Anish Kapoor

Delice Bette | 30 września, 2022

Streszczenie

Sir Anish Kapoor CBE, RA (ur. 12 marca 1954) to brytyjsko-indyjski rzeźbiarz specjalizujący się w sztuce instalacyjnej i konceptualnej, urodzony w Bombaju.

Jego godne uwagi rzeźby publiczne obejmują Cloud Gate (Sky Mirror, wystawione w Rockefeller Center w Nowym Jorku w 2006 roku i Kensington Gardens w Londynie w 2010 roku; Temenos, w Middlehaven, Middlesbrough; Leviathan, w Grand Palais w Paryżu w 2011 roku; i ArcelorMittal Orbit, zamówiony jako stałe dzieło sztuki dla Parku Olimpijskiego w Londynie i ukończony w 2012 roku. W 2017 roku Kapoor zaprojektował statuetkę dla Brit Awards 2018.

Wizerunek Kapoora znajduje się w sekcji brytyjskich ikon kultury w nowo zaprojektowanym brytyjskim paszporcie w 2015 roku. W 2016 roku został ogłoszony jako odbiorca LennonOno Grant for Peace.

Kapoor otrzymał kilka wyróżnień i nagród, m.in. nagrodę Premio Duemila na XLIV Biennale w Wenecji w 1990 r., Turner Prize w 1991 r., Unilever Commission for the Turbine Hall at Tate Modern, Padma Bhushan od rządu indyjskiego w 2012 r., tytuł szlachecki w 2013 r. w Birthday Honours za zasługi dla sztuk wizualnych, tytuł doktora honoris causa Uniwersytetu w Oksfordzie w 2014 r. oraz Genesis Prize February 2017 jako osoba pochodzenia żydowskiego.

Anish Kapoor urodził się w Bombaju, w Indiach, z matki irackiej Żydówki i ojca hindusa z Pendżabu. Jego dziadek macierzysty pełnił funkcję kantora synagogi w Pune. W tym czasie bagdadzcy Żydzi stanowili większość społeczności żydowskiej w Bombaju. Jego ojciec był hydrografem i fizykiem stosowanym, który służył w indyjskiej marynarce wojennej. Kapoor jest bratem Ilana Kapoora, profesora na York University w Toronto w Kanadzie.

Kapoor uczęszczał do The Doon School, szkoły z internatem dla chłopców w Dehradun w Indiach. W 1971 roku przeniósł się do Izraela wraz z jednym z dwóch braci, początkowo mieszkając w kibucu. Zaczął studiować elektrotechnikę, ale miał problemy z matematyką i zrezygnował po sześciu miesiącach. W Izraelu postanowił zostać artystą. W 1973 roku wyjechał do Wielkiej Brytanii, gdzie uczęszczał do Hornsey College of Art i Chelsea School of Art and Design. Tam znalazł wzór do naśladowania w Paulu Neagu, artyście, który nadał sens temu, co robił. W 1979 roku Kapoor rozpoczął naukę w Wolverhampton Polytechnic, a w 1982 roku został Artystą Rezydentem w Walker Art Gallery w Liverpoolu. Od początku lat 70. mieszka i pracuje w Londynie.

Kapoor stał się znany w latach 80. ze swoich geometrycznych lub biomorficznych rzeźb wykorzystujących proste materiały, takie jak granit, wapień, marmur, pigment i gips. Te wczesne rzeźby to często proste, zakrzywione formy, zwykle monochromatyczne i jaskrawo kolorowe, wykorzystujące pigment w proszku do zdefiniowania i przenikania formy. O rzeźbach tych powiedział: „Podczas tworzenia kawałków pigmentu przyszło mi do głowy, że wszystkie one tworzą się same z siebie. Postanowiłem więc nadać im ogólny tytuł Tysiąc imion, sugerujący nieskończoność, bo tysiąc to liczba symboliczna. Prace z proszkiem były umieszczane na podłodze lub rzutowane na ścianę. Proszek na podłodze definiuje powierzchnię podłogi, a obiekty wydają się być częściowo zanurzone, jak góry lodowe. To wydaje się pasować do idei czegoś, co jest częściowo tam…”. Takie użycie pigmentu charakteryzowało jego pierwszą głośną wystawę jako część wystawy New Sculpture w Hayward Gallery w Londynie w 1978 roku.

Pod koniec lat 80. i w latach 90. Kapoor zyskał uznanie za swoje eksploracje materii i niematerii, w szczególności za przywoływanie pustki zarówno w wolnostojących pracach rzeźbiarskich, jak i w ambitnych instalacjach. Wiele z jego rzeźb wydaje się cofać w dal, znikać w ziemi lub zniekształcać przestrzeń wokół nich. W 1987 roku rozpoczął pracę w kamieniu. Jego późniejsze prace kamienne wykonane są z litego, wydobywanego kamienia, wiele z nich ma wyrzeźbione otwory i wgłębienia, często nawiązujące i bawiące się dwoistościami (ziemia – niebo, materia – duch, jasność – ciemność, widzialne – niewidzialne, świadome – nieświadome, męskie – żeńskie, ciało – umysł). „W końcu mówię o sobie. I myśląc o tworzeniu niczego, co postrzegam jako pustkę. Ale wtedy jest to coś, mimo że naprawdę jest to nic”.

Od 1995 roku pracuje z wysoce refleksyjną powierzchnią polerowanej stali nierdzewnej. Prace te mają charakter lustrzany, odbijają lub zniekształcają widza i otoczenie. W ciągu następnej dekady rzeźby Kapoora odważyły się na bardziej ambitne manipulacje formą i przestrzenią. Kapoor stworzył kilka dużych dzieł, w tym Taratantara (1999), 35-metrową pracę, która została zainstalowana w Baltic Flour Mills w Gateshead, w Anglii, przed rozpoczęciem renowacji, która przekształciła strukturę w Bałtyckie Centrum Sztuki Współczesnej; oraz Marsyas (2002), duże dzieło składające się z trzech stalowych pierścieni połączonych pojedynczym przęsłem membrany PVC, które sięgało od końca do końca Hali Turbin o powierzchni 320 m2 w Tate Modern. Oko w kamieniu Kapoora (norweskie: Øye i stein) jest na stałe umieszczone na brzegu fiordu w Lødingen w północnej Norwegii jako część Artscape Nordland. W 2000 roku jedna z prac Kapoora, Parabolic Waters, składająca się z szybko obracającej się kolorowej wody, została pokazana na zewnątrz Millennium Dome w Londynie.

Do jego repertuaru należy również użycie czerwonego wosku, który przywołuje na myśl ciało, krew i przemianę. W 2007 roku pokazał Svayambh (co w tłumaczeniu z sanskrytu oznacza „samogenerujący się”), 1,5-metrowy blok czerwonego wosku, który poruszał się na szynach przez Musée des Beaux-Arts w Nantes w ramach Biennale estuaire; praca ta została ponownie pokazana na dużej wystawie w Haus der Kunst w Monachium, a w 2009 roku w Royal Academy w Londynie. Niektóre prace Kapoora zacierają granice między architekturą a sztuką. W 2008 roku Kapoor stworzył Memory w Berlinie i Nowym Jorku dla Fundacji Guggenheima, swoją pierwszą pracę w Cor-Ten, który jest sformułowany tak, aby wytworzyć ochronną powłokę rdzy. Ważąca 24 tony i składająca się ze 156 części praca przywodzi na myśl ogromne, zardzewiałe stalowe dzieła Richarda Serry, które również zapraszają widzów do percepcyjnie zagmatwanych wnętrz.

W 2009 roku Kapoor został pierwszym gościnnym dyrektorem artystycznym festiwalu w Brighton. Podczas festiwalu Kapoor zainstalował cztery rzeźby: Sky Mirror w ogrodach Brighton Pavilion; C-Curve w The Chattri, Blood Relations (i 1000 Names, obie w Fabrica Gallery. Stworzył również dużą pracę site-specific zatytułowaną The Dismemberment of Jeanne d”Arc oraz instalację opartą na performance: Imagined Monochrome. Reakcja publiczności była tak przytłaczająca, że policja musiała przekierować ruch wokół C Curve na Chattri i zastosować kontrolę tłumu.

We wrześniu 2009 roku Kapoor był pierwszym żyjącym artystą, który miał indywidualną wystawę w Royal Academy of Arts. Oprócz przeglądu jego dotychczasowej kariery, wystawa zawierała również nowe prace. Pokazano prace lustrzane Non-Object, niewidziane wcześniej rzeźby z cementu oraz Shooting into the Corner, armatę wystrzeliwującą granulki wosku w róg galerii. Praca ta, pokazywana wcześniej w MAK w Wiedniu w styczniu 2009 roku, charakteryzuje się dramatyczną obecnością i skojarzeniami, a także kontynuuje zainteresowanie Kapoora obiektem wykonanym samodzielnie – w miarę jak wosk gromadzi się na ścianach i podłodze galerii, praca powoli sączy się ze swojej formy.

Na początku 2011 roku praca Kapoora, Leviathan, była coroczną instalacją Monumenta dla Grand Palais w Paryżu. Kapoor opisał pracę jako: „Pojedynczy obiekt, pojedyncza forma, pojedynczy kolor…Moją ambicją jest stworzenie przestrzeni z w przestrzeni, która odpowiada wysokości i świetlistości Nawy w Grand Palais. Odwiedzający będą zaproszeni do spaceru wewnątrz dzieła, do zanurzenia się w kolorze i będzie to, mam nadzieję, kontemplacyjne i poetyckie doświadczenie.”

W 2011 roku Kapoor wystawił Dirty Corner w Fabbrica del Vapore w Mediolanie. Po całkowitym zajęciu przestrzeni „katedry” tego miejsca, praca składa się z ogromnej stalowej objętości o długości 60 metrów i wysokości 8 metrów, do której wchodzą zwiedzający. Wewnątrz stopniowo tracą oni percepcję przestrzeni, ponieważ robi się coraz ciemniej i ciemniej, aż do braku światła, co zmusza ludzi do korzystania z innych zmysłów, aby poprowadzić ich przez przestrzeń. Wejście do tunelu ma kształt gobletu, którego wewnętrzna i zewnętrzna powierzchnia jest okrągła i ma minimalny kontakt z podłożem. W trakcie trwania wystawy praca była stopniowo zasypywana około 160 metrami sześciennymi ziemi przez duże urządzenie mechaniczne, tworząc ostrą górę ziemi, przez którą wydaje się przebiegać tunel.

W 2016 roku sukcesem zakończyła się jego ekspozycja sztuki w MUAC (Mexico City), w której wkład literacki mieli Katarzyna Lampert, Cecilia Delgado i meksykański pisarz Pablo Soler Frost.

Kapoor pozwał National Rifle Association (NRA) w 2018 roku. Grupa lobbystów broni miała bez zgody rzeźbiarza wykorzystać sfilmowany wizerunek Cloud Gate w około minutowym filmie promocyjnym zatytułowanym „The Violence of Lies”. Pozew został ostatecznie rozstrzygnięty poza sądem. Kapoor poinformował, że ugoda obejmowała usunięcie jego pracy z filmu NRA, mówiąc „Teraz spełnili nasze żądanie, aby usunąć nieautoryzowany wizerunek mojej rzeźby Cloud Gate z ich odrażającego wideo, które ma na celu promowanie strachu, wrogości i podziału w amerykańskim społeczeństwie”.

Przeczytaj także: biografie-pl – Dr. Seuss

Komisje publiczne

Najwcześniejsze publiczne zamówienia Kapoora obejmują Cast Iron Mountain w Tachikawa Art Project w Japonii, a także pracę bez tytułu z 1995 roku zainstalowaną na Simcoe Place w Toronto, przypominającą górskie szczyty. W 2001 roku Sky Mirror, duże lustro, które odbija niebo i otoczenie, zostało zamówione na zewnątrz Nottingham Playhouse. Od 2006 roku Cloud Gate, 110-tonowa rzeźba ze stali nierdzewnej o lustrzanym wykończeniu, jest na stałe zainstalowana w Millennium Park w Chicago. Widzowie mogą przejść pod rzeźbą i spojrzeć w górę na „omphalos” lub pępek nad nimi.

Jesienią 2006 roku w Rockefeller Center w Nowym Jorku zainstalowano drugie 10-metrowe Sky Mirror. Praca ta została później wystawiona w Kensington Gardens w 2010 roku jako część wystawy Turning the World Upside Down, wraz z trzema innymi dużymi pracami lustrzanymi.

W 2009 roku Kapoor stworzył stałą pracę site-specific Kino Ziemi dla Parku Narodowego Pollino, największego parku narodowego we Włoszech, w ramach projektu ArtePollino – Inne Południe. Praca Kapoora, Cinema di Terra (Kino Ziemi), to 45-metrowe, szerokie na 3 metry i głębokie na 7 metrów wycięcie w krajobrazie wykonane z betonu i ziemi. Ludzie mogą wejść z obu stron i przejść wzdłuż niego, oglądając pustkę ziemską wewnątrz. Cinema di Terra została oficjalnie otwarta dla publiczności we wrześniu 2009 roku.

Kapoor otrzymał również zlecenie od Tees Valley Regeneration (TVR) na wykonanie pięciu dzieł sztuki publicznej, znanych pod wspólną nazwą Tees Valley Giants. Pierwsza z tych rzeźb, Tememos, została odsłonięta w czerwcu 2010 roku. Temenos stoi na wysokości 50 metrów i ma 110 metrów długości. Siatka z drutu stalowego napięta pomiędzy dwoma ogromnymi stalowymi obręczami, pozostaje eteryczną i niepewną formą pomimo swojej kolosalnej skali.

W 2010 roku zamówiono i zainstalowano w Muzeum Izraela w Jerozolimie rzeźbę Turning the World Upside Down, Jerusalem. Rzeźba opisana jest jako „wysoka na 16 stóp klepsydra z polerowanej stali”, która „odbija i odwraca jerozolimskie niebo i krajobraz muzeum, co prawdopodobnie stanowi odniesienie do dwoistości miasta – niebiańskiego i ziemskiego, świętego i profanum”.

Greater London Authority wybrał rzeźbę Orbit Kapoora z krótkiej listy pięciu artystów jako stałe dzieło sztuki dla Parku Olimpijskiego podczas Igrzysk Olimpijskich w 2012 roku. Wysoka na 115 metrów Orbita jest najwyższą rzeźbą w Wielkiej Brytanii.

Na pytanie, czy zaangażowanie w ludzi i miejsca jest kluczem do udanej sztuki publicznej, Kapoor powiedział:

Myślę o mitycznych cudach świata, Wiszących Ogrodach Babilonu i Wieży Babel. To tak, jakby zbiorowa wola wymyśliła coś, co ma oddźwięk na poziomie indywidualnym i w ten sposób staje się mityczne. Mogę rościć sobie prawo do wzięcia tego za wzór sposobu myślenia. Sztuka może to zrobić, a ja zamierzam to zrobić cholernie dobrze. Chcę zająć terytorium, ale terytorium to idea i sposób myślenia w takim samym stopniu, jak kontekst, który generuje obiekty.

Przeczytaj także: historia-pl – Rekonkwista

Projekty architektoniczne

W trakcie swojej kariery Kapoor intensywnie współpracował z architektami i inżynierami. Mówi, że ten korpus prac nie jest ani czystą rzeźbą, ani czystą architekturą.

Do jego godnych uwagi projektów architektonicznych należą:

O swojej wizji stacji Cumana w Monte Sant”Angelo, Neapol, Włochy w budowie (stan na czerwiec 2008), Kapoor powiedział:

Przeczytaj także: biografie-pl – Herman Willem Daendels

Praca z tekstem

W ramach współpracy z autorem Salmanem Rushdie, Kapoor stworzył w 2006 roku rzeźbę składającą się z dwóch pudełek z brązu połączonych czerwonym woskiem i zapisanych na zewnątrz dwoma pierwszymi akapitami tekstu Rushdiego; „Blood Relations” lub „Interrogation of the Arabian Nights”.

Przeczytaj także: biografie-pl – James Dean

Scenografia

Kapoor zaprojektował scenografię m.in. do: opery Idomeneo w Glyndebourne w 2003 roku; Pelléas et Mélisande, La Monnaie w Brukseli oraz utworu taneczno-teatralnego in-i z Akramem Khanem i Juliette Binoche w National Theatre w Londynie.

Przeczytaj także: biografie-pl – Giacomo Puccini

Fundacja Anisha Kapoora

Fundacja Anish Kapoor została założona jako organizacja charytatywna w 2017 roku, zarejestrowana w Londynie. Na początku 2021 roku rada miejska Wenecji zatwierdziła plany budowy dla fundacji, aby przekształcić Palazzo Priuli Manfrin w miejsce wystaw, studio artystyczne i repozytorium dla wielu prac artysty z kolekcji fundacji. Projekt będzie prowadzony przez firmy architektoniczne FWR Associati z Wenecji i Studio Una z Hamburga.

W 2014 roku Kapoor rozpoczął pracę z Vantablack, substancją uważaną za jedną z najmniej odbijających światło znanych substancji. Vantablack S-VIS, farba w sprayu, która wykorzystuje losowo ułożone nanorurki węglowe i charakteryzuje się wysoką absorpcją tylko w paśmie światła widzialnego, zwanego również kolorem „najczarniejszym”, została objęta wyłączną licencją dla studia Anisha Kapoora do użytku artystycznego. Jego wyłączna licencja na materiał została skrytykowana w świecie sztuki, ale bronił on umowy, mówiąc: „Dlaczego wyłączność? Ponieważ jest to współpraca, ponieważ chcę ich zmusić do pewnego wykorzystania tego materiału. Od lat współpracuję z ludźmi, którzy robią rzeczy ze stali nierdzewnej i to jest wyłączność.”

Artyści tacy jak Christian Furr i Stuart Semple skrytykowali Kapoora za to, co postrzegają jako przywłaszczenie unikalnego materiału, z wyłączeniem innych. W odwecie Semple opracował pigment nazwany „najbardziej różowym różem” i specjalnie udostępnił go wszystkim, z wyjątkiem Anisha Kapoora i osób z nim związanych. Później stwierdził, że samo posunięcie było zamierzone jako coś w rodzaju sztuki performance i że nie przewidział ilości uwagi, jaką otrzymało. W grudniu 2016 roku Kapoor nielegalnie zdobył pigment i opublikował Image na Instagramie swojego przedłużonego środkowego palca, który został zanurzony w różu Semple”a. Semple opracował więcej produktów, takich jak „Black 2.0” i „Black 3.0”, które dla ludzkich oczu wyglądają niemal identycznie jak Vantablack, mimo że są akrylowe, a także „Diamond Dust”, niezwykle odblaskowy brokat wykonany z odłamków szkła, z których wszystkie zostały wydane z tym samym ograniczeniem wobec Kapoora jako „najbardziej różowy”.

Kapoor początkowo wystawiał w ramach sceny artystycznej New British Sculpture, wraz z innymi brytyjskimi rzeźbiarzami Tonym Craggiem i Richardem Deaconem. Jego pierwsza wystawa indywidualna odbyła się w Patrice Alexandra w Paryżu w 1980 roku. Szerokie uznanie zdobył, gdy reprezentował Wielką Brytanię na Biennale w Wenecji w 1990 roku, o czym opowiada w książce Sarah Thornton „Seven Days in the Art World”. W 1992 roku Kapoor wziął udział w documenta IX z Building Descent into Limbo. W 2004 roku wziął udział w 5. Gwangju Biennale w Gwangju w Korei. Od tego czasu solowe wystawy jego prac miały miejsce w Tate i Hayward Gallery w Londynie, Kunsthalle Basel w Szwajcarii, Reina Sofia w Madrycie, National Gallery of Canada w Ottawie, Musée des arts contemporains (Grand-Hornu) w Belgii, CAPC Museum of Contemporary Art w Bordeaux, Centro Cultural Banco do Brasil w Brazylii oraz Guggenheim w Bilbao, Nowym Jorku i Berlinie.

W 2008 roku w Institute of Contemporary Art w Bostonie odbył się pierwszy w USA przegląd twórczości Kapoora w połowie jego kariery. W tym samym roku Islamic Mirror (2008) Kapoora, okrągłe wklęsłe lustro, zostało zainstalowane w XIII-wiecznym arabskim pałacu, obecnie wykorzystywanym przez klasztor Santa Clara w Murcji w Hiszpanii.

Kapoor był pierwszym żyjącym brytyjskim artystą, który przejął Royal Academy, Londyn, w 2009 roku; pokaz przyciągnął 275 000 odwiedzających, czyniąc go w tym czasie najbardziej udaną wystawą kiedykolwiek przez żyjącego artystę zorganizowaną w Londynie. Ostatecznie został on wyprzedzony przez ponad 478 000, którzy uczestniczyli w wystawie Davida Hockneya w Tate Modern w 2017 roku. Pokaz ten powędrował następnie do Muzeum Guggenheima w Bilbao. W 2010 roku retrospektywne wystawy Kapoora odbyły się w National Gallery of Modern Art (NGMA) w New Delhi i Mehboob Studio w Bombaju, co było pierwszą prezentacją jego prac w kraju urodzenia. W 2011 roku Kapoor miał indywidualną wystawę objazdową z Arts Council, będącą częścią ich serii pokazów „Flashback”. W maju wystawił Leviathan w Grand Palais oraz dwa równoległe pokazy w Mediolanie w Rotonda della Besana i Fabbrica del Vapore. Od grudnia 2012 r. do kwietnia 2013 r. miał dużą wystawę w Museum of Contemporary Art w Sydney (MCA) w ramach Sydney International Art Series.

Dirty Corner, wystawiony w Pałacu Wersalskim w 2015 roku, był tematem kontrowersji ze względu na jego „rażąco seksualny” charakter. Sam Kapoor podobno określił dzieło jako „waginę królowej, która przejmuje władzę”.

W 2020 roku Kapoor odsłonił nową wystawę na terenie Houghton Hall w Norfolk. Była to największa w historii plenerowa wystawa dzieł Kapoora, zawierająca 21 rzeźb, niektóre wcześniej niewidziane, a także wybór jego rysunków.

Od 2 października 2021 – 13 lutego 2022 w Museum of Modern Art Oxford prezentowana była wystawa prac powstałych podczas pandemii – „Painting”.

Prace Kapoora są kolekcjonowane na całym świecie, w szczególności w Museum of Modern Art w Nowym Jorku; Tate Modern w Londynie; Fondazione Prada w Mediolanie; Art Gallery of New South Wales, Sydney; Guggenheim w Bilbao; De Pont Museum of Contemporary Art w Tilburgu, Holandia; Moderna Museet, Sztokholm; 21st Century Museum of Contemporary Art w Kanazawie, Japonia; oraz Israel Museum w Jerozolimie.

W 1995 roku Kapoor poślubił urodzoną w Niemczech historyk sztuki średniowiecznej Susanne Spicale. Mają córkę Albę i syna Ishana i mieszkali w domu zaprojektowanym przez architekta Tony”ego Frettona w Chelsea w Londynie. W 2009 roku Kapoor kupił rezydencję w stylu georgiańskim o powierzchni 14 500 stóp kwadratowych (1 350 m2) w Lincoln”s Inn Fields za około 3,6 miliona funtów i zlecił jej przeprojektowanie przez Davida Chipperfielda. Para rozstała się i rozwiodła w 2013 roku.

Kapoor od tego czasu był w związku z projektantką ogrodów Sophie Walker, a dwójka pobrała się w 2016 roku (lub na początku 2017 roku).

Wyróżnienia artystyczne

Wyróżnienia cywilne

Stypendia honorowe

Inne

Źródła

1. Anish Kapoor
2. Anish Kapoor
3. ^ or early 2017[2]
4. Son père et son grand-père étaient les chantres de la synagogue de Puna.[réf. souhaitée]
5. «Venice Biennale, Anish Kapoor». Archivado desde el original el 20 de septiembre de 2016. Consultado el 11 de septiembre de 2016.
6. Anish Kapoor en la Lisson Gallery
7. Anish Kapoor en la Gladstone Gallery
8. Anish Kapoor en la Galleria Continua