Barnett Newman
gigatos | 1 stycznia, 2022
Streszczenie
Barnett Newman (29 stycznia 1905, Nowy Jork – 4 lipca 1970, Nowy Jork) był amerykańskim malarzem. Jest jednym z najważniejszych przedstawicieli ekspresjonizmu abstrakcyjnego i jednym z pierwszych malarzy Colorfield Painting.
Przeczytaj także: biografie-pl – Cyrus II Wielki
Dzieciństwo
Barnett Newman urodził się w domu rodzinnym przy 480 Cherry Street na Lower East Side Manhattanu w Nowym Jorku 29 stycznia 1905 roku. Jego rodzice, Abraham i Anna (urodzeni odpowiednio w 1874 i 1882 r.), byli żydowskimi imigrantami z polskiego miasta Łomża.
Ojciec zarabiał na życie sprzedając części do maszyn do szycia pracownikom fabryk odzieżowych. Barnett Newman miał czworo rodzeństwa. Najstarszy zmarł w wieku niemowlęcym, co czyni Barnetta najstarszym z rodzeństwa. Abraham Newman rozpoczął działalność w branży odzieży przemysłowej. Jego biznes dobrze prosperował i w 1915 roku rodzina Newmanów przeniosła się na Belmont Avenue, do dzielnicy klasy średniej na Bronksie. Tam Barnett spędził dzieciństwo wypełnione sportem i lekcjami gry na pianinie.
Newmanowie byli syjonistami, a dzieci uczęszczały do Narodowej Szkoły Hebrajskiej na Bronksie. Oprócz zajęć w szkole, dzieci są uczone w domu przez młodych Żydów z Europy.
Przeczytaj także: mitologia_p – Religia starożytnego Rzymu
Dorastanie
W latach 1919-1923 Barnett Newman uczył się w DeWitt Clinton High School. Newman opowiadał później, że regularnie wagarował w szkole, by bawić się w pobliskim Metropolitan Museum of Art.
Podczas pierwszego roku nauki w szkole średniej Newman szukał drugiego imienia, które stało się Benedyktem, pochodną hebrajskiego imienia Baruch. Później nazywano go „Barney”, a następnie „B.B.”. Newman używał dodatkowego „B” w swoim podpisie, którego używał do końca życia na wszystkich swoich oficjalnych dokumentach.
Jako uczeń szkoły średniej Newman pracował nad swoim rysunkiem na zajęciach w Art Students League przez sześć dni w tygodniu. Został nagrodzony, kiedy jego rysunek, nad którym dużo pracował, został wybrany na wystawie najlepszych prac studenckich.
W tej szkole, w latach 1923-1927, Newman poznał Adolpha Gottlieba, który już wcześniej rozpoczął swoje życie jako artysta, ponieważ Gottlieb porzucił szkołę średnią w 1921 roku, aby studiować sztukę i zwiedzić Europę. Zaprzyjaźnili się i regularnie odwiedzali Metropolitan Museum of Art.
Po ukończeniu szkoły średniej Newman zapisał się na Uniwersytet Nowojorski, gdzie studiował filozofię. Pisał artykuły do szkolnej gazetki „The Campus” oraz do studenckiego magazynu literackiego „The Lavander”. Na przykład opublikował recenzję książki Roger Fry. Podczas studiów zaprzyjaźnił się z Aaronem Siskindem, artystą, który później stał się znanym fotografem.
W latach 30. namalował prace, które podobno były dziełami ekspresjonistycznymi, ale wszystkie zniszczył. Następnie został pisarzem i krytykiem sztuki, organizował wystawy i pisał wstępy do katalogów. Później został członkiem grupy Uptown.
Przeczytaj także: bitwy – Oblężenie Orleanu
Po studiach
W 1927 roku ojciec Newmana zaproponował mu udział w dobrze prosperującym rodzinnym biznesie, aby zaoszczędzić pieniądze na niepewną przyszłość artysty. Barnett Newman zgodził się i dołączył do niego jeden z jego braci.
W 1929 roku, kiedy w październiku następuje krach na giełdzie, rodzinna firma odzieżowa przeżywa kryzys. Podczas gdy jego brat opuścił firmę, Barnett Newman pozostał na stanowisku, aby pomóc ojcu w jej ratowaniu. Ale biznes nadal się załamuje. Barnett odszedł z firmy i próbował zostać nauczycielem sztuki w nowojorskim systemie szkolnictwa publicznego. Został zastępcą nauczyciela sztuki zarabiając 7,50 dolarów dziennie.
Przez swojego przyjaciela, Gottlieba, poznał w latach 30. malarza Miltona Avery”ego. Stali się centrum grupy młodych artystów, którzy często spotykali się w domu Miltona Avery”ego, by studiować ich prace i dyskutować o literaturze. W tym okresie Newman i Gottlieb mieszkali razem.
Kilka lat później Newman przedstawił wraz z przyjacielem manifest zatytułowany „The Need for Public Action by Men of Culture”, który składał się z trzech części: szerszej edukacji, większego uznania dla rzemiosła i wspierania życia kulturalnego.
W 1934 r. Newman zaprzyjaźnił się z Annalee Greenhouse, z którą dzielił i cieszył się muzyką. Jakiś czas później została jego żoną.
W 1935 r. podjął pracę, którą wykonał jako student, na temat obrony praw urzędników (nauczycieli, śmieciarzy itp.), którą nazwał „Odpowiedź” i napisał: „Książki, które polecamy” i promował takie książki jak Etyka Spinozy, Republika Platona i tekst lustrzany zatytułowany: „Książki, które potępiamy” i cytował dzieła Marksa lub Lenina.
Przeczytaj także: biografie-pl – El Greco
Jego kariera nauczycielska
30 czerwca 1936 r. Annalee i Barnett zawarli związek małżeński. Para chciała przeprowadzić się do Maine, ale problemy finansowe zmusiły ich do powrotu do pracy nauczycielskiej w Nowym Jorku.
W 1939 r. Annalee dostała stałą pracę nauczycielki w szkole średniej w Queens (William Cullen Bryant School).
Akwarela Newmana zatytułowana „Country Studio” była częścią wystawy sztuki zorganizowanej przez członków Stowarzyszenia Nauczycieli Sztuki w marcu 1940 roku. Akwarela ta jest niemal podobna do kampanii „Czy umiemy rysować?”, która pojawiła się dwa lata wcześniej. W październiku tego samego roku Newman postanowił zrezygnować z niektórych wieczornych zajęć z sitodruku, które prowadził. Kontynuował swoje zainteresowania naukami przyrodniczymi. Brał udział w kursach w American Museum of Natural History i został wybrany na członka stowarzyszonego American Ornithologists” Union. Latem Barnett i Annalee studiowali ptaki i życie morskie w Maine, a następnie uczestniczyli w kursach botaniki i ornitologii na Uniwersytecie Cornell w Ithaca, w stanie Nowy Jork.
Przeczytaj także: biografie-pl – George Bernard Shaw
Kariera artystyczna
W 1943 roku Barnett Newman napisał przedmowę do katalogu pierwszej wystawy AMA, American Modern Artists. Pokaz ten był protestem przeciwko Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku z powodu wykluczenia sztuki nowoczesnej z jego wystaw. W 1945 roku poświęcił się kilku pismom, które zostaną opublikowane pośmiertnie, takim jak: „Obraz plazmowy”, esej demaskujący jego idee dotyczące sztuki abstrakcyjnej. W tym samym roku Newman i jego żona dowiedzieli się, że niektórzy członkowie rodziny zostali deportowani przez nazistów. W tym czasie zaprzyjaźnili się z Tonym Smithem, architektem i artystą, który pomagał mu w organizowaniu wystaw. Pod koniec tego samego roku Newman dołączył do grona artystów wystawiających na wystawie Betty Parsons. Była to pierwsza wystawa Newmana od czasu pokazu z 1940 roku, na którym gościli jego przyjaciele, członkowie Stowarzyszenia Nauczycieli Sztuki.
W 1947 r. Newman poznał Jacksona Pollocka i Lee Krashnera. Newman i Pollock zawiązali silną przyjaźń. Pollock był artystą, który wystawiał swoje prace na ostatniej wystawie „Art of This Century” stworzonej przez Peggy Guggenheim. Przyjaciółka Newmana, Betty Parson, dodała później Pollocka do artystów, których wystawiała w swojej galerii. W tym samym roku Newman przygotował imprezę w galerii Betty Parson, gdzie wystawił swoje prace: Gea i Euclidian Abyss.
W czerwcu 1947 r. umiera ojciec Newmana. Pod koniec roku szkolnego Newman porzucił swoją pracę i małżeństwo, by żyć z dochodów Annalee, swojej żony. Newman napisał esej zatytułowany The First Man Was an Artist. Ten esej ukaże się w pierwszym numerze Tiger”s Eye, małego magazynu o sztuce. Duży wkład wniósł pisząc na temat „Dlaczego maluję”, na który powiedział: „Artysta maluje, żeby mieć na co patrzeć, czasem musi pisać, żeby mieć też co czytać. W tym samym roku jego praca Euclidian Abyss została wystawiona w ramach Abstract and Surrealist American Art w Art Institute of Chicago w listopadzie 1947 roku. Obraz ten był pierwszą sprzedażą Newmana. Obraz został zakupiony przez kolekcjonerów w Connecticut.
W następnym roku, 1948, Newman namalował Onement I. Obraz ten należy uznać za wielki przełom w jego karierze, następne dwa lata miały być najbardziej owocne w jego życiu. Onement I jest częścią serii Onement, wraz z Onement II i Onement III. Wczesną jesienią William Baziotes, David Hare, Robert Motherwell i Mark Rothko założyli spółdzielczą szkołę artystyczną. Newman zaproponował nazwę szkoły, Podmioty Artysty, aby podkreślić znaczenie przedmiotu w sztuce abstrakcyjnej.
W 1949 roku Newman wykonał w tym samym roku siedemnaście prac, co było najbardziej produktywnym okresem w jego karierze. W styczniu Newman dołączył do grona wykładowców Subjects. Małżeństwo Newmanów pomagało w organizowaniu wykładów dla szkoły. Mimo dużej popularności, szkoła została zamknięta w maju 1949 roku.
W 1950 roku Newman miał swoją pierwszą indywidualną wystawę w galerii Betty Parsons. Bezpośrednio po tej pierwszej wystawie Barnett Newman powiedział na sesji artystycznej w Studio 35: „W pewnym sensie tworzymy świat na nasz obraz. Wykorzystując swój talent pisarski, Newman walczył o wzmocnienie swojego nowego wizerunku jako artysty i o promocję swojej twórczości. Ale recenzje były w większości negatywne. ARTNews pisze: „Newman jest po to, by szokować, ale nie po to, by szokować burżuazję – to już zostało zrobione. Lubi szokować innych artystów. Tylko jeden obraz (Koniec ciszy) został sprzedany przyjaciołom żony. Po wystawie zysk Newmana wyniósł 84,14 dolarów.
Wraz z siedemnastoma innymi artystami, Newman napisał list protestujący przeciwko Metropolitan Museum of Art i jego negatywnemu spojrzeniu na sztukę nowoczesną. List ukazał się w New York Times 22 maja 1950 r. i wywołał lawinę artykułów w lokalnych i krajowych publikacjach. W tym samym roku wykonał swoją pierwszą rzeźbę Tu I, z drewna i gipsu. Artysta podjął refleksję nad wertykalnością i podkreślił ją w tej pracy z brązu. W tym samym roku powstał też Dziki, który jest długim, wąskim płótnem. Jego powierzchnia jest pomalowana na pomarańczowo, a krawędź na szaroniebiesko.
W kwietniu 1951 roku Newman po raz drugi wystawia w galerii Betty Parsons. To właśnie na tej wystawie po raz pierwszy pojawił się obraz Vir Heroicus Sublimis o wymiarach 5,40 m długości i 2,40 m szerokości. Niestety, krytycy znów go potępili i żaden z obrazów nie został sprzedany. Ostatecznie wycofał swoje prace z galerii i zaprzestał w niej wszelkiej działalności. Obraz ten stanie się później jego najsłynniejszym dziełem.
W opublikowanym w 1952 roku eseju zatytułowanym „Uczucia to wszystko” krytyk Clement Greenberg z opóźnieniem uznał na swoich wystawach prace Newmana z lat 1950 i 1951 i potępił jego krytyków. Oświadczył: „Newman jest bardzo ważnym i oryginalnym artystą”. W kwietniu 1952 roku Newman został wykluczony z Museum of Modern Art, które pokazywało piętnastu amerykańskich artystów, w tym wielu jego przyjaciół, takich jak Pollock i Rothko. To wydarzenie głęboko zraniło Newmana. W katalogu wystawy można przeczytać: „Dla mojego przyjaciela Barnetta Newmana, który również powinien być reprezentowany na tej wystawie”.
W czerwcu 1953 r. odkupił część swoich prac. Oświadczył, że chce usunąć wszystkie te „małe” obrazy z widoku publicznego. Akcja ta jest wyrazem dążenia Newmana do wycofania się z oficjalnego świata sztuki. Ponownie wystawiał dopiero w 1955 roku.
W 1955 roku Newman osiągnął wiek pięćdziesięciu lat i mimo że jego żona podjęła drugą pracę, sytuacja finansowa małżeństwa była niepewna. Para zaciągała kredyty i zastawiała wartościowe przedmioty. W tym samym roku krytyk Clement Greenberg pochwalił sztukę Newmana, określając ją jako „głęboką i szczerą”, ale także stwierdzając, że jest on uczniem Stilla i że jego twórczość jest bardzo podobna do twórczości jego przyjaciela Rothko. To ostatnie stwierdzenie głęboko zirytowało Newmana. Można tu przytoczyć choćby jego list z 9 kwietnia 1955 r.: „List do Sidneya Janisa: – To prawda, że Rothko przemawia do walczącego. Walczy jednak, by podporządkować sobie świat Filistynów. Moja walka ze społeczeństwem burżuazyjnym przekonała mnie do jego całkowitego odrzucenia.”
Z okazji dziesięciolecia galerii Betty Parsons wystawił jedną ze swoich prac „Horizon Light”. Była to jego pierwsza publiczna wystawa od 1951 roku. Potem, aż do 1957 roku, nie tworzył obrazów, a jeśli już, to je porzucał. Jego przyjaciel, Jackson Pollock, pokazuje pracownię Newmana Benowi Hellerowi, młodemu kolekcjonerowi, który kupuje dwa obrazy, Adam i Królowa Nocy I, za 3,5 tys. dolarów. Niedługo potem Jackson Pollock zginął w wypadku samochodowym na Long Island, co bardzo dotknęło małżeństwo Newmanów.
W czerwcu 1957 roku Newman znalazł się na wystawie w Minneapolis Institute of Arts. Ale jego kłopoty z krytyką trwały nadal: „Najgłupszą rzeczą na wystawie jest Barnett Newman z Vir Heroicus Sublimis. Kilka miesięcy później, pod koniec roku, Newman doznał ataku serca i trafił na sześć tygodni do szpitala.
Następnie, w 1958 roku, przebywał w swoim mieszkaniu pod opieką żony, matki i siostry i malował bardzo niewiele, w tym dwa obrazy, które później nazwano Pierwsza stacja i Druga stacja. Obrazy te były pierwszymi z długiego cyklu zatytułowanego Droga Krzyżowa. Później Ben Heller, młody kolekcjoner, zaprosił Alfreda Barra i Dorothy Miller z Museum of Modern Art do odwiedzenia pracowni Newmana. Cztery z jego obrazów, Abraham, Concord, Horizon Light i Adam, zostały następnie wystawione na zasadzie objazdowej w Museum of Modern Art, a on sam pojechał do Mediolanu, Madrytu, Berlina, Amsterdamu, Brukseli, Paryża i Londynu, by w następnym roku powrócić do Nowego Jorku.
Podczas podróży służbowej w 1959 roku Arnold Rudlinger, szwajcarski historyk sztuki i dyrektor muzeum, uznawany za jednego z pionierów sztuki amerykańskiej w Europie, zobaczył pracę Newmana zatytułowaną Day Before One. Kupił dzieło i stał się pierwszą osobą, która posiada publiczną kolekcję z dziełem Newmana. Później MoMA poszło w jego ślady i stało się pierwszym amerykańskim muzeum, w którym znalazło się dzieło Newmana.
Barnett Newman miał wtedy wystawę zorganizowaną przez Clementa Greenberga, krytyka sztuki i doradcę galerii. Krytyka pozostała nieprzychylna, ale wystawa zainteresowała młodsze pokolenie nowojorskich artystów, dla których była to pierwsza okazja do zapoznania się z jego twórczością. W sierpniu 1959 roku para Newmanów wyjechała do Kanady, gdzie Barnett prowadził letnie warsztaty dla kanadyjskich artystów. Stał się on bardzo wpływowy dla tych młodych artystów, z których wielu wyjechało potem do Nowego Jorku. Jeden z nich, rzeźbiarz Robert Murray, powiedział później: „Pomógł nam z naszą prowincjonalną paranoją… Sprawił, że bycie artystą wydawało się ważne.
W 1960 roku uzupełnił chropowate płótna czarną farbą. W tym momencie zaczął myśleć o Drodze Krzyżowej jako o serii. Pracował nad nim przez następne sześć lat. Będzie też pracował nad pracami graficznymi, czego nie robił od jedenastu lat. Wykonał serię dwudziestu dwóch rysunków tuszem o wymiarach 4,20 m na 3 m. W styczniu 1961 roku obraz Vir Heroicus Sublimis został zakupiony przez Bena Hellera. W tym samym roku sprzedano również L”Errance i Onement VI.
W lutym Barnett Newman popadł w głęboką depresję po nagłej śmierci swojego młodszego brata, George”a. Aby wyrwać go z tej sytuacji, jego przyjaciel Cleve Gray zaprasza go do udziału w projekcie litografii w Centrum Grafiki Instytutu Pratta. To było jego pierwsze doświadczenie z grafiką. Wkrótce potem namalował obraz dedykowany swojemu bratu George”owi w kolorach ecru i czarnym, Surgit la lumière (Dla George”a).
W styczniu 1962 roku odrzucił zaproszenia na ważne imprezy, m.in. do Gallery of Modern Art w Waszyngtonie i na imprezę „Geometric Abstraction” w Whitney Museum of American Art w Nowym Jorku. W tym też roku powstał obraz zatytułowany Trzeci. Z pomocą Roberta Murraya, Newman wziął udział w odlewie swojej rzeźby Here I (To Marcia) z 1950 roku w Modern Art Foundry w Queens. Został nazwany na cześć Marcii Weisman, która namawiała go na casting.
23 października 1962 roku Newman i De Kooning zorganizowali wystawę swoich prac w galerii Tony”ego Smitha. Fale krytyki w końcu przysłużyły się Newmanowi, a on sam został uznany za jednego z „najbardziej niezwykłych żyjących dziś artystów”.
W 1963 roku w magazynie Vogue ukazał się pochlebny esej biograficzny Harolda Rosenberga zatytułowany „Barnett Newman, człowiek kontrowersji i duchowej wielkości”. Później Newman został zachęcony przez Williama Liebermana, kuratora grafiki w Museum of Modern Art, do wykonywania litografii. Wtedy też Newman postanowił zrobić „książkę”, zbiór litografii. W swojej pracowni pracował nad czterema kamieniami. Jego praca stała się serią litografii „Cantos” wydawanych przez ULAE. W 1964 roku ukończył swój projekt z 14 „Cantos”, ale później uznał, że potrzebne są jeszcze cztery ryciny, co daje w sumie osiemnaście. Był zachwycony tą liczbą, która w języku hebrajskim (chai) oznacza również życie. Są one dla niego jak muzyczne piosenki, które dedykuje swojej żonie Annalee. Następnie namalował Siódmą stację, Ósmą stację, Dziewiątą stację i Be II, zamykające cykl Drogi Krzyżowej, który był wystawiany przez Guggenheima w Nowym Jorku. We wrześniu Annalee przechodzi na emeryturę. Teraz spędza dni z Barnettem w studio.
W 1965 roku prace Newmana zostały włączone do dwóch imprez upamiętniających koniec abstrakcyjnego ekspresjonizmu w Filadelfii, The Decisive Years: 1943-1953 oraz w Los Angeles, New York School, The First Generation: Paintings of the 1940s and 1950s. W tym samym roku Newman wykonał w Treitel Gratz Company kolejną stalową rzeźbę Here II, która uzupełniała Here I. Kilka miesięcy później kurator Walter Hopps wskazał Newmana jako centralną postać w grupie artystów, których wybrał do Pawilonu USA na VIII Biennale w São Paulo. Pozostałych sześciu artystów było o dwadzieścia lat młodszych od Newmana. Są to Billy Al Bengston, Larry Bell, Robert Irwin, Donald Judd, Larry Poons i Frank Stella. Na prośbę artysty siedem obrazów i dwie rzeźby prezentowane są poza konkursem. Tym wydarzeniem Newman oczarował dziennikarzy. Zdobył podziw architekta Oscara Niemeyera i słynnego piłkarza Pelé. Ale imponował też artystom z São Paulo swoją wiedzą z zakresu historii sztuki.
20 kwietnia 1966 roku w Guggenheim w Nowym Jorku odbyła się wystawa samych prac Newmana, w tym obrazów Drogi Krzyżowej. Te „Stacje” zyskały uwagę daleko poza zwykłymi granicami świata sztuki, a jego prace były wystawiane na całym świecie, szczególnie w Europie. Kontynuował pracę w odlewni Treitel Gratz, gdzie wykonał rzeźbę z Cortenu i stali nierdzewnej o nazwie Be III. W tym samym roku powstał też jego pierwszy obraz z użyciem barw podstawowych, który miał być podstawą serii czterech obrazów Kto się boi czerwonego, żółtego i niebieskiego, wykonanych akrylami. W tym samym roku stworzył kilka obrazów, w tym jeden o długości około 5 metrów, Głos ognia, który został wykorzystany w pawilonie amerykańskim na Światowych Targach w Montrealu w 1967 roku, jeden z jego najbardziej imponujących obrazów.
W sierpniu 1967 roku Newman został zaproszony do wygłoszenia referatu na temat duchowego wymiaru sztuki współczesnej na pierwszym Międzynarodowym Kongresie Religii, Architektury i Sztuk Wizualnych w Nowym Jorku. W swoim przemówieniu Newman stwierdził: „Dla prawdziwego artysty liczy się rozróżnienie między miejscem a nie-miejscem; a im większe dzieło sztuki, tym większe będzie to poczucie”. I to uczucie jest podstawowym wymiarem duchowym. Wkrótce potem Newman rozpoczął współpracę z odlewnią North Haven w Connecticut, która specjalizowała się w produkcji dużych dzieł sztuki. Newman wykonał monumentalną rzeźbę Broken Obelisk, która była później wystawiana w wielu galeriach sztuki. Podczas pracy nad obeliskiem Newman rozważał pomysł namalowania obrazu w kształcie trójkąta.
W listopadzie 1967 r. Newmanowie przyjechali do Europy na otwarcie „The Poetry of Vision” w Dublinie, wystawy sztuki współczesnej i antycznej, na której znalazły się m.in. „Who”s Afraid of Red, Yellow and Blue II”, „Queen of the Night II” i „Now II”. 21 grudnia 1967 r. Newman podpisuje w „New York Review of Books” list otwarty, w którym protestuje przeciwko antysemityzmowi w Związku Radzieckim.
W styczniu 1968 r. para przyjechała do Paryża, gdzie Newman uczestniczył w konferencji ku czci Charlesa Baudelaire”a i po raz pierwszy odwiedził Luwr. 28 kwietnia Newman przyjął posadę wykładowcy na Uniwersytecie w Bridgeport, Connecticut. W tym samym roku Newman wykonuje obraz poświęcony Światłu swojej matki Anny. Był to największy obraz, jaki Newman kiedykolwiek namalował i pierwszy, który został rozpięty i powieszony bezpośrednio na ścianie pracowni. Kilka miesięcy później zaprotestował przeciwko burmistrzowi Chicago Daleyowi i brutalnym działaniom policji, która usunęła pracę Gea z wystawy w Chicago. Zaplanował też rzeźbę zatytułowaną Mayor Daley”s Outhouse, ale nie zdążył jej ukończyć.
25 marca 1969 roku Newman otworzył swoją pierwszą galerię, M. Knoedler and Company, w której prezentował swoje prace z lat 60. Cztery prace Kto się boi czerwonego, żółtego i niebieskiego odniosły wielki sukces, podobnie jak Teraz II, Światło Anny i dwa trójkątne obrazy, które właśnie ukończył, Jerycho i Chartres. Następnie ukazała się pierwsza monografia Newmana autorstwa Thomasa Hessa.
Praca Newmana jest kontrowersyjna, ale powszechnie chwalona przez społeczność. Negatywne recenzje krytyków nie pozostawiają wątpliwości co do znaczenia Newmana. Jego wystawy cieszyły się równie dużym zainteresowaniem, co odbywające się w tym samym roku muzealne retrospektywy Willema de Kooninga i Davida Smitha. W tym samym roku wykonał Zim Zum I, który pierwotnie miał mieć 3,60 m wysokości, ale został zredukowany do 2,40 m, aby można go było przewieźć do Tokio na wystawę w skansenie Hakoone.
Dziesięć obrazów i trzy rzeźby Newmana z lat 1946-1969 znalazły się na nowojorskiej wystawie Painting and Sculpture 1940-1970, zorganizowanej przez Henry”ego Geldzahlera dla Metropolitan Museum of Art. Jeszcze w tym samym roku Newman rozpoczął plany wielkich retrospektywnych wystaw, które Thomas Hess miał zorganizować m.in. w Tate Gallery w Londynie, Grand Palais w Paryżu, MoMA w Nowym Jorku i Stedelijk Museum w Amsterdamie.
W styczniu 1970 roku Newman wniósł swój wkład w obchody stulecia Metropolitan Museum of Art, w którym napisał: „Zawsze miałem niesmak, a nawet pogardę dla reprodukcji i fotografii dzieł sztuki, nawet moich własnych prac. Mogę się tylko cieszyć, że moja edukacja artystyczna nie wzięła się z oglądania fotografii i superprodukcji slajdów, czy nawet nauczycieli, ale od siebie w obliczu rzeczywistości.
17 maja 1970 roku Uniwersytet Brandeis w Waltham, Massachusetts uhonorował twórczość Newmana Medalem za Twórczość w Dziedzinie Malarstwa.
4 lipca 1970 roku, w wieku sześćdziesięciu pięciu lat, Barnett Newman zmarł na atak serca w swojej pracowni przy obrazie Kto się boi czerwonego, żółtego i niebieskiego IV. W pracowni artysty znajduje się również niedokończone płótno o wymiarach 5,40 m na 2,40 m, płótno w kształcie trójkąta prostokątnego oraz trzy ukończone, ale jeszcze bez tytułu prace.
Przeczytaj także: biografie-pl – Kaligula
Pierwsze prace
W latach 40. jego styl był raczej surrealistyczny, potem stał się bardziej dojrzały. Charakteryzuje się on plamami koloru oddzielonymi cienkimi pionowymi liniami, zipami, jak je nazywa. W pierwszych pracach z tymi suwakami pola barwne nie są jednolite, ale później kolory są czyste i płaskie.
W 1947 roku wystawił w galerii Betty Parson dwie prace: Gea i Euclidian Abyss. Na czarnym tle coraz większą rolę w jego twórczości odgrywają pionowe, żółte linie, które nie do końca są pionowe. Te zamki błyskawiczne wyznaczają osobliwość artysty i pozostaną stałym elementem w karierze Newmana.
Sam uważał, że w 1948 roku, wraz z serią Onement, osiągnął pełną dojrzałość swojego stylu. Są to prace z bordowym tłem i pionowymi suwakami w innych kolorach. Wywołują w odbiorcy wstrząsy i emocje. Newman powiedział o tych pracach: „Istnieją specyficzne i odrębne transformacje uczuć, których można doświadczyć przed każdym z obrazów.
W niektórych obrazach z lat 50., takich jak Dziki, który ma dwa i pół metra długości i cztery centymetry szerokości, zamek błyskawiczny jest obecny, jeśli nie samo dzieło. Newman wykonał również kilka rzeźb, w tym Here I, które są w zasadzie trójwymiarowymi reprezentacjami zamków błyskawicznych.
W 1951 r. wystawił Vir Heroicus Sublimis, który stał się później jego najsłynniejszym dziełem. Ilość zamków i ich regularność nadaje obrazowi symetrię, dając w efekcie czerwoną płaskość, która wydaje się prosta.
Choć obrazy Newmana wydają się być czysto abstrakcyjne, a wiele z nich pierwotnie nie miało tytułów, nazwy, które nadawał im później, odnoszą się do konkretnych tematów, często o tematyce żydowskiej. Na przykład dwie prace z początku lat 50. noszą imię Adam, a potem także Uriel (1954) i Abraham (1949), bardzo ciemny obraz, którego imię z pewnością pochodzi od biblijnego patriarchy, ale było także imieniem ojca Newmana, który zmarł w 1947 roku. Newman wyraża pewien mistycyzm w tytułach swoich dzieł. Adam”, imię biblijnego bohatera, jest bliskie adom, czyli czerwony, i dam, czyli krew. Ten utrzymany w czerwonej tonacji obraz jest wynikiem żydowskiej tożsamości Newmana, którą bardzo się przejmował, zwłaszcza w czasie okropności II wojny światowej, Holocaustu. Mówił: „Kiedy Hitler pustoszył Europę, czy mogliśmy wyrazić siebie, malując ładną, nagą dziewczynę leżącą na kanapie? Na to pytanie odpowiedział z abstrakcją.
Seria obrazów zawierająca wariacje beżu z czarnymi pionowymi pasami, Droga Krzyżowa (1958-1964), rozpoczęła się wkrótce po powrocie Newmana do zdrowia po ataku serca i jest uważana za szczytowe osiągnięcie w jego karierze. Serial nosi podtytuł Lema sabachthani – „Dlaczego mnie opuściłeś? – słowa wypowiedziane przez Chrystusa na krzyżu. Newman uważa, że jego słowa mają uniwersalne znaczenie. Serial był również postrzegany jako pomnik ofiar Holocaustu. Newman chciał wyrazić uniwersalną tragedię i przemoc w odniesieniu do pasji.
Przeczytaj także: biografie-pl – Fidel Castro
Prace późne
W późniejszych pracach Newmana, takich jak cykl Kto się boi czerwonego, żółtego i niebieskiego, w całości składających się z barw podstawowych, zamki błyskawiczne nadają całemu obrazowi dynamiki. Są to prace o czystych, żywych kolorach, często na dużych płótnach – Światło Anny (1968), nazwane tak dla uczczenia pamięci zmarłej w 1965 roku matki, jest największe, osiem metrów czterdzieści na dwa metry siedemdziesiąt. Pod koniec życia Newman pracował także nad płótnami nieprostokątnymi, jak Chartres (1969), które jest trójkątne, a następnie powrócił do rzeźby, wykonując niektóre prace w polerowanej stali. Późniejsze obrazy malowane są farbą akrylową, a nie olejną jak wcześniejsze. Spośród jego rzeźb, Broken Obelisk jest największym i najbardziej znanym, przedstawiając odwrócony obelisk z czubkiem spoczywającym na czubku piramidy.
Powstała też seria litografii 18 Cantos (1963-64), które według Newmana przywołują muzykę. W swoim dorobku ma również akwaforty. Swoje prace dedykuje żonie Annalee.
W 1962 roku wykonał duże pomarańczowe płótno z dwoma żółtymi suwakami, Trzecie. O tej pracy Newman powiedział: „Czuję, że moje zamki błyskawiczne nie dzielą moich obrazów. Mam wrażenie, że robią coś dokładnie odwrotnego, jednoczą całość.
Newman jest powszechnie uważany za Abstrakcyjnego Ekspresjonistę, w oparciu o jego pracę w Nowym Jorku w latach 50-tych, gdzie wraz z innymi Abstrakcyjnymi Ekspresjonistami rozwinął abstrakcyjny styl, który nie miał nic wspólnego ze sztuką europejską. Jednak odrzucenie przez niego ekspresyjnego rysunku pędzla stosowanego przez innych abstrakcyjnych ekspresjonistów, takich jak Clyfford Still i Mark Rothko, oraz użycie płaskich obszarów koloru na dobrze zdefiniowanych powierzchniach, może czynić go prekursorem artystów z ruchów Hard Edge Painting, Colorfield Painting i Minimalism (art), takich jak Frank Stella.
Newman przez większość życia nie odniósł wielkiego sukcesu jako artysta, pozostając w cieniu takich barwnych postaci jak Jackson Pollock. Wpływowy krytyk Clement Greenberg pisał o nim entuzjastyczne prace, ale dopiero pod koniec życia zaczęto się nad nim poważnie zastanawiać. Mimo to wywarł wpływ na wielu młodych malarzy.
Newman zawsze podkreślał, że jego prace muszą być oglądane z bliska, aby widz mógł się zanurzyć w gęstej kolorystyce. Jego obrazy muszą dawać widzowi poczucie zatopienia się w czystym kolorze. Jego sztuka jest abstrakcyjna, totalna i bezkompromisowa. Mówił: „Mówi się, że doprowadziłem malarstwo abstrakcyjne do granic możliwości, tymczasem dla mnie jest oczywiste, że zrobiłem tylko nowy początek.
Newman zmarł w 1970 roku w Nowym Jorku na atak serca.
Przeczytaj także: biografie-pl – Paweł I Romanow
Uwagi
Źródła
