Salvador Dalí

gigatos | 27 listopada, 2021

Streszczenie

Salvador Dalí, urodzony w Figueras 11 maja 1904 r. i zmarły w tym samym mieście 23 stycznia 1989 r., był katalońskim malarzem, rzeźbiarzem, grawerem, scenarzystą i pisarzem narodowości hiszpańskiej. Uważany jest za jednego z głównych przedstawicieli surrealizmu i jednego z najsłynniejszych malarzy XX wieku.

Pod wpływem impresjonizmu od najmłodszych lat opuścił Figueras, by zdobyć akademickie wykształcenie artystyczne w Madrycie, gdzie zaprzyjaźnił się z Federico Garcíą Lorcą i Luisem Buñuelem i poszukiwał swojego stylu wśród różnych ruchów artystycznych. Za radą Joana Miró przeniósł się po studiach do Paryża, gdzie związał się z grupą surrealistów i poznał swoją żonę Galę. Swój własny styl odnalazł w 1929 roku, kiedy stał się pełnoprawnym surrealistą i wynalazł metodę paranoiczno-krytyczną. Wykluczony z grupy kilka lat później, przeżył hiszpańską wojnę domową na emigracji w Europie, po wojnie opuścił Francję i udał się do Nowego Jorku, gdzie mieszkał przez osiem lat i dorobił się majątku. Po powrocie do Katalonii w 1949 roku przeszedł na katolicyzm, zbliżył się do malarstwa renesansowego i zainspirowany ówczesnymi osiągnięciami naukowymi rozwinął swój styl w kierunku, który nazwał „mistycyzmem korpuskularnym”.

Jego najczęstszymi tematami były sny, seksualność, jedzenie, jego żona Gala i religia. Trwałość pamięci to jeden z jego najsłynniejszych obrazów surrealistycznych, Chrystus św. Jana od Krzyża to jeden z jego ważniejszych obrazów z motywem religijnym. Artysta o wielkiej wyobraźni, wykazywał wyraźną skłonność do narcyzmu i megalomanii, co pozwalało mu przyciągać uwagę publiczności, ale irytowało niektórych w świecie sztuki, którzy widzieli w tym zachowaniu formę rozgłosu, wykraczającą niekiedy poza jego twórczość. Za jego życia poświęcono mu dwa muzea: Muzeum Salvadora Dalí i Teatr-Muzeum Dalí. Dalí sam stworzył tę ostatnią jako pełnoprawne dzieło surrealistyczne.

Sympatia Daliego do Francisco Franco, jego ekscentryczność i późna twórczość sprawiają, że analiza jego twórczości i osoby jest trudna i kontrowersyjna.

Przeczytaj także: wazne_wydarzenia – Powstanie Nika

Dzieciństwo

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech urodził się przy ulicy Monturiol 20. Ten obszar, Emporda, z portem w Cadaqués, służył jako „tło, podpora i kurtyna sceniczna” dla jego pracy. Jego ojciec, Salvador Dalí y Cusi (1872-1952) był notariuszem. Jego matką była Felipa Domènech Ferrés y Born (1874-1921). Urodził się dziewięć miesięcy po śmierci swojego brata, również Salvadora (1901-1903), który zmarł na zakaźne zapalenie żołądka i jelit. Kiedy miał pięć lat, rodzice zabrali go na grób brata i powiedzieli mu – zgodnie z tym, co relacjonował – że jest jego reinkarnacją. Ta scena podobno wywołała w nim chęć udowodnienia swojej wyjątkowości w świecie, poczucie bycia kopią brata i strach przed jego grobem.

„Urodziłem się jako sobowtór. Mój brat, pierwsza próba mnie samego, skrajny, a więc nieżyciowy geniusz, żył jeszcze siedem lat, zanim jego przyspieszone obwody mózgowe zapaliły się.”

Jego ojciec jest opisywany jako autorytarny lub raczej liberalny, w zależności od źródła. W każdym razie, bez większych trudności zaakceptował fakt, że jego syn rozpoczął karierę artystyczną, zachęcony artystycznym ożywieniem w Katalonii na początku wieku. Matka rekompensowała nieco ten autorytarny charakter, wspierając artystyczne zainteresowania syna, tolerując jego napady złości, moczenie nocne, marzenia i kłamstwa.

Dalí miał też młodszą o cztery lata siostrę, Anę Marię. W 1949 roku wydała książkę o swoim bracie, Dalí widziany przez siostrę. W dzieciństwie Dalí zaprzyjaźnił się z przyszłymi piłkarzami Barcelony, takimi jak Emilio Sagi-Barba czy Josep Samitier. Podczas wakacji trio grało w piłkę nożną w Cadaqués. W 1916 r. odkrył malarstwo współczesne podczas rodzinnej wizyty w Cadaqués, gdzie poznał rodzinę malarza impresjonisty Ramóna Pichota, miejscowego artysty, który regularnie podróżował do Paryża, ówczesnej stolicy sztuki.

Za radą Pichota, ojciec wysłał go na lekcje malarstwa do Juana Núñeza w miejskiej szkole grawerowania. W następnym roku ojciec zorganizował w domu rodzinnym wystawę jego rysunków ołówkiem. W wieku czternastu lat, w 1919 roku, Dalí wziął udział w zbiorowej wystawie lokalnych artystów w teatrze miejskim w Figueras, gdzie kilka jego obrazów zostało zauważonych przez dwóch słynnych krytyków: Carlosa Costę i Puiga Pujadesa. Brał również udział w drugiej wystawie zbiorowej w Barcelonie, sponsorowanej przez Uniwersytet, gdzie otrzymał nagrodę rektora. Wpływ impresjonizmu jest wyraźnie widoczny w malarstwie Daliego do 1919 roku. Większość z nich powstała w Cadaqués, inspirowana miejscowością i jej scenami z życia codziennego.

Pod koniec I wojny światowej przyłączył się do grupy anarchistów i za cel obrał sobie rozwój rewolucji marksistowskiej. Rok później, w 1919 r., kiedy był na ostatnim roku studiów w Instytucie Ramona Muntanera, wraz z kilkoma przyjaciółmi wydawał miesięcznik Studium, w którym zamieszczał ilustracje, teksty poetyckie i serię artykułów o malarzach takich jak Goya, Velázquez czy Leonardo da Vinci. W 1921 r. wraz z przyjaciółmi założył socjalistyczną grupę Renovació Social.

W lutym 1921 r. zmarła na raka macicy jego matka. Dalí miał wtedy 16 lat. Później powiedział, że był to „najcięższy cios, jaki kiedykolwiek otrzymałem w życiu”. Uwielbiałam ją. Nie mogłam pogodzić się z utratą istoty, z którą zamierzałam uczynić nieuchronne plamy na mojej duszy niewidzialnymi”. Później ojciec Daliego ożenił się ponownie z siostrą zmarłego, czego Dalí nigdy nie zaakceptował. Maturę uzyskał w 1922 roku.

Przeczytaj także: biografie-pl – Rita Hayworth

Młodzież w Madrycie

W 1922 roku Dalí przeniósł się do słynnego domu studenckiego w Madrycie, aby rozpocząć studia w Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w San Fernando. Od razu zwrócił na siebie uwagę ekscentrycznym charakterem dandysa. Nosił długie, bokobrody, gabardynę i grube skarpety w stylu wiktoriańskim. Jednak to jego obrazy, które Dalí zabarwił kubizmem, przyciągnęły największą uwagę współmieszkańców, zwłaszcza tych, którzy stali się postaciami hiszpańskiej sztuki: Federico García Lorca, Pepín Bello, Pedro Garfias, Eugenio Montes, Luis Buñuel, Rafael Barradas i, bardziej ogólnie, pokolenie ”27. Możliwe jednak, że w tym czasie Dalí nie do końca rozumiał zasady kubizmu. Jedynym źródłem były artykuły opublikowane w prasie – L”Esprit Nouveau – oraz katalog podarowany mu przez Pichota, gdyż w Madrycie nie było wówczas malarzy kubistów. Jego nauczyciele, choć otwarci na nowości, byli za studentem: zaadaptowali francuski impresjonizm do tematyki hispanoamerykańskiej, co Dalí prześcignął już w poprzednim roku.

Dalí poświęcił się, wraz z Lorką i Buñuelem, studiowaniu psychoanalitycznych tekstów Zygmunta Freuda. Psychoanalizę uważał za jedno z najważniejszych odkryć swojego życia. Niesłusznie oskarżony o kierowanie agitacją w Katalonii, został usunięty z uczelni w 1923 r. i uwięziony od 21 maja do 11 czerwca. Przyczyna aresztowania wydaje się być związana z oskarżeniem ojca Dalíego o oszustwo wyborcze po zamachu stanu przeprowadzonym przez Primo de Riverę. Dalí powrócił do Akademii w następnym roku.

W 1924 roku, jeszcze nieznany, Salvador Dalí po raz pierwszy zilustrował książkę. Była to publikacja katalońskiego poematu Les Bruixes de Llers (Czarownice z Llers) autorstwa jednego z jego przyjaciół z rezydencji, poety Carlesa Fages de Climent. Dalí wkrótce zapoznał się z dadaizmem, który wywarł na niego wpływ do końca życia. W rezydencji odrzucił zaloty młodego Lorki, który zadedykował mu kilka wierszy:

„Był homoseksualistą, wszyscy o tym wiedzą, i był we mnie szaleńczo zakochany. Kilka razy próbował się do mnie zbliżyć… a ja byłem bardzo zakłopotany, bo nie byłem homoseksualistą i nie chciałem się poddać.

– Salvador Dalí; rozmowy z Alainem Bosquetem

Obaj artyści zaprzyjaźnili się. Wraz z Marudżą Mallo i Margaritą Manso, również studentkami Szkoły Sztuk Pięknych, wzięły udział w epizodzie założycielskim ruchu feministycznego Las Sinsombrero na Puerta del Sol, nazwanym tak od aktu publicznego zdejmowania kapelusza, czynności zarezerwowanej wówczas dla mężczyzn w Madrycie lat 20. Prawdopodobnie każdy z młodych mężczyzn odnalazł w drugim pasję estetycznego odkrywania, która odpowiadała ich własnym pragnieniom. Prośby pisarza pojawiły się w przełomowym momencie twórczości Daliego, który widział w nich echo swoich badań nad nieświadomością. Biorąc pod uwagę afabulacje Daliego, prawdopodobnie nigdy nie dowiemy się, jaka była ich relacja, mimo że obaj artyści „z miłością” portretowali się nawzajem. Obrazy z tego okresu cechuje onanizm malarza, który twierdził, że przed spotkaniem z Galą pozostał dziewicą. W listopadzie 1925 roku Dalí odwiedził Federico García Lorca w Cadaqués. W tym samym roku Dalí zorganizował swoją pierwszą indywidualną wystawę w Barcelonie w Galerii Dalmau, gdzie zaprezentował Portret ojca artysty i Młodą dziewczynę w oknie.

Pod koniec 1926 r. w tej samej galerii wystawiono inne prace Daliego, w tym namalowany w tym samym roku Kosz z chlebem. Był to pierwszy obraz artysty pokazywany poza granicami Hiszpanii, w 1928 roku na wystawie Carnegie w Pittsburghu. Jego mistrzostwo w posługiwaniu się środkami obrazowymi znajduje nieskazitelne odzwierciedlenie w tym realistycznym dziele. Pierwsze recenzje z Barcelony były ciepłe. Dla jednego z nich, jeśli to „dziecko Figueras” zwróciło twarz ku Francji, „to dlatego, że może to zrobić, ponieważ jego dar od Boga jako malarza musi fermentować. Jakie to ma znaczenie, czy Dalí używa ołowianego ołówka Ingresa, czy grubego drewna kubistycznych dzieł Picassa, by wzniecić płomień? Dalí został usunięty z Akademii w październiku 1926 roku, na krótko przed egzaminami końcowymi, ponieważ stwierdził, że nikt nie jest w stanie go zbadać.

Przeczytaj także: biografie-pl – Leopold II Koburg

Paryż, ślub z Galą

W 1927 roku, prawdopodobnie na początku roku, Dalí po raz pierwszy odwiedził Paryż, z dwoma listami polecającymi do Maxa Jacoba i André Bretona. Według niego podróż ta „naznaczona była trzema ważnymi wizytami: Wersal, Muzeum Grévin i Picasso”, którego młody Dalí bardzo podziwiał. Picasso już wcześniej otrzymał od Joana Miró pochlebne komentarze na temat Daliego.

Pablo Picasso był od niego starszy o 23 lata. Dalí opowiadał, że podczas tego spotkania pokazał mu jeden ze swoich małych obrazów, Dziewczynę z Figueres, którą Picasso kontemplował przez kwadrans, a potem Picasso zrobił to samo z wieloma swoimi, bez słowa. Dodał, że kiedy nadszedł czas wyjazdu, „na progu wymieniliśmy spojrzenie, które mówiło: ”Zrozumiano? – Zrozumiano!”.

Picasso pozostawał dla Daliego stałym punktem odniesienia, podziwianym i rywalizującym. W swojej Dalinowskiej analizie porównawczej wartości wielkich malarzy przypisał mu 2020 w kategorii „geniusz”, na równi z Leonardem da Vinci, Velázquezem, Rafaelem i Vermeerem, sobie zaś „tylko” 1920. Pod koniec życia pozwolił sobie na bardziej krytyczny stosunek do malarstwa Picassa: „Picasso odmawia prawomocności; nie zawraca sobie głowy poprawianiem, a jego obrazy mają coraz więcej nóg, wszystkie jego pospieszne skruchy wychodzą z czasem na jaw; zdał się na przypadek; przypadek się mści.” Pozostali w kontakcie przez całe życie.

Z czasem Dalí wypracował swój własny styl, który stał się punktem odniesienia i czynnikiem wpływającym na malarstwo tych malarzy. Niektóre cechy malarstwa Daliego z tego okresu stały się wyróżnikami jego twórczości. Chłonął wpływy różnych nurtów artystycznych, od akademizmu i klasycyzmu po awangardę. Jego klasyczne wpływy obejmowały Rafaela, Bronzino, Zurbarana, Vermeera i oczywiście Velázqueza, którego krzywe wąsy przyjął i które stały się dla niego symbolem. Przeplatał techniki tradycyjne z nowoczesnymi, czasem w tym samym dziele. Wystawy z tego okresu cieszyły się dużym zainteresowaniem, wywoływały dyskusje i dzieliły krytyków. Jego młodsza siostra Anna-Maria często służyła w tym okresie jako modelka, często pozując od tyłu przed oknem. W 1927 roku Dalí, w wieku 23 lat, osiągnął dojrzałość artystyczną, o czym świadczą jego dzieła Miód słodszy niż krew i Ciało gęsi, pierwsze zainspirowane związkiem z Lorką, a drugie pierwszym intymnym spotkaniem z Galą.

Kilka miesięcy później Luis Buñuel udał się do Figueras, gdzie dwaj przyjaciele napisali scenariusz surrealistycznego filmu Un chien andalou, zanim Dalí powrócił do Paryża w 1928 roku, w towarzystwie innego Katalończyka, Joana Miró. Dla Roberta Descharnesa i Gillesa Néreta film ten wystrzelił Daliego i Buñuela „jak rakieta”. Dla malarza był to „sztylet w sercu uduchowionego, eleganckiego i kulturalnego Paryża”, dodając, że film był oklaskiwany przez „głupią publiczność, która oklaskuje wszystko, co wydaje się nowe i dziwne”.

Po wizycie René Magritte”a i Paula Éluarda w Cadaqués latem 1929 roku, za radą Joana Miró, Dalí dołączył do surrealizmu. Po powrocie do Paryża zaczął bywać w grupie surrealistów, którą tworzyli Hans Arp, André Breton, Max Ernst, Yves Tanguy, René Magritte, Man Ray, Tristan Tzara oraz Paul Éluard i jego żona Helena, znana wszystkim jako Gala. Urodzona pod nazwiskiem Elena Ivanovna Diakonova, była rosyjską emigrantką, w której zakochał się Dalí, a którą uwiódł młodszy od niej o dziesięć lat mężczyzna. Choć Dalí twierdził, że jest całkowitym impotentem i dziewicą, jego prace odzwierciedlają jego seksualną obsesję. W szczególności przedstawiał pożądanie w postaci lwich głów.

Gala była jego muzą. Zastąpiła mu rodzinę, organizowała wystawy i sprzedawała obrazy. W grudniu, z powodu romansu z Galą – kobietą zamężną – Salvador Dalí popadł w konflikt z ojcem i siostrą Anną-Marią. Legenda o źle zinterpretowanej rycinie dopełnia obrazu syna skłóconego z rodziną. Krytyk sztuki Eugenio d”Ors doniósł w barcelońskiej gazecie, że Dalí pokazał grupie surrealistów chromo przedstawiające Najświętsze Serce, na którym było napisane „czasami pluję dla przyjemności na portret mojej matki”, wywołując gniew ojca i zmuszając Dalíego do wyjazdu. Lata 1930-1932 spędził z Galą w Paryżu. Pierwsze miesiące były jednak trudne, gdyż jego obrazy sprzedawały się słabo, a małżeństwo żyło z bardzo niewielkich dochodów. Malarz zasłynął jednak w Paryżu, gdzie bywał zarówno na towarzyskich kolacjach, jak i w kręgach surrealistów. W 1930 roku, nie mogąc osiedlić się w Cadaqués z powodu wrogości ojca, Dalí i Gala kupili maleńki domek rybacki kilkaset metrów od Cadaqués, nad brzegiem morza, w małej zatoczce Portlligat. Z biegiem lat, z pomocą fortuny, przekształcił swoją posiadłość w okazałą willę, obecnie zamienioną na muzeum. Pejzaż na małej zatoczce stał się stałym obrazowym odniesieniem w twórczości malarza, który mówił: „Tu jestem tylko u siebie, wszędzie indziej jestem tylko przejazdem. Gala i Dalí wzięli ślub cywilny w 1934 roku, a następnie religijny w 1958 roku.

W 1931 roku Dalí namalował jedno ze swoich najsłynniejszych płócien, The Persistence of Memory, znane również jako The Soft Watches, które według niektórych teorii ilustruje odrzucenie czasu jako sztywnego lub deterministycznego bytu. Dalí, „w żałosnym pragnieniu wieczności, czyni z czasu zegarka, czyli mechanicznego czasu cywilizacji, miękki, plastyczny materiał, który można również jeść w sposób, w jaki spożywa się tłusty camembert. Idea ta jest rozwijana przez inne figury w pracy, takie jak duży pejzaż czy niektóre zegarki kieszonkowe, które są zjadane przez owady. Z drugiej strony, owady wpisują się w wyobraźnię Dalinowskiego jako naturalne niszczyciele i, jak wyjaśnia malarz w swoich wspomnieniach, kojarzą mu się z dzieciństwem.

Przeczytaj także: biografie-pl – Jacobus van ’t Hoff

Dalí i grupa surrealistów

Dalí nadal regularnie wystawiał i oficjalnie przyłączył się do grupy surrealistów w paryskiej dzielnicy Montparnasse. W październiku i listopadzie 1933 r. wraz z członkami grupy brał udział w 6. Salonie Surindépendants.

W ciągu następnych dwóch lat jego twórczość wywarła silny wpływ na środowisko surrealistów, którzy uznali go za twórcę metody paranoiczno-krytycznej, która miała umożliwić dostęp do podświadomości, wyzwalając twórczą energię artystyczną. Jest to, według malarza, „spontaniczna metoda irracjonalnego poznania, polegająca na krytycznej i systematycznej obiektywizacji urojonych skojarzeń i interpretacji”. Breton złożył hołd temu odkryciu, które właśnie obdarzyło

„Jest to paranoiczna metoda krytyczna, którą surrealizm okazał się zdolny zastosować do malarstwa, poezji, kina, konstrukcji typowych obiektów surrealistycznych, mody, rzeźby, historii sztuki, a nawet, jeśli to konieczne, do każdego rodzaju egzegezy.

– André Breton

.

W tym czasie Dalí czasowo porzucił prace z obrazami o podwójnym znaczeniu, jak Niewidzialny człowiek, natomiast systematycznie w jego malarstwie pojawiają się postacie Wilhelma Tella, Lenina, pejzaże i figury antropomorficzne, Anioł Milleta, Vermeera i Hitlera. Ważnym działaniem tego okresu było tworzenie wraz z rzeźbiarzem Giacomettim obiektów surrealistycznych. Według Daliego są one obdarzone „minimum mechanicznego funkcjonowania, opartego na fantazjach i wyobrażeniach, które mogą być sprowokowane przez wykonanie nieświadomych czynności”. Pozostał obojętny na problemy surrealistów z polityką, która według niego była „anegdotą historii”. Zirytował grupę, systematycznie studiując Hitlera i „swastykę starą jak chińskie słońce”.

Jeśli różnice polityczne stopniowo oddalały André Bretona i Louisa Aragona, to te spowodowane przez Daliego nie miały sobie równych. Dla André Thiriona, Dalí „nie był marksistą i nie dbał o to”, ale pomiędzy erotycznymi zadumami Dalíego nad 12-letnimi dziewczynkami, które wywołały reakcję nawet w Komitecie Centralnym Partii Komunistycznej, a jego dwuletnią obsesją na punkcie postaci Hitlera, malarz został wezwany do domu Bretona w styczniu 1934 roku, gdzie pojawił się przebrany za chorego, ze swetrem i termometrem w ustach. Po zakończeniu oskarżenia Breton odczytał swój zarzut w striptizie, twierdząc kwiecistym językiem, że jedynie przepisuje swoje – szczególne – sny i że w wyniku tych snów on i Breton staną się wkrótce przedmiotem homoseksualnego spektaklu. Po tym spotkaniu został wydalony. Dalí kontynuował jednak współpracę z grupą, która potrzebowała go, zwłaszcza jako agenta reklamowego, w Londynie w 1936 roku w kombinezonie do nurkowania, a w Paryżu w lutym 1938 roku, gdzie pokazał swoje Taxi pluvieux, w którym dwa manekiny okienne otrzymały deszcz między sałatkami i ślimakami burgundzkimi.

Pod koniec 1933 roku ich handlarz dziełami sztuki Julien Levy wystawił w Nowym Jorku 25 prac Daliego. Dalí bardzo chciał zobaczyć Stany Zjednoczone. Dzieła Picassa były już tam wystawione, w przeciwieństwie do muzeów francuskich. Do podróży z łatwością namówiła go Caresse Crosby, zamożna Amerykanka. Dalí i Gala po raz pierwszy pojechali do Nowego Jorku w 1934 roku; Picasso wyłożył pieniądze na bilety. Amerykanów urzekła ekscentryczność postaci i śmiałość surrealizmu, który był im wówczas prawie nieznany. Ku wielkiej rozpaczy Bretona, Dalí został uznany za jedynego autentycznego surrealistę, co malarz, triumfujący i pijany megalomanią, szybko potwierdził 14 listopada w Nowym Jorku: „Krytycy już rozróżniają, czy surrealizm był przed czy po Dalí. Wystawa w Galerii Juliena Levy”ego okazała się wielkim sukcesem i Dalí zrozumiał, że jego sukces leży w Stanach Zjednoczonych. Jego malarstwo zaczynało być doceniane. Edward James – chrześniak króla Edwarda VII – został jego mecenasem i kupował wszystkie jego prace w latach 1935-1936. Do najbardziej znanych obrazów z tego okresu należą Metamorfozy Narcyza i Kanibalizm jesienny.

Przeczytaj także: biografie-pl – Sekstus Empiryk

Hiszpańska wojna domowa

Po powrocie do Katalonii, Dalí i Gala opuścili Portlligat w 1936 roku, aby uciec przed hiszpańską wojną domową i podróżowali po Europie. Mieszkali przez pewien czas w faszystowskich Włoszech, gdzie czerpał inspirację z rzymskich i florenckich dzieł renesansu, w szczególności do tworzenia podwójnych obrazów, takich jak Hiszpania. Najbardziej reprezentatywne dla tego okresu, w którym wynaleziono te potwory, są obrazy Miękka konstrukcja z gotowaną fasolą (znana też jako Zapowiedź wojny domowej) i Żyrafa w ogniu. Odzwierciedlają one jego wizję wojny, ale nie jego postawę polityczną. Przedstawił wojnę domową jako naturalne zjawisko historyczne, katastrofę naturalną, a nie wydarzenie polityczne, jak to uczynił Picasso z Guernicą. To właśnie w Londynie dowiedział się o zamordowaniu przez frankistów swojego przyjaciela Federico Garcíi Lorki 19 sierpnia 1936 roku w Granadzie, co spowodowało, że popadł w głęboką depresję.

Podczas jego drugiej podróży do Stanów Zjednoczonych prasa i publiczność triumfalnie powitały „Pana Surrealizm”. Portret Daliego autorstwa fotografa Mana Raya trafił na pierwszą stronę magazynu Time w grudniu 1936 roku. W lutym 1937 roku Dalí spotkał się z braćmi Marx w Hollywood i namalował portret Harpo Marxa z łyżkami, harfami i drutem kolczastym. Film, który planowali zrealizować, nigdy nie ujrzał światła dziennego. W 1938 roku, za pośrednictwem Edwarda Jamesa i jego przyjaciela Stefana Zweiga, Dalí poznał w Londynie Sigmunda Freuda, którego od dawna podziwiał i którego prace zainspirowały jego własne malarskie badania nad snami i nieświadomością.

Według relacji Conroya Maddoxa, starszy Freud opowiedział Zweigowi przy tej okazji o Dalim:

„Nigdy nie widziałem doskonalszego okazu Hiszpana; co za fanatyk!

– Conroy Maddox.

W 1939 roku Dalí opublikował Deklarację o niezależności wyobraźni i prawach człowieka do własnego szaleństwa. Europejskie peregrynacje zaprowadziły go na pięciomiesięczne wygnanie, od września 1938 roku, do willi Coco Chanel, La Pausa, gdzie przygotowywał nowojorską wystawę w galerii Julien Levy. Przy tej okazji, w 1939 roku, zniszczył w sklepie przy Piątej Alei stworzone przez siebie dzieło, które zostało zmodyfikowane bez jego zgody.

Przeczytaj także: bitwy – Bitwa pod Cajamarca

Nowy Jork

Kiedy Francja przystąpiła do wojny w 1939 roku, Dalí i Gala byli w Paryżu, który opuścili, by udać się do Arcachon. Na krótko przed inwazją niemiecką udali się do Hiszpanii, a następnie do Portugalii. Dalí, który wybrał się na wycieczkę do Figueras, aby zobaczyć się z rodziną, dołączył do Gali w Lizbonie, skąd wyruszyli do Nowego Jorku. Mieszkali tam przez osiem lat, gdzie przebywa również wielu francuskich intelektualistów na emigracji. Dalí doskonale zintegrował się z nowojorską socjetą, namalował liczne portrety bogatych Amerykanów – Heleny Rubinstein, brał czynny udział w życiu teatralnym, tworząc wielkie murale, wykonał swoją pierwszą biżuterię, interesował się kinem, a w szczególności braćmi Marx, Waltem Disneyem i Alfredem Hitchcockiem. Po tej przeprowadzce dążył również do wiary katolickiej i zbliżenia swojego malarstwa do klasycyzmu, co uczynił dopiero w 1945 roku.

W 1941 roku Dalí wysłał Jeanowi Gabinowi scenariusz filmowy Moontide (Łódka miłości). Pod koniec tego samego roku w Museum of Modern Art odbyła się pierwsza retrospektywna wystawa Dalíego, a te sześćdziesiąt prac – 43 oleje i 17 rysunków – podróżowało po Stanach Zjednoczonych przez następne dwa lata. Wystawa gościła w ośmiu największych miastach, zapewniając malarzowi rozgłos, a wkrótce mnożące się propozycje handlowe pozwoliły mu zgromadzić solidną fortunę, która zainspirowała Bretona do użycia zadziornego anagramu „Salvador Dalí – Avida Dollars”. Robert i Nicolas Descharnes wyjaśniają, że „w tym okresie Dalí nigdy nie przestał pisać”.

W 1942 roku opublikował swoją autobiografię „Sekretne życie Salvadora Dalí”. Regularnie pisał do katalogów swoich wystaw, m.in. zorganizowanej przez Galerię Knoedlera w 1943 roku. Stwierdził w nim, że „Surrealizm posłuży przynajmniej do eksperymentalnego udowodnienia całkowitej bezpłodności prób automatyzacji, które poszły za daleko i wytworzyły system totalitarny”. Współczesne lenistwo i brak techniki osiągnęły swoje paroksyzmy w psychologicznym znaczeniu obecnego użycia instytucji akademickiej. Napisał również powieść, opublikowaną w 1944 roku, o pokazie mody samochodowej, która stała się inspiracją dla karykatury Erdwina Coxa dla The Miami Herald, w której Dalí nosi samochód jako kostium na przyjęcie. W tych latach Dalí tworzył ilustracje do anglojęzycznych wydań takich klasyków jak Don Kichot, autobiografia Benvenuto Celliniego czy Eseje Michela de Montaigne. Zaprojektował także scenografię do filmu Alfreda Hitchcocka „Spellbound” i wraz z Waltem Disneyem podjął się realizacji niedokończonej kreskówki „Destin”, która została zmontowana w 2003 roku, długo po śmierci jej autorów.

Był to jeden z najbardziej płodnych okresów w jego życiu, ale kwestionowany przez niektórych krytyków, którzy uważają, że Dalí zacierał granicę między sztuką a dobrami konsumpcyjnymi, porzucając malarstwo, by poświęcić się projektowaniu i artykułom handlowym. Obrazy z tego okresu inspirowane były wspomnieniami Katalonii w ich kolorystyce i przestrzeni, w których malarz przedstawiał tematy z Ameryki. Pod tym względem malarska Poezja Ameryki była wizjonerska. W jednym dziele łączy czarną segregację, amerykańską pasję do rugby i zepsucie marki w dziele sztuki: Coca-Coli. Po zakończeniu II wojny światowej nie od razu powrócił do Europy. Do klasycyzmu zwrócił się w 1945 roku, nie odcinając się jednak od reszty świata. Zrzucenie bomb atomowych na Hiroszimę i Nagasaki zainspirowało go do stworzenia Sielanki atomowej i Uranicznej oraz Trzech sfinksów w bikini. Porzucenie „Dalíego psychoanalizy” na rzecz „Dalíego fizyki jądrowej” nie pozwoliło mu na natychmiastowe przejście na katolicyzm. Malarstwo tego okresu zapożyczyło od klasyków relacje geometryczne – złotą proporcję lub boską proporcję. Tak było zwłaszcza w przypadku Atomic Leda.

Przeczytaj także: biografie-pl – Luigi Cadorna

Powrót do Katalonii

Od 1949 r. Dalisowie powrócili do Katalonii pod dyktaturą Franco, a zimy spędzali w Paryżu, w apartamencie w hotelu Meurice. Dziesięciokrotnie zwiększył swoją wirtuozerię techniczną, wzmógł zainteresowanie efektami optycznymi, a przede wszystkim powrócił do wiary katolickiej. Na prywatnej audiencji 23 listopada 1949 r. przyjął go papież Pius XII. Jego badania nad klasycznymi proporcjami doprowadziły go do „sublimacji wszystkich rewolucyjnych doświadczeń okresu dojrzewania w wielkiej mistycznej i realistycznej tradycji Hiszpanii”. Jana od Krzyża (1951), które uzupełnił ilustracjami do Boskiej komedii (1952, akwarele). W tym czasie opublikował już Manifeste mystique, w którym wyjaśniał tajniki swojego mistycyzmu nuklearnego, oraz podpisał pierwsze płótna korpusowe, których przedstawicielem jest obraz Galatea z kulami. Połączył katolicyzm z fizyką cząstek, tłumacząc Podniesienia – Dziewicy, Jezusa – „siłą anielską”, której wektorami, elementami anielskimi, byłyby protony i neutrony. Powiązał róg nosorożca z czystością, z Matką Boską, w rozumowaniu łączącym „boską” geometrię spirali logarytmicznej, róg ze zwierzęciem i korpuskularną konstrukcję „o najgwałtowniejszym rygorze” płótna holenderskiego mistrza. Namalował wiele tematów złożonych z tego dodatku.

Idee te wyraził 17 grudnia 1955 r. na Sorbonie w wykładzie „Fenomenologiczne aspekty metody paranoiczno-krytycznej”. Na uczelnię przyjechał żółto-czarnym Rolls-Roycem, wypełnionym kalafiorami, które rozdawał jako autografy. W swojej prezentacji przeciwstawił Francję i Hiszpanię, jako najbardziej racjonalny kraj na świecie i najbardziej irracjonalny, a także wykazał wyjątkowość tylnych ćwiartek pachydermy za pomocą słonecznika, całość łącząc ze słynnym Dentellière i korpuskułami fizyki atomowej.

W 1959 roku André Breton zorganizował wystawę „Homage to Surrealism” z okazji czterdziestolecia tego ruchu. Na wystawie znalazły się prace Daliego, Joana Miró, Enrique Tábara i Eugenio Granella. Breton stanowczo sprzeciwił się włączeniu Madonny Sykstyńskiej Daliego do Międzynarodowej Wystawy Surrealistów w Nowym Jorku w następnym roku. Według Roberta Descharnesa, zachowanie Daliego w tym czasie było reakcją na jego sławę, aby chronić swoją twórczość. Jeśli Picasso z tych samych powodów schronił się w zamku Vauvenargues, Dalí, nie mogąc milczeć, komentował zjawiska, odkrycia i wydarzenia swoich czasów, a powstała w ten sposób mieszanka nie zawsze była w najlepszym guście. Zmylił krytyków, a mediom głównego nurtu pozostawił analizę wąsów i skupienie się na kilku obrazach, takich jak Chrystus św. Taka postawa skłoniła eksperta Sotheby”s ds. surrealizmu Andrew Straussa do stwierdzenia:

„Dalí pracował nad budową swojej popularności na skalę światową. Wyprzedził Andy”ego Warhola w tej strategii kultu artysty-gwiazdy”.

Dalí interesował się nowymi odkryciami naukowymi swoich czasów. Zafascynował się DNA i tesseraktem, czterowymiarowym hipersześcianem. Jego obraz Corpus hypercubus (1954) przedstawiający Jezusa Chrystusa ukrzyżowanego na wzór takiej hiperfigury, w którym starał się stworzyć syntezę ikonografii chrześcijańskiej i obrazów rozpadów inspirowanych fizyką jądrową. Dalí, jako doświadczony artysta, nie ograniczał się do malarstwa. Z wielką uwagą śledził wszystkie wydarzenia w malarstwie post-surrealistycznym, także formy całkowicie od niego oderwane. Eksperymentował z wieloma nowymi lub innowacyjnymi mediami i procesami, takimi jak malarstwo projekcyjne czy technika holograficzna, której był pionierem. Wiele z jego prac zawierało iluzje optyczne, kalambury wizualne i trompe-l”oeil. Eksperymentował także z pointylizmem, półtonami (sieć kropek podobnych do tych używanych w druku) i obrazami stereoskopowymi. Był jednym z pierwszych, którzy zastosowali holografię w sztuce. Młodzi artyści, tacy jak Andy Warhol, głosili, że Dalí miał istotny wpływ na Pop Art. Odkryta na stacji kolejowej w Perpignan stereoskopia zafascynowała Daliego, który pod koniec swojej kariery tworzył na dwóch obrazach (prawe i lewe oko) trudne do odtworzenia obrazy. Wiele z nich jest wystawionych w Muzeum Daliego w Figueras (Ateny płoną!).

Dalí miał szklaną podłogę w pokoju obok swojego studia. Wykorzystywał ją do studiowania skrótów perspektywicznych, zarówno z dołu, jak i z góry, aby wprowadzać do swoich obrazów bardzo ekspresyjne postacie i przedmioty. Lubił też używać go do zabawiania swoich przyjaciół i gości.

Dochody Daliego i Gali pozwalały im na życie w luksusie. Już w 1960 roku zatrudnili menedżera Johna Petera Moore”a. Jego następca, Enrique Sabater, tłumaczył, że „Dalí zarabiał więcej niż prezydent Stanów Zjednoczonych”. W tym czasie Salvador Dalí i Gala zaczęli się rozstawać. W Paryżu Dalí poznał Amandę Lear, która była wówczas przedstawiana jako transseksualistka. Amanda Lear brała lekcje malarstwa u Daliego. Artykuł Juliána Ruiza (es) w El Mundo jest ilustrowany zdjęciem z 1963 r. przedstawiającym dwóch bohaterów. Służyła mu głównie jako modelka i stała się jego muzą (np. w Hypnos (1965) i Bateau Anthotropic), z którą, jak wspominała w swojej książce o malarzu, pozostawała w związku przez piętnaście lat. Od 1965 roku modelka oficjalnie towarzyszy Daliemu w jego wyjazdach. Salvador Dalí pomógł jej także wprowadzić się do pokoju nr 9 w hotelu La Louisiane przy rue de Seine. W 1969 roku Gala Dalí nabyła stary zamek w Púbol, niedaleko Figueras, który odrestaurowała i w którym mieści się Fundacja Gala-Salvador Dalí.

Przeczytaj także: mitologia_p – Penelopa

Prace historyczne i stereoskopowe

Niewielkie obrazy z poprzednich lat ustąpiły, począwszy od 1958 roku, miejsca monumentalnym dziełom o tematyce historycznej, takim jak Bitwa o Tetouan (1962, 308 × 406 cm). Obraz przedstawia hiszpański podbój Tetouan w Maroku w 1860 roku. Dalí co roku malował wielkoformatowy obraz, taki jak Odkrycie Ameryk przez Krzysztofa Kolumba (1959). Ostatnie arcydzieła tego okresu to Dworzec w Perpignan (1965), Halucynogenny torero (1968-1970) i Połów tuńczyka (1966-1967). W latach 1966-1973 Dalí pracował nad zamówieniem na luksusowe wydanie Alicji w Krainie Czarów.

Interesowało go udoskonalenie reprezentacji trzeciego wymiaru poza klasyczną perspektywą. Według malarza najbardziej uspokajającym momentem w historii malarstwa był dzień 17 listopada 1964 roku, kiedy to w centrum dworca kolejowego w Perpignan odkrył możliwość namalowania w oleju „prawdziwego” trzeciego wymiaru za pomocą stereoskopii. Odkrycie holografii pozwoliło mu zbliżyć się do czwartego wymiaru (czasu), którą to techniką posługiwał się od lat 70. w celu uzyskania „nieśmiertelności obrazów zapisanych holograficznie dzięki światłu lasera czasowego”. W 1969 roku namalował swoje pierwsze sufity, a od następnego roku skoncentrował się na obrazach stereoskopowych. Jego najbardziej znane obrazy holograficzne pochodzą z 1972 roku. Pierwsze hologramy zostały pokazane w Knoedler Gallery w Nowym Jorku w kwietniu 1972 roku.

Przeczytaj także: biografie-pl – Cuauhtémoc (władca)

Teatr-muzeum

W 1960 roku Dalí rozpoczął prace nad swoim teatrem-muzeum w swoim mieście Figueras. To był jego największy projekt. Poświęcił jej większość swojej energii aż do 1974 roku. Rozwijał ją aż do połowy lat 80. Za zgodą burmistrza, Ramona Guardioli, wybrał ruiny teatru Figueras, spalonego podczas hiszpańskiej wojny domowej, gdzie w 1914 roku zorganizował swoją pierwszą wystawę. Fundusze na renowację zostały przekazane przez państwo hiszpańskie w 1970 roku. Szklana kopuła w kształcie bizantyjskim została zaprojektowana przez architekta Emilio Péreza Piñero na życzenie Dalíego, który marzył o szklanej kopule w stylu amerykańskiego architekta Buckminstera Fullera. Dalí sam zaprojektował znaczną część muzeum, od monumentalnych jaj na ścianach po wysokość toalet. Architekt Joaquim Ros de Ramis pracował nad renowacją, zawsze zgodnie z wytycznymi mistrza. Budowa rozpoczęła się 13 października 1970 roku, a rok później malarz rozpoczął prace nad malowidłami sufitowymi w teatrze-muzeum. W 1971 r. został odznaczony przez Ministerstwo Oświaty, Kultury i Sportu Złotym Medalem Zasługi dla Sztuk Pięknych. Otworzył również pierwszą i największą galerię sztuki w Hiszpanii w tym czasie, Sala Gaudí Barcelona, wraz z innymi sławami, takimi jak Gabriel García Márquez.

Przeczytaj także: biografie-pl – Pitagoras

Ostatnie lata

W 1979 roku w Centre Georges Pompidou odbyła się wielka retrospektywa twórczości Daliego, na której wystawiono 169 obrazów i 219 rysunków, grafik i obiektów artysty. Jedna z atrakcji wystawy znajdowała się w piwnicy. Citroën został podwieszony pod sufitem z botifarrą (katalońską kiełbasą), 32-metrową łyżką i wodą spływającą po chłodnicy samochodu.

W następnym roku stan zdrowia Daliego znacznie się pogorszył. W wieku 76 lat u Daliego pojawiły się objawy choroby Parkinsona i definitywnie utracił zdolności artystyczne. W 1982 roku otrzymał od króla Hiszpanii Juana Carlosa tytuł Markiza Dalí de Púbol (Markiza Dalí de Púbol). Dalí wykonał swój ostatni rysunek dla króla, zatytułowany Głowa Europy.

Gala zmarła 10 czerwca 1982 roku, w wieku 87 lat. Dalí przeniósł się z Figueras do zamku Púbol, gdzie w 1984 roku w jego sypialni wybuchł pożar, którego przyczyna nigdy nie została wyjaśniona. Dalí został uratowany i powrócił do życia w Figueras, w swoim teatrze-muzeum. W listopadzie 1988 r. Dalí trafił do szpitala po ataku serca. Ostatnią wizytę złożył mu król Hiszpanii 5 grudnia 1988 roku. Malarz zmarł 23 stycznia 1989 roku w Figueras w wieku 84 lat. Został pochowany w krypcie swojego teatru-muzeum.

Jego burzliwy charakter sprawił, że czasem zapominamy o artystycznym zaangażowaniu malarza. Dalí był jednak malarzem skrupulatnym i nieustępliwym, swoje płótna obmyślał przez długi okres czasu i tworzył je z pieczołowitością, którą chciał zbliżyć do swoich klasycznych mistrzów, Rafaela czy Vermeera. Michel Déon uważa, że „Dalí jest świadomy swojego geniuszu aż do zawrotu głowy. Jest to, jak się wydaje, bardzo pocieszające intymne uczucie”. Pierwsze zachowane obrazy ukazują prawdziwie przedwczesny talent, od 6 roku życia. Już jego pierwsze portrety rodziny w Cadaqués miały zadziwiającą siłę malarską, zwłaszcza impresjonistyczną. Bawiąc się materiałem, przez pewien czas mieszał żwir z farbą (Vieillard crépusculaire, 1918).

Ubolewał nad brakiem teoretycznego wykształcenia w Akademii Sztuk Pięknych w Madrycie. Pod koniec tych madryckich lat rozpoczął się okres różnorodnych wpływów. Młody Dalí zanurzył się w różnych technikach, począwszy od pointylizmu (Manekin barceloński, 1927) i Picassa (Wenus i żeglarz, 1925).

Przeczytaj także: biografie-pl – Jesse Owens

Praca obrazkowa

W wieku dziesięciu lat Dalí powiedział, że nie chce mieć nauczyciela rysunku, bo jest malarzem impresjonistą. Choć to kategoryczne stwierdzenie wywołało śmiech, malarz rzeczywiście był pod wpływem impresjonistów w bardzo młodym wieku dzięki bliskości rodziny Pichot, a w szczególności Ramona Pichota. Ten ostatni był jednym z pierwszych katalońskich impresjonistów, który w 1900 roku należał do świty Picassa, a jego styl przypominał Toulouse-Lautreca. Dalí podziwiał Renoira i Meissoniera („prawdziwy słowik pędzla”), których brak geniuszu wyśmiewał, ale których niewiarygodnie drobiazgowa technika robiła na nim wrażenie. Do tych wpływów dołączyło około 1918 roku zainteresowanie malarzami-pompiarzami, takimi jak Marià Fortuny, od którego czerpał inspirację do Bitwy pod Tetouan (1962). Picasso był dla niego kimś w rodzaju starszego brata, który powitał go po przyjeździe do Paryża. Dalí przez całe życie dążył do konfrontacji z nim, jedynym współczesnym mu artystą, w którym dostrzegał geniusz co najmniej równy swojemu.

Włoski renesans, bardziej niż jakikolwiek inny, był dla Dalego stałym i nieodzownym punktem odniesienia. Choć uważał się za najlepszego rysownika swoich czasów, przyznawał, że w porównaniu z wielkimi mistrzami renesansu jego rysunki są „prawie nic nie warte”. Wielbiciel Leonarda da Vinci, w którym odnajdywał korzenie swojej paranoicznej metody, od dawna darzył Rafaela wielkim szacunkiem, twierdząc, że jest on jedynym współczesnym zdolnym go zrozumieć. Pod koniec życia Michała Anioła figury stały się ważną częścią jego twórczości malarskiej. Przez całe życie podziwiał też Diego Velázqueza, a Vermeer był kolejną latarnią, której technikę starał się długo naśladować – czasem z powodzeniem.

Dalí posługiwał się bardzo klasyczną techniką, w pewnych okresach nawet hiperrealistyczną, i przez całą karierę starał się wykazywać coraz bardziej realną wirtuozerię, pozostając wierny malarstwu olejnemu w prawie wszystkich swoich pracach. Praca jest prawie zawsze bardzo drobiazgowa, co nadaje jej uspokajający wygląd akademizmu, z bardzo starannymi rysunkami przygotowawczymi i drobiazgowym wykonaniem, często z użyciem szkła powiększającego. W niektórych drobnych pracach widać prawdziwy talent do miniaturyzmu (Pierwszy portret Gali, Portret Gali z dwoma kotletami jagnięcymi na ramieniu). Ultraakademickość była według niego treningiem, który powinien posiadać każdy malarz, „dopiero z tej wirtuozerii możliwe jest coś innego, czyli sztuka”. Nienawidził Cézanne”a, który był według niego „najgorszym francuskim malarzem”. Przeciwstawiał się malarzom nowoczesnym jako całości; racjonalizacji, sceptycyzmowi i abstrakcji. Matisse był „jednym z ostatnich nowoczesnych malarzy”, który reprezentował ostatnie konsekwencje rewolucji i triumfu burżuazji. W przeciwieństwie do swojego nawrócenia na katolicyzm, twierdził, że młodzi malarze modernistyczni w nic nie wierzą, a on sam jest „modernistą”,

„To całkiem normalne, że kiedy nie wierzysz w nic, kończysz malując prawie nic, jak to jest w przypadku całego współczesnego malarstwa.

– Salvador Dalí

Przed zetknięciem z surrealizmem, jeszcze w Cadaqués, Dalí zaczął tworzyć z „diabelską łatwością we wszystkich technikach”, „fotografie trompe-l”oeil”, jak je nazywał, wyprzedzając amerykańskich hiperrealistów o ponad 25 lat. Pod koniec lat 20. reprezentował swoje marzenia. Jego pierwszym podwójnym obrazem był Niewidzialny człowiek (1929) i takie podejście utrzymał przez większość swojej kariery.

Pojęcie „sobowtóra” było kluczowe dla Daliego, zarówno w jego malarstwie, jak i w życiu. Jej początkiem była śmierć starszego brata Salvadora, kontynuacją Veermer i spirala logarytmiczna, kontynuacją jego alter ego Gala, a opozycją Dentelière i Nosorożec, postać jednocześnie agnostyka i katolika. Doskonalił i urozmaicał technikę obrazów w obrazach oraz obrazów opartych na ramach i sieciach punktów (Madonna Sykstyńska).

Jego badania nad trzecim i czwartym wymiarem doprowadziły go do prac nad stereografią i holografią. W 1973 roku deklarował, że wykonuje „ręcznie kolorowane fotografie pozapikselowych superobrazów konkretnej irracjonalności”. Do końca igrał z okiem widza, szczególnie w ostatnich pracach, Pięćdziesięciu abstrakcyjnych obrazach, które widziane z odległości dwóch metrów zamieniają się w trzech Leninów przebranych za Chińczyków, a z sześciu w głowę królewskiego tygrysa bengalskiego, Halucynogennym torero czy Nagiej Gali patrzącej na morze, która z odległości osiemnastu metrów ukazuje prezydenta Lincolna.

Odtąd jego twórczość pełna była osobistych, często kryptycznych i onirycznych aluzji, które wykorzystywał do woli, jak np. prześladująca postać Wielkiego Masturbatora, którą posługiwał się wielokrotnie w 1929 roku (Portret Paula Éluarda i Wielki Masturbator). Uznał, że malarstwo Miró jest „z tej samej krwi”, co jego własne i pozostawał pod wpływem René Magritte”a, ale wkrótce uzyskał własny styl dzięki obrazom Miód jest słodszy niż krew (1927) i Cenicitas (1928), a następnie dzięki wynalezieniu metody paranoiczno-krytycznej.

Patrice Schmitt, mówiąc o spotkaniu Dalíego i Lacana, zauważa, że „paranoja według Dalíego jest antytezą halucynacji w jej aktywnym charakterze. Jest zarówno metodyczna, jak i krytyczna. Ma ono precyzyjne znaczenie i wymiar fenomenologiczny i przeciwstawia się automatyzmowi, którego najbardziej znanym przykładem jest wykwintny trup. Nawiązując do teorii Lacana, stwierdza, że zjawisko paranoidalne ma charakter pseudohalucynacyjny. Teraz, techniki podwójnych obrazów, nad którymi Dalí pracował od czasu Cadaqués, Niewidzialnego człowieka (połączenie, które skłoniło Roberta Descharnesa i Gillesa Néreta do stwierdzenia, że Dalí był „jedynym prawdziwym malarzem, który był całkowicie surrealistyczny, w ten sam sposób, w jaki możemy powiedzieć, że Monet jest jedynym prawdziwym malarzem, który jest całkowicie impresjonistyczny, od początku swojej pracy do Nimf na końcu”.

Eksplozje bomb atomowych w Hiroszimie i Nagasaki wstrząsnęły malarzem „sejsmicznie” i dały mu nowe źródło inspiracji: fizykę jądrową. Deklarował się jako „były surrealista”, choć według Roberta Decharnesa i Gillesa Néreta pozostał nim bardziej niż kiedykolwiek. Teoria atomistyczna zakłada fundamentalną nieciągłość materii: fizyka jądrowa mówi, upraszczając, że cząstki elementarne oddzielone próżnią zachowują równowagę, a w skali makroskopowej tworzą spójną całość. Odnajdując w Heisenbergu swojego nowego ojca, z logiką, która zawsze była niepodważalna, potwierdził, że to, co produkują fizycy, mogą namalować malarze, którzy są już specjalistami od aniołów. W tym okresie ciała i przedmioty przedstawiane przez Dalíego znajdowały się w stanie lewitacji, nowego podejścia, które było związane „zarówno ze złotą proporcją, jak i spekulacjami współczesnej fizyki”. Odzwierciedlały one duchową ewolucję malarza, w ciągłej trosce o podwójną przynależność, agnostyka i rzymskiego katolika.

W 1946 roku powrócił w poszukiwaniu inspiracji do malarstwa renesansowego, dzięki czemu udało mu się dokonać syntezy trzech nieprawdopodobnych postaw: korpuskularnej, rzymskokatolickiej i renesansowej.

Przeczytaj także: biografie-pl – Ludwig van Beethoven

Tematy obrazkowe

Zatoczka Portlligat, ale także port rybacki czy front domu malarza, pojawiają się na wielu jego obrazach z czasów, gdy para przeprowadziła się tam w 1930 roku. Okolice Cap de Creus były dla Daliego „najbardziej konkretnym krajobrazem na świecie”. Skały o ostrych krawędziach i dziwnym kształcie są dobrze znane spacerowiczom w Cadaqués. Dalí często wykorzystywał je w swoich obrazach (Nos Napoleona przekształcony w ciężarną kobietę idącą ze swoim cieniem wśród oryginalnych ruin, 1945). Złożony i enigmatycznie wyglądający wizerunek Wielkiego Masturbatora pojawił się w 1929 roku, w Portrecie Paula Éluarda. Składa się z kilku elementów, czasem zmiennych: powieki, rzęsy, wszystko spoczywające na nosie z profilu. Konik polny jest często przedstawiany do góry nogami, blisko miejsca, w którym znajdują się usta. Ten element był bardzo obecny w latach 1929-1931 (La Persistance de la mémoire, 1931). Pomijając własną symbolikę autora, ogólny wygląd jest taki, jak skał, z którymi Dalí był zaznajomiony.

Kilka zwierząt nabiera dla niego chorobliwego charakteru. Tak jest na przykład z mrówkami, które są bardzo obecne od czasu Portretu Paula Éluarda (1929). Według niego są one związane ze sceną z dzieciństwa, kiedy to po przygarnięciu rannego nietoperza młody Salvador znalazł następnego ranka zwierzę umierające: „Nietoperz, pokryty szalejącymi mrówkami, jęczał, a jego usta były otwarte, odsłaniając zęby małej staruszki. Częścią tych przedstawień jest również zgniły osioł. Występuje w filmie Un chien andalou (1929), a także w kilku obrazach z tego samego okresu – Miód słodszy niż krew (1927), Cenicitas (1928), Zgniły osioł (1928) – oraz w kilku gnijących zwierzęcych trupach. Według malarza, obrazy te przypominały mu traumatyczną scenę zwłok oswojonego jeża, napadniętego przez armię robaków: „Jego kolczasty grzbiet chwiał się nad niesłychanym rojem rozszalałych robaków”.

Koniki polne nawiązują też do scen z jego dzieciństwa i strachu przed konikami polnymi, które koledzy z klasy wysyłali mu czasem na lekcje. Pasikoniki były bardzo obecne w jego pracach z lat 20. i 30. i często kojarzyły się z Wielkim Masturbatorem.

Nosorożec – a zwłaszcza jego róg – był natomiast boskim narzędziem w odniesieniu do jego mistyki nuklearnej, a także oczywistym fallicznym dodatkiem (Młoda Dziewica samosodomizowana przez rogi własnej czystości). Dalí użył go już w 1951 roku (Rozłupana głowa Rafaela), a przede wszystkim około 1955 roku (Paranoiczne studium koronczarki Vermeera). Wyjaśnił, że „Koronczarka osiąga maksimum biologicznej dynamiki dzięki logarytmicznym krzywiznom rogów nosorożca”.

Z kolei muchy kojarzą się z pozytywnymi uczuciami. Dalí mówił, że uwielbiał te owady i że w Portlligat pozwalał im pokrywać swoje ciało. Uważał je za „wróżki Morza Śródziemnego”. Michel Déon opowiada, że kiedyś z rozkoszą czytał L”Éloge de la mouche, autorstwa Luciena de Samosate.

Podobnie jak jego ojciec, który chował się, by je jeść, Dalí uwielbiał jeść jeżowce, które przynoszono mu z pobliskiego morza. Wykorzystywał je w malarstwie (Madonna z Port Lligat 1950), w fotografii, a nawet jako artysta, wkładając im do ust słomkę, której ruchy rysowały kształty na ekranie. Było to prawdopodobnie pierwsze użycie szkarłupni jako artysty obrazkowego.

W 1954 roku podpisał sześć ceramik „Czerwona Gwiazda Morza” zainspirowany przez Maurice Duchin, hiszpańskiego ministra.

Jedzenie i akt jedzenia zajmują centralne miejsce w twórczości i myśli Daliego, dla którego „piękno będzie jadalne albo nie będzie, chleb był bardzo obecny od 1926 roku (Koszyk na chleb). Bardzo klasyczny Bread Basket, Rather Death Than Filth (1945) został wystawiony w honorowym miejscu przez Daliego w muzeum Figueras, wyrażając wagę tego obrazu. To właśnie z dwumetrową bagietką przybył po raz pierwszy do Stanów Zjednoczonych, a z dwunastometrową bagietką niesioną przez kilku piekarzy zaprezentował się na konferencji w Paryżu w 1959 roku. Jego symbolika wydawała się Dalímu bardzo ważna: „Chleb był jednym z najwcześniejszych fetyszowych tematów i obsesji mojej twórczości, pierwszym, tym, któremu pozostałem najbardziej wierny.”

Jajko sadzone bez potrawy powraca regularnie w jego twórczości. Przypominało to malarzowi fosfeny, które pojawiają się po ściśnięciu gałek ocznych i które kojarzą mu się z pamięcią wewnątrzmaciczną. Być może najbardziej znanym dziełem malarskim Daliego jest Montres Molles. Płyną jak camembert: „Miękkie zegarki są jak ser, a szczególnie jak camembert, kiedy jest w pełni dojrzały, to znaczy, kiedy ma tendencję do zaczynania kapać. Co więc ser ma wspólnego z mistycyzmem? Kobiece plecy i pośladki pojawiły się w jego twórczości bardzo wcześnie, zwłaszcza w portretach siostry Anny-Marii w Cadaqués (Postać przy oknie, 1925, Młoda dziewczyna z plecami (Anna Maria), 1926). Późniejszy, bardziej dosadny obraz Młoda dziewica samozaspokajająca się rogami własnej czystości (1954), rzucił światło na erotyczne znaczenie tych póz. Pozostały one obecne w całej twórczości malarza.

Gala pojawiła się w 1931 roku w maleńkim dziele (Pierwszy portret Gali), prawdziwym tour de force miniaturzysty, wystawionym w Teatre-Museu Gala Salvadora Dalí; lupa jest dostępna, aby lepiej docenić szczegóły. Jej portrety były później bardzo liczne, a twarz i charakterystyczna fryzura sprawiały, że była łatwo rozpoznawalna. Ukazywała się od przodu (Anioł Gali, 1935) lub od tyłu (Moja żona, naga, patrząca na własne ciało stające się, trzy kręgi kolumny, niebo i architektura, 1945), naga (Leda Atomica, 1949), jako Matka Boska (Madonna z Port Lligat, 1950), z nagą piersią (Galarina, 1945).

Odkrycie pary kul porzuconych na strychu domu ojca było dla niego objawieniem. Definiuje ją jako „drewniany wspornik wywodzący się z filozofii kartezjańskiej. Ogólnie stosowany do podtrzymywania kruchości struktur miękkich”. Od razu stał się obiektem fetyszystycznym, który pojawia się w jego pracach, często jako podpora dla miękkiego wyrostka. Można w nim wyczuć udrękę niemocy, która zdominowała Daliego przed seksualnym spotkaniem z Galą. W 1929 roku obecność na obrazie Jeu lugubre mężczyzny w poplamionych spodniach wywołała skandal w środowisku surrealistów. Gala został wysłany w delegację, aby upewnić się, że młody Katalończyk nie ma skłonności koprofagicznych, co przeraziło surrealistów. Gala potrafił ich uspokoić, a jednocześnie ostrzec Daliego przed bardzo „drobnomieszczańskim” stanem ducha grupy artystów, którzy twierdzili, że są całkowicie szczerzy.

Angelus Milleta stał się dla Daliego prawdziwą obsesją. Jej postacie znalazły się na wielu jego obrazach, od Pomnika imperialnego dla kobiety-niemowlęcia, Gali – Fantazji utopijnej (1929), do Gare de Perpignan z 1965 roku. Dalí często tłumaczył erotyzm obrazu, a także przekonanie, że para modli się wokół trumny zmarłego dziecka. Niespodziewanie, prześwietlenie w Luwrze ujawnia ciemny, prostokątny obszar pod ziemią pomiędzy dwiema postaciami.

Wenus z Milo była okazjonalnym odniesieniem. Po raz pierwszy pojawiła się w porwanej rzeźbie z jego przyjacielem Marcelem Duchampem, a następnie jako wizerunek metamorfozy w byka w Le Torero hallucinogène.

Śmierć jest obecna w całej twórczości od najwcześniejszych obrazów surrealistów, nawet pierwszych portretów starych mężczyzn. Śmierć pojawia się najpierw w swoim najbardziej odrażającym fizycznym aspekcie, czyli w postaci gnijących zwłok. Później stał się bardziej dyskretny, ale zawsze był obecny, nawet w malarstwie chrześcijańskim – głównie ukrzyżowaniach. Zwraca uwagę w Portrecie mojego zmarłego brata (1963), Połowach tuńczyka (1967), Halucynogennym torero (1970).

Alfabet miłości zrodził się z pasji Daliego do grafiki i jego muzy Gali. Z ich inicjałów „S”, „D” i „G” oraz korony wymyślił osiem abstrakcyjnych znaków, które miały być symbolem ich miłości. O alfabecie zrobiło się głośno w latach 70-tych, kiedy to zamówił u Lancela torebkę jako prezent dla Gali.

Ta torba to mały model z klinem i uchwytem na łańcuchu rowerowym. Jego skóra jest ozdobiona nadrukiem typu Toile Dalígram, wykorzystującym znaki alfabetu miłości.

Przeczytaj także: historia-pl – I wojna perska

Rzeźba

Rzeźba przez długi czas pozostawała w twórczości Dalíego czymś anegdotycznym, z rzadkimi wyjątkami, takimi jak Obiekt skatologiczny o funkcji symbolicznej (1931) czy Nosorożec z popiersiem koronczarki Vermeera (1955). Do twórczości trójwymiarowej powrócił w latach sześćdziesiątych, a zwłaszcza w 1970 roku, tworząc Galę Teatre-Museu Salvador Dalí: Popiersie Dantego (1964), Krzesło z sępimi skrzydłami (1960), Lilith. Hommage à Raymond Roussel (1966), Maska żałobna Napoleona, która może służyć jako wieko dla nosorożca (1970).

Salvador Dalí powiedział, że jako dziecko wymodelował Wenus z Milo, ponieważ znajdowała się ona na jego piórniku: była to jego pierwsza próba rzeźbiarska. Od lat 30. Dalí próbował swoich sił w trzecim wymiarze za pomocą surrealistycznych obiektów. Wspólnie z Giacomettim tworzył obiekty o funkcji symbolicznej, Retrospektywne popiersie kobiety. Popiersie: Chleb i kałamarz, poprzez złożenie malowanej porcelanowej marotty młynarskiej z różnymi innymi przedmiotami z odzysku (1933). W 1936 roku Marcel Duchamp i Salvador Dalí stworzyli wspólnie Wenus z Milo z szufladami.

Z tego okresu pochodzą rzeźby w brązie oparte na jego najsłynniejszych obrazach, takich jak: Trwałość pamięci, Profil czasu, Szlachta czasu, Wenus z żyrafą, Torreador halucynogenny, Wenus przestrzenny, Alicja w krainie cudów, Słoń przestrzenny, które z niezwykłą siłą demonstrują ekspresyjną siłę jego surrealistycznych obrazów ikonograficznych.

Pierwsze prace jubilerskie Dalí wykonał po II wojnie światowej w Nowym Jorku: Oko czasu (1949), Rubinowe usta (1950), Królewskie serce (1953).

W latach 1969-1979 Salvador Dalí stworzył kolekcję 44 rzeźb z brązu, z których wykonano tylko 4: Collection Clot de Dalí.

Przeczytaj także: biografie-pl – Rainier III Grimaldi

Architektura

W 1939 r. stworzył pawilon Dream of Venus na Międzynarodowe Targi Nowojorskie. Była to surrealistyczna atrakcja jarmarczna, z m.in. ogarniętą miłosną gorączką Wenus na łożu z czerwonego atłasu, syrenami i żyrafami. Z tego domu pozostały jedynie wspomnienia, około czterdziestu fotografii Erica Schaala, ośmiominutowy film i wystawny kwadryptyk z miękkimi zegarkami, zachowany w Japonii. Malarz uczynił z surrealizmu sztukę życia.

W Portlligat urządził swój dom po swojemu, „jako książę kiczu, ironii i szyderstwa”. Jego biblioteka była celowo niedostępna, z rzędami książek ustawionych wysoko na ścianie, tak że nikt nie mógł do nich sięgnąć. W osi fallicznego basenu znajdowała się świątynia z dużym stołem ołtarzowym, gdzie schronił się przed słońcem i przyjmował swoich przyjaciół. Dno jego basenu wyłożone było jeżowcami; było to zlecenie mistrza dla rzeźbiarza Cezara, który wykonał odlew z poliestru, aby „chodzić po jeżowcach, jak Chrystus chodził po wodach”. Patio miało kształt sylwetki kobiety z „Angelusa” Milleta. Sofa została wykonana z odlewu ust Mae West. Tylna ściana, zwana „ścianą Pirelli”, ozdobiona była dużymi reklamami opon.

Na początku lat siedemdziesiątych projekt teatru-muzeum w Figueras nabiera ostatecznych kształtów. Dalí wziął sobie do serca projekt tego muzeum zbudowanego ku jego chwale: „Chcę, aby moje muzeum było pojedynczym blokiem, labiryntem, wielkim surrealistycznym obiektem. Będzie to Muzeum Teatralne. Zwiedzający wyjdą z poczuciem, że przeżyli teatralny sen.

Przeczytaj także: biografie-pl – John Cassavetes

Literatura

Pisma Daliego stanowią ważny korpus, który w całości został opublikowany tylko w języku hiszpańskim. Pisał, co najmniej od czasów młodzieńczych (Studium), wiersze, teksty literackie i dziennik, który został opublikowany w 2006 roku. Publikował liczne teksty, w których przedstawiał swoje idee, koncepcję malarstwa oraz podawał elementy biograficzne, pozwalające zrozumieć genezę niektórych jego obrazów. Oui przedstawia swoje koncepcje teoretyczne w dwóch głównych tekstach: „Rewolucja paranoiczno-krytyczna” i „Naukowy archanizm”.

Dwa najsłynniejsze teksty autobiograficzne Daliego, pisane w bardzo osobistym stylu, to Sekretne życie Salvadora Dalí, który zawiera szczegóły biograficzne dotyczące jego dzieciństwa, problematycznych relacji z ojcem i nabytego w dzieciństwie przekonania, że jest geniuszem, oraz Dziennik geniusza, który dotyczy lat 1952-1963. W czasie wojny Dalí napisał jedną powieść, Ukryte twarze. Przedstawił w nim arystokrację francuską w czasie wojny, a w szczególności romans dwojga bohaterów, księcia Grandsailles i Solange de Cléda. Ta ostatnia jest ilustracją tego, co on sam nazywał clédalisme, a czego celem było dokończenie „trylogii namiętności zapoczątkowanej przez markiza de Sade”, której dwa pierwsze elementy to sadyzm i masochizm.

W 1938 roku napisał też paranoiczno-krytyczną interpretację jednego ze swoich dzieł źródłowych, w wydanym w 1963 roku Tragicznym micie Anioła Milleta. Zilustrował Fantastyczne wspomnienia (1945), La Maison sans fenêtre, Le Labyrinthe (1949) i La Limite (1951) Maurice”a Sandoza, którego poznał w Nowym Jorku na początku lat 40.

Przeczytaj także: biografie-pl – Aspazja

Kino

Młodość Daliego przypadła na złoty wiek kina niemego. W akademiku w Madrycie poznał Luisa Buñuela, który uczynił go tematem jednego ze swoich pierwszych obrazów. Przyjaźń ta zaowocowała współpracą, która rozwinęła się w kontekście surrealizmu. We współpracy z nim uczestniczył w powstawaniu dwóch emblematycznych filmów kina surrealistycznego. Pierwszy z nich, Un chien andalou (1929), to szesnastominutowy film krótkometrażowy. Została sfinansowana przez wicehrabiego i wicehrabinę Noailles po wystawie w Paryżu. Po brutalnym obrazie wprowadzającym, mającym lepiej zaznaczyć podział między światem realnym a surrealistycznym, następują po sobie różne sceny senne, obdarzone jedynie logiką marzeń sennych. Film wywołał skandal w paryskich kręgach intelektualnych. Jednak, jak pisze Robert Descharnes, Dalí i Buñuel chcieli stworzyć coś „innego niż wszystko, co zostało zrobione wcześniej”. Z tą myślą w 1930 roku powstał drugi film, L”Âge d”or (Złoty wiek). Mimo wspólnego programu, obaj autorzy byli sobie przeciwni; Dalí chciał przedstawić miłość, stworzenie i katolickie mity w scenerii Cap de Creus. To, co dla Daliego miało być subtelnym, wyrafinowanym i głębokim świętokradztwem, Buñuel przekształcił w pierwotny antyklerykalizm. Godzinny film wywołał niepokoje społeczne między rojalistami a surrealistami. Uznany wówczas za bezczelny, został zakazany do 1981 roku.

Dalí uczestniczył w realizacji kilku filmów, które nie zostały ukończone. W 1941 roku napisał pierwszą scenę snu do filmu Fritza Langa Moontide, która nie została nakręcona z powodu przystąpienia Stanów Zjednoczonych do wojny. W 1945 roku Dalí zaczął reżyserować kreskówkę Destino z Waltem Disneyem, która została przerwana po kilku miesiącach z powodu problemów finansowych związanych z wojną. Dalí i Disney bardzo się lubili, a Dalí uważał filmowca za „wielkiego amerykańskiego surrealistę” na równi z braćmi Marx i Cecilem B. DeMille.

Napisał scenariusz dla braci Marx zatytułowany Giraffes on Horseback Salad, który pozostał w wersji roboczej. W 1945 roku zaprojektował scenografię do sceny zaklęcia w filmie Alfreda Hitchcocka Dom doktora Edwardesa. W tej scenie Gregory Peck, poddany psychoanalizie przez Ingrid Bergman, widzi kurtynę szeroko otwartych oczu – pomysł zaczerpnięty z filmu Un chien andalou – i wielkie nożyce, które wycinają powieki i siatkówki.

Sam Dalí zrealizował szereg eksperymentalnych surrealistycznych filmów krótkometrażowych, w których wystawiał siebie na scenie. W latach 50. zrealizował film L”Aventure prodigieuse de la Dentellière et du rhinocéros w reżyserii Roberta Descharnesa, w którym obrazy i przedmioty kojarzone są za pomocą krzywej logarytmicznej i złotej proporcji. W 1975 r. były to Impressions de la Haute Mongolie (Hołd dla Raymonda Roussela). W tym filmie, który sprawia wrażenie fałszywego dokumentu, Salvador Dalí opowiada historię zaginionych ludzi, których ślady odnalazł podczas wyprawy do „Górnej Mongolii”. Ta historia jest całkowicie zmyślona. Dalí oddał mocz na pierścień długopisu i czekał, aż korozja zacznie działać, filmując efekty w makro- i mikroskopowych odległościach, z komentarzem „historyka”.

Wraz z Jean-Christophe Averty i Robertem Descharnesem wyreżyserował L”Autoportrait mou de Salvador Dalí (1967), reklamę czekolady Lanvin w 1968 roku. Alejandro Jodorowsky, w swoim przerwanym projekcie filmowym do powieści Diuna, poprosił Daliego o zagranie roli cesarza Szaddama IV. Dalí zażądał m.in. astronomicznej stawki 100 tys. dolarów za godzinę i zaproponował tron z inspiracji skatologicznych.

Przeczytaj także: wazne_wydarzenia – Kryzys kubański

Teatr

Dalí brał udział w kilku projektach związanych z teatrem. W 1927 r. współpracował z Federico Garcíą Lorcą przy sztuce Marina Pineda i napisał libretto do Bachanaliów, inspirowanych Tannhäuserem Richarda Wagnera. W czasie pobytu w Nowym Jorku Dalí stworzył kilka tła, scenografii i kostiumów do baletów: Labirynt (1941), Helena (1942), Romeo i Julia (1942), Café de Cinitas (1943) i Tristan Fou (1944).

Przeczytaj także: biografie-pl – Podbój Meksyku przez Hiszpanów

Świat mody

Przez całe swoje życie i twórczość Dalí pozostawał w symbiozie z polimorficznym światem mody. W swoim nienasyconym pragnieniu, aby zmaterializować nieograniczoną kreatywność, która go wyróżniała, zbadał najbardziej różnorodne rejestry kreatywności w sektorze mody. Jego modelkami były najchętniej kobiety o wydatnych biodrach – coccyx women – i nieowłosionych pachach, jak Greta Garbo. Do jego najbardziej znaczących osiągnięć należy produkcja wielu wzorów tkanin i dekoracyjnych projektów odzieży. Współpracował z Coco Chanel przy projektowaniu kostiumów i scenografii do spektaklu Bacchanal, „paranoid-kinetic”, uczestniczył w tworzeniu kilku projektów kapeluszy, w tym słynnego w kształcie buta, a także, wraz z couturier Elsą Schiaparelli, stworzył suknię „lobster” (lata 30.), zamówioną przez Edwarda Jamesa dla jego przyjaciółki aktorki Ruth Ford. W 1950 roku, wspólnie z Christianem Diorem, zaprojektował „garnitur 1945” z szufladami. Salvador Dalí stworzył Dalígram Canvas pod koniec lat 60-tych, bazując na etui Louis Vuitton. W 1970 roku torebka Lancel została ozdobiona jego miłosnym alfabetem, a rączkę stanowił łańcuch rowerowy. Stworzył damskie kostiumy kąpielowe, które uciskały piersi, nadając im anielski wygląd; afrodyzjakalną marynarkę obiadową pokrytą kieliszkami wypełnionymi miętą pieprzową; krawaty; fryzurę z jego metamorficznych wąsów-anten, flakony perfum.

Wiele z jego projektów pozostało jako modele i nigdy nie zostało zrealizowanych. Były to sukienki ze sztucznymi przegrodami i wypchane sztuczną anatomią; makijaż policzków z pustymi przestrzeniami, aby zniwelować cienie pod oczami; kalejdoskopowe okulary do jazdy samochodem; sztuczne paznokcie składające się z malutkich lusterek, w których można się kontemplować.

Przeczytaj także: biografie-pl – Anaksagoras

Fotografia

Dalí wykazywał prawdziwe zainteresowanie fotografią, której poświęcił ważne miejsce w swojej twórczości. Harmonizował scenerię i fotografie tak, jak malarz pracuje z płótnem za pomocą pędzli. Dalí jako fotograf był objawieniem ważnej i mało znanej części dalinowskiej twórczości. Współpracował z takimi fotografami jak Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton i Philippe Halsman. Z tym ostatnim stworzył słynną serię Dalí Atomicus. Niewątpliwie to Robert Descharnes, jego przyjaciel i współpracownik-fotograf przez 40 lat, zrobił najwięcej zdjęć Dalíego, człowieka i jego dzieła.

Fotograf i dziennikarz Enrique Sabater poznał Daliego latem 1968 roku, kiedy to na zlecenie amerykańskiej agencji Radical Press przeprowadził wywiad z malarzem w jego domu w Portlligat. Zawiązała się między nimi przyjaźń i fotograf spędził z Dalim dwanaście lat jako jego sekretarz, prawa ręka i powiernik. Enrique zrobił tysiące zdjęć Daliemu i Gali. W 1972 roku, kiedy odwiedził go Elvis Presley, Dalí był pod tak wielkim wrażeniem jego wiejskiej koszuli z haftowanymi motywami i perłowymi guzikami, że piosenkarz podarował mu ją w prezencie. Następnie ubrał ją, aby Dalí zrobił z koszulą Elvisa. Mistrz powiedział Marcowi Lacroix, który wykonał zdjęcie: „Kiedy Elvis Presley przyszedł spotkać się ze mną w moim studio, od razu zauważył, że jestem zafascynowany jego koszulą w stylu country. Gdy wychodził, powiedział do mnie: „Podoba ci się moja koszula? Tak. Jak najbardziej. Bez słowa rozpiął guziki i wyszedł bez koszuli. Od tego czasu nigdy nie zostawiam go do malowania.

Z Markiem Lacroix, fotografem mody, Dalí pozował w 1970 r. do serii portretów, w których przedstawiał siebie na scenie, na delirycznych zdjęciach: Dalí z pajęczo-morską koroną, Dalí z kwiecistym uchem, Avida Dollars. To ostatnie zdjęcie zostało zrobione nad tablicą Banque de France, w otoczeniu banknotów z jego podobizną. Jeszcze u Marca Lacroix wypróbował eksperyment, o którym myślał od dłuższego czasu. Stworzył trójwymiarowy obraz „Ośmiu uczniów”, wykorzystując do oddania głębi prototypową kamerę stereoskopową.

Dalí utrzymywał przyjacielskie stosunki z wokalistą hardrockowej grupy Alice Cooper, Vincentem Furnierem. Obaj artyści podziwiali się nawzajem, a Alice Cooper wykorzystał obraz Daliego do zilustrowania swojego albumu DaDa w 1983 roku, po tym jak ten ostatni dziesięć lat wcześniej zadedykował mu hologram zatytułowany First Cylinder. Portret mózgu Alice Coopera. Jednym z najbardziej uderzających zdjęć jest fotografia malarza w kapeluszu, po bokach którego umieścił maski Mona Lisy. Według Thérèse Lacroix, stworzył go z myślą o udziale w balu wydanym przez baronową Rothschild. Wśród enigmatycznych, zastygłych uśmiechów pojawia się tylko połowa twarzy Daliego.

Przeczytaj także: wazne_wydarzenia – Wojna peloponeska (431–404 p.n.e.)

Koszyk z chlebem

Koszyk na chleb (31,5 × 31,5 cm), (Muzeum Salvadora Dali), to olej na drewnie wykonany w 1926 roku. Było to pierwsze dzieło Daliego wystawione poza Hiszpanią, na Międzynarodowej Wystawie w Carnegie Institute w Pittsburghu w 1928 roku. To wczesne dzieło powstało wkrótce po ukończeniu studiów artystycznych w Madrycie, kiedy to studiował mistrzów holenderskich. W nim, w wieku dwudziestu dwóch lat, Dalí zademonstrował pełnię swoich zdolności malarskich.

Przedstawiony w bardzo realistyczny sposób, w bardzo klasycznym światłocieniu, wiklinowy koszyk na pieczywo prezentuje cztery kromki chleba, z których jedna posmarowana jest masłem. Całość układana jest na białym obrusie z licznymi wolutami. Na środku pokazana jest odwrotna strona obrusu, która w bardzo wyraźny sposób ukazuje szczegóły tkaniny. Tło jest ciemne, wręcz czarne. Ostre białe światło zdaje się szklić scenę.

Przeczytaj także: biografie-pl – Martin Kippenberger

Metamorfoza Narcyza

Metamorfoza Narcyza (Tate Gallery, 50,8 × 78,3 cm) powstała w latach 1936-37, kiedy malarz przeżywał okres surrealizmu. Jest to scena mitologiczna, której najbardziej szczegółowa historia została opowiedziana w Metamorfozach Owidiusza.

Według Owidiusza, po spotkaniu z nimfą Echo, która nie zdołała go uwieść, Narcyz, syn nimfy Liriope i rzeki Cephis, został zmuszony przez Nemezis, boginię zemsty, do wypicia czystej wody. Jednak „zauroczony swoim obrazem, który widzi w wodzie, użycza ciała próżnemu cieniowi, który go urzeka: w ekstazie przed samym sobą pozostaje, jego twarz nieruchoma jak posąg z marmuru z Paros”. Narcyz zakochał się w swoim odbiciu, ale nie mogąc oddzielić się od swojego ciała, zaczął płakać. Jego łzy zakłóciły obraz, który zniknął. Narcyz wył z rozpaczy, a gdy woda znów się uspokoiła, kontemplował swoje poturbowane odbicie. Pozwolił sobie umrzeć, lamentując „alas”, które Echo powtarzało niestrudzenie, aż do ostatniego „żegnaj”, na które odpowiedziała również nimfa. Przy jego pochówku „na jego miejscu znajduje się tylko żółty kwiat, zwieńczony w środku łodygi białymi listkami”.

Dalí przedstawił swoim obrazem „poemat paranoiczny” o tej samej nazwie i tematyce, poprzedzony metatekstem, instrukcją obsługi. Według malarza było to pierwsze dzieło, obraz i wiersz, które powstało w całości według metody krytycznej paranoi. Choć w wierszu czytamy, że bóg śniegu jest obecny w górach w tle, to jednak scena rozgrywa się wiosną, w porze żonkili. Malarz operuje podwójnym obrazem, wywodzącym się z jego krytycznej metody paranoicznej, przedstawiając stan przed przemianą Narcyza po lewej stronie i jego przemianę po prawej, stosując łaciński kierunek odczytu. Po lewej stronie postać o nieprecyzyjnych konturach odbija się w wodzie. Pochylony, z głową opartą na kolanach, oczekuje na śmierć. Po prawej stronie znajduje się podwojenie obrazu po transformacji. Postać staje się cienką, kamienną dłonią wyłaniającą się z ziemi. Na trzech złączonych palcach trzyma ogromne jajo, z którego wyrasta narcyz. Zarówno paznokieć, jak i jajko są złamane, a grupa przedstawiona jest w kamiennej, trupiej szarości, na której wzbijają się mrówki – symbole rozkładu.

W tle i w centrum przedstawione jest to, co Dalí określa w wierszu jako „heteroseksualną grupę w stanie oczekiwania”. Jest to grupa ośmiu nagich mężczyzn i kobiet odrzuconych przez Narcyza, wśród których, według Daliego, są Hindus, Katalończyk, Niemiec, Rosjanin, Amerykanin, Szwedka i Angielka. Innej interpretacji dokonuje Shnyder, który uważa, że przemiana jest odwrotna. Ręka po prawej stronie to stan początkowy; po lewej, przesunięta przez translację, to malarz Dalí, w sobowtórze tego obrazu. Grupa ta ulega metamorfozie w siedzącą, wygiętą postać odbijającą się w zamarzniętej wodzie, postać przypominającą Narcyza z mitu Owidiusza. Kolory są ciepłe, złote i miękkie. Dalí mówi o postaci Narcyza w jego początkowym stanie, że „kiedy patrzysz na niego z uporem, on również wtapia się w czerwone i złote skały”.

Przeczytaj także: biografie-pl – Wilhelm Röntgen

Zapowiedź wojny domowej

Jak wiele obrazów Daliego, także ten nosi podwójny tytuł: Miękkie konstrukcje z gotowaną fasolą. Zapowiedź wojny secesyjnej. Jest to olej na płótnie, o wymiarach 100 × 99 cm, przechowywany w Philadelphia Museum of Art. Rozpoczęto ją w Paryżu w 1936 roku, kiedy wzrost zbrojnych niepokojów w Hiszpanii nie pozostawiał wątpliwości co do najbliższej przyszłości kraju, co do „zbliżania się wielkiego zbrojnego kanibalizmu naszej historii, nadchodzącej wojny domowej”. W Sekretnym życiu Salvadora Dalí malarz opowiada, jak w 1934 roku, po proklamowaniu republiki katalońskiej, uciekł z Galą z Barcelony do Paryża, pomiędzy blokadami anarchistów a ogłoszeniem niepodległości Katalonii. Ich kierowca został zamordowany w drodze powrotnej.

W tle większą część płótna zajmuje niebo. Na ziemistej, nasłonecznionej ziemi leży ogromna istota o wykrzywionej w grymasie twarzy i absurdalnej anatomii. Cały obraz jest widziany z niskiego kąta. Dalí osiąga w tym obrazie formę dekompozycji, rozbioru i rekompozycji olbrzyma w potwora. Jest to, według Jean-Louis Ferriera, płótno, na którym „gigantyczne ludzkie ciało rozrywa się, rozszczepia, dusi, grymasi z bólu i szaleństwa”. Jedna ręka leży na ziemi w kurzu, a druga, uniesiona ku niebu, trzyma się za pierś. Oba są skurczone i mają trupioszary kolor. Ramiona tworzą kąt i rozszerzają się w rodzaj nogi połączonej z miednicą. Na miednicy rozkładająca się stopa i jej wyprostowana noga tworzą, wraz z wyżej wymienionymi częściami, ogromny trapez, którego dłuższy bok zwieńczony jest uniesioną ku niebu, wykrzywioną w grymasie głową. Całość podtrzymywana jest przez chorobliwie uciętą stopę i maleńką szafkę nocną, które leżą pomiędzy rozsypanymi na podłodze ugotowanymi fasolami. Na umywalce, na prawo od stopy, leży łajno.

Sam Dalí skomentował obecność tej fasoli, co uzasadnia pierwszy tytuł dzieła: „Miękką strukturę tej ogromnej masy mięsa w Wojnie domowej przyozdobiłem gotowaną fasolą, ponieważ nie można sobie wyobrazić przełknięcia całego tego nieczułego mięsa bez towarzystwa, nawet banalnego, jakiegoś melancholijnego i mącznego warzywa.

Związek wojny, jedzenia i miłości jest głównym tematem innego obrazu artysty o tej samej tematyce: Kanibalizm jesienią.

Przeczytaj także: biografie-pl – Willem de Kooning

Kuszenie świętego Antoniego

Kuszenie św. Antoniego zostało namalowane w 1946 roku. Jest to surrealistyczny olej na płótnie o wymiarach 90 × 119,5 cm i jest przechowywany w Brukseli w Królewskim Muzeum Sztuk Pięknych. Obraz powstał w 1946 roku w Nowym Jorku i jest reprezentatywny dla okresu, w którym surrealizm stopniowo ustępował miejsca religii. Dalí związał się już wtedy z kinem i zrealizował tę pracę w ramach konkursu zorganizowanego na filmową adaptację powieści Guy de Maupassanta Bel-Ami. Konkurs wygrał Max Ernst, a obraz Daliego nie został przyjęty. Dla Gillesa Néreta obraz gra na opozycji religijno-erotycznej.

„Alchemia lęków i pragnień, Kuszenie świętego Antoniego, to subtelna synteza klasycznego malarstwa i przenikliwego poczucia duchowości autora.

– Gilles Néret

Obraz przedstawia św. Antoniego na pustyni, klęczącego i niosącego krzyż, aby w geście egzorcyzmu uchronić się przed atakującymi go pokusami. Pokusy te przybierają postać gigantycznego konia i szpaleru słoni z ogromnymi i groteskowymi „pajęczymi nogami”. Święty Antoni przedstawiony jest jako żebrak, a każde zwierzę ma na grzbiecie pokusę, wśród najczęściej spotykanych wśród mężczyzn. Triumf przedstawia koń z brudnymi i zużytymi kopytami, po jego prawej stronie naga kobieta zakrywająca piersi oferuje swoje zmysłowe ciało. Ona reprezentuje seksualność. Następnie przychodzą bogactwa. Jest to złoty obelisk na kolejnym słoniu, inspirowany obeliskiem Berniniego w Rzymie. Następnie naga kobieta zostaje uwięziona w złotym domu. Zwieńczeniem tego są trąby sławy. W tle ostatni słoń niesie ogromny falliczny monolit i wystaje z chmury, na której przedstawiony jest zamek. W środku opustoszałego krajobrazu, pod słoniami, kłócą się dwaj mężczyźni. Jeden z nich ubrany jest w czerwoną pelerynę i niesie krzyż. Drugi jest szary i pochylony do przodu. Biały anioł przelatuje nad pustynią.

Przeczytaj także: biografie-pl – Freddie Mercury

Chrystus św. Jana od Krzyża

Jan od Krzyża jest jednym z najbardziej znanych obrazów malarza. Jest to olej na płótnie, wyprodukowany w 1951 r., o wymiarach 205 × 116 cm, przechowywany w Kelvingrove Museum w Glasgow. Oryginalność perspektywy i umiejętności techniczne sprawiły, że obraz stał się bardzo sławny, do tego stopnia, że w 1961 roku fanatyk próbował go zdewastować, bez większego powodzenia. W latach 50. artysta kilkakrotnie przedstawiał scenę ukrzyżowania, m.in. w namalowanym w 1945 roku Corpus hypercubus. Przy tworzeniu tego obrazu Dalí oparł się na teoriach zawartych w Dyskursie o Formie Sześciennej Juana de Herrery, który w XVI wieku był przełożonym klasztoru San Lorenzo de El Escorial.

Jana od Krzyża przechowywanego w klasztorze Wcielenia w Ávila, a także obrazem, który podobno przyśnił mu się jako koło w trójkącie. Figura ta, o której powiedział, że jest jak jądro atomu, była podobna do wzoru w klasztorze i postanowił wykorzystać ją w swoim obrazie. Obraz przedstawia ukrzyżowanego Jezusa, ujętego z perspektywy lotu ptaka i widzianego z góry głowy. Głowa patrzy w dół i jest centralnym punktem obrazu. W dolnej części obrazu przedstawiony jest beznamiętny krajobraz, który tworzy zatoka Port Lligat. W prawym dolnym rogu dwaj rybacy zajmują się łodzią. Inspiracją do ich stworzenia był rysunek Velázqueza „Poddanie Bredy” oraz obraz Le Naina. Pomiędzy Ukrzyżowanym a zatoką znajdują się mistyczne i tajemnicze chmury, oświetlone światłem emanującym z ciała Jezusa. Mocny światłocień użyty do uwypuklenia postaci Jezusa tworzy dramatyczny efekt.

Chrystus jest przedstawiony w sposób ludzki i prosty. Ma krótkie włosy – w przeciwieństwie do klasycznych przedstawień – i znajduje się w pozycji zrelaksowanej. Znakiem na szczycie krzyża jest kartka papieru, na której widnieją inicjały INRI. W przeciwieństwie do klasycznych przedstawień, Chrystus nie jest zraniony, nie jest przybity do krzyża, nie ma żadnych ran, bardzo mało krwi i nie ma żadnych klasycznych atrybutów ukrzyżowania – gwoździ, korony cierniowej, itp. Wygląda na to, że unosi się obok krzyża. Dalí uzasadniał to tłumacząc, że we śnie zmienił swój pierwotny plan umieszczenia kwiatów, goździków i jaśminów, w ranach Chrystusa, „być może z powodu hiszpańskiego przysłowia, które mówi A mal Cristo, demasiada sangre”. Niektórzy komentatorzy twierdzą, że jest to najbardziej ludzkie i skromne dzieło na temat Ukrzyżowania.

Przeczytaj także: cywilizacje – Królestwo Widźajanagaru

Główne prace obrazowe

Salvador Dalí namalował 1 640 obrazów, głównie olejów na płótnie. Tytuły i daty pochodzą z książki Gillesa Néreta i Roberta Descharnesa.

Duża liczba dzieł Salvadora Dalí jest wystawiona w Fondacion Gala-Salvador Dalí w Figueras, w Teatrze-Muzeum Dalí, który on sam określił jako „największy z obiektów surrealistycznych na świecie”.

Przeczytaj także: biografie-pl – Maria Montessori

Główne muzea

Wraz z Pablo Picasso, Salvador Dalí był jednym z dwóch artystów, dla których za jego życia powstały dwa muzea poświęcone wyłącznie jego twórczości. Jako pierwsi otworzyli się kolekcjonerzy A. Reynolds Morse i Eleanor Morse, którzy przez lata zgromadzili pokaźną kolekcję. W 1971 roku pierwsze muzeum, znajdujące się w Beachwood (Cleveland), zostało otwarte przez samego Salvadora Dalí. W latach 80. para przekazała dzieła w spadku miastu St. Petersburg na Florydzie, które w 1982 roku otworzyło nowe Muzeum Salvadora Dalí. Znajduje się tam dziewięćdziesiąt sześć obrazów Daliego, ponad 100 akwarel i rysunków, ponad 1300 fotografii, rzeźby, biżuteria i liczne archiwa. W 2011 roku oddano do użytku nowy, odporny na huragany budynek. Drugim otwartym muzeum był Teatr-Muzeum Daliego. Znajduje się w jego rodzinnym mieście Figueras, w Katalonii, i został zbudowany w ruinach starego teatru zniszczonego przez pożar podczas hiszpańskiej wojny domowej. W latach 70. malarz przekształcił go w muzeum, dzięki czemu miasto zyskało nową atrakcję turystyczną. Otwarto ją w 1974 roku.

W połowie lat dziewięćdziesiątych w Hiszpanii otwarto dwa inne muzea. Pierwszym z nich jest Zamek Púbol, który był rezydencją jego żony Gali. Po jej śmierci w 1982 roku, zamek służył jako rezydencja Salvadora Dalí przez dwa lata, aż do pożaru, który wybuchł w pokoju w 1984 roku. Podobnie, jego dom w Portlligat w porcie Cadaqués został przekształcony w muzeum publiczne. We Francji Dalí Paris prezentuje kolekcję ponad piętnastu oryginalnych rzeźb, nadając tej wystawie status najważniejszej kolekcji we Francji. W Niemczech, w Muzeum Dalí na Placu Lipskim w Berlinie zgromadzono ponad 400 dzieł katalońskiego artysty.

Przeczytaj także: biografie-pl – Kambyzes II

Kino o Dalim

Związki Daliego z kinem były tematem filmu dokumentalnego Cinema Dalí w 2004 roku oraz retrospektywy w Tate Modern w Londynie w 2007 roku. W 2009 roku w filmie „Little Ashes” w reżyserii Paula Morrisona odtworzono młodość Daliego w Madrycie. Robert Pattinson wciela się w rolę Salvadora Dalí.

W 2011 roku ukazała się komedia w reżyserii Woody”ego Allena „O północy w Paryżu”, opowiadająca historię dwóch młodych Amerykanów w środowisku artystów w Paryżu lat 20. Poznają Salvadora Dalí, w którego wcielił się Adrien Brody. Film zdobył Oscara za najlepszy scenariusz oryginalny w 2012 roku.

Przeczytaj także: cywilizacje – Święte Cesarstwo Rzymskie

Postać

Postać ta pozostaje kontrowersyjna wśród krytyków i historyków sztuki. W setną rocznicę urodzin Dalíego krytyk literacki Peter Bürger zwrócił uwagę w Die Zeit, że w klasyfikacjach artystów nowoczesnych, tworzonych od 1955 roku, Dalí w zasadzie nie figuruje, w przeciwieństwie do innych malarzy surrealistów, takich jak André Masson, Joan Miró czy Max Ernst. Od lat 40. w Stanach Zjednoczonych Dalí był obiektem krytyki z powodu swoich prac dla haute couture, biżuterii i ogólnie pojętego designu. Zarzucano mu zacieranie granicy między sztuką a konsumpcją. Taka postawa krytyków skończyła się dopiero wraz z pojawieniem się pop-artu, który całkowicie przejął to zamieszanie. Kontrowersje wzbudzała również jego obsesja na punkcie Hitlera.

Historyk sztuki Michael Peppiatt napisał w związku z tym, że „Dalí przeszedł od wywrotowego blasku młodości do rosnącej pustki i dochodowego ekshibicjonizmu”, sprzeciwiając się Jean Dutourd, z Akademii Francuskiej:

„Salvador Dalí, który był bardzo inteligentny, zrozumiał kilka rzeczy, których artyści zazwyczaj nie pojmują, a pierwszą z nich jest to, że talent (lub geniusz) to stragan na placu targowym. Aby przyciągnąć klientów, trzeba dobrze gadać, mieć ostry język, robić wybryki i wybryki na scenie. To jest to, w czym Dalí wyróżniał się od samego początku. Uważał się za największego malarza XX wieku, a więc artystę klasycznego, który miał nieszczęście popaść w niski okres swojej twórczości. Trissotyni z zachodniej inteligencji i podążająca za nimi burżuazja tworzyli prawo, to znaczy opinię.

„Są dwa sposoby, aby pogodzić tych ludzi, od których zależy reputacja; pierwszy to być tak poważnym jak oni, tak pełnym godności. Od razu rozpoznają członka plemienia i wiedzą, jak to okazać. Wadą jest to, że aby odnieść sukces w takiej postawie, samemu trzeba być trochę imbecylem. Jedynym wyjściem była prowokacja, czyli ekstrawagancja i nieoczekiwanie zarówno w myśli, jak i w słowie, brutalna szczerość, upodobanie do fasadowości, obrazoburstwo wobec wszystkiego, co modne, a więc nietykalne.

Dalí wykorzystał jednak akademizm i dziewiętnastowieczne malarstwo salonowe w zupełnie nieoczekiwany sposób, co zmusiło niektórych krytyków do ponownego przemyślenia oceny jego sztuki w ostatnim czasie. Stało się tak zwłaszcza po retrospektywach dalinowskiego surrealizmu w Paryżu i Düsseldorfie. Według Petera Bürgera „zmarły w 1989 roku Dalí nie odnalazł jeszcze swojego miejsca w sztuce XX wieku”.

Michel Déon w przedmowie do Dziennika geniusza podsumowuje oryginalność malarza: „To, co jest najbardziej kochane w Dalím, to jego korzenie i jego anteny. Korzenie zagłębiają się w ziemię, gdzie podążają w poszukiwaniu tego wszystkiego, co człowiek zdołał wytworzyć soczystego (według jednego z jego trzech ulubionych słów) w ciągu czterdziestu wieków malarstwa, architektury i rzeźby. Anteny skierowane na przyszłość, którą wyczuwają, przewidują i rozumieją z szybkością błyskawicy. Nie można powiedzieć wystarczająco dużo, że Dalí jest duchem nienasyconej ciekawości”. Thérèse Lacroix, żona i współpracowniczka Marca Lacroix, która w ciągu dziesięciu lat wielokrotnie odwiedzała Salvadora i Galę, zauważa, że Dalí „imponował wyglądem i sposobem noszenia głowy. Był wyniosły, ale zabawny, nie traktował siebie poważnie”.

Przeczytaj także: biografie-pl – Gregory Peck

Poglądy polityczne

Związek Daliego z polityką był często dwuznaczny i niezrozumiały. Odegrały one jednak istotną rolę w jego karierze artystycznej. Jako nastolatek Dalí „skłaniał się ku radykalnemu anarchosyndykalizmowi”, z pasją śledził rewolucję rosyjską i postępy trockistowskiej Armii Czerwonej, sam określał się wówczas jako socjalista. Został aresztowany i uwięziony na kilka tygodni w Gironie za agitację rewolucyjną. Ale jego wizja polityczna stopniowo ewoluowała w „gwałtownie antyspołeczny anarchizm”, a następnie w prowokacyjny apolityzm. Jego trzewny indywidualizm prawdopodobnie nie poradziłby sobie na dłuższą metę z ruchem ludowym. W 1934 roku wywołał gniew surrealistów, przedstawiając Wilhelma Tella w przebraniu Lenina, co André Breton uznał za „akt antyrewolucyjny”. Zerwanie było całkowite, gdy Dalí skoncentrował swoją twórczość na Hitlerze, wobec którego pod koniec lat 30. czynił dwuznaczne uwagi, aż do momentu, gdy Breton definitywnie wykluczył malarza. Dalí uciekł z Hiszpanii w samą porę przed wybuchem wojny domowej.

Dla Roberta Descharnesa i Gillesa Néreta, Dalí przeżył tę hiszpańską wojnę z niezrozumieniem. Odnotowują słowa malarza: „Nie miałem duszy ani włókna historycznego. Im więcej się działo, tym bardziej czułem się apolityczny i wrogiem historii”. Był oszołomiony „hańbą”, jaką było zabójstwo jego przyjaciela Lorki, „najbardziej apolitycznego malarza na ziemi”. Postawiony przed wyborem między Hitlerem a Stalinem „przez hienę opinii publicznej”, wybrał pozostanie sobą. Taką samą postawę prezentował w czasie II wojny światowej, uciekając z ogarniętej wojną Francji, za co był bardzo krytykowany, m.in. przez George”a Orwella: „W miarę jak zbliżała się wojna w Europie, miał tylko jedno zmartwienie: znaleźć miejsce, gdzie jest dobre jedzenie i skąd mógłby szybko uciec w razie niebezpieczeństwa”, dodając w swojej biografii, że Dalí był wybitnym rysownikiem i obrzydliwym facetem.

Po powrocie do Cadaqués w 1948 roku Dalí przejawia niemal mistyczny monarchizm. Jean-Louis Gaillemin odnotowuje słowa malarza:

„Monarchia absolutna, doskonała estetyczna kopuła duszy, jednorodność, jedność, najwyższa dziedziczna ciągłość biologiczna, wszystko to na szczycie, wzniesione blisko kopuły nieba. Poniżej, kłębiąca się i super galaretowata anarchia, lepka heterogeniczność, ozdobna różnorodność haniebnych miękkich struktur, ściśniętych i oddających ostatnie soki swoich ostatecznych form reakcji.”

Postawa ta była interpretowana albo jako zbliżenie z frankizmem – zwłaszcza przez André Bretona – albo jako sposób na nie popieranie bezpośrednio tego reżimu, który jednak wykorzystał niektóre wypowiedzi malarza i w 1964 roku odznaczył go Krzyżem Wielkim Orderu Izabeli Katolickiej. Jego postawa pozostała dwuznaczna. Pomijając względy surrealistyczne, o ile z jednej strony Dalí nie wybaczył Lorce śmierci z rąk bojówek Franco i do końca potępiał cenzurę twórczości przyjaciela-poety, o tyle w 1953 r. poznał Franco osobiście, a w 1974 r. namalował portret jego wnuczki.

Dla Roberta Descharnesa Dalí był przede wszystkim bliski hiszpańskiej tradycji monarchistycznej, co uzupełniało inne aspekty jego tradycjonalistycznego zwrotu ku rzymskiemu katolicyzmowi i malarstwu renesansowemu. Dalí deklarował swoje poparcie dla monarchii, którą promował jako zdradę burżuazji, swojej pierwotnej klasy społecznej. Zaczynał od skrajnej lewicy, ale jego kariera polityczna przesunęła się na prawo. We Francji w latach 50. i 60. Dalí był wspierany głównie przez prawicowych intelektualistów, takich jak Louis Pauwels, ale kiedy w 1970 roku zadeklarował, że jest „anarcho-monarchiczny”, otworzył drzwi do spekulacji na temat tej orientacji politycznej, która z pewnością była mniejszościowa.

Według Vicente Navarro, w 1975 r., na krótko przed śmiercią, Dalí pogratulował staremu generałowi Franco jego działań mających na celu „oczyszczenie Hiszpanii z sił destrukcyjnych”, po podpisaniu rozkazu egzekucji czterech więźniów ETA. Podczas gdy wielu widziało w Dalím rolę „nadwornego błazna” Franco, inni, jak architekt Óscar Tusquets w swojej książce Dalí y otros amigos, zwracali uwagę, że skrajna przesada tych gratulacji dla dyktatora u progu śmierci powinna być interpretowana ironicznie, ponieważ ciągłe prowokacje malarza miały na celu budowanie surrealistycznej postaci publicznej.

Obrazy Salvadora Dalí są bardzo poszukiwanymi dziełami przez kolekcjonerów sztuki. Olej na drewnie Moja naga kobieta patrząca na własne ciało stające się krokami, trzy kręgi kolumny, 1945, został sprzedany w Sotheby”s w Londynie 4 grudnia 2000 roku za 2 600 000 funtów lub 4 274 140 euro. Olej na płótnie, Nostalgic Echo, o wymiarach 96,5 × 96,5 cm, został sprzedany 2 listopada 2005 r. w Sotheby”s w Londynie za 2 368 000 dolarów (2 028 665 euro).

Podobno Dalí był zmuszany przez swoją świtę do podpisywania pustych płócien, aby mogły być malowane przez innych i sprzedawane po jego śmierci jako oryginały, co podsycało podejrzenia i w konsekwencji dewaluowało późne dzieła mistrza. Jeśli chodzi o litografie z motylami, Salvador Dalí wycinał z czasopism zdjęcia tych owadów, naklejał je na kartkę papieru i zlecał litografowi Jeanowi Vuillermozowi. Litografie te zostały wydrukowane na arkuszach uprzednio podpisanych przez Dali”ego.

W 2017 roku wróżbitka Pilar Abel podawała się za jego córkę. W celu ustalenia, czy malarz był rzeczywiście biologicznym ojcem, sąd w Madrycie zarządził ekshumację jego ciała 26 czerwca „w celu uzyskania próbek jego szczątków”. Ekshumacja odbyła się 20 lipca w Muzeum Daliego w Figueras, gdzie malarz został pochowany w krypcie. 6 września 2017 roku Fundacja Dalí ujawniła, że wyniki badań DNA dowodzą, że hiszpański artysta nie jest ojcem Pilar Abel.

Salvador Dalí jest postacią drugoplanową w filmie animowanym Buñuel po Złotym Wieku (2018): jest kilkakrotnie wspomniany, a jego głos (grany przez Salvadora Simó, reżysera) słychać w scenie, w której Luis Buñuel do niego telefonuje.

Przeczytaj także: biografie-pl – Pieter Zeeman

Linki zewnętrzne

Źródła

1. Salvador Dalí
2. Salvador Dalí