Alfred Stieglitz
gigatos | 28 stycznia, 2022
Streszczenie
Alfred Stieglitz HonFRPS (1 stycznia 1864 – 13 lipca 1946) był amerykańskim fotografem i promotorem sztuki nowoczesnej, który w ciągu swojej 50-letniej kariery walnie przyczynił się do tego, że fotografia stała się akceptowaną formą sztuki. Poza fotografią, Stieglitz był znany z nowojorskich galerii sztuki, które prowadził na początku XX wieku, gdzie wprowadził do USA wielu awangardowych artystów europejskich. Był żonaty z malarką Georgią O”Keeffe.
Stieglitz urodził się w Hoboken, w stanie New Jersey, jako pierwszy syn niemieckich żydowskich imigrantów Edwarda Stieglitza (1833-1909) i Hedwig Ann Werner (1845-1922). Jego ojciec był porucznikiem w armii Unii i pracował jako handlarz wełną. Miał pięcioro rodzeństwa: Florę (1865-1890), bliźnięta Juliusa (1867-1937) i Leopolda (1867-1956), Agnes (1869-1952) i Selmę (1871-1957). Alfred Stieglitz, widząc bliskie pokrewieństwo bliźniaków, zapragnął mieć w dzieciństwie własną bratnią duszę.
Aby móc ubiegać się o przyjęcie do City College of New York, Stieglitz zapisał się do szkoły publicznej, ale uznał ją za niewystarczającą. W 1881 r. Edward Stieglitz sprzedał swoją firmę za 40 000 dolarów i przeniósł rodzinę do Europy na kilka lat, aby jego dzieci mogły otrzymać lepsze wykształcenie. Alfred Stieglitz zapisał się do Gimnazjum Realnego w Karlsruhe. W następnym roku Alfred Stieglitz studiował budowę maszyn w Technische Hochschule w Berlinie. Zapisał się do klasy chemii prowadzonej przez Hermanna Wilhelma Vogela, naukowca i badacza, który pracował nad chemicznymi procesami wywoływania zdjęć. U Vogla Stieglitz znalazł zarówno wyzwanie naukowe, jak i ujście dla swoich rosnących zainteresowań artystycznych i kulturalnych. Otrzymywał kieszonkowe w wysokości 1200 dolarów (równowartość 32 181 dolarów w 2020 roku) miesięcznie.
W 1884 r. rodzice wrócili do Ameryki, ale 20-letni Stieglitz pozostał w Niemczech i zbierał książki o fotografii i fotografach w Europie i USA. Kupił swój pierwszy aparat fotograficzny, kliszę 8 × 10, i podróżował po Holandii, Włoszech i Niemczech. Robił zdjęcia krajobrazów i robotników na wsi. Fotografia, jak później napisał, „zafascynowała mnie, najpierw jako zabawka, potem jako pasja, a następnie jako obsesja”.
Dzięki samokształceniu dostrzegł, że fotografia jest formą sztuki. W 1887 r. napisał swój pierwszy artykuł „A Word or Two about Amateur Photography in Germany” dla nowego magazynu The Amateur Photographer. Następnie pisał artykuły na temat technicznych i estetycznych aspektów fotografii dla magazynów w Anglii i Niemczech.
W 1887 r. zdobył pierwsze miejsce w konkursie Amateur Photographer za fotografię „The Last Joke, Bellagio”. W następnym roku zdobył pierwszą i drugą nagrodę w tym samym konkursie, a jego reputacja zaczęła się rozprzestrzeniać, gdy kilka niemieckich i brytyjskich magazynów fotograficznych opublikowało jego prace.
W 1890 roku jego siostra Flora zmarła podczas porodu, a Stieglitz wrócił do Nowego Jorku.
Przeczytaj także: mitologia_p – Penelopa
Nowy Jork i Camera Club (1891-1901)
Stieglitz uważał się za artystę, ale nie chciał sprzedawać swoich zdjęć. Jego ojciec kupił dla niego mały zakład fotograficzny, aby mógł zarabiać na życie w wybranym przez siebie zawodzie. Ponieważ wymagał wysokiej jakości zdjęć i płacił swoim pracownikom wysokie pensje, Photochrome Engraving Company rzadko przynosiła zyski. Regularnie pisał do magazynu „The American Amateur Photographer”. Zdobywał nagrody za swoje zdjęcia na wystawach, m.in. na wspólnej wystawie Boston Camera Club, Photographic Society of Philadelphia i Society of Amateur Photographers of New York.
Pod koniec 1892 r. Stieglitz kupił swój pierwszy aparat fotograficzny z ręki – Folmer i Schwing 4×5, którym wykonał dwa ze swoich najbardziej znanych zdjęć: Winter, Fifth Avenue i The Terminal. Wcześniej używał aparatu na klisze 8×10, który wymagał statywu.
16 listopada 1893 roku 29-letni Stieglitz poślubił 20-letnią Emmeline Obermeyer, siostrę swojego bliskiego przyjaciela i wspólnika w interesach Joe Obermeyera oraz wnuczkę piwowara Samuela Liebmanna. Ślub odbył się w Nowym Jorku. Stieglitz napisał później, że nie kochał Emmy, jak ją powszechnie nazywano, kiedy się pobrali i że ich małżeństwo nie było skonsumowane przez co najmniej rok. Córka bogatego właściciela browaru, odziedziczyła pieniądze po swoim ojcu. Stieglitz żałował decyzji o małżeństwie z Emmy, gdyż nie podzielała ona jego zainteresowań artystycznych i kulturalnych. Biograf Stieglitza, Richard Whelan, podsumował ich związek mówiąc, że Stieglitz „żywił do niej gorzką urazę za to, że nie stała się jego bliźniaczką”. Przez całe swoje życie Stieglitz utrzymywał fetysz młodszych kobiet.
Na początku 1894 roku Stieglitz i jego żona udali się w opóźniony miesiąc miodowy do Francji, Włoch i Szwajcarii. Stieglitz dużo fotografował podczas tej podróży, tworząc niektóre ze swoich wczesnych słynnych zdjęć, takich jak „Wenecki kanał”, „Naprawiacz sieci” i „Mokry dzień na bulwarze w Paryżu”. Podczas pobytu w Paryżu Stieglitz poznał francuskiego fotografa Roberta Demachy”ego, który został jego korespondentem i współpracownikiem na całe życie. W Londynie Stieglitz poznał założycieli The Linked Ring, George”a Davisona i Alfreda Horsleya Hintona, którzy pozostali jego przyjaciółmi i współpracownikami przez większość życia.
Jeszcze w tym samym roku, po powrocie, Stieglitz został jednogłośnie wybrany na jednego z dwóch pierwszych amerykańskich członków The Linked Ring. Stieglitz uznał to uznanie za impuls, którego potrzebował, by zintensyfikować swoją działalność na rzecz promocji fotografii artystycznej w Stanach Zjednoczonych. W tym czasie w Nowym Jorku istniały dwa kluby fotograficzne: Society of Amateur Photographers i New York Camera Club. Stieglitz zrezygnował z pracy w Photochrome Company oraz jako redaktor American Amateur Photographer i spędził większość 1895 roku na negocjacjach w sprawie połączenia obu klubów.
W maju 1896 roku obie organizacje połączyły się, tworząc The Camera Club of New York. Mimo propozycji objęcia funkcji prezesa organizacji, został wiceprezesem. Opracowywał programy dla klubu i angażował się we wszystkie aspekty działalności organizacji. Powiedział dziennikarzowi Theodore”owi Dreiserowi, że chciałby „uczynić klub tak dużym, jego prace tak wybitne, a jego autorytet tak ostateczny, że może zadowalająco wykorzystać swój wielki prestiż, aby wymusić uznanie dla indywidualnych artystów bez i w jego murach.”
Stieglitz przekształcił dotychczasowy biuletyn Camera Club w magazyn Camera Notes i otrzymał pełną kontrolę nad nową publikacją. Jego pierwszy numer ukazał się w lipcu 1897 roku. Wkrótce został uznany za najlepszy magazyn fotograficzny na świecie. Przez następne cztery lata Stieglitz używał Camera Notes, by bronić swojej wiary w fotografię jako formę sztuki, zamieszczając artykuły na temat sztuki i estetyki obok odbitek czołowych amerykańskich i europejskich fotografów. Krytyk Sadakichi Hartmann napisał „wydawało mi się, że fotografia artystyczna, Camera Club i Alfred Stieglitz to tylko trzy nazwy dla jednej i tej samej rzeczy.”
Kontynuował także robienie własnych zdjęć. Pod koniec 1896 roku ręcznie wykonał fotograwiury do pierwszego portfolio swoich prac, zatytułowanego „Picturesque Bits of New York and Other Studies”. Nadal wystawiał na pokazach w Europie i Stanach Zjednoczonych, a w 1898 roku zyskał już solidną reputację jako fotograf. Za swoją ulubioną odbitkę Winter – Fifth Avenue otrzymał 75 dolarów (równowartość 2 333 dolarów w 2020 roku). Dziesięć odbitek Stieglitza zostało wybranych w tym samym roku na pierwszy Philadelphia Photographic Salon, gdzie poznał, a następnie zaprzyjaźnił się z Gertrude Käsebier i Clarence”em H. White”em.
27 września 1898 roku na świat przyszła córka Stieglitza, Katherine „Kitty”. Korzystając ze spadku po Emmy, małżeństwo zatrudniło guwernantkę, kucharkę i pokojówkę. Stieglitz pracował w takim samym tempie jak przed narodzinami córki, w wyniku czego para przeważnie prowadziła osobne życie pod jednym dachem.
W listopadzie 1898 roku grupa fotografów z Monachium w Niemczech zorganizowała wystawę swoich prac, połączoną z pokazem grafik takich artystów jak Edvard Munch i Henri de Toulouse-Lautrec. Nazwali się oni „Secesjonistami” – termin ten Stieglitz podchwycił zarówno ze względu na jego artystyczne, jak i społeczne znaczenie. Cztery lata później użył tej samej nazwy dla nowo powstałej grupy fotografów piktorialnych, którą zorganizował w Nowym Jorku.
W maju 1899 roku Stieglitz miał indywidualną wystawę, składającą się z osiemdziesięciu siedmiu odbitek, w Camera Club. Przygotowania do tej wystawy, w połączeniu z ciągłymi pracami nad Camera Notes, odbiły się na zdrowiu Stieglitza. Aby zmniejszyć ten ciężar, zatrudnił on swoich przyjaciół Josepha Keileya i Dalleta Fugeuta, którzy nie byli członkami Camera Club, jako współredaktorów Camera Notes. Zaniepokojeni tą ingerencją osób z zewnątrz, nie wspominając już o ich własnej malejącej obecności w publikacji Klubu, wielu starszych członków Klubu zaczęło aktywnie walczyć z autorytetem redakcyjnym Stieglitza. Stieglitz spędził większość 1900 roku na szukaniu sposobów na przechytrzenie tych wysiłków, wplątując się w przedłużające się administracyjne batalie.
Jednym z najważniejszych wydarzeń tego roku było zapoznanie Stieglitza z nowym fotografem, Edwardem Steichenem, podczas Pierwszego Salonu Fotograficznego w Chicago. Steichen, pierwotnie malarz, wniósł do fotografii wiele ze swoich artystycznych instynktów. Obaj stali się dobrymi przyjaciółmi i współpracownikami.
Z powodu ciągłego napięcia związanego z prowadzeniem Camera Club, w następnym roku załamał się psychicznie. Spędził większość lata w rodzinnym domu w Lake George, Oaklawn, dochodząc do siebie. Po powrocie do Nowego Jorku ogłosił swoją rezygnację z funkcji redaktora Camera Notes.
Przeczytaj także: biografie-pl – Maria I Tudor
Sesja fotograficzna i praca z aparatem (1902-1907)
Fotografka Eva Watson-Schütze namawiała go do zorganizowania wystawy, która byłaby oceniana wyłącznie przez fotografów, którzy w przeciwieństwie do malarzy i innych artystów znali się na fotografii i jej technicznych właściwościach. W grudniu 1901 roku został zaproszony przez Charlesa DeKaya z National Arts Club do zorganizowania wystawy, w której Stieglitz miałby „pełną władzę podążania za swoimi własnymi skłonnościami”. W ciągu dwóch miesięcy Stieglitz zebrał kolekcję odbitek z bliskiego kręgu swoich przyjaciół, którą w hołdzie monachijskim fotografom nazwał Photo-Secession. Stieglitz nie tylko ogłosił secesję od ogólnych ograniczeń artystycznych epoki, ale w szczególności od oficjalnego nadzoru Camera Club. Wystawa została otwarta w Arts Club na początku marca 1902 roku i odniosła natychmiastowy sukces.
Zaczął formułować plan wydawania całkowicie niezależnego magazynu fotografii obrazkowej, który miałby realizować artystyczne standardy Photo-Secessionist. Do lipca całkowicie zrezygnował z funkcji redaktora Camera Notes, a miesiąc później opublikował prospekt nowego czasopisma, które nazwał Camera Work. Był przekonany, że będzie to „najlepsza i najbardziej wystawna z publikacji fotograficznych”. Pierwszy numer ukazał się cztery miesiące później, w grudniu 1902 roku, i podobnie jak wszystkie kolejne numery zawierał piękne, ręcznie rysowane fotograwiury, teksty krytyczne na temat fotografii, estetyki i sztuki, a także recenzje i komentarze na temat fotografów i wystaw. Camera Work było „pierwszym czasopismem fotograficznym, które miało być wizualne”.
Stieglitz był perfekcjonistą, co widać w każdym aspekcie Camera Work. Rozwinął sztukę druku wklęsłego, wymagając niespotykanie wysokich standardów dla odbitek w Camera Work. Wizualna jakość wklęsłodruków była tak wysoka, że kiedy zestaw odbitek nie dotarł na wystawę Photo-Secession w Brukseli, zamiast niego powieszono wybrane wklęsłodruki z magazynu. Większość widzów zakładała, że patrzy na oryginalne fotografie.
25 listopada 1905 roku na Piątej Alei otwarto „Małe Galerie Foto-Secesji”, w których znalazło się sto odbitek autorstwa trzydziestu dziewięciu fotografów. Steichen polecił i zachęcił Stieglitza, po jego powrocie z Europy, do wynajęcia trzech pokoi naprzeciwko mieszkania Steichena, które zdaniem pary idealnie nadawałyby się do ekspozycji fotografii. Galeria odniosła natychmiastowy sukces, w pierwszym sezonie odwiedziło ją prawie piętnaście tysięcy osób, a co ważniejsze, sprzedaż odbitek wyniosła prawie 2800 dolarów. Prace przyjaciela Steichena, który miał mieszkanie w tym samym budynku, stanowiły ponad połowę tej sprzedaży.
Stieglitz nadal koncentrował swoje wysiłki na fotografii, kosztem rodziny. Emmy, która miała nadzieję, że pewnego dnia zaskarbi sobie miłość Stieglitza, nadal dawała mu kieszonkowe ze swojego spadku.
W październikowym numerze Camera Work z 1906 roku, jego przyjaciel Joseph Keiley powiedział: „Dziś w Ameryce dokonała się prawdziwa bitwa, dla której powstała Photo-Secession – poważne uznanie fotografii jako dodatkowego medium ekspresji obrazowej”.
Dwa miesiące później 42-letni Stieglitz poznał 28-letnią artystkę Pamelę Colman Smith, która chciała, aby w jego galerii pokazano jej rysunki i akwarele. Zdecydował się pokazać jej prace, ponieważ uważał, że „porównanie rysunków i fotografii będzie bardzo pouczające, aby ocenić możliwości i ograniczenia fotografii”. Jej wystawa została otwarta w styczniu 1907 roku i odwiedziło ją znacznie więcej gości niż którykolwiek z wcześniejszych pokazów fotografii, a wkrótce wszystkie wystawione prace zostały sprzedane. Stieglitz, chcąc wykorzystać popularność wystawy, sfotografował jej prace i wydał osobną teczkę z platynowymi odbitkami jej prac.
Przeczytaj także: historia-pl – Klemens von Metternich
Steerage, 291 i sztuka nowoczesna (1907-1916)
Późną wiosną 1907 roku Stieglitz współpracował przy serii eksperymentów fotograficznych ze swoim przyjacielem Clarence”em H. White”em. Wykonali oni kilkadziesiąt zdjęć dwóch ubranych i nagich modelek, a następnie wydrukowali wybrane z nich przy użyciu nietypowych technik, m.in. tonowania, woskowania i rysowania na odbitkach platynowych. Według Stieglitza pozwoliło to przezwyciężyć „niemożność zrobienia pewnych rzeczy przez aparat fotograficzny”.
Zarobił mniej niż 400 dolarów za rok z powodu malejącej liczby abonamentów Camera Work i niskiej marży zysku galerii. Przez lata Emmy prowadziła ekstrawagancki styl życia, który obejmował pełnoetatową guwernantkę dla Kitty i drogie europejskie wakacje. Pomimo obaw ojca o jego rosnące problemy finansowe, rodzina Stieglitzów wraz z guwernantką po raz kolejny popłynęła za Atlantyk.
Podczas podróży do Europy Stieglitz wykonał zdjęcie, które uznawane jest nie tylko za jego popisowy obraz, ale także za jedną z najważniejszych fotografii XX wieku. Skierował swój aparat na pasażerów niższej klasy w dziobowej części statku i uchwycił scenę, którą zatytułował The Steerage. Przez cztery lata nie opublikował ani nie wystawił tego zdjęcia.
Podczas pobytu w Europie Stieglitz zobaczył pierwszy komercyjny pokaz procesu fotografii kolorowej Autochrome Lumière i wkrótce eksperymentował z nim w Paryżu wraz ze Steichenem, Frankiem Eugene”em i Alvinem Langdonem Coburnem. Trzy z Autochromów Steichena zabrał ze sobą do Monachium, aby wykonać czterokolorowe reprodukcje do umieszczenia w przyszłym wydaniu Camera Work.
Poproszono go o rezygnację z członkostwa w Camera Club, ale na skutek protestów innych członków przywrócono mu status dożywotniego członka. Tuż po zaprezentowaniu przełomowego pokazu rysunków Auguste”a Rodina, problemy finansowe zmusiły go do zamknięcia Małej Galerii na krótki okres, do lutego 1908 roku, kiedy to została ponownie otwarta pod nową nazwą „291”.
Stieglitz celowo przeplatał wystawy tego, co wiedział, że będzie kontrowersyjną sztuką, jak np. rysunki Rodina o zabarwieniu seksualnym, z tym, co Steichen nazywał „sztuką zrozumiałą”, oraz z fotografiami. Intencją było „nawiązanie dialogu, który umożliwiłby odwiedzającym oglądanie, dyskutowanie i zastanawianie się nad różnicami i podobieństwami między artystami wszystkich rang i typów: między malarzami, rysownikami, rzeźbiarzami i fotografami; między artystami europejskimi i amerykańskimi; między starszymi lub bardziej uznanymi postaciami i młodszymi, nowszymi praktykami”. W tym samym okresie National Arts Club zorganizował „Specjalną wystawę sztuki współczesnej”, na której znalazły się fotografie Stieglitza, Steichena, Käsebiera i White”a oraz obrazy Mary Cassatt, Williama Glackensa, Roberta Henri, Jamesa McNeilla Whistlera i innych. Uważa się, że była to pierwsza duża wystawa w Stanach Zjednoczonych, w której fotografowie byli traktowani na równi z malarzami.
Przez większą część 1908 i 1909 roku Stieglitz spędzał czas na tworzeniu pokazów na 291 i publikowaniu Camera Work. W tym okresie nie powstały żadne fotografie, które znalazłyby się w definitywnym katalogu jego prac, Alfred Stieglitz: The Key Set.
W maju 1909 roku zmarł ojciec Stieglitza, Edward, który w swoim testamencie zapisał synowi znaczącą wówczas sumę 10 000 dolarów (równowartość 288 037 dolarów w 2020 roku). Stieglitz wykorzystał ten zastrzyk gotówki, aby utrzymać swoją galerię i Camera Work na rynku przez kilka następnych lat.
W tym okresie Stieglitz poznał Mariusa de Zayasa, energicznego i charyzmatycznego artystę z Meksyku, który stał się jednym z jego najbliższych współpracowników, pomagając zarówno przy wystawach w galerii, jak i zapoznając Stieglitza z nowymi artystami w Europie. W miarę jak rosła reputacja Stieglitza jako promotora europejskiej sztuki nowoczesnej, wkrótce zgłosiło się do niego kilku nowych amerykańskich artystów, którzy chcieli wystawić swoje prace. Stieglitz był zaintrygowany ich nowoczesną wizją. W ciągu kilku miesięcy Alfred Maurer, John Marin i Marsden Hartley mieli swoje prace wiszące na ścianach 291.
W 1910 roku Stieglitz został zaproszony przez dyrektora Albright Art Gallery do zorganizowania dużego pokazu najlepszych dzieł współczesnej fotografii. Chociaż ogłoszenie o otwartym konkursie na wystawę zostało wydrukowane w Camera Work, fakt, że Stieglitz miałby być za nią odpowiedzialny, wywołał nową rundę ataków przeciwko niemu. W artykule redakcyjnym w magazynie American Photography stwierdzono, że Stieglitz nie jest już w stanie „dostrzec wartości pracy fotograficznej o wartości artystycznej, która nie jest zgodna z określonym stylem, tak charakterystycznym dla wszystkich wystaw pod jego auspicjami. Pół pokolenia temu szkoła ta była postępowa i wyprzedzała swoją epokę. Dziś nie jest postępowa, lecz stanowi siłę reakcyjną najbardziej niebezpiecznego typu.”
Stieglitz napisał do kolegi fotografa George Seeley „Reputacja, nie tylko Photo-Secession, ale fotografii jest zagrożona, a ja zamierzam zebrać wszystkie dostępne siły, aby wygrać dla nas. Na otwartej w październiku wystawie znalazło się ponad 600 fotografii. Krytycy na ogół chwalili piękne walory estetyczne i techniczne prac. Jego krytycy stwierdzili jednak, że zdecydowana większość odbitek na wystawie pochodziła od tych samych fotografów, których Stieglitz znał od lat i których prace wystawiał na wystawie 291. Ponad pięćset odbitek pochodziło od zaledwie trzydziestu siedmiu fotografów, wśród których byli Steichen, Coburn, Seeley, White, F. Holland Day i sam Stieglitz.
W styczniowym wydaniu Camera Work z 1911 r. Stieglitz, lekceważąc to, co postrzegał jako komercję, przedrukował recenzję z wystawy w Buffalo, w której zawarł pogardliwe słowa na temat zdjęć White”a i Käsebiera. White nigdy nie wybaczył Stieglitzowi. Założył własną szkołę fotograficzną, a Käsebier i White współtworzyli „Pictorial Photographers of America”.
Przez cały 1911 i początek 1912 roku Stieglitz organizował przełomowe wystawy sztuki nowoczesnej w 291 i promował nową sztukę wraz z fotografią na łamach Camera Work. Do lata 1912 roku był tak zafascynowany sztuką niefotograficzną, że opublikował numer Camera Work (sierpień 1912) poświęcony wyłącznie Matisse”owi i Picassowi.
Pod koniec 1912 roku malarze Walter Pach, Arthur B. Davies i Walt Kuhn zorganizowali wystawę sztuki nowoczesnej, a Stieglitz wypożyczył na nią kilka dzieł sztuki nowoczesnej z 291. Zgodził się również na wpisanie go na listę honorowych wiceprezesów wystawy wraz z Claude Monetem, Odilonem Redonem, Mabel Dodge i Isabellą Stewart Gardner. W lutym 1913 roku w Nowym Jorku otwarto przełomową wystawę Armory Show, a wkrótce sztuka nowoczesna stała się głównym tematem dyskusji w całym mieście. Popularność wystawy postrzegał jako potwierdzenie słuszności pracy, którą sponsorował w 291 przez ostatnie pięć lat. W 291 zorganizował wystawę własnych fotografii, która miała się odbyć w tym samym czasie co Armory Show. Później napisał, że umożliwienie ludziom oglądania zarówno fotografii, jak i nowoczesnego malarstwa w tym samym czasie „dało studentom i publiczności najlepszą okazję do lepszego zrozumienia miejsca i celu tych dwóch mediów”.
W styczniu 1914 r. zmarł jego najbliższy przyjaciel i współpracownik Joseph Keiley, co na wiele tygodni pozostawiło go w rozpaczy. Wybuch I wojny światowej zmartwił go również z kilku powodów. Martwił się o bezpieczeństwo rodziny i przyjaciół w Niemczech. Musiał znaleźć nową drukarnię dla fotograwiur do Camera Work, które przez wiele lat były drukowane w Niemczech. Wojna spowodowała znaczne spowolnienie gospodarki amerykańskiej, a sztuka stała się dla wielu ludzi luksusem. Pod koniec roku Stieglitz walczył o utrzymanie przy życiu zarówno 291, jak i Camera Work. W październiku opublikował kwietniowy numer Camera Work, ale minąłby ponad rok, zanim miał czas i środki, by wydać kolejny numer.
W międzyczasie przyjaciele Stieglitza, de Zayas, Paul de Haviland i Agnes Meyer, przekonali go, że rozwiązaniem jego problemów jest podjęcie zupełnie nowego projektu, czegoś, co ponownie zaangażuje go w jego zainteresowania. Wydał nowe czasopismo, nazwane od jego galerii 291, które miało być uosobieniem awangardowej kultury. O ile był to estetyczny triumf, o tyle okazał się finansową katastrofą i przestał się ukazywać po dwunastu numerach.
W tym okresie Stieglitz był coraz bardziej zaintrygowany bardziej nowoczesną estetyką wizualną fotografii. Zdał sobie sprawę z tego, co działo się w awangardowym malarstwie i rzeźbie i stwierdził, że piktorializm nie reprezentował już przyszłości – był przeszłością. Pozostawał pod wpływem malarza Charlesa Sheelera i fotografa Paula Stranda. W 1915 roku Strand, który od wielu lat przyjeżdżał na pokazy do 291, przedstawił Stieglitzowi nową wizję fotografii, którą uosabiały śmiałe linie codziennych form. Stieglitz był jednym z pierwszych, którzy dostrzegli piękno i wdzięk stylu Stranda, i dał Strandowi dużą wystawę w 291. Poświęcił też jego zdjęciom niemal cały ostatni numer Camera Work.
W styczniu 1916 r. Stieglitzowi pokazano portfolio rysunków węglem drzewnym młodej artystki o nazwisku Georgia O”Keeffe. Stieglitz był tak zafascynowany jej sztuką, że bez spotkania z O”Keeffe, a nawet bez uzyskania jej zgody na pokazanie swoich prac, zaplanował wystawę jej prac w 291. O”Keeffe po raz pierwszy usłyszała o tym wszystkim od innego przyjaciela, który zobaczył jej rysunki w galerii pod koniec maja tego samego roku. W końcu spotkała Stieglitza po wizycie w 291 i skarceniu go za pokazanie jej prac bez jej zgody.
Wkrótce potem O”Keeffe poznała Paula Stranda, z którym przez kilka miesięcy wymieniała coraz bardziej romantyczne listy. Kiedy Strand powiedział swojemu przyjacielowi Stieglitzowi o swojej nowej tęsknocie, Stieglitz odpowiedział opowiadając Strandowi o swoim własnym zauroczeniu O”Keeffe. Stopniowo zainteresowanie Stranda słabło, a Stieglitza eskalowało. Do lata 1917 roku on i O”Keeffe pisali do siebie „swoje najbardziej prywatne i skomplikowane myśli”, i było jasne, że rozwija się coś bardzo intensywnego.
Rok 1917 oznaczał koniec jednej epoki w życiu Stieglitza i początek następnej. Po części ze względu na zmieniającą się estetykę, zmieniające się czasy, które przyniosła wojna, a także ze względu na rosnący związek z O”Keeffe, nie miał już zainteresowania ani środków, aby kontynuować to, co robił przez ostatnią dekadę. W ciągu kilku miesięcy rozwiązał to, co pozostało z Photo-Secession, zaprzestał wydawania Camera Work i zamknął drzwi 291. Było też dla niego jasne, że jego małżeństwo z Emmy dobiegło końca. Znalazł wreszcie „swoją bliźniaczkę” i nic nie stało na przeszkodzie, by stworzyć związek, którego pragnął przez całe życie.
Przeczytaj także: biografie-pl – Władysław I Łokietek
O”Keeffe i sztuka nowoczesna (1918-1924)
Na początku czerwca 1918 roku O”Keeffe przeniosła się z Teksasu do Nowego Jorku, po tym jak Stieglitz obiecał, że zapewni jej spokojne studio, w którym będzie mogła malować. W ciągu miesiąca zrobił jej pierwsze z wielu nagich zdjęć w mieszkaniu swojej rodziny, podczas nieobecności żony Emmy, ale ona wróciła, gdy ich sesja jeszcze trwała. Od pewnego czasu podejrzewała, że coś się między nimi dzieje, i kazała mu przestać się z nią spotykać albo wynosić. Stieglitz wyjechał i natychmiast znalazł w mieście miejsce, gdzie mógł zamieszkać razem z O”Keeffe. Przez ponad dwa tygodnie spali osobno. Pod koniec lipca byli już razem w jednym łóżku, a w połowie sierpnia, kiedy odwiedzili Oaklawn, „byli jak dwoje zakochanych nastolatków”. Kilka razy dziennie wbiegali po schodach do sypialni, tak chętni do kochania się, że w biegu zaczynali się rozbierać.”
Gdy tylko opuścił ich mieszkanie, Emmy zmieniła zdanie. Ze względu na opóźnienia prawne spowodowane przez Emmy i jej braci, rozwód miał trwać jeszcze sześć lat, zanim został sfinalizowany. W tym okresie Stieglitz i O”Keeffe nadal mieszkali razem, choć ona sama od czasu do czasu wyjeżdżała, by tworzyć sztukę. Stieglitz wykorzystał czas spędzony osobno, aby skoncentrować się na fotografii i promocji sztuki nowoczesnej.
O”Keeffe była muzą, której Stieglitz zawsze pragnął. W latach 1918-1925 obsesyjnie fotografował O”Keeffe, co było najbardziej płodnym okresem w całym jego życiu. W tym czasie wykonał ponad 350 odbitek O”Keeffe, które przedstawiały szeroki zakres jej charakteru, nastrojów i piękna. Wykonał wiele zbliżeń części jej ciała, zwłaszcza dłoni, zarówno pojedynczych, jak i w pobliżu twarzy czy włosów. Biografka O”Keeffe, Roxanna Robinson, twierdzi, że „osobowość O”Keeffe była kluczowa dla tych fotografii; to właśnie ją, tak samo jak jej ciało, Stieglitz rejestrował”.
W 1920 r. Stieglitz został zaproszony przez Mitchella Kennerly”ego z Anderson Galleries w Nowym Jorku do zorganizowania dużej wystawy swoich fotografii. Na początku 1921 roku zawiesił pierwszą od 1913 roku indywidualną wystawę swoich fotografii. Spośród 146 odbitek, które zaprezentował, tylko 17 było wcześniej widzianych. Czterdzieści sześć przedstawiało O”Keeffe, w tym wiele aktów, ale na żadnej z odbitek nie została ona zidentyfikowana jako modelka. To właśnie w katalogu do tej wystawy Stieglitz złożył swoją słynną deklarację: „Urodziłem się w Hoboken. Jestem Amerykaninem. Fotografia jest moją pasją. Poszukiwanie prawdy moją obsesją”. Mniej znany jest fakt, że warunkował to stwierdzenie następującymi słowami:
UWAGA: W powyższym OŚWIADCZENIU nie pojawiają się następujące, szybko stające się „przestarzałe” terminy: SZTUKA, NAUKA, PIĘKNO, RELIGIA, każdy ISM, ABSTRAKCJA, FORMA, PLASTYCZNOŚĆ, OBIEKTYWNOŚĆ, SUBIEKTYWNOŚĆ, STARE MISTRZOSTWA, SZTUKA NOWOCZESNA, PSYCHOANALIZA, AESTETYKA, FOTOGRAFIA OBRAZOWA, DEMOKRACJA, CEZANNE, „291”, PROHIBICJA. Wkradł się termin PRAWDA, ale każdy może go wykopać.
W 1922 roku Stieglitz zorganizował wielki pokaz obrazów i akwafort Johna Marina w Anderson Galleries, po którym odbyła się wielka aukcja blisko dwustu obrazów ponad czterdziestu amerykańskich artystów, w tym O”Keeffe. Ożywiony tą działalnością, rozpoczął jedno ze swoich najbardziej twórczych i niezwykłych przedsięwzięć – fotografowanie serii studiów chmur po prostu dla ich formy i piękna. Powiedział:
Chciałem fotografować chmury, aby dowiedzieć się, czego nauczyłem się przez czterdzieści lat o fotografii. Poprzez chmury chciałem przedstawić moją filozofię życia – pokazać, że (sukces) moich zdjęć (nie wynikał) z ich tematyki – nie z wyjątkowych drzew czy twarzy, czy wnętrz, ze specjalnych przywilejów – chmury były dla wszystkich…
Do późnego lata stworzył serię, którą nazwał „Muzyka – sekwencja dziesięciu fotografii chmur”. Przez następne dwanaście lat wykonywał setki zdjęć chmur bez żadnych punktów odniesienia dotyczących położenia czy kierunku. Są one powszechnie uznawane za pierwsze celowo abstrakcyjne fotografie i pozostają jednymi z jego najmocniejszych zdjęć. Fotografie te później określał mianem Ekwiwalentów.
Matka Stieglitza, Hedwig, zmarła w listopadzie 1922 roku, a on sam, podobnie jak w przypadku ojca, pogrzebał swój żal w pracy. Spędzał czas z Paulem Strandem i jego nową żoną Rebeccą (Beck), recenzował prace innego nowicjusza Edwarda Westona i zaczął organizować nowy pokaz prac O”Keeffe. Jej wystawa została otwarta na początku 1923 roku, a Stieglitz spędził większość wiosny na marketingu jej prac. Ostatecznie dwadzieścia z jej obrazów sprzedano za ponad 3000 dolarów. Latem O”Keeffe ponownie wyjechała na południowy zachód, a Stieglitz przez pewien czas był sam z Beckiem Strandem nad jeziorem George. Zrobił jej serię nagich zdjęć i wkrótce stał się nią zauroczony. Mieli krótki fizyczny romans, zanim O”Keeffe wróciła jesienią. O”Keeffe wiedziała, co się stało, ale ponieważ nie postrzegała nowego kochanka Stieglitza jako poważnego zagrożenia dla ich związku, pozwoliła, by sprawy przycichły. Sześć lat później miała swój własny romans z Beckiem Strandem w Nowym Meksyku.
W 1924 roku rozwód Stieglitza został ostatecznie zatwierdzony przez sędziego, a w ciągu czterech miesięcy on i O”Keeffe pobrali się podczas małej, prywatnej ceremonii w domu Marina. Pojechali do domu bez przyjęcia czy miesiąca miodowego. O”Keeffe powiedziała później, że pobrali się, aby pomóc ukoić problemy córki Stieglitza, Kitty, która w tym czasie leczyła się w sanatorium z depresji i halucynacji. Przez resztę ich wspólnego życia ich związek był, jak to scharakteryzowała biografka Benita Eisler, „zmową (…) systemem układów i kompromisów, milcząco uzgodnionych i realizowanych w większości bez wymiany słów”. Preferując unikanie konfrontacji w większości spraw, O”Keeffe była głównym agentem zmowy w ich związku.”
W kolejnych latach O”Keeffe spędzała większość czasu na malowaniu w Nowym Meksyku, podczas gdy Stieglitz rzadko opuszczał Nowy Jork, z wyjątkiem letnich pobytów w rodzinnej posiadłości ojca w Lake George w Adirondacks, jego ulubionym miejscu na wakacje. O”Keeffe powiedziała później, że „Stieglitz był hipochondrykiem i nie mógł być dalej niż 50 mil od lekarza”.
Pod koniec 1924 roku Stieglitz przekazał 27 fotografii do Boston Museum of Fine Arts. Był to pierwszy przypadek, kiedy duże muzeum włączyło fotografie do swojej stałej kolekcji. W tym samym roku został odznaczony przez Royal Photographic Society”s Progress Medal za postęp w fotografii i otrzymał Honorowe Członkostwo Towarzystwa.
Przeczytaj także: biografie-pl – Charles Rennie Mackintosh
Galeria intymna i An American Place (1925-1937)
W 1925 roku Stieglitz został zaproszony przez Anderson Galleries do zorganizowania jednej z największych wystaw sztuki amerykańskiej, zatytułowanej Alfred Stieglitz Presents Seven Americans: 159 Paintings, Photographs, and Things, Recent and Never Before Publicly Shown by Arthur G. Dove, Marsden Hartley, John Marin, Charles Demuth, Paul Strand, Georgia O”Keeffe and Alfred Stieglitz. Tylko jeden mały obraz O”Keeffe został sprzedany podczas trzytygodniowej wystawy.
Wkrótce potem Stieglitz otrzymał propozycję dalszego korzystania z jednej z sal w Anderson Galleries, którą wykorzystał na serię wystaw tych samych artystów, co w pokazie „Siedmiu Amerykanów”. W grudniu 1925 roku otworzył swoją nową galerię, „The Intimate Gallery”, którą nazwał „The Room” ze względu na jej niewielkie rozmiary. W ciągu następnych czterech lat zorganizował szesnaście pokazów prac Marin, Dove, Hartleya, O”Keeffe i Stranda, a także indywidualne wystawy Gastona Lachaise”a, Oscara Bluemnera i Francisa Picabii. W tym czasie Stieglitz nawiązał współpracę z wpływowym kolekcjonerem nowej sztuki Duncanem Phillipsem, który zakupił kilka prac za pośrednictwem The Intimate Gallery.
W 1927 r. Stieglitz zakochał się w 22-letniej Dorothy Norman, która była wówczas wolontariuszką w galerii, i zakochali się w sobie. Norman była mężatką i miała dziecko, ale przychodziła do galerii prawie codziennie.
O”Keeffe przyjęła propozycję Mabel Dodge, by wyjechać na lato do Nowego Meksyku. Stieglitz wykorzystał ten czas, by zacząć fotografować Norman, a także zaczął uczyć ją technicznych aspektów druku. Kiedy Norman urodziła drugie dziecko, była nieobecna w galerii przez około dwa miesiące, po czym wróciła na stałe. W krótkim czasie stali się kochankami, ale nawet po tym, jak ich fizyczny romans osłabł kilka lat później, nadal pracowali razem, gdy O”Keeffe nie było w pobliżu, aż do śmierci Stieglitza w 1946 roku.
Na początku 1929 roku Stieglitz dowiedział się, że budynek, w którym mieściła się Sala, zostanie zburzony jeszcze w tym roku. Po ostatnim pokazie prac Demutha w maju, ten wycofał się na lato do Lake George, wyczerpany i przygnębiony. The Strands zebrało prawie szesnaście tysięcy dolarów na nową galerię dla Stieglitza, który zareagował ostro, mówiąc, że nadszedł czas, by „młodzi” wykonali część pracy, którą on sam dźwigał na swoich barkach przez tyle lat. Choć Stieglitz w końcu przeprosił i przyjął ich hojność, incydent ten stał się początkiem końca ich długiej i bliskiej relacji.
Późną jesienią Stieglitz powrócił do Nowego Jorku. 15 grudnia, na dwa tygodnie przed swoimi sześćdziesiątymi piątymi urodzinami, otworzył „An American Place”, największą galerię, jaką kiedykolwiek prowadził. Mieściła się w niej pierwsza ciemnia, jaką kiedykolwiek miał w mieście. Wcześniej wypożyczał inne ciemnie lub pracował tylko wtedy, gdy przebywał w Lake George. Przez następne szesnaście lat kontynuował grupowe lub indywidualne pokazy swoich przyjaciół: Marina, Demutha, Hartleya, Dove”a i Stranda. O”Keeffe otrzymywała co roku co najmniej jedną dużą wystawę. Zaciekle kontrolował dostęp do jej prac i nieustannie ją promował, nawet gdy krytycy wystawiali jej niezbyt przychylne recenzje. Często w tym czasie widywali się tylko latem, kiedy w jej domu w Nowym Meksyku było zbyt gorąco, ale pisali do siebie prawie co tydzień z zapałem bratniej duszy.
W 1932 roku Stieglitz zorganizował w The Place czterdziestoletnią retrospektywę 127 swoich prac. Zamieścił wszystkie swoje najsłynniejsze fotografie, ale celowo wybrał też ostatnie zdjęcia O”Keeffe, która z powodu lat spędzonych w południowo-zachodnim słońcu wyglądała starzej niż na swoje czterdzieści pięć lat, w porównaniu z portretami Stieglitza jego młodego kochanka Normana. Był to jeden z niewielu przypadków, kiedy publicznie zachował się złośliwie wobec O”Keeffe, a mogło to być wynikiem ich coraz intensywniejszych sporów na gruncie prywatnym o jego kontrolę nad jej sztuką.
Jeszcze w tym samym roku zorganizował wystawę prac O”Keeffe obok amatorskich obrazów na szkle Becky Strand. Nie opublikował katalogu wystawy, co Strandowie odebrali jako zniewagę. Paul Strand nigdy tego nie wybaczył Stieglitzowi. Powiedział: „Dzień, w którym wszedłem do Photo-Secession 291 w 1907 roku był wielkim momentem w moim życiu… ale dzień, w którym wyszedłem z An American Place w 1932 roku był nie mniej dobry. To było świeże powietrze i osobiste wyzwolenie od czegoś, co stało się, przynajmniej dla mnie, drugorzędne, skorumpowane i bez znaczenia.”
W 1936 roku Stieglitz na krótko powrócił do swoich fotograficznych korzeni, organizując jedną z pierwszych wystaw zdjęć Ansela Adamsa w Nowym Jorku. Wystawa odniosła sukces, a David McAlpin kupił osiem zdjęć Adamsa. Dwa lata później zorganizował również jedną z pierwszych wystaw prac Eliota Portera. Stieglitz, uważany za „ojca chrzestnego nowoczesnej fotografii”, zachęcał Todda Webba do wypracowania własnego stylu i zanurzenia się w medium.
W następnym roku w Cleveland Museum of Art odbyła się pierwsza duża wystawa prac Stieglitza poza jego własną galerią. Dbając o to, by każda odbitka była perfekcyjna, doprowadzał się do wyczerpania. O”Keeffe spędziła większość tego roku w Nowym Meksyku.
Przeczytaj także: biografie-pl – Louise Bourgeois
Ostatnie lata (1938-1946)
Na początku 1938 roku Stieglitz doznał poważnego ataku serca, jednego z sześciu ataków choroby wieńcowej lub anginy, które miały go dotknąć w ciągu następnych ośmiu lat, z których każdy coraz bardziej go osłabiał. Podczas jego nieobecności galerią zarządzała Dorothy Norman. O”Keeffe pozostawała w swoim domu w Southwest od wiosny do jesieni tego okresu.
Latem 1946 roku Stieglitz doznał śmiertelnego udaru i zapadł w śpiączkę. O”Keeffe wróciła do Nowego Jorku i zastała Dorothy Norman w jego szpitalnym pokoju. Wyszła, a O”Keeffe była przy nim, gdy zmarł. Zgodnie z jego życzeniem, w prostym pogrzebie wzięło udział dwudziestu najbliższych przyjaciół i członków rodziny. Stieglitz został skremowany, a O”Keeffe, wraz ze swoją siostrzenicą Elizabeth Davidson, zabrała jego prochy nad jezioro George i „położyła go tam, gdzie mógł usłyszeć wodę”. Dzień po pogrzebie, O”Keeffe przejęła kontrolę nad An American Place.
Stieglitz wykonał w ciągu swojej kariery ponad 2500 oprawionych fotografii. Po jego śmierci O”Keeffe zebrała zestaw najlepszych jej zdaniem fotografii, które osobiście montował. W niektórych przypadkach dołączyła nieco inne wersje tego samego obrazu, a te serie są bezcenne ze względu na ich wgląd w estetyczną kompozycję Stieglitza. W 1949 roku podarowała National Gallery of Art w Waszyngtonie pierwszą część tego, co nazwała „kluczowym zestawem”, składającym się z 1317 fotografii Stieglitza. W 1980 roku dodała do tego zbioru kolejne 325 wykonanych przez Stieglitza jej zdjęć, w tym wiele aktów. Obecnie kolekcja liczy 1 642 fotografie i jest największym i najbardziej kompletnym zbiorem prac Stieglitza na świecie. W 2002 roku National Gallery opublikowała dwutomowy, liczący 1 012 stron katalog, w którym odtworzono kompletny zestaw kluczy wraz ze szczegółowymi adnotacjami na temat każdej fotografii.
W 2019 roku Galeria Narodowa opublikowała zaktualizowane, internetowe wydanie zestawu kluczy Alfreda Stieglitza.
Źródła
