Alexander Calder
gigatos | 24 stycznia, 2022
Streszczenie
Alexander Calder (22 lipca 1898 – 11 listopada 1976) był amerykańskim rzeźbiarzem znanym zarówno z nowatorskich mobili (rzeźb kinetycznych napędzanych silnikami lub prądami powietrza), które w swojej estetyce uwzględniają przypadek, statycznych „stabili”, jak i monumentalnych rzeźb publicznych. Calder wolał nie analizować swoich prac, mówiąc: „Teorie mogą być bardzo dobre dla samego artysty, ale nie powinny być rozpowszechniane wśród innych ludzi.”
Alexander „Sandy” Calder urodził się w 1898 roku w Lawnton, w Pensylwanii. Jego faktyczna data urodzenia pozostaje źródłem nieporozumień. Według matki Caldera, Nanette (z domu Lederer), Calder urodził się 22 sierpnia, ale jego akt urodzenia w Urzędzie Miasta Filadelfii, oparty na ręcznie pisanej księdze, zawierał datę 22 lipca. Kiedy rodzina Caldera dowiedziała się o akcie urodzenia, z całą pewnością twierdziła, że urzędnicy miejscy popełnili błąd.
Dziadek Caldera, rzeźbiarz Alexander Milne Calder, urodził się w Szkocji, wyemigrował do Filadelfii w 1868 roku i jest najbardziej znany z kolosalnego posągu Williama Penna na wieży filadelfijskiego ratusza. Jego ojciec, Alexander Stirling Calder, był znanym rzeźbiarzem, który stworzył wiele instalacji publicznych, większość z nich w Filadelfii. Matka Caldera była profesjonalną portrecistką, która studiowała w Académie Julian i na Sorbonie w Paryżu od około 1888 do 1893 roku. Przeprowadziła się do Filadelfii, gdzie poznała Stirlinga Caldera podczas studiów w Pennsylvania Academy of the Fine Arts. Rodzice Caldera pobrali się 22 lutego 1895 roku. Siostra Alexandra Caldera, Margaret Calder Hayes, odegrała kluczową rolę w rozwoju Muzeum Sztuki UC Berkeley.
Czteroletni Calder pozował nago do rzeźby swojego ojca The Man Cub, której odlew znajduje się obecnie w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. W 1902 roku ukończył również swoją najwcześniejszą rzeźbę, glinianego słonia. W 1905 roku jego ojciec zachorował na gruźlicę, a rodzice Caldera przenieśli się na ranczo w Oracle w Arizonie, zostawiając dzieci na rok pod opieką przyjaciół rodziny. Dzieci spotkały się z rodzicami w marcu 1906 roku i pozostały na ranczu w Arizonie podczas tego lata.
Rodzina Caldera przeniosła się z Arizony do Pasadeny w Kalifornii. Okienna piwnica rodzinnego domu stała się pierwszą pracownią Caldera, w której otrzymał swój pierwszy zestaw narzędzi. Używał skrawków miedzianego drutu do robienia biżuterii dla lalek swojej siostry. 1 stycznia 1907 roku Nanette Calder zabrała syna na paradę Tournament of Roses w Pasadenie, gdzie obserwował wyścig czterokonnych rydwanów. Ten rodzaj imprezy stał się później finałem miniaturowych występów cyrkowych Caldera.
Pod koniec 1909 roku rodzina wróciła do Filadelfii, gdzie Calder uczęszczał krótko do Germantown Academy, a następnie przeprowadzili się do Croton-on-Hudson w Nowym Jorku. W Boże Narodzenie Calder wyrzeźbił z blachy mosiężnej psa i kaczkę jako prezenty dla swoich rodziców. Rzeźby są trójwymiarowe, a kaczka jest kinetyczna, ponieważ kołysze się po delikatnym stuknięciu. W Croton, podczas nauki w szkole średniej, Calder zaprzyjaźnił się z malarzem, przyjacielem ojca, Everettem Shinnem, z którym zbudował napędzany grawitacyjnie system mechanicznych pociągów. Calder opisał to tak: „Prowadziliśmy pociąg po drewnianych szynach przytrzymywanych przez kolce; kawałek żelaza zjeżdżający po pochyłości przyspieszał wagony. Niektóre wagony zapalaliśmy nawet świeczkami”. Po Croton Calderowie przenieśli się do Spuyten Duyvil, aby być bliżej Nowego Jorku, gdzie Stirling Calder wynajął studio. Mieszkając w Spuyten Duyvil, Calder uczęszczał do szkoły średniej w pobliskim Yonkers. W 1912 roku ojciec Caldera został mianowany p.o. szefa Wydziału Rzeźby Międzynarodowej Wystawy Panama-Pacific w San Francisco w Kalifornii i rozpoczął pracę nad rzeźbami na wystawę, która odbyła się w 1915 roku.
W okresie licealnym Caldera (1912-1915), rodzina przemieszczała się tam i z powrotem pomiędzy Nowym Jorkiem a Kalifornią. W każdym nowym miejscu rodzice Caldera rezerwowali przestrzeń w piwnicy jako pracownię dla syna. Pod koniec tego okresu Calder zatrzymał się u przyjaciół w Kalifornii, podczas gdy jego rodzice przenieśli się z powrotem do Nowego Jorku, aby mógł ukończyć Lowell High School w San Francisco. Calder ukończył ją w 1915 roku.
Rodzice Alexandra Caldera nie chcieli, by został artystą, więc postanowił studiować inżynierię mechaniczną. Intuicyjny inżynier od dziecka, Calder nie wiedział nawet, co to jest inżynieria mechaniczna. „Nie byłem bardzo pewien, co oznacza ten termin, ale pomyślałem, że lepiej go sobie przyswoić” – napisał później. W 1915 roku zapisał się do Stevens Institute of Technology w Hoboken, w stanie New Jersey. Na pytanie, dlaczego zdecydował się studiować inżynierię mechaniczną zamiast sztuki, Calder odpowiedział: „Chciałem być inżynierem, bo pewien facet, którego raczej lubiłem, był inżynierem mechanicznym, to wszystko”. W Stevensie Calder był członkiem bractwa Delta Tau Delta i wyróżniał się w matematyce. Był lubiany, a w roczniku klasowym znalazł się następujący opis: „Sandy jest najwyraźniej zawsze szczęśliwy, a może ma ochotę na jakiś żart, bo jego twarz jest zawsze zawinięta w ten sam złośliwy, młodzieńczy grymas. W tym przypadku jest to z pewnością wskaźnik charakteru człowieka, ponieważ jest on jednym z najbardziej uprzejmych kolegów, jacy istnieją.”
W lecie 1916 roku Calder spędził pięć tygodni na szkoleniu w Plattsburg Civilian Military Training Camp. W 1918 roku wstąpił do Korpusu Szkoleniowego Armii Studentów, Sekcja Marynarki Wojennej, w Stevens i został przewodnikiem batalionu.
Calder uzyskał dyplom Stevensa w 1919 roku. Pracował na różnych stanowiskach, między innymi jako inżynier hydraulik i rysownik w New York Edison Company. W czerwcu 1922 roku Calder przyjął posadę mechanika na statku pasażerskim H. F. Alexander. Podczas rejsu z San Francisco do Nowego Jorku, Calder spał na pokładzie i obudził się pewnego wczesnego ranka u wybrzeży Gwatemali i był świadkiem zarówno wschodu słońca, jak i pełni księżyca zachodzącej na przeciwległych horyzontach. Opisał to w swojej autobiografii: „Było to pewnego wczesnego ranka na spokojnym morzu, u wybrzeży Gwatemali, kiedy nad moją kanapą – zwojem liny – zobaczyłem z jednej strony początek wschodu ognistoczerwonego słońca, a z drugiej księżyc wyglądający jak srebrna moneta.”
Statek H.F. Alexander zacumował w San Francisco, a Calder udał się do Aberdeen w stanie Waszyngton, gdzie mieszkała jego siostra z mężem Kennethem Hayesem. Calder podjął pracę jako stróż czasu w obozie przy wyrębie lasu. Górska sceneria zainspirowała go do napisania do domu z prośbą o farby i pędzle. Niedługo potem Calder postanowił wrócić do Nowego Jorku, by kontynuować karierę artysty.
W Nowym Jorku Calder zapisał się do Art Students League, ucząc się krótko u George”a Luksa, Boardmana Robinsona i Johna Sloana. Podczas studiów pracował dla National Police Gazette, gdzie w 1925 roku jednym z jego zadań było szkicowanie cyrku Ringling Bros. and Barnum & Bailey. Calder zafascynował się akcją cyrkową, temat, który będzie powracał w jego późniejszych pracach.
W 1926 roku Calder przeniósł się do Paryża, zapisał się do Académie de la Grande Chaumière i założył studio przy 22 rue Daguerre w dzielnicy Montparnasse. W czerwcu 1929 roku, podczas podróży statkiem z Paryża do Nowego Jorku, Calder poznał swoją przyszłą żonę, Louisę James (1905-1996), wnuczkę pisarza Henry”ego Jamesa i filozofa Williama Jamesa. Pobrali się w 1931 roku. Podczas pobytu w Paryżu Calder zaprzyjaźnił się z wieloma awangardowymi artystami, takimi jak Fernand Léger, Jean Arp i Marcel Duchamp. Leger napisał przedmowę do katalogu pierwszej wystawy abstrakcyjnych konstrukcji Caldera, która odbyła się w Galerie Percier w 1931 roku. Calder i Louisa powrócili do Ameryki w 1933 roku do zakupionego domu na farmie w Roxbury, Connecticut, gdzie założyli rodzinę (Sandra ur. 1935, Mary ur. 1939). Podczas II wojny światowej Calder próbował wstąpić do Marines jako camofleur, ale został odrzucony. W 1955 roku odbył z Luizą trzymiesięczną podróż po Indiach, podczas której Calder wykonał dziewięć rzeźb oraz biżuterię.
W 1963 roku Calder zamieszkał w nowej pracowni, z widokiem na dolinę dolnej Chevrière do Saché w Indre-et-Loire (Francja). Podarował miastu rzeźbę, która od 1974 roku stoi na miejskim rynku. Przez cały okres swojej twórczości Calder nadawał wielu swoim dziełom nazwy w języku francuskim, niezależnie od miejsca ich ewentualnej ekspozycji.
W 1966 roku Calder, z pomocą zięcia Jeana Davidsona, opublikował swoją Autobiografię z obrazami.
Calder zmarł niespodziewanie w listopadzie 1976 roku na atak serca, wkrótce po otwarciu dużej retrospektywnej wystawy w Whitney Museum w Nowym Jorku.
Przeczytaj także: biografie-pl – Yongle
Rzeźba
W Paryżu w 1926 roku Calder zaczął tworzyć swój Cirque Calder, miniaturowy cyrk zbudowany z drutu, tkaniny, sznurka, gumy, korka i innych znalezionych przedmiotów. Zaprojektowany tak, by można go było przenosić (rozrósł się do rozmiarów pięciu dużych walizek), cyrk był prezentowany po obu stronach Atlantyku. Wkrótce jego Cirque Caldera (obecnie w Whitney Museum of American Art) stał się popularny wśród paryskiej awangardy. Wynalazł też rzeźbę z drutu, czyli „rysunek w przestrzeni”, a w 1929 roku miał pierwszą indywidualną wystawę tych rzeźb w Paryżu w Galerie Billiet. Hi!, w kolekcji Muzeum Sztuki w Honolulu, jest wczesnym przykładem rzeźby drucianej artysty. Malarz Jules Pascin, przyjaciel z kawiarni Montparnasse”u, napisał przedmowę do katalogu.
Wizyta w pracowni Pieta Mondriana w 1930 roku, gdzie zachwyciło go environment-jako-instalacja, „wstrząsnęła” nim na tyle, że w pełni oddał się sztuce abstrakcyjnej, ku której już wcześniej skłaniał się.
To właśnie połączenie jego eksperymentów w celu opracowania czysto abstrakcyjnej rzeźby po wizycie u Mondriana doprowadziło do powstania pierwszych prawdziwie kinetycznych rzeźb, napędzanych silnikami, które stały się jego popisowymi dziełami sztuki. Rzeźby kinetyczne Caldera uważane są za jedne z najwcześniejszych przejawów sztuki, która świadomie odeszła od tradycyjnego pojmowania dzieła sztuki jako obiektu statycznego i zintegrowała idee gestu i niematerialności jako czynników estetycznych.
Pochodzące z 1931 roku abstrakcyjne rzeźby Caldera składające się z dyskretnych ruchomych części napędzanych silnikami zostały ochrzczone przez Marcela Duchampa mianem „mobili”, francuskim kalamburem oznaczającym zarówno „ruch”, jak i „motyw”. Calder zauważył jednak, że zmotoryzowane prace stawały się czasem monotonne w swoich przepisowych ruchach. Rozwiązaniem, na które wpadł w 1932 roku, były wiszące rzeźby, które swój ruch czerpały z dotyku lub prądów powietrza. Najwcześniejsze z nich wykonane były z drutu, znalezionych przedmiotów i drewna, materiału, którym Calder posługiwał się od lat 20. Po mobili wiszących w 1934 roku pojawiły się mobile stojące na wolnym powietrzu, wykonane z materiałów przemysłowych, które były wprawiane w ruch przez otwarte powietrze. Wiatrowe mobile przedstawiały abstrakcyjne kształty delikatnie wyważone na obrotowych prętach, które poruszały się z najmniejszym prądem powietrza, pozwalając na naturalną grę form i relacji przestrzennych. Calder eksperymentował również z samonośnymi, statycznymi, abstrakcyjnymi rzeźbami, nazwanymi przez Jeana Arpa w 1932 roku „stabiles”, aby odróżnić je od mobili. Na Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne (1937), w pawilonie hiszpańskim znalazła się rzeźba Caldera Mercury Fountain.
Podczas II wojny światowej Calder kontynuował rzeźbiarstwo, dostosowując się do niedoboru aluminium w czasie wojny poprzez powrót do rzeźbionego drewna w nowej otwartej formie rzeźby zwanej „konstelacjami”. Po wojnie Calder zaczął wycinać kształty z blachy w sugestywne formy i malować je ręcznie w charakterystycznych dla siebie odważnych barwach. Mniej więcej z tego okresu Calder stworzył niewielką grupę prac z wiszącą podstawą, na przykład Lily of Force (1945), Baby Flat Top (1946) i Red is Dominant (1947). Stworzył również prace takie jak Seven Horizontal Discs (1946), które, podobnie jak Lily of Force (1945) i Baby Flat Top (1946), zdołał zdemontować i wysłać pocztą na zbliżającą się wystawę w Galerie Louis Carré w Paryżu, pomimo surowych ograniczeń dotyczących rozmiarów, narzuconych wówczas przez pocztę. Jego wystawa w Carré w 1946 roku, zorganizowana przez Duchampa, składała się głównie z wiszących i stojących mobili i wywarła ogromne wrażenie, podobnie jak esej do katalogu autorstwa francuskiego filozofa Jean-Paula Sartre”a. W 1951 roku Calder wymyślił nowy rodzaj rzeźby, strukturalnie związany z jego konstelacjami. Te „wieże”, przytwierdzane do ściany gwoździem, składają się z wystających z niej drucianych rozpórek i belek, na których ramionach zawieszone są ruchome obiekty.
Nie negując potęgi Caldera jako rzeźbiarza, alternatywne spojrzenie na historię dwudziestowiecznej sztuki mówi o odwróceniu się Caldera we wczesnych latach 30. od jego prac napędzanych silnikiem na rzecz napędzanego wiatrem mobilu jako o decydującym momencie porzucenia przez modernizm wcześniejszego zaangażowania w maszynę jako krytyczny i potencjalnie ekspresyjny nowy element w ludzkich sprawach. Zgodnie z tym punktem widzenia, mobil oznaczał również porzucenie większego celu modernizmu, jakim było zbliżenie z nauką i inżynierią, co miało niefortunne długofalowe implikacje dla sztuki współczesnej.
Przeczytaj także: historia-pl – I wojna burska
Rzeźby monumentalne
W 1934 roku Calder wykonał swoje pierwsze prace na zewnątrz w swoim studiu w Roxbury, Connecticut, używając tych samych technik i materiałów, co w przypadku swoich mniejszych dzieł. Wystawione na zewnątrz, początkowo stojące mobile Caldera poruszały się elegancko na wietrze, kołysząc się i wirując w naturalnych, spontanicznych rytmach. Kilka pierwszych prac wystawionych na zewnątrz było zbyt delikatnych na silne wiatry, co zmusiło Caldera do przemyślenia procesu produkcji. W 1936 roku zmienił metody pracy i zaczął tworzyć mniejsze makiety, które następnie powiększał do monumentalnych rozmiarów. Mała makieta, pierwszy krok w produkcji monumentalnej rzeźby, była uważana przez Caldera za rzeźbę samą w sobie. Większe prace wykorzystywały klasyczne techniki powiększania stosowane przez tradycyjnych rzeźbiarzy, w tym jego ojca i dziadka. Rysując swoje projekty na papierze rzemieślniczym, powiększał je za pomocą siatki. Jego wielkoformatowe prace były tworzone zgodnie z jego dokładnymi specyfikacjami, jednocześnie dając mu swobodę dostosowania lub skorygowania kształtu lub linii, jeśli było to konieczne.
W latach 50. Calder skupił się bardziej na tworzeniu monumentalnych rzeźb (okres agrandissements), a w latach 60. coraz częściej otrzymywał zamówienia publiczne. Godne uwagi przykłady to .125 (1957) dla lotniska JFK w Nowym Jorku, Spirale (1958) dla UNESCO w Paryżu i Trois disques, zamówione na Expo 67 w Montrealu, Quebec, Kanada. Największą rzeźbą Caldera, o wysokości 25,7 metra, była El Sol Rojo, zbudowana na zewnątrz Estadio Azteca na Letnią Olimpiadę „Olimpiada Kulturalna” w mieście Meksyk w 1968 roku. Wiele z jego publicznych dzieł sztuki zostało zamówionych przez znanych architektów; na przykład, I.M. Pei zamówił La Grande Voile, 25-tonową, 40-stopową rzeźbę stabile dla Massachusetts Institute of Technology w 1966 roku.
Większość monumentalnych rzeźb stacjonarnych i mobilnych Caldera powstała po 1962 roku w Etablissements Biémont w Tours we Francji. Calder tworzył model swojego dzieła, dział inżynierii skalował go pod jego kierunkiem, a technicy wykonywali właściwą obróbkę metalu – wszystko pod czujnym okiem Caldera. Stabile były wykonywane z blachy stalowej, a następnie malowane. Wyjątkiem był Trois disques, wykonany ze stali nierdzewnej, wysoki na 24 metry, zamówiony przez International Nickel Company of Canada.
W 1958 roku Calder poprosił Jeana Prouvé o skonstruowanie stalowej podstawy Spirale in France, monumentalnego mobilu dla UNESCO w Paryżu, podczas gdy górna część została wyprodukowana w Connecticut.
W czerwcu 1969 roku Calder uczestniczył w poświęceniu swojej monumentalnej „stabile” rzeźby La Grande Vitesse w Grand Rapids, Michigan. Rzeźba ta jest godna uwagi, ponieważ była pierwszą rzeźbą obywatelską w Stanach Zjednoczonych, która otrzymała dofinansowanie z National Endowment for the Arts.
W 1971 roku Calder stworzył swoje wygięte śmigło, które zostało zainstalowane przy wejściu do północnej wieży World Trade Center w Nowym Jorku. Kiedy otwarto Battery Park City, rzeźba została przeniesiona na ulice Vesey i Church. Rzeźba stała przed 7 World Trade Center aż do zniszczenia 11 września 2001 r. W 1973 r. na Bunker Hill w Los Angeles zainstalowano wysoką na 63 stopy rzeźbę sztuki publicznej Four Arches w kolorze vermillion, która miała służyć jako „charakterystyczny punkt orientacyjny”. Miejsce na placu zostało zaprojektowane w poziomach, aby zmaksymalizować efekty wizualne rzeźby.
W 1974 roku Calder odsłonił dwie rzeźby, Flamingo na Federal Plaza i Universe na Sears Tower, w Chicago, Illinois, czemu towarzyszyła wystawa Alexander Calder: A Retrospective Exhibition, w Museum of Contemporary Art, Chicago, która została otwarta równocześnie z odsłonięciem rzeźb.
Góry i chmury, które pierwotnie miały powstać w 1977 roku dla Hart Senate Office Building, zostały zbudowane dopiero w 1985 roku z powodu rządowych cięć budżetowych. Masywny projekt z blachy, ważący 35 ton, rozpościera się na wysokości dziewięciu pięter atrium budynku w Waszyngtonie. Calder zaprojektował ten model dla Senatu Stanów Zjednoczonych w ostatnim roku swojego życia.
Przeczytaj także: biografie-pl – Itzcoatl
Produkcje teatralne
Calder stworzył scenografię do ponad tuzina produkcji teatralnych, w tym do Nucléa, Horizon, a przede wszystkim do Panoramy Marthy Graham (1935), produkcji dramatu symfonicznego Erika Satie Sokratesa (1936), a później do Works in Progress (1968). Works in Progress był „baletem” wymyślonym przez samego Caldera i wyprodukowanym w Operze Rzymskiej, zawierającym szereg mobili, stabili i wielkich malowanych kulis. Calder opisałby niektóre z jego scenografii jako tancerzy wykonujących choreografię ze względu na ich rytmiczny ruch.
Przeczytaj także: biografie-pl – Kirk Douglas
Malarstwo i grafika
Oprócz rzeźb Calder malował przez cały okres swojej kariery, począwszy od wczesnych lat dwudziestych. W 1925 roku podjął naukę grafiki i nadal tworzył ilustracje do książek i czasopism. Jego projekty z tego okresu obejmują rysunki zwierząt wykonane piórkiem i tuszem do publikacji bajek Ezopa z 1931 roku. W miarę jak rzeźba Caldera przesuwała się w kierunku czystej abstrakcji we wczesnych latach trzydziestych, tak samo działo się z jego grafikami. Cienkie linie używane do definiowania postaci we wcześniejszych grafikach i rysunkach zaczęły wyznaczać grupy geometrycznych kształtów, często w ruchu. Calder używał także grafiki do propagowania idei, jak w przypadku plakatów z lat 1967 i 1969, protestujących przeciwko wojnie w Wietnamie.
Wraz z rozwojem profesjonalnej reputacji Caldera pod koniec lat 40. i w latach 50. rosła również jego produkcja grafiki. W sprzedaży pojawiły się masowe litografie oparte na jego gwaszach, a także luksusowe wydania sztuk teatralnych, wierszy i opowiadań ilustrowanych grafikami Caldera.
Przeczytaj także: biografie-pl – Maksencjusz (cesarz rzymski)
Malowane statki powietrzne i samochody
Jednym z bardziej niezwykłych przedsięwzięć Caldera było zlecenie od Braniff International Airways z Dallas na namalowanie pełnowymiarowego czterosilnikowego odrzutowca Douglas DC-8-62 jako „latającego płótna”. George Stanley Gordon, założyciel nowojorskiej agencji reklamowej Gordon and Shortt, zwrócił się do Caldera z pomysłem namalowania odrzutowca w 1972 roku, ale Calder odpowiedział, że nie maluje zabawek. Kiedy Gordon powiedział mu, że chodzi o prawdziwy, pełnowymiarowy samolot pasażerski, artysta natychmiast wyraził zgodę. Gordon uznał, że Braniff, znany z łączenia świata mody i designu ze światem lotnictwa, będzie idealną firmą do realizacji tego pomysłu. Prezes Braniff, Harding Lawrence, był bardzo otwarty i w 1973 roku podpisano umowę, na mocy której miał zostać namalowany jeden odrzutowiec Douglas DC-8-62, nazwany Flying Colors, oraz 50 gwaszy za łączną kwotę 100 000 dolarów. Dwa lata później Braniff poprosił Caldera o zaprojektowanie okrętu flagowego dla swojej floty z okazji dwusetnej rocznicy powstania Stanów Zjednoczonych. Ta praca, odrzutowiec Boeing 727-291 N408BN nazwany Flying Colors of the United States, a przez pilotów nazywany „Sneaky Snake” (na podstawie dziwnych tendencji w locie), zawierał falisty obraz w kolorach czerwonym, białym i niebieskim, będący echem powiewającej flagi amerykańskiej.
W 1975 roku Calder otrzymał zlecenie na namalowanie samochodu BMW 3.0 CSL, który miał być pierwszym pojazdem w ramach projektu BMW Art Car Project.
Przeczytaj także: bitwy – I bitwa pod Panipatem
Biżuteria
Calder stworzył ponad 2000 sztuk biżuterii w ciągu swojej kariery, wiele z nich jako prezenty dla przyjaciół. Kilka z nich odzwierciedla jego fascynację sztuką z Afryki i innych kontynentów. Były one wykonane głównie z mosiądzu i stali, z kawałkami ceramiki, drewna i szkła. Calder rzadko używał lutu; kiedy musiał połączyć paski metalu, łączył je pętlami, wiązał kawałkami drutu lub tworzył nity. Pierwsze prace Calder stworzył w 1906 roku, w wieku ośmiu lat, dla lalek swojej siostry, używając miedzianego drutu, który znalazł na ulicy.
Dla swojego przyjaciela Joan Miró, Calder umieścił w mosiężnym pierścieniu odłamek rozbitego porcelanowego naczynia. Peggy Guggenheim otrzymała ogromne srebrne kolczyki w kształcie ruchomych kółek, a później zamówiła młotkowane srebrne wezgłowie, które mieniło się migoczącymi rybkami. W 1942 roku Guggenheim założyła jeden kolczyk Caldera i jeden Yves”a Tanguy na otwarcie swojej nowojorskiej galerii The Art of This Century, aby zademonstrować swoją równą lojalność wobec sztuki surrealistycznej i abstrakcyjnej, których przykłady wystawiała w osobnych galeriach. Z dziełami Caldera zostały obdarowane m.in. bliska przyjaciółka artysty Georgia O”Keeffe, Teeny Duchamp, żona Marcela Duchampa, Jeanne Rucar, żona filmowca Luisa Buñuela i Bella Rosenfeld, żona Marca Chagalla.
Pierwsza indywidualna wystawa Caldera odbyła się w 1927 roku w Galerii Jacques”a Seligmanna w Paryżu. Jego pierwsza wystawa indywidualna w amerykańskiej galerii komercyjnej odbyła się w 1928 roku w Weyhe Gallery w Nowym Jorku. W 1933 roku wystawiał z grupą Abstraction-Création w Paryżu.
W 1935 roku miał swoją pierwszą indywidualną wystawę muzealną w Stanach Zjednoczonych w The Renaissance Society na Uniwersytecie w Chicago. W Nowym Jorku, od początku lat 30. był wspierany przez Museum of Modern Art i był jednym z trzech Amerykanów, którzy znaleźli się na wystawie Alfreda H. Barra Jr. w 1936 roku Cubism and Abstract Art.
Pierwsza retrospektywa Caldera odbyła się w 1938 roku w George Walter Vincent Smith Gallery w Springfield, Massachusetts. W 1943 roku w Museum of Modern Art odbyła się retrospektywa Caldera, której kuratorami byli James Johnson Sweeney i Marcel Duchamp; pokaz trzeba było przedłużyć ze względu na liczbę zwiedzających. Calder był jednym z 250 rzeźbiarzy, którzy wystawiali w 3rd Sculpture International, zorganizowanej w Philadelphia Museum of Art latem 1949 roku. Jego mobil, International Mobile, był centralnym punktem wystawy. Calder uczestniczył także w documentas I (1955), II (1959), III (1964). Duże retrospektywy jego twórczości odbyły się w Solomon R. Guggenheim Museum, Nowy Jork (1964), Fondation Maeght w Saint-Paul-de-Vence, Francja (1969) i Museum of Contemporary Art, Chicago (1974). Ponadto obaj dealerzy Caldera, Galerie Maeght w Paryżu i Perls Galleries w Nowym Jorku, organizowali średnio po jednej wystawie Caldera rocznie.
Prace Caldera znajdują się w wielu stałych kolekcjach na całym świecie. Największą kolekcję dzieł Alexandra Caldera posiada Whitney Museum of American Art w Nowym Jorku. Inne kolekcje muzealne obejmują Solomon R. Guggenheim Museum, Nowy Jork; Museum of Modern Art, Nowy Jork; Centre Georges Pompidou, Paryż; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madryt; i National Gallery of Art, Waszyngton, D.C. Dwa dzieła są wystawione w Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection w Albany, NY.
W Philadelphia Museum of Art można obejrzeć dzieła trzech pokoleń Alexandra Caldersa. Z okna na drugim piętrze po wschodniej stronie Wielkiej Sali Schodowej (po przeciwnej stronie niż kolekcja zbroi) widać za widzem Ghost mobile trzeciego pokolenia (ur. 1898), przed nami na ulicy fontannę Swann Memorial drugiego pokolenia (ur. 1870), a za nią posąg Williama Penna na szczycie City Hall pierwszego pokolenia (ur. 1846).
Pod koniec lat 30. i na początku 40. prace Caldera nie były bardzo poszukiwane, a jeśli już się sprzedawały, to często za stosunkowo niewielkie pieniądze. Kopia księgi sprzedaży Pierre”a Matisse”a znajdująca się w aktach fundacji pokazuje, że tylko kilka prac z wystawy z 1941 roku znalazło nabywców, a jeden z nich, Solomon R. Guggenheim, zapłacił za pracę jedynie 233,34 dolarów (równowartość 4 106 dolarów w 2020 roku). Museum of Modern Art kupiło swojego pierwszego Caldera w 1934 roku za 60 dolarów, po tym jak obniżyło cenę ze 100 dolarów. A jednak do 1948 roku Calder niemal wyprzedał całą indywidualną wystawę w Rio de Janeiro, stając się pierwszym rzeźbiarzem o międzynarodowej sławie. Galerie Maeght w Paryżu została wyłącznym paryskim dealerem Caldera w 1950 roku i do końca życia Caldera. Po nieoczekiwanej śmierci jego nowojorskiego dealera Curta Valentina w 1954 roku, Calder wybrał Galerie Perls w Nowym Jorku jako swojego nowego amerykańskiego dealera, i ten sojusz trwał aż do śmierci Caldera.
W 2010 roku jego metalowy mobil Untitled (Autumn Leaves) został sprzedany w Sotheby”s New York za 3,7 miliona dolarów. Kolejny mobil przyniósł w tym samym roku 6,35 miliona dolarów w Christie”s. Również w Christie”s, stojący mobil o nazwie Lily of Force (1945), który miał być sprzedany za 8-12 milionów dolarów, został kupiony za 18,5 miliona dolarów w 2012 roku. Wiszący mobil Caldera o długości 7,5 stopy Poisson volant (Flying Fish) (1957) osiągnął cenę 25,9 miliona dolarów, ustanawiając rekord aukcyjny dla rzeźbiarza w Christie”s New York w 2014 roku.
Od 1966 roku zwycięzcy National Magazine Awards otrzymują „Ellie”, miedziany stabile przypominający słonia, który został zaprojektowany przez Caldera. Dwa miesiące po śmierci artysta został pośmiertnie odznaczony przez prezydenta Geralda Forda Prezydenckim Medalem Wolności, najwyższym cywilnym odznaczeniem Stanów Zjednoczonych. Jednak przedstawiciele rodziny Caldera zbojkotowali ceremonię 10 stycznia 1977 roku, „aby złożyć oświadczenie popierające amnestię dla osób uchylających się od służby wojskowej w czasie wojny w Wietnamie”.
Przeczytaj także: biografie-pl – Charles-Maurice de Talleyrand-Périgord
Fundacja Caldera
W 1987 roku rodzina Caldera założyła Fundację Caldera, „poświęconą gromadzeniu, wystawianiu, zachowaniu i interpretowaniu sztuki i archiwów Alexandra Caldera oraz posiadającą niezrównaną kolekcję jego dzieł”. Fundacja posiada duże zbiory, z których część należy do członków rodziny, a część do sympatyków fundacji. Sztuka obejmuje ponad 600 rzeźb, w tym mobili, stabili, mobili stojących i rzeźb z drutu oraz 22 monumentalne prace plenerowe, a także tysiące obrazów olejnych, prace na papierze, zabawki, biżuterię i przedmioty domowego użytku. Po tym, jak pracowała głównie nad katalogowaniem prac Caldera, Fundacja Caldera skupia się teraz na organizowaniu światowych wystaw artysty. Jeden z wnuków Caldera, Alexander S. C. „Sandy” Rower, jest prezesem fundacji, a inni członkowie rodziny są w radzie powierniczej.
Przeczytaj także: biografie-pl – Henry Darger
Kwestie autentyczności
Fundacja Caldera nie zajmuje się uwierzytelnianiem dzieł sztuki; właściciele mogą zgłaszać swoje prace do rejestracji w archiwum Fundacji oraz do badania. W skład komisji, która przeprowadza badania, wchodzą eksperci, naukowcy, kuratorzy muzeów i członkowie rodziny Caldera. Na stronie internetowej Fundacji Caldera można znaleźć szczegółowe informacje na temat aktualnej polityki i wytycznych dotyczących procedur badawczych.
W 1993 roku właściciele Rio Nero (1959), mobilu z blachy i stalowego drutu, rzekomo autorstwa Caldera, wystąpili do Sądu Okręgowego Stanów Zjednoczonych dla Dystryktu Kolumbii z zarzutem, że nie jest on autorstwa Alexandra Caldera, jak twierdził jego sprzedawca. W tym samym roku sędzia federalny orzekł, że w przypadku Rio Nero ciężar dowodu nie został spełniony. Mimo tej decyzji, właściciele komórki nie mogli jej sprzedać, ponieważ uznany ekspert, Klaus Perls, uznał ją za kopię. Sędzia dostrzegł wówczas problem, zauważając, że orzeczenie Perlsa spowoduje, że Rio Nero nie będzie można sprzedać. W 1994 roku Fundacja Caldera odmówiła włączenia komórki do katalogu raisonné poświęconego artyście.
Odnosząc się do sprawy Rio Nero, Appellate Division Sądu Najwyższego Nowego Jorku w 2009 r. odrzucił apelację kolekcjonera sztuki, który chciał sprzedać kilka scenografii, które Calder zaprojektował, ale nie dożył ich ukończenia, a które bezskutecznie przedłożono Fundacji Caldera do uwierzytelnienia. Sąd uznał, że nie ma uprawnień do uznania rzekomego dzieła Caldera za autentyczne, ani do nakazania Calder Foundation włączenia go do katalogu raisonné.
W 1995 roku pojawiły się pytania dotyczące innej rzekomej pracy Caldera, Two White Dots (nie mylić z podobnie nazwaną pracą, Two White Dots in the Air, którą Calder stworzył w 1958 roku). W 1973 roku Calder wykonał z blachy o wysokości 1 stopy (0,30 m) makietę niezrealizowanej stabili, którą nazwał Dwie Białe Kropki. Podarował go Carmen Segretario, założycielce i właścicielce Segré Foundry w Waterbury, Connecticut. Przez dziesięciolecia Calder korzystał z usług Segré Foundry przy produkcji swoich mobili i stabili. Każda praca (niezależnie od liczby wykonanych egzemplarzy) była inicjowana osobiście przez Caldera białą kredą, po czym spawacz podążał za śladami kredy, aby wypalić inicjały w pracy. Calder zmarł w 1976 roku, nie doczekawszy się pełnowymiarowej wersji Dwóch białych kropek. W 1982 roku Segretario skonstruował pełnowymiarową wersję Dwóch białych kropek i sprzedał ją w 1983 roku handlarzowi sztuki Shirley Teplitz za 70 000 dolarów. W dokumentacji Segetario podał, że praca została wykonana około 1974 roku „pod nadzorem i kierownictwem artysty”. Dwie białe kropki zostały następnie sprzedane na aukcji w maju 1984 roku za 187 000 dolarów. W ciągu następnej dekady dzieło było wielokrotnie sprzedawane. W 1995 roku Jon Shirley (były prezes firmy Microsoft i kolekcjoner Caldera) kupił Two White Dots za 1 milion dolarów. Kiedy Shirley przekazał pracę Fundacji Caldera w celu umieszczenia jej w katalogu raisonné, Fundacja zakwestionowała jej autentyczność. Galeria André Emmericha zwróciła Shirley pieniądze, a następnie pozwała Odlewnię Segré, która wystąpiła o ochronę przed bankructwem. Pozew został rozstrzygnięty bez udziału sądu pod koniec lat 90. Dwie Białe Kropki znajdują się obecnie na zewnątrz, na farmie w pobliżu rzeki, niedaleko miasteczka Washington w stanie Connecticut.
W 2013 roku Calder Estate złożyło pozew przeciwko majątkowi jego byłego dealera, Klausa Perlsa, zarzucając Perlsowi sprzedaż fałszywych Calderów, a także zatajenie własności 679 dzieł artysty. Po głośnej batalii z wieloma doniesieniami prasowymi, pozew został oddalony przez sędzię Shirley Werner Kornreich w Sądzie Najwyższym Stanu Nowy Jork.
Calder i jego żona, Louisa, byli rodzicami dwóch córek, Sandry (ur. 1935) i Mary (1939-2011). Mąż Mary, Howard Rower (1939-2000), był prezesem zarządu Fundacji Alexandra i Louisy Calderów. Dwaj synowie Mary i Howarda to Alexander S. C. „Sandy” Rower (1963), prezes Fundacji Caldera, oraz Holton Rower (1962), wiceprezes Fundacji. Alexander Rower założył Fundację w 1987 roku przy wsparciu rodziny Calderów. Ma czworo dzieci, w tym Gryphona Rower-Upjohna, eksperymentatora dźwiękowego, kompozytora-performera i kuratora w dziedzinie kultury audiowizualnej, który znany jest również jako Gryphon Rue.
Sandra Calder Davidson i jej zmarły mąż, Jean Davidson, mają syna Shawna (1956) i córkę Andréę (1961). Sandra, Shawn i Andréa są wiceprezesami Fundacji Caldera. Jean Davidson był synem artystki Jo Davidson. Sandra jest ilustratorką książek dla dzieci. Karykaturowała swoją rodzinę i przyjaciół jako zwierzęta w wydanej w 2013 roku książce The Calder Family and Other Critters: Portraits and Reflections.
Rodzina Calderów od dawna związana jest z Putney School, postępową szkołą z internatem w Vermont. Córki Caldera uczęszczały do tej szkoły, podobnie jak kilkoro jego wnuków i prawnuków. Około 2007 roku rodzina Rowerów podarowała szkole Putney stojący mobil (mobil, który stoi na własnej stałej podstawie). 13-stopowy mobil wisi w Calder Hall w Michael S. Currier Center na kampusie.
Źródła
