do baletu za sumę 5000 franków, z dodatkowym 1000 franków, gdyby musiał pojechać do Rzymu. W lutym i marcu pracował nad kurtyną do baletu Parada (Musée National d”Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paryż).

19 lutego przybył wraz z Cocteau do Rzymu, by dołączyć do Diagilewa i Baletów Rosyjskich. Przez osiem tygodni mieszkał w Grand Hôtel de Russie, na rogu Via del Babuino i Piazza del Popolo, gdzie wykonał wiele rysunków przedstawiających Villa Medici z okna. W wynajętej pracowni przy Via Margutta 53b wykonał wiele szkiców kostiumów i dekoracji do baletu. W chwilach wolnych od pracy spotykał się towarzysko z Diagilewem, choreografem spektaklu Léonide Massine, scenografem Léonem Bakstem, Cocteau i Igorem Strawińskim, którym robił szybkie portrety i karykatury. Poznał też włoskich futurystów i zwiedził z nimi słynne miejsca w mieście, Kaplicę Sykstyńską, Sale Rafaela i watykańskie muzea rzeźby. Pobyt w Rzymie sprawił, że ponownie zainteresował się akademickim stylem Ingresa, którego wpływ odzwierciedli się w jego twórczości w następnych latach. W tym okresie poznał tancerkę Olgę Jojlovą, członkinię zespołu Diagilewa, z którą się ożenił.

W marcu 1917 roku Diagilew zabrał Picassa, Strawińskiego, Cocteau i Massine”a na wycieczkę do Neapolu, skąd zwiedzili ruiny Herculaneum i Pompei. W tym czasie w Paryżu pojawiło się awangardowe pismo literackie Nord-Sud, które w czasie swego krótkiego istnienia było silnym forum awangardowej dyskusji o kubizmie i próbowało zbliżyć paryskie centra literatury tradycyjnej i awangardowej, Montmartre i Montparnasse. Wśród jego współpracowników było wielu pisarzy, którzy ukształtowali surrealizm: Apollinaire (który ukuł termin mniej więcej w tym czasie), André Breton, Louis Aragon i Tristan Tzara, między innymi. W kwietniu Cocteau wrócił do Paryża, a Picasso dołączył do zespołu Ballets Russes w ich podróży do Włoch, aby być blisko Olgi, przejeżdżając przez Florencję (gdzie odwiedził Kaplicę Medyceuszy, z grobowcami Michała Anioła) i Wenecję.

Po tournée po Włoszech, pod koniec kwietnia zespół udał się do Paryża, gdzie 18 maja 1917 roku w Théâtre du Châtelet odbyło się pierwsze przedstawienie Parady. Połączenie awangardowych stylów w sztuce, muzyce i choreografii, w okresie naznaczonym wojną w Europie, wywołało skandal, na jaki liczył Diágilev, który został okrzyknięty „obraźliwie antyfrancuskim”. Apollinaire w swoim eseju do programu baletu zauważył, że synteza projektów Picassa i choreografii Massine”a po raz pierwszy osiągnęła rodzaj „surrealizmu, w którym widzę punkt wyjścia dla serii manifestacji tego Nowego Ducha”. W maju i czerwcu zrealizował realistyczny Autoportret (Musée Picasso, Paryż) i Oczy artysty (Musée Picasso, Malaga).

Zakochany w Oldze, Picasso towarzyszył Baletom Rosyjskim w Madrycie, gdzie występowały w czerwcu; pod wpływem Olgi i kontaktów z zespołem, Picasso bywał w madryckich kręgach towarzyskich. 23 czerwca przybyli do Barcelony, gdzie Ballets Russes wystawili Las Meninas w Teatro del Liceo. Pod koniec miesiąca firma wyjechała do Ameryki Południowej, podczas gdy Olga i Picasso, już zaręczeni, pozostali cztery miesiące w Barcelonie, gdzie jego katalońscy przyjaciele artyści Miguel Utrillo, Ángel Fernández de Soto, Ramón Reventós, Pallarés, Ricardo Canals, bracia Vidal i Francisco Iturrino wydali mu w lipcu bankiet powitalny w Galerías Layetanes. Namalował naturalistycznego Harlequina z Barcelony (Muzeum Picassa, Barcelona) i Olgę Jojlovą z mantylą (Muzeum Picassa, Malaga); Kobietę w stroju hiszpańskim (La Salchichona) (Muzeum Picassa, Barcelona), w technice dywizjonistycznej; w stylu kubistycznym Kobietę siedzącą w fotelu (Personage) (Muzeum Picassa, Barcelona) i Misę na owoce (Muzeum Picassa, Barcelona). Wykonał także liczne rysunki walk byków oraz portrety i rysunki Olgi.

W listopadzie Balety Rosyjskie powróciły do Hiszpanii; w Barcelonie wystąpiły z Paradą, która spotkała się z ciepłym przyjęciem; podczas przedstawienia siostra Picassa Lola i jej mąż przedstawili go ówczesnemu studentowi sztuki Joanowi Miró. Pod koniec listopada Olga i Picasso przygotowują się do powrotu do Paryża.

Rok 1918 to początek okresu, który Max Jacob określił mianem okresu księżnej, a który zakończył się około 1923 roku. Od 23 stycznia do 15 lutego 1918 r. Picasso wystawiał z Matisse”em serię obrazów proto-kubistycznych w galerii Paula Guillaume”a. W klimacie wciąż wrogim kubizmowi wystawa wzbudziła wiele komentarzy prasowych; niewykluczone, że częścią ekspozycji były Les Demoiselles d”Avignon. Ukończył Portret Olgi w fotelu (Olga nalegała, by jej portrety były rozpoznawalne).

Między kwietniem a majem przeniósł się z Olgą do Hotelu Lutetia, modnego hotelu pierwszej klasy przy Boulevard Raspail; zmienił się jego styl życia, bywał w kręgu Ballets Russes, obracał się wśród wyższych sfer. 12 lipca poślubił Olgę, najpierw w wymaganej prawem ceremonii, a następnie w trzygodzinnej mszy w rosyjskiej cerkwi przy Rue Daru w Paryżu. Ich rodziny nie były obecne, a Picasso poprosił Jeana Cocteau, Maxa Jacoba i Apollinaire”a, aby wystąpili w roli świadków. Po ślubie Olga odmówiła wyjazdu do Montrouge, mówiąc, że nigdy nie wróci do tego domu, „który pachniał zbyt wieloma kobietami”. 30 lipca przybyli do Biarritz na miesiąc miodowy; zatrzymali się w Villa La Mimoseraie, należącej do ich chilijskiej przyjaciółki Eugenii Errázuriz. Tam rozwijał tematykę marynistyczną, jak np. Kąpiący się (Musée Picasso, Paryż), w manierystycznym stylu przypominającym jego wydłużone figury inspirowane stylem El Greca. Jego gospodyni przedstawiła go handlarzom dzieł sztuki Georges”owi Wildensteinowi i Paulowi Rosenbergowi; Rosenberg w imieniu Wildensteina zawarł kontrakt z Picassem. Wykonał kilka portretów w neoklasycznym stylu Ingresa, przedstawiających jego kobiety i zamożnych gości z towarzystwa.

Pod koniec września wrócił z Olgą do Montrouge. Oficjalnym dealerem Picassa został Paul Rosenberg, który zaakceptował jedynie ustną umowę z Picassem, dającą dealerowi pierwszy wybór dzieł artysty; Daniel-Henry Kahnweiler był jego dealerem od 1907 roku, aż do wybuchu wojny niemiecko-francuskiej, w wyniku której został zmuszony do wyjazdu do Szwajcarii. 8 października Picasso wynajmuje duże mieszkanie przy rue de La Boëtie. Prawdopodobnie w tym czasie poznał Louisa Aragona, a przez niego i Apollinaire”a – André Bretona. Wkrótce potem, 9 listopada 1918 roku, na dwa dni przed podpisaniem kończącego I wojnę światową rozejmu w Rethondes, Apollinaire zmarł na grypę hiszpańską w swoim mieszkaniu przy bulwarze Saint-Germain. Od tej pory Picasso co roku w tym dniu odwiedzał grób przyjaciela na cmentarzu Père-Lachaise.

W 1919 roku kontynuował równolegle pracę nad dziełami kubistycznymi i realistycznymi. Powstały prace realistyczne, w których widać pewną monumentalność i rzeźbiarski ciężar postaci, jak Martwa natura z dzbanem i jabłkami (Musée Picasso, Paryż) w mocnym, klasycznym stylu późnego Ingresa, rzeźbiarski charakter i masywność postaci, które ujawnią się w jego neoklasycznych pracach z 1920 roku.

Pojawienie się Baletów Rosyjskich w Londynie po wojnie zbiegło się z czasem, kiedy modne było zainteresowanie sztuką, zwłaszcza awangardową, a balet pozwalał na połączenie prestiżu wielkich tancerzy ze skandalem młodych rewolucyjnych artystów, co zarówno cieszyło snobów, jak i przyciągało intelektualistów. Balet umożliwiał połączenie prestiżu wielkich tancerzy ze skandalem młodych rewolucyjnych artystów, co podobało się snobom i przyciągało intelektualistów. W maju Picasso przybył do Londynu, gdzie Diagilew przygotowywał nowy balet z muzyką Manuela de Falli, El sombrero de tres picos, oparty na powieści Pedro Antonio de Alarcón o tym samym tytule. Picasso był zachwycony historią, której akcja rozgrywa się w południowych Włoszech w XVIII wieku, a także możliwością ponownej współpracy z Massine i po raz pierwszy z Fallą. Podczas trzymiesięcznego pobytu w Londynie wykonał liczne szkice, rysunki i akwarele do scenografii, kostiumów i kurtyny, które malował osobiście, korzystając z pomocy Władimira Połunina i jego żony Elżbiety. Kiedy nie byli zajęci próbami baletu i testami, kontaktowali się z angielskim społeczeństwem, gdzie Picasso poznał wielu artystów i pisarzy.

Premiera El sombrero de tres picos w Alhambra Theatre 22 lipca 1919 roku odniosła ogromny sukces, który wkrótce doprowadził do otwarcia w Londynie szkół tańca hiszpańskiego. Massine poznał rytmy flamenco i zastosował je w choreografii tancerzy, których kostiumy były dostosowane do akcji. Picasso instynktownie posługiwał się krzywymi i zygzakami, motywami charakterystycznymi dla hiszpańskich wozów chłopskich, rytmami wywodzącymi się zapewne z arabskich arabesek kaligraficznych. Kontrast zieleni, różu, czerwieni i czerni przywodził na myśl również Hiszpanię. Krytyk Jean Bernier napisał: „wszystkie kostiumy są, bez wyjątku, pełne ciepła i siły, temperowane przez smak godności, która jest bardzo andaluzyjska”.

Zamieszkując w swoim mieszkaniu przy rue de la Boëtie, Picasso stopniowo oddalał się od stylu życia cyganerii, jaki prowadził przed wojną; jego życie osobiste było spokojniejsze, choć można go było zobaczyć elegancko ubranego na przyjęciach koktajlowych lub na kolacji z Olgą, ubraną w Chanel. Związki z Baletami Rosyjskimi i handlarzami dziełami sztuki Léonce”em i Paulem Rosenbergami przyniosły mu większą przychylność krytyki i widoczność.

W grudniu 1919 roku Diagilew, wracający do Paryża po sezonie londyńskim, zaprosił go do współpracy przy nowym balecie inspirowanym Commedią dell”Arte, Pulcinelli, z muzyką Strawińskiego. Diagilew odrzucił pierwsze szkice jako zbyt nowoczesne i ozdobne, a Picasso później je uprościł. Diagilew odrzucił pierwsze szkice jako zbyt nowoczesne i ozdobne; Picasso później je uprościł. Na początku lat 20. opracował dużą liczbę szkiców i studiów do Pulcinelli.

23 stycznia 1920 roku w Théâtre National de l”Opéra w Paryżu wystawiono Kapelusz z trzema rogami, na które zaprosił swojego przyjaciela Maxa Jacoba, z którym widywał się rzadziej. W drodze do teatru Jacob został potrącony przez samochód i trafił do szpitala; Picasso często odwiedzał go w szpitalu, ale później zaczęli się rzadziej widywać, ponieważ Jacob szukał mniej hałaśliwego i publicznego życia towarzyskiego.

Pomysł Massine”a na balet wziął się z ulicznych przedstawień, które widzieli podczas podróży do Neapolu w 1917 roku. Wspólnie z Diagilewem opracowali libretto na podstawie starożytnych tekstów neapolitańskich; muzyka Strawińskiego jest aranżacją muzyki Giovanniego Battisty Pergolesiego, XVIII-wiecznego kompozytora włoskiego. Pierwsze szkice Picassa były w stylu pseudorokokowym, który po początkowym odrzuceniu przez Diagilewa uprościł do stylu kubistycznego z dużymi płaskimi powierzchniami w kolorach niebieskim, szarym i białym, na których wyróżniały się kostiumy postaci, oparte na stylu tradycyjnych bohaterów Commedii dell”Arte. Premiera Pulcinelli odbyła się 15 maja 1920 roku w Théâtre National de l”Opéra w Paryżu.

Latem, unikając upałów południa Francji, przeniósł się z Olgą i Pablo do Fontainebleau. Lato w Fontainebleau było płodne, z przewagą dzieł w stylu neoklasycznej rzeźby. Głównymi tematami są matka z dzieckiem i kobiety przy fontannie; można je zobaczyć w Mother and Child at the Seashore (Art Institute of Chicago) oraz Three Women at the Fountain (Musée de l”Orangerie, Paryż), z grecko-rzymskimi strojami i fryzurami. Stworzył też dwa arcydzieła w syntetycznym stylu kubistycznym: Muzykanci z maskami (MoMA, Nowy Jork) i Muzykanci z maskami (Trzej muzykanci) (Philadelphia Museum of Art); tematyka przypomina jego współpracę z Baletami Rosyjskimi, zwłaszcza niektóre studia harlequinów i pierrotów z Pulcinelli.

W 1923 roku Picasso kontynuował temat arlekina; namalował kilka portretów Jacinta Salvadó przebranego za arlekina w mniej monumentalnym i bardziej lirycznym stylu, a także portrety syna Pabla i jego żony Olgi oraz Portret Doñy Maríi (matki artysty) (kolekcja prywatna). Namalował także portrety syna Pabla i jego żony Olgi oraz Portret Doña Marii (matki artysty) (kolekcja prywatna). Latem tego roku powrócił na Riwierę, osiedlając się w Antibes z Olgą i Pablem. Zrealizował Flet Pana (Musée Picasso, Paryż), a także kilka rysunków i szkiców o tej samej tematyce. W Antibes odwiedził wielu towarzyskich wczasowiczów, takich jak malarz Gerald Murphy i jego żona Sarah (Beaumont poprosił go o zaprojektowanie scenografii i kostiumów do Mercure, które miało zostać otwarte latem 1924 roku.

Choreograf Léonide Massine opuścił Ballets Russes, by latem 1924 roku, w ramach cyklu prywatnych przedstawień zwanych Les Soirées de Paris, zrealizować balet dla hrabiego Étienne de Beaumont, chcąc w ten sposób pomóc rosyjskiej arystokracji. Z muzyką Erika Satie, scenografią i kostiumami Picassa, Massine stworzył Mercure, najdziwniejszy i najbardziej oryginalny balet od czasu Parady. Kanciaste płaszczyzny i proste linie Parady zostały zastąpione przez linie krzywe i faliste, sinusoidalne sylwetki w scenografii i kostiumach. Premiera Mercure 18 czerwca w Théâtre de la Cigale została źle przyjęta przez krytykę i publiczność. Niektórzy z surrealistów krytykowali zaangażowanie Picassa w burżuazyjny projekt na rzecz arystokracji, ale Breton wystąpił w obronie pracy artystycznej Picassa, ogłaszając w eseju Hommage à Picasso (Hołd dla Picassa) „Jeśli chodzi o mnie, uważam współpracę Picassa w Mercure za najważniejsze wydarzenie artystyczne ostatnich lat.

Dwa dni później w Théâtre des Champs-Elysées wystawiono Le train bleu, ostatni wspólny spektakl z Baletami Rosyjskimi Siergieja Diagilewa, do którego kurtynę namalował malarz sceniczny Aleksander Szewaszidze na podstawie gwaszu Picassa Dwie kobiety biegnące po plaży (Wyścig). Kurtyna została namalowana przez malarza scenicznego Aleksandra Szewaszidze, na podstawie gwaszu Picassa Dwie kobiety biegnące po plaży (Wyścig). Sam Picasso podpisał kurtynę „Dedykowana Diágilevowi Picasso 24”.

Latem 1924 roku przeniósł się do willi La Vigie w Juan-les-Pins. Picasso opracował w szkicowniku serię przedsurrealistycznych rysunków, konstelacji linii i kropek, które po latach zostały wykorzystane w przygotowanym przez Ambroise”a Vollarda ilustrowanym wydaniu Le Chef-d”suvre Inconnu Honoré de Balzaca; dla uczczenia urodzin syna Picasso co roku malował portrety chłopca; w 1924 roku namalował Pabla de harlequin (Musée Picasso, Paryż).

Kontrowersje wokół Soirées de Paris narastały latem i sprowokowały rozłam wśród byłych dadaistów, przeciwstawiając grupę Bretona innej grupie skupionej wokół Ivana Golla. W październiku Breton opublikował Manifest surrealistyczny, w którym nakreślił artystyczne konsekwencje teorii psychoanalizy i interpretacji snów Zygmunta Freuda. Termin surrealizm, ukuty przez Apollinaire”a w 1917 roku, został przyjęty przez Bretona jako nazwa jego grupy. Choć Picasso nigdy oficjalnie nie przyłączył się do ruchu surrealistycznego, jego twórczość była podziwiana przez Bretona, podobnie jak przez Tristana Tzarę i dadaistów. Prace Picassa są reprodukowane w ośmiu z jedenastu numerów La Révolution Surréaliste, wydawanych w latach 1924-1929.

Przeczytaj także: biografie-pl – Fidel Castro

Surrealizm

Od ślubu z Olgą i narodzin pierwszego syna, Pabla, Picasso cieszył się szczęśliwym życiem rodzinnym; prowadził bardzo aktywne życie towarzyskie, na przemian z paryską arystokracją i inteligencją; awangardowi krytycy chwalili jego osiągnięcia artystyczne, choć koncentrowali się na aspektach formalnych, ignorując intuicyjne i psychologiczne elementy jego twórczości. Akceptowany przez społeczeństwo i krytyków, Picasso był postrzegany jako część francuskiej tradycji, która stała ponad wybrykami nowej generacji antymieszczańskich dadaistów, którzy zaczynali być wypierani przez grupę, która stała się znana jako surrealiści.

W 1925 roku na czwarte urodziny syna namalował obraz Pablo de pierrot (Musée Picasso, Paryż), utrzymany w naturalistycznej stylistyce, podobnej do portretu harlequina, który namalował rok wcześniej. Namalował także Taniec (Tate Modern, Londyn), przełomowy moment w rozwoju Picassa, po okresie, w którym tworzył zarówno w dekoracyjnej formie syntetycznego kubizmu, jak i neoklasycznej figuratywności. Taniec zawdzięcza swoje powstanie obu stylom, ale jego znaczenie polega na tym, że oznacza zerwanie z pogodną, klasyczną fazą i początek nowego okresu, pełnego emocjonalnej gwałtowności i ekspresjonistycznej deformacji.

Taniec zapoczątkował okres surrealizmu Picassa w latach 1925-1938. Antyteza jego klasycznych rysunków tańca, ekspresjonistyczny charakter obrazu symbolizował narastającą irytację Picassa wobec Olgi i kobiet w ogóle; zraniony śmiercią przyjaciela Ramona Pichota, uważał, że jego żona Germaine, która była przyczyną śmierci Casagemasa, zniszczyła przyjaciela, tak jak Olga niszczy jego. Na żałobę po śmierci Pichota nałożyła się w lipcu śmierć muzyka Erika Satie, a latem w Juan-les-Pins namalował Pocałunek (Musée Picasso, Paryż), jeszcze bardziej agresywny w duchu niż Taniec. Motyw nałożonych na siebie głów, który pojawia się w postaci kobiety, a nie w rzeźbie, znajdzie kontynuację w późniejszej twórczości artysty. Irracjonalne cechy tej serii prac, podobnie jak pierwszych dzieł kubistycznych, były dla Bretona analogiczne do teorii automatyzmu uprawianej przez surrealistów.

W eseju „Surrealizm i malarstwo”, opublikowanym w lipcu 1925 roku w numerze 4 La Révolution Surréaliste, Breton uznał Picassa za modelowego malarza i twierdził, że jest surrealistą, wskazując jednocześnie na niemożność zastosowania etykietki, która ograniczałaby jego twórczość: „Etykietka ”kubista” w dużym stopniu popełniła ten błąd. W listopadzie w Galerie Pierre w Paryżu odbyła się „Exposition: La Peinture Surréaliste”, na której zaprezentowano dwa wczesne kubistyczne obrazy Picassa, a także prace Hansa Arpa, Giorgio de Chirico, Maxa Ernsta, Paula Klee, André Massona, Joana Miró, Man Raya i Pierre”a Roya; Breton i Robert Desnos napisali przedmowę do katalogu. Maurice Raynal w recenzji wystawy w L”intransigeant napisał: „Ojciec kubizmu” stał się adoptowanym synem surrealistów! W listopadzie Picasso towarzyszył matce, która spędziła z nimi wakacje na wybrzeżu, w podróży do Barcelony. Tam poznał Daliego i odwiedził jego pierwszą indywidualną wystawę w Galerii Dalmau.

W kwietniu odwiedził go w jego pracowni Dalí; mimo wzajemnej admiracji obaj artyści nie zaprzyjaźnili się. Polecenie Diagilewowi współpracy z Miró i Maxem Ernstem nad scenografią i kostiumami do Romea i Julii spowodowało, że temu ostatniemu groziło wydalenie z grupy surrealistów, która sprzeciwiała się współpracy z „burżuazyjną produkcją dla wyższych sfer”.

W styczniu 1927 roku poznał Marie-Thérèse Walter, siedemnastoletnią blondynkę, przed Galeries Lafayette w Paryżu (choć niektórzy autorzy umieszczają tę datę dwa lata wcześniej). W ciągu sześciu miesięcy zostali kochankami. Chociaż ich związek pozostawał tajemnicą aż do narodzin ich córki Mayi w 1935 roku, odniesienia do Marie-Thérèse pojawiły się w jego twórczości wkrótce po tym, jak ją poznał. Napięcie małżeńskie z Olgą rosło, jego życie stało się bardzo skomplikowane, ponieważ starał się utrzymać ich związek w tajemnicy. Spędził nieszczęśliwe lato w Cannes, tęskniąc za Marie-Thérèse, podczas gdy Olga miała mu za złe, że Picasso nigdy nie był obecny na organizowanych przez niego spotkaniach towarzyskich.

Późnym latem zrealizował album rysunków Carnet des Métamorphoses, w którym biomorficznym kąpiącym się artystom nadał słoniowate formy rzeźbiarskie, a ich atrybuty płciowe osiągnęły monumentalne rozmiary, jak w przypadku Kąpiącej się w kokpicie (Figura kobieca) (Musée Picasso, Paryż). Chociaż są to prawdopodobnie studia do pomnika Apollinaire”a, Christian Zervos napisał w 1929 roku, że Picasso zaproponował je jako pomniki dla Croisette, eleganckiej promenady, która oddziela plażę od wielkich hoteli w Cannes. Pod koniec 1927 roku, już w Paryżu, pracuje z drukarzem Louisem Fortem nad serią trzynastu akwafort, zamówionych przez Vollarda, na temat „artysty i modela” do książki Le Chef-d”œuvre Inconnu, którą opublikuje w 1931 roku.

W marcu 1928 roku wznowił przyjaźń z rzeźbiarzem Julio Gonzálezem, którego pracownię przy rue de Médéah często odwiedzał, by kontynuować naukę technik spawania. W czerwcu powstaje jego pierwsza od 1914 roku trójwymiarowa rzeźba, brązowa Metamorfoza I (Kąpiąca się) (Musée Picasso, Paryż), oparta na rysunkach Marie-Thérèse wykonanych w 1927 roku.

Wiosną 1929 r. w pracowni Gonzáleza wykonał spawaną i malowaną rzeźbę z żelaza Kobieta w ogrodzie (Musée Picasso, Paryż). Rozpoczął też pierwsze studia do Ukrzyżowania (Musée Picasso, Paryż), które ukończył w 1930 roku. Napięcie związane z małżeństwem z Olgą znalazło odzwierciedlenie w pracach takich jak Popiersie kobiety i Autoportret (kolekcja prywatna), w których dzika kobieca głowa z rozwartymi szczękami narzuca się na klasyczny profil artysty. Także w Dużym akcie w czerwonym fotelu (Musée Picasso, Paryż), gdzie postać kobieca jest wykrzywiona w krzyk, ujawniający niepokojące elementy podświadomości artysty. Surrealistyczny charakter tego obrazu widoczny jest także w wielu innych pracach.

Przeczytaj także: biografie-pl – Cyrus II Wielki

Boisgeloup

Jego prace zostały po raz pierwszy pokazane w założonym rok wcześniej Museum of Modern Art w Nowym Jorku (MoMA) w ramach wystawy „Malarstwo w Paryżu”. W czerwcu nabył Château de Boisgeloup, siedemdziesiąt kilometrów na północny zachód od Paryża. Boisgeloup miało stać się dla niego schronieniem, do którego mógł uciec z Marią-Teresą; stajnie przekształcił w pracownię rzeźbiarską, gdzie pragnienie powrotu do modelowania w glinie lub gipsie oraz inspiracja młodą kochanką pobudziły go do tworzenia dużych popiersi w gipsie, niektórych o niewątpliwie seksualnym charakterze. Jesienią 1930 roku wykonał serię rzeźb, w większości rzeźbionych w drewnie, a później odlanych z brązu, niewielkich rozmiarów i bardzo wystylizowanych. Mniej więcej w tym czasie Marie-Thérèse przeprowadziła się na 44 rue Boétie, naprzeciwko mieszkania, w którym Picasso mieszkał z Olgą. W tych wczesnych latach trzydziestych Picasso był rozdarty między niechęcią do zerwania związku z Olgą a obsesją na punkcie Marii-Teresy, która była główną inspiracją dla zmysłowych i sugestywnych postaci kobiecych w jego twórczości.

We wrześniu 1930 roku rozpoczął serię stu akwafort, które złożą się na Suitę Vollarda; Picasso pracował nad tym cyklem od 1930 do 1937 roku, choć większość prac powstała w latach 1933 (sześćdziesiąt jeden akwafort) i 1934 (dwadzieścia cztery akwaforty). Hans Bollinger wyróżnił w Suicie Vollarda siedem grup tematycznych: ((i (vii) Ślepy Minotaur. „Artysta i model” to ogólny temat występujący w rycinach z Suity Vollarda, zwłaszcza w tych poświęconych pracowni rzeźbiarskiej. Picasso mógł więc „niewinnie” przedstawiać się z Marie-Thérèse, często nago. Jest to motyw, który Picasso wykorzystywał przez całe lata trzydzieste; zniknął on z jego twórczości w czasie hiszpańskiej wojny domowej i niemieckiej okupacji Francji, choć w ostatnich latach powrócił do niego.

W styczniu 1931 roku ukończył Figury nad morzem (Musée Picasso, Paryż), scenę miłosną na plaży, w której ciała, zredukowane do zaokrąglonych, rzeźbiarskich form, są tak splecione w uścisku, że nie sposób odróżnić, która część ciała należy do mężczyzny, a która do kobiety, postaci po prawej stronie, którą po kształcie głowy można rozpoznać jako Marie-Thérèse. Picasso podkreślił w ten sposób dwoistą naturę ludzkiej seksualności poprzez sprzeczność między pozorną czułością uścisku a kamienną obecnością postaci i ich ostrymi, agresywnymi językami. Głowy postaci nawiązują do Pocałunku (dwie głowy) (Musée Picasso, Paryż) z tej samej daty, gdzie pożerające się nawzajem dwie głowy odzwierciedlają konflikt z Olgą. Równolegle z obrazami form monolitycznych powstała seria martwych natur w dekoracyjnym, jaskrawo kolorowym, krzywoliniowym stylu kubistycznym; na szczególną uwagę zasługuje Duża martwa natura ze świecznikiem (Musée Picasso, Paryż), gdzie w jednej z najbardziej lirycznych i seksualnie symbolicznych martwych natur organiczne formy sugerują tors Marii Teresy. Obraz pozostał w osobistej kolekcji Picassa aż do jego śmierci, kiedy to został podarowany do Musée Picasso w Paryżu wraz z setkami innych dzieł, w zamian za podatek spadkowy.

W kwietniu londyńska galeria Alex Reid & Lefevre zorganizowała retrospektywę trzydziestu siedmiu obrazów, Thirty Years of Pablo Picasso. W maju objął w końcu w posiadanie Château de Boisgeloup, gdzie kontynuował z Gonzalezem pracę w metalu, włączając do swoich rzeźb prawdziwe przedmioty. Jego rzeźby z 1930 roku, asamblaże z ciętych i spawanych elementów metalowych, jak Kobieta w ogrodzie (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madryt), można rozumieć jako „obiekty poetyckie, niekiedy o surrealistycznym posmaku”. Powrócił też do modelowania w glinie i gipsie. Wykonał kilka popiersi i płaskorzeźb przedstawiających Marię Teresę, jak np. Popiersie kobiety (Marie-Thérèse) (Musée Picasso, Paryż). Zaokrąglone formy i reliefy mają pewną seksualną jakość, a rysy twarzy przypominają czasem narządy płciowe (nos jako fallus, usta jako pochwa), przypominając rzeźbę neolityczną i afrykańską. Podczas wakacji w Juan-les-Pins wykonał serię liryczno-erotycznych rysunków i rycin, które stały się podstawą akwafort w części zatytułowanej „Pracownia rzeźbiarska” w Apartamencie Vollarda. Namalował też kilka małych obrazów olejnych przedstawiających willę Chêne-Roc, w której przebywał. Jesienią powrócił do twórczości rzeźbiarskiej.

25 października 1931 roku Picasso skończył pięćdziesiąt lat i opublikował Metamorfozy Owidiusza dla Alberta Skiry w Lozannie, w sumie piętnaście całostronicowych akwafort i piętnaście półstronicowych, nad którymi pracował od poprzedniego roku. W tej serii rycin Picasso odwołuje się do prostoty klasycznego rysunku, jasno przedstawiając przedmioty i istoty, podobnie jak w „Lizistratach” Arystofanesa, opublikowanych w 1934 r. 12 listopada Ambroise Vollard opublikował „Nieznane arcydzieło Balzaka” z trzynastoma akwafortami Picassa, w których podkreśla on temat artysty i modela. W powieści Balzac ukazuje konflikt artysty między ukończeniem dzieła a osiągnięciem doskonałości, co znajduje odzwierciedlenie w akwaforcie z cyklu Malarz i modelka dziergają, w której malarz przekształca prozaiczny motyw w elegancką krzywoliniową kaligrafię.

W czerwcu w Galeries Georges Petit w Paryżu zaprezentowano retrospektywę dwustu dwudziestu pięciu obrazów, siedmiu rzeźb i sześciu książek ilustrowanych wybranych przez samego Picassa, począwszy od okresu błękitnego aż po ostatnie portrety z 1932 roku. Reakcja krytyków nie była pozytywna, wahała się od ostrożnej do negatywnej. Wydaje się, że podczas tej wystawy Olga odkryła istnienie Marie-Thérèse, co wywołało „żarliwe sceny” zazdrości z jej strony, choć do konfrontacji obu kobiet, której obawiał się Picasso, nie doszło. Wystawa została powtórzona we wrześniu w Kunsthaus Zürich.

Podczas gdy Olga i Pablo spędzili lato w Juan-les-Pins, Picasso spędził lato w Boisgeloup z Marie-Thérèse, gdzie kontynuował pracę nad śpiącymi aktami, scenami z plaży i małymi rzeźbami. Wykonał też kilka rysunków z cyklu Ukrzyżowanie Grünewalda. Po powrocie do Paryża jesienią kontynuował portrety Marii Teresy na kanapie i rysunki do Ukrzyżowania Grünewalda. W październiku Christian Zervos rozpoczął publikację katalogu raisonné (w latach 1932-1974 ukazało się dwadzieścia osiem tomów, obejmujących ponad 16 000 prac.

Chociaż Picasso już wcześniej zajmował się tym tematem w kolażu z 1928 roku, okres między 1933 a 1938 rokiem był okresem Minotaura, w którym ta mityczna postać pojawiała się wielokrotnie w jego pracach, wraz z innymi klasycznymi tematami. Picasso znalazł w kobiecie byku obrazowy sposób odzwierciedlenia swoich konfliktów z Marie-Thérèse i Olgą, a w Minotaurze, zwierzęciu świadomym swojego bestialstwa, personifikację własnego konfliktu z tą sytuacją, rozdarcia między pożądaniem a moralną odpowiedzialnością. Pierwszy numer Minotaura, z okładką autorstwa Picassa, ukazał się w maju 1933 roku. Wakacje 1933 roku spędził w Cannes z Olgą i Pablo. We wrześniu namalował Śmierć torreadora w Boisgeloup.

Od czerwca do września 1934 r. wykonał serię obrazów, rysunków i rycin związanych z walkami byków. W sierpniu wraz z Olgą i Pablo wyjechał do Hiszpanii, gdzie uczestniczył w walkach byków w Burgos i Madrycie. Odwiedził Muzeum Sztuki Katalońskiej w Barcelonie. Wykonał rzeźby Femme au feuillage i Femme à l”orange. Wiosną 1935 roku w galerii wystawowej Pierre”a wystawiono papiers collés. Wyrył Minotauromaquia. W czerwcu rozstał się z Olgą, a w październiku urodziła się Maya Picasso, jego córka z Marie-Therese Walter.

Wykonał rysunki na wodzie i inne na temat Minotaura. W tym samym roku, w momencie wybuchu hiszpańskiej wojny domowej, został mianowany dyrektorem Muzeum Prado w Madrycie. Na początku sierpnia Picasso wyjechał do Mougins i poznał Dorę Maar.

Przeczytaj także: biografie-pl – Czang Kaj-szek

Guernica i pacyfizm

W styczniu 1937 r. kataloński architekt Josep Lluís Sert poprosił go o współpracę przy realizacji wielkiego muralu dla pawilonu II Republiki Hiszpańskiej na Międzynarodowej Wystawie w Paryżu. Wybrany w wyborach rząd tego kraju stanął w obliczu możliwej klęski w czasie hiszpańskiej wojny domowej przez wojskowych rebeliantów Franco, wspieranych przez nazistowskie Niemcy i faszystowskie Włochy. Republika miała nadzieję pokazać światu, że to właśnie oni reprezentują naród hiszpański i jego osiągnięcia. Picasso, który w 1936 roku przyjął zaproszenie od ówczesnego prezydenta republiki Manuela Azaña, by zostać honorowym dyrektorem Muzeum Prado w Madrycie, był początkowo niechętny, zarówno z powodu rozmiarów projektu, jak i dlatego, że nigdy wcześniej nie przyjął zlecenia o charakterze propagandowym. W lutym Dora Maar znalazła bardzo duże studio przy 7 rue des Grands-Augustins, gdzie Picasso mógł zrealizować projekt.

26 kwietnia 1937 r. niemiecki Legion Condor na prośbę Franco zbombardował Guernicę. Picasso, który do tej pory nie był zbytnio sprecyzowany co do tematu obrazu, został zainspirowany tym wydarzeniem do stworzenia muralu dla pawilonu II Republiki i 1 maja rozpoczął tworzenie jednego ze swoich najsłynniejszych dzieł: Guernica (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madryt), które ostatecznie zostało wystawione w Pawilonie Hiszpańskim na Wystawie Międzynarodowej. Dora Maar sfotografowała proces i poszczególne etapy powstawania obrazu, który Picasso ukończył na początku czerwca. Obraz ten symbolizuje pełną grozę wojny i tragedię śmierci wielu niewinnych ofiar.

Również przeciwko wojnie namalował w 1949 roku słynnego Gołębia Pokoju z okazji swojego członkostwa w Światowej Radzie Pokoju. W 1955 r. otrzymał Międzynarodową Nagrodę Pokojową.

Od października do grudnia 1937 roku malował Kobietę płaczącą (Paryż, Musée Picasso). Następnie w 1938 r. wykonał duży kolaż Les Femmes à leur toilette (Paryż, Musee National d”Art Moderne). W lipcu 1938 r. wyjeżdża do Mougins z Dorą Maar. W lipcu 1939 roku wyjechał wraz z Dorą Maar do Antibes, gdzie u Man Raya zrealizował Pêche de nuit à Antibes (Museum of Modern Art, Nowy Jork). Od września 1939 do początku 1940 roku malował w Royan Séquence de femmes au chapeau.

W latach 1942-1943 wykonał asamblaże Głowa byka (Paryż, Musée Picasso), La Aubade (Paryż, Musee National d”Art Moderne), L”Homme au mouton (Paryż, Musée Picasso), a w maju 1943 roku poznał Françoise Gilot.

Przeczytaj także: biografie-pl – Diego Rivera

Zaangażowanie w działalność partii komunistycznej

Po zakończeniu II wojny światowej jego obrazy stały się bardziej optymistyczne, pogodne, ukazujące, jak głosi tytuł cyklu z 1946 roku, odczuwaną wówczas radość życia. Picasso mieszkał z Marie-Therese podczas powstania w Paryżu w sierpniu 1944 roku. W październiku wstępuje do Francuskiej Partii Komunistycznej, a także w październiku otwiera Salon d”Automne i retrospektywę Picassa. Ossuarium (Nowy Jork, Museum of Modern Art) powstało w kwietniu i maju 1945 roku na podstawie wspomnień o odkryciu w grudniu 1944 roku ciała straconego przyjaciela, młodego surrealistycznego poety Roberta Riusa.

W lipcu Picasso wyjechał z Dorą Maar do Cap d”Antibes, a 26 listopada Françoise wróciła do Picassa. Po wojnie w kręgu przyjaciół Picassa znaleźli się artyści i intelektualiści komunistyczni, co w pewnym sensie naznaczyło przynajmniej część jego twórczości w latach 1946-1953.

Przeczytaj także: biografie-pl – Cezar Borgia

Okres Vallauris

W 1946 r. Picasso i Françoise zamieszkali w Golfe-Juan, a on odwiedził Matisse”a w Nicei. Na początku lipca pojechał z Françoise do Ménerbes (Vaucluse), do domu, który podarował Dorze Maar. Codziennie otrzymywał listy od Marii Teresy. Françoise była nieszczęśliwa i po trzech tygodniach wyjechała z przyjaciółmi autostopem do Marsylii; Picasso spotkał ją po drodze i poprosił, by wróciła, sugerując, że powinni mieć dziecko. Odwiedzili Vallauris, gdzie modelowała trzy elementy ceramiki w warsztacie Georges”a Ramié w Madoura. Po powrocie do Golfe-Juan w sierpniu, Françoise była w ciąży. Picasso poznał Romuala Dor de la Souchère, kuratora Musée d”Antibes, w pałacu Grimaldi, ale wolał dekorować muzeum; między wrześniem a październikiem namalował dla pałacu, późniejszego Musée Picasso w Antibes, dwadzieścia dwa panele o tematyce morskiej i kompozycje mitologiczne. Studia nad faunami i klasycznymi postaciami zwieńczył tryptyk La joie de vivre (Pastorale) (Musée Picasso, Antibes), tytuł zapożyczony od przyjaciela Matisse”a, dla obrazu, który odzwierciedla szczęście, jakie dzielił w tym czasie z Françoise. W październiku spotkał Bretona, który właśnie wrócił z emigracji w Stanach Zjednoczonych, na pierwszym festiwalu filmowym w Cannes. Breton, który odmówił mu powitania w sierpniu, gdy spotkali się w Golfe-Juan, ponownie zlekceważył Picassa z powodu jego przynależności do partii komunistycznej; nigdy więcej się nie zobaczyli. Gest ten był preludium do gwałtownego zerwania surrealistów z komunizmem w 1947 roku.

W 1947 roku pracował nad martwymi naturami z motywem Sowy na krześle oraz rycinami faunów, centaurów i bachantek, nawiązującymi do tematu lata w Antibes; w końcu stycznia ukończył rozpoczęty w końcu 1945 roku olejny Pomnik zmarłych Hiszpanów dla Francji (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madryt). W lutym rozpoczął serię czterdziestu jeden akwafort i akwatint do wydania Luis de Góngora y Argote: Vingt Poèmes (Dwadzieścia wierszy), opublikowanego w Paryżu przez Les Grands w 1949 roku; w końcu marca wykonał kilka litografii do Dawida i Batszeby Lucasa Cranacha Starszego (1472-1553); 15 maja w Paryżu urodził się jego syn Claude, imię wybrane przez Françoise na cześć Claude”a Gillota, nauczyciela Watteau. Małżonkowie coraz mniej czasu spędzali w paryskiej pracowni, a coraz więcej w Golfe-Juan, dokąd przeprowadzili się z dzieckiem pod koniec czerwca; w sierpniu powrócił do pracowni ceramicznej Georges”a Ramié w Vallauris i rozpoczął intensywną produkcję, około dwóch tysięcy sztuk w okresie od października 1947 do 1948 roku, wprowadzając innowacje formalne, techniczne i kolorystyczne, które doprowadziły do ożywienia podupadłego od I wojny światowej przemysłu ceramicznego miasta. W zakresie malarstwa i rytownictwa wykonał kilka prac tylko do końca roku; kontynuował prace nad rycinami do Vingt Poèmes de Góngora, kilkoma portretami Franciszki i martwymi naturami. W grudniu wykonał scenografię do „Oedipus Rex” Sofoklesa w reżyserii Pierre”a Blanchara.

Wiosną 1948 roku Picasso i Françoise opuścili swoje mieszkanie w Golfe-Juan, a w maju Picasso rozpoczął pracę nad serią trzydziestu ośmiu akwafort i czterech akwatint do ilustracji Carmen Prospero Mérimée (Paryż, La Bibliothèque Française), którą ukończył w listopadzie. Latem przenieśli się do małego domu zwanego La Galloise, położonego na wzgórzach otaczających Vallauris. Françoise nawiązała otwarty dialog artystyczny z Matisse”em, poprzez korespondencję i wizyty u artysty. Picasso ukończył sześcioaktowy poemat Les Quatre Petites Filles, który zaczął pisać w listopadzie 1947 roku. 25 sierpnia Picasso pojechał na Kongres Intelektualistów w Obronie Pokoju do Wrocławia, by w połowie września wrócić do Vallauris. W październiku wraca do pracowni w Paryżu, Françoise znów jest w ciąży. Rozpoczął pracę nad tematem kobiety-kwiatu i kilkoma martwymi naturami. Namalował dwie wersje La Cuisine (Kuchnia), jedną w Musée Picasso w Paryżu, drugą w MoMA w Nowym Jorku, linearne kompozycje zbudowane z rytmów i linii sił, z niewielkim użyciem koloru. W grudniu namalował kilka portretów syna Claude”a i wydrukował dwadzieścia siedem modeli Femme assise dans un fauteuil, serii, w której Françoise nosi płaszcz przywieziony jej przez Picassa z Polski, kontynuowanej w styczniu 1949 r. Kontynuował też prace nad martwymi naturami ze skorupiakami; Nature morte au poron (Martwa natura z porronem, Galerie Fabien Boulakia), Le grand homard rouge (Wielki czerwony homar, kolekcja prywatna).

W lutym 1949 roku Louis Aragon udał się do paryskiego studia Picassa, aby wybrać rysunek na plakat Światowego Kongresu Partyzantów na rzecz Pokoju, który miał się odbyć w Paryżu w kwietniu tego samego roku. Motywem wybranym przez Aragona był colombe, rysunek wykonany niebieskim ołówkiem na papierze, a obraz szybko stał się znany jako Gołąbek Pokoju.

W marcu rozpoczął cykl obrazów przedstawiających siedzącą Françoise, zatytułowany Femme assise (Kobieta siedząca). Wiosną na krótko powrócił do Vallauris i kupił opuszczoną fabrykę esencji, w której urządził pracownię, a niektóre pomieszczenia przeznaczył na magazyn swoich prac ceramicznych. Zaczął też zbierać przedmioty i rupiecie, które później wykorzystywał w różnych pracach. Zintensyfikował pracę rzeźbiarską, którą wznowił w roku poprzednim: Femme enceinte (Kobieta w ciąży) tworzy postać kobiecą z długiego metalowego pręta, do którego dodaje dwie ręce powyżej i dwie nogi poniżej oraz nabrzmiały brzuch z dwiema małymi piersiami pośrodku. Ponownie wykonał serię prac inspirowanych malarstwem Lucasa Cranacha Starszego: litografie Vénus et l”Amour (Jeune fille inspirée par Cranach (Dziewczyna inspirowana Cranachem), własność Christie”s, oraz David et Bethsabée (Cranach) VII (Dawid i Batszeba (Cranach) VII), w paryskim Musée Picasso. Wariacje Picassa na temat Dawida i Batszeby Cranacha pochodzą z czarno-białej reprodukcji katalogu wystawy poświęconej artyście, która odbyła się w 1937 roku w Berlinie, a którą podarował mu Kahnweiler.

19 kwietnia 1949 roku, w dniu otwarcia Kongresu Pokoju, urodziła się jej druga córka, której postanowiła nadać imię Paloma, od symbolu, który stworzyła na plakatach rozwieszonych na ulicach Paryża. Po narodzinach Françoise wznowiła pracę malarską, a Kahnweiler zaproponował jej kontrakt na wyłącznego dealera sztuki. Rodzina wróciła do Vallauris jesienią, a Picasso, straciwszy część zainteresowania ceramiką, powrócił do malarstwa i rzeźby w bardziej skoncentrowany sposób, tworząc kilka brązów, niektóre z motywami afrykańskimi. Przez następny rok rzeźba zajmowała mu większość czasu.

6 sierpnia 1950 roku Laurent Casanova otworzył w Vallauris wystawę L”Homme au mouton. Picasso namalował „Kozę”, „Kobietę z wózkiem” i „Dziewczynę skaczącą na linie”. 15 stycznia 1951 roku namalował obraz Masakra w Korei. W 1952 r. narysował Wojnę i pokój do dekoracji kaplicy w Vallauris, napisał drugą sztukę: Les Quatre Petites Filles.

W kwietniu 1954 r. namalował portrety Sylvette David. W grudniu rozpoczął cykl wariacji na temat Kobiet z Algieru Delacroix. W maju 1955 roku zamieszkał z Jacqueline Roque w willi La California w Cannes. W czerwcu odbyła się retrospektywa w Musée des Arts Décoratifs. Latem pracował z Henri-Georgesem Clouzotem nad filmem Picasso Mystère.

W 1956 roku wykonał Kąpiących się, rzeźby w drewnie (Stuttgart, Staatsgalerie), które później zostały wyrzeźbione w brązie. Namalował „Warsztat w Kalifornii”. 17 sierpnia 1957 roku rozpoczął pracę nad serią 58 interpretacji Las Meninas (Barcelona, Museo Picasso). 29 marca 1958 roku wręczył odznaczenie dla Unesco: Upadek Ikara. We wrześniu Picasso kupił Château de Vauvenargues i namalował Zatokę Cannes.

Ożenił się z Jacqueline w Vallauris 2 marca 1961 r., a w czerwcu przeprowadził się do Notre-Dame-de-Vie w Mougins (niedaleko Cannes). Namalował: La Femme aux bras écartés, La silla, La mujer y los niños, Los Futbolistas. W listopadzie 1962 roku namalował Gwałt na Sabinkach, którego wersja znajduje się w Musée National d”Art Moderne w Paryżu. Otwarcie retrospektywy w Grand Palais i Petit Palais odbyło się 19 listopada 1966 roku.

W styczniu 1970 roku Muzeum Picassa w Barcelonie otrzymało darowiznę dzieł przechowywanych przez jego rodzinę. Wystawa jego prac odbywała się w Pałacu Papieskim w Awinionie od maja do października. W kwietniu 1971 roku w Louise Leiris Gallery pokazano 194 rysunki wykonane między 15 grudnia 1969 a 12 stycznia 1971 roku. Nowa wystawa w Galerii Louise Leiris w styczniu 1973 roku, na której pokazano 156 akwafort powstałych między końcem 1970 a marcem 1972 roku.

Przeczytaj także: biografie-pl – Ebenezer Howard

Śmierć

W 1973 r., w wieku dziewięćdziesięciu jeden lat, zmarł na obrzęk płuc w swoim domu w Mougins we Francji. Jego żona Jacqueline zdecydowała się pochować go w zamku Vauvenargues, również należącym do Picassa, gdzie po latach została również pochowana.

Przeczytaj także: biografie-pl – Ptolemeusz III Euergetes

Inne ciekawe linki

Źródła