Agnes Martin
gigatos | 16 marca, 2022
Streszczenie
Agnes Bernice Martin, RCA (22 marca 1912 – 16 grudnia 2004), była amerykańską malarką abstrakcyjną. Jej twórczość określa się jako „esej o dyskrecji w odniesieniu do wnętrza i ciszy”. Choć często uważa się ją za minimalistkę lub określa mianem minimalistki, sama Martin uważała się za abstrakcyjną ekspresjonistkę. W 1998 roku otrzymała National Medal of Arts od National Endowment for the Arts. W 2004 r. została wybrana do Kanadyjskiej Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych.
Agnes Bernice Martin urodziła się w 1912 r. jako jedno z czworga dzieci w rodzinie szkockich prezbiterianów w Macklin, Saskatchewan. Od 1919 r. dorastała w Vancouver. 237 W 1931 r. przeniosła się do Stanów Zjednoczonych, aby pomóc ciężarnej siostrze, Mirabell, w Bellingham w stanie Waszyngton. 237 Preferowała amerykańskie szkolnictwo wyższe i w 1950 r. uzyskała obywatelstwo amerykańskie. Martin studiowała w Western Washington University College of Education w Bellingham w stanie Waszyngton, a następnie uzyskała tytuł B.A. (1942) w Teachers College na Uniwersytecie Columbia. Mieszkając w Nowym Jorku, Martin zainteresowała się sztuką nowoczesną i poznała takich artystów, jak Arshile Gorky (1904-1948), Adolph Gottlieb (1903-1974) i Joan Miró (1893-1983). Uczęszczała na liczne zajęcia studyjne w Teachers College i zaczęła poważnie myśleć o karierze artystycznej.
W 1947 roku wzięła udział w Letniej Szkole Polowej Uniwersytetu Nowego Meksyku w Taos, w stanie Nowy Meksyk. 237 Po wysłuchaniu wykładów buddyjskiego uczonego Zen, D. T. Suzukiego, na Uniwersytecie Columbia, zainteresowała się myślą azjatycką, nie jako dyscypliną religijną, ale jako kodeksem etycznym, praktycznym sposobem radzenia sobie w życiu. Kilka lat po ukończeniu studiów Martin rozpoczęła naukę na Uniwersytecie Nowego Meksyku w Albuquerque, gdzie prowadziła również kursy sztuki, po czym wróciła na Uniwersytet Columbia, gdzie uzyskała tytuł magistra sztuki nowoczesnej (1952). W 1957 roku przeniosła się do Nowego Jorku i zamieszkała w lofcie w Coenties Slip na dolnym Manhattanie: 238 W Coenties Slip mieszkało też kilku innych artystów i ich pracownie. Istniało tu silne poczucie wspólnoty, choć każdy miał swoje własne praktyki i temperamenty artystyczne. W latach 60. Coenties Slip było także przystanią dla społeczności queer. Przypuszcza się, że w tym czasie Martin był związany uczuciowo z artystką Lenore Tawney (1907-2007). Agnes Martin, pionierka swoich czasów, nigdy nie wyraziła publicznie swojej seksualności, ale została opisana jako „ukryty homoseksualista”. Biografia Agnes Martin z 2018 roku Agnes Martin: Pioneer, Painter, Icon opisuje kilka romantycznych związków między Martin a innymi kobietami, w tym dilerką Betty Parsons. Krytykując prace innych artystów, często posługiwała się feministyczną optyką. Jaleh Mansoor, historyczka sztuki, stwierdziła, że Martin była „zbyt zaangażowana w feministyczny stosunek do praktyki, być może, aby ją uprzedmiotowić i nadać jej taką etykietę”. Warto zauważyć, że sama Martin nie identyfikowała się z feminizmem, a nawet powiedziała kiedyś w wywiadzie dla dziennikarza New Yorkera, że jej zdaniem „ruch kobiecy poniósł klęskę”.
Martin publicznie wiedziała, że cierpi na schizofrenię, choć do 1962 r. nie było to udokumentowane. Raz nawet zdecydowała się na terapię elektrowstrząsami w szpitalu Bellevue w Nowym Jorku. Martin miała wsparcie ze strony przyjaciół z Coenties Slip, którzy po jednym z jej epizodów zebrali się, aby skorzystać z pomocy szanowanego psychiatry, który jako kolekcjoner sztuki był przyjacielem społeczności. Jednak jej walka była w dużej mierze prywatna i indywidualna, a pełny wpływ choroby psychicznej na jej życie nie jest znany.
Martin opuścił Nowy Jork w 1967 r., znikając ze świata sztuki, by żyć samotnie. Po osiemnastu miesiącach spędzonych na biwakowaniu w Kanadzie i zachodnich Stanach Zjednoczonych, Martin osiadła w Mesa Portales, niedaleko Cuba w Nowym Meksyku (1968-1977). Wynajęła 50-akrową posiadłość i prowadziła proste życie w domu z adobe, który sama zbudowała, dobudowując z czasem cztery inne budynki. W tym czasie nie malowała, aż do 1971 r., kiedy to do Martin zgłosił się kurator Douglas Crimp, zainteresowany zorganizowaniem jej pierwszej indywidualnej wystawy niekomercyjnej. Następnie Martin zaczęła pisać i wykładać na różnych uniwersytetach na temat swojej twórczości. Powoli Martin na nowo zaczęła interesować się malarstwem. O swoje prace zwróciła się do Pace Gallery, a założyciel galerii, Arne Glimcher (ur. 1938), został jej stałym dealerem. Wreszcie mogła posiadać własną nieruchomość i przeniosła się do Galisteo w Nowym Meksyku, gdzie mieszkała do 1993 r.: 240 Tam też zbudowała dom z drewna adobe, nadal prowadząc surowy tryb życia. Chociaż nadal wolała samotność i mieszkała sama, Martin była bardziej aktywna w świecie sztuki, dużo podróżowała i wystawiała w Kanadzie, Stanach Zjednoczonych i na całym świecie. W 1993 r. przeniosła się do rezydencji dla emerytów w Taos w Nowym Meksyku, gdzie mieszkała aż do śmierci w 2004 r.: 242
Wiele z jej obrazów nosi pozytywne nazwy, takie jak Happy Holiday (1999) czy I Love the Whole World (2000). W wywiadzie z 1989 r., omawiając swoje życie i malarstwo, Agnes Martin powiedziała: „Piękno i doskonałość są tym samym. Nigdy nie występują bez szczęścia”.
Jej twórczość jest najbardziej związana z Taos, a niektóre z jej wczesnych prac są wyraźnie inspirowane pustynnym środowiskiem Nowego Meksyku. Jednak silny wpływ na jej twórczość miało również młode wychowanie na wsi w Kanadzie, zwłaszcza na rozległych i spokojnych preriach Saskatchewan. Choć sama siebie określała jako malarkę amerykańską, nigdy nie zapomniała o swoich kanadyjskich korzeniach, do których powróciła po opuszczeniu Nowego Jorku w 1967 r., a także podczas rozległych podróży w latach 70. Niektóre z wczesnych prac Martin opisywano jako uproszczone pola farmerów, a ona sama pozostawiła swoją twórczość otwartą na interpretacje, zachęcając do porównywania jej monochromatycznych, pozbawionych ozdób płócien do pejzaży.
Zamieszkała w Nowym Jorku na zaproszenie artysty
W 1976 roku nakręciła swój pierwszy film Gabriel, 78-minutowy film pejzażowy, którego bohaterem jest mały chłopiec idący na spacer. Drugi film, Captivity, nigdy nie został ukończony, po tym jak artystka wyrzuciła wstępną wersję filmu na miejskie wysypisko śmieci.
Według sfilmowanego wywiadu z nią, który ukazał się w 2003 r., przeprowadziła się z Nowego Jorku dopiero wtedy, gdy powiedziano jej, że wynajmowany przez nią loft
Poza kilkoma autoportretami i kilkoma akwarelowymi pejzażami, do wczesnych prac Martin należą biomorficzne obrazy w stonowanych kolorach, które powstały, gdy artystka miała stypendium na pracę w Taos w latach 1955-1957. Starała się jednak odszukać i zniszczyć obrazy z lat, w których stawiała pierwsze kroki w kierunku abstrakcji.
Martin chwalił Marka Rothko za to, że „osiągnął zero, tak że nic nie mogło stanąć na drodze prawdy”. Idąc za jego przykładem, Martin również zredukowała swoje prace do najbardziej redukcyjnych elementów, aby stworzyć wrażenie doskonałości i podkreślić transcendentną rzeczywistość. Jej charakterystyczny styl definiowany był przez nacisk na linię, siatkę i pola niezwykle subtelnych kolorów. Szczególnie w przełomowych latach, na początku lat 60., artystka tworzyła kwadratowe płótna o wymiarach 6 × 6 stóp, pokryte gęstą, drobną i miękko zarysowaną grafitową siatką. Na wystawie Systemic Painting w Solomon R. Guggenheim Museum w 1966 roku kraty Martin zostały uznane za przykład sztuki minimalistycznej i zawieszone wśród prac takich artystów, jak Sol LeWitt, Robert Ryman i Donald Judd. Obrazy te, choć minimalistyczne w formie, różniły się jednak w duchu od dzieł innych minimalistów, zachowując drobne skazy i wyraźne ślady ręki artysty; Martin stroniła od intelektualizmu, preferując to, co osobiste i duchowe. Jej obrazy, wypowiedzi i wpływowe pisma często odzwierciedlały zainteresowanie filozofią Wschodu, zwłaszcza taoistyczną. Ze względu na dodatkowy wymiar duchowy jej twórczości, który stał się coraz bardziej dominujący po 1967 roku, wolała być klasyfikowana jako abstrakcyjna ekspresjonistka.
Przed przeprowadzką do Nowego Meksyku Martin pracowała wyłącznie w czerni, bieli i brązie. Ostatni obraz przed porzuceniem kariery i opuszczeniem Nowego Jorku w 1967 roku, Trąbka, stanowił odstępstwo od normy, ponieważ pojedynczy prostokąt przekształcił się w ogólną siatkę prostokątów. W obrazie tym prostokąty zostały narysowane ołówkiem na nierównych połaciach szarej, półprzezroczystej farby. W 1973 r. powróciła do twórczości artystycznej i stworzyła portfolio 30 serigrafii zatytułowane On a Clear Day. Podczas pobytu w Taos wprowadziła do swoich siatek lekkie pastelowe rozmycia, kolory, które mieniły się w zmieniającym się świetle. Później Martin zmniejszyła skalę swoich charakterystycznych kwadratowych obrazów o wymiarach 72 × 72 cale do 60 × 60 cali i przesunęła swoje prace w kierunku stosowania pasm eterycznych kolorów. Kolejnym odstępstwem była modyfikacja, jeśli nie udoskonalenie, struktury siatki, którą Martin stosowała od końca lat 50. Na przykład w obrazie Bez tytułu nr 4 (1994) widzimy delikatne prążki linii ołówka i pierwotnych kolorów rozcieńczonej farby akrylowej zmieszanej z gesso. Linie, którymi pokryty jest obraz, nie zostały zmierzone linijką, ale raczej intuicyjnie zaznaczone przez artystę. W latach 90. symetria często ustępowała miejsca różnej szerokości poziomym pasom.
Lawrence Alloway zauważył, że Martin należy do pierwszej generacji stylu ekspresjonizmu abstrakcyjnego, co jest znaczące i „świadczy o jej przywiązaniu do wzniosłej tematyki” oraz umiejętności „przekształcania jej w język malarski, który nadaje pracom aurę cichej godności”.
Od pierwszej indywidualnej wystawy w 1958 r. prace Martin były przedmiotem ponad 85 wystaw indywidualnych i dwóch retrospektyw, w tym wystawy Agnes Martin, zorganizowanej przez Whitney Museum of American Art w Nowym Jorku, która następnie odbyła podróż na Jamajkę (1992-94) oraz Agnes Martin: Paintings and Drawings 1974-1990, zorganizowana przez Stedelijk Museum w Amsterdamie, z kolejnymi wystawami we Francji i Niemczech (1991-92). W 1998 roku w Muzeum Sztuk Pięknych w Santa Fe w Nowym Meksyku wystawiono Agnes Martin Works on Paper. W 2002 r. Menil Collection w Houston zaprezentowało wystawę Agnes Martin: The Nineties and Beyond. W tym samym roku Harwood Museum of Art na Uniwersytecie Nowego Meksyku w Pandorze zorganizowało wystawę Agnes Martin: Paintings from 2001, a także sympozjum poświęcone Agnes Martin z okazji jej 90. urodzin.
Oprócz udziału w wielu międzynarodowych wystawach zbiorowych, takich jak Biennale w Wenecji (1997, 1980, 1976), Whitney Biennial (1995, 1977) i Documenta w Kassel (Niemcy) (1972), Martin otrzymał wiele wyróżnień, w tym nagrodę za całokształt twórczości przyznawaną przez Women”s Caucus for Art of the College Art Association (Governor”s Award for Excellence and Achievement in the Arts przyznawaną przez gubernatora Gary”ego Johnsona, Santa Fe, Nowy Meksyk (National Medal of Arts przyznany przez prezydenta Billa Clintona i National Endowment for the Arts (Złoty Lew za wkład w sztukę współczesną na Biennale w Wenecji (Nagroda im. Alexeja von Jawlensky”ego przyznana przez miasto Wiesbaden, Niemcy (oraz wybór do Amerykańskiej Akademii i Instytutu Sztuki i Literatury, Nowy Jork (1989).
Od śmierci Agnes Martin w 2004 r. nadal organizowane są wystawy, w tym Agnes Martin: Closing the Circle, Early and Late 10 lutego 2006 – 04 marca 2006 w Pace Gallery. Inne wystawy odbyły się w Nowym Jorku, Zurychu, Londynie, Dublinie, Edynburgu, Cambridge (Anglia), Aspen, Albuquerque, Kolumbii Brytyjskiej w Kanadzie. W 2012 r. Harwood Museum of Art w Taos, w stanie Nowy Meksyk, na Uniwersytecie Nowego Meksyku, zorganizowało muzealną wystawę zatytułowaną Agnes Martin Before the Grid na cześć stulecia jej urodzin. Wystawa ta była pierwszą, która skupiała się na twórczości i życiu Martin przed 1960 rokiem. Wystawa skupiała się na wielu, nigdy wcześniej nie widzianych pracach, które Martin stworzyła na Columbii, w Coentis Slip i we wczesnych latach w Nowym Meksyku. Po raz pierwszy poruszono również kwestię zmagań Martina ze zdrowiem psychicznym, seksualnością i ważnym związkiem Martina z Adem Reinhardtem. W 2015 r. w Tate Modern odbyła się retrospektywa życia i kariery Martins od lat 50. do jej ostatniej pracy z 2004 r., która po wystawie w Londynie zostanie przeniesiona do innych muzeów. W University of Michigan Museum of Art, Martin była prezentowana na wystawie Reductive Minimalism: Women Artists in Dialogue, 1960-2014, która badała dwie generacje sztuki minimalistycznej obok siebie, od października 2014 r. do stycznia 2015 r. W wystawie wzięły udział Anne Truitt, Mary Corse oraz współczesne artystki Shirazeh Houshiary i Tomma Abts.
Wystąpiła również w wystawie White on the White: Color, Scene, and Space w Hiroshima City Museum of Contemporary Art. Od października 2015 r. do kwietnia 2016 r. Martin była wystawiana w ramach Opening the Box: Unpacking Minimalism w The George Economou Collection w Atenach, Grecja, obok Dana Flavina i Donalda Judda. W latach 2015-2017 miała liczne wystawy indywidualne, niektóre z nich odbyły się w Aspen Art Museum w Aspen Colorado, Tate Modern w Londynie, K20, Kunstsammlung Nordhein-Westfalen w Düsseldorfie, Los Angeles County Museum of Art (LACMA) w Los Angeles, Solomon R. Guggenheim Museum w Upper East Side, w Pałacu Gubernatorów, Muzeum Historii Nowego Meksyku w Santa Fe. Od lutego 2017 r. do sierpnia 2017 r. brała udział w trwającej wystawie Intuitive Progression w Fisher Landau Center for Art w Long Island City w Nowym Jorku.
W 2016 r. w Solomon R. Guggenheim Museum w Nowym Jorku odbyła się retrospektywna wystawa jej prac z lat 1950-2004. W 2016 r. można ją było również zobaczyć na wystawie Dansaekhwa and Minimalism w Blum & Poe w Los Angeles, a wcześniej w tym samym roku na wystawie Aspects of Minimalism: Selections from East End Collections w Guild Hall Museum w East Hampton, Nowy Jork.
Brała również udział w wystawie Making Space: Women Artists and Postwar Abstraction w The Museum of Modern Art w Midtown w Nowym Jorku, która rzuciła światło na artystki tworzące po II wojnie światowej i przed rozpoczęciem ruchu feministycznego. Wystawa trwała od kwietnia 2017 r. do sierpnia 2017 r. i prezentowane były na niej Lee Krasner, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell, Lygia Clark, Gego, Magdalena Abakanowicz, Louise Bourgeois i Eva Hesse.
C.; Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City; San Francisco Museum of Modern Art; Solomon R. Guggenheim Museum, Nowy Jork; Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford; Walker Art Center, Minneapolis; Whitney Museum of American Art, Nowy Jork; oraz Des Moines Art Center, Des Moines, IA, między innymi. Jej prace znajdują się na „widoku długoterminowym” i są częścią stałych zbiorów Dia Art Foundation, Beacon, Nowy Jork.
Międzynarodowe kolekcje dzieł Martina znajdują się między innymi w Tate w Londynie i Magasin 3 Stockholm Konsthall w Sztokholmie, Szwecja.
Martin stał się inspiracją dla młodszych artystów, od Evy Hesse po Ellen Gallagher.
Jej wizerunek znalazł się na plakacie Some Living American Women Artists (1972) autorstwa Mary Beth Edelson.
W 1994 roku Harwood Museum of Art w Taos, należące do Uniwersytetu Nowego Meksyku, ogłosiło, że odnowi swój budynek w stylu Pueblo i przeznaczy jedno skrzydło na prace Martina. Galeria została zaprojektowana zgodnie z życzeniem artysty, tak aby pomieścić dar Martina w postaci siedmiu dużych obrazów bez tytułu, wykonanych w latach 1993-1994. Firma architektoniczna z Albuquerque, Kells & Craig, zaprojektowała ośmiokątną galerię z zainstalowanym nad głową oculusem i czterema żółtymi ławkami Donalda Judda umieszczonymi bezpośrednio pod oculusem. Dar obrazów oraz projekt i budowa galerii były negocjowane i nadzorowane przez Roberta M. Ellisa, ówczesnego dyrektora Harwood i bliskiego przyjaciela Martin. Obecnie galeria Agnes Martin przyciąga gości z całego świata i jest porównywana przez naukowców do Chapelle du Rosaire de Vence (kaplicy Matisse”a), Corbusierowskiej kaplicy Notre Dame du Haut w Ronchamp oraz kaplicy Rothko w Houston.
W 2007 r. praca Loving Love (2000) Martina została sprzedana za 2,95 mln dolarów w Christie”s w Nowym Jorku. W 2015 r. obraz „Bez tytułu” (Untitled
Kompozytor John Zorn zainspirował się utworem Redbird (1995) i zadedykował go Martinowi.
Wendy Beckett w swojej książce American Masterpieces powiedziała o Martin: „Agnes Martin często mówi o radości; postrzega ją jako pożądany warunek wszelkiego życia. Któż mógłby się z nią nie zgodzić?… Nikt, kto poważnie spędził czas przed dziełem Agnes Martin, pozwalając, by jej spokój sam się zakomunikował, odbierając jej niewytłumaczalne i niewysłowione szczęście, nigdy nie był rozczarowany. Dzieło to zachwyca nie tylko swoją delikatnością, ale i energią, a ta siła i wizualne zainteresowanie są czymś, czego trzeba doświadczyć.”
Poeta Hugh Behm-Steinberg w wierszu „Gridding, after some sentences by Agnes Martin” omawia wzory w świecie przyrody, czyni paralelę między pisaniem a malowaniem, a kończy wierszem o podziwie poety dla twórczości Martin.
Jej prace stały się inspiracją do stworzenia doodle”a Google z okazji 102. rocznicy jej urodzin, która przypada 22 marca 2014 r. W kolorystyce doodle wykorzystano późne prace Agnes Martin, które charakteryzują się miękkimi krawędziami, stonowanymi kolorami i wyraźnymi poziomymi pasami, przechodzącymi w sześć pionowych pasków, po jednym na każdą literę logo Google.
Źródła
