Clyfford Still
gigatos | 28 stycznia, 2022
Streszczenie
Clyfford Elmer Still był amerykańskim malarzem połowy XX wieku. Był jednym z założycieli ekspresjonizmu abstrakcyjnego w Stanach Zjednoczonych. Urodził się 30 listopada 1904 roku w Grandin, w Północnej Dakocie, zmarł 23 czerwca 1980 roku w Nowym Jorku. Od 2011 roku w Denver (Colorado) znajduje się poświęcone mu muzeum.
Still urodził się w 1904 r. w Grandin w Północnej Dakocie, a dzieciństwo spędził w północno-zachodnich Stanach Zjednoczonych, Spokane, Waszyngtonie i Bow Island w południowej Albercie w Kanadzie. W 1925 roku odwiedził Nowy Jork i krótko studiował w Art Students League. W latach 1926-1927 uczęszczał na Uniwersytet Spokane, a w 1931 r. powrócił na stypendium, które ukończył w 1933 r. Jesienią 1933 roku został stypendystą, a następnie członkiem wydziału w Washington State College (obecnie Washington State University), gdzie w 1935 roku otrzymał tytuł magistra sztuk pięknych. Uczył tam do 1941 roku.
Lata 1934 i 1935 spędził w Fundacji Trask (obecnie Yaddo) w Saratoga Springs, w stanie Nowy Jork. W 1937 roku, wraz z waszyngtońskim kolegą Worth”em Griffinem, Still był współzałożycielem Nespelem Art Colony (m.in. Bez tytułu (Indian Houses, Nespelem) (1936)), która w ciągu czterech lat (37-40) wykonała setki portretów i pejzaży przedstawiających życie rdzennych Amerykanów w rezerwacie Indian Colville (stan Waszyngton). W dokumentalnym stylu notował kolorystykę ubiorów Indian), a także tworzył swobodniejsze studia w palecie, którą zapamiętał na długie lata.
W 1941 r. przeniósł się do San Francisco Bay Area, gdzie pracował w różnych gałęziach przemysłu wojennego, jednocześnie zajmując się malarstwem. Pierwszą indywidualną wystawę miał w San Francisco Museum of Art (obecnie San Francisco Museum of Modern Art) w 1943 roku. W latach 1943-1945 wykładał w Richmond Professional Institute (RPI), obecnie Virginia Commonwealth University, a następnie w Nowym Jorku.
W 1944 r. powstały dwa obrazy o bardzo zbliżonych cechach formalnych: 1944-N nr 1 i 1944-N nr 2, duże formaty (pierwszy 266 × 233 cm), abstrakcja, a nóż palety w gęstym impasto tworzącym nieregularną fakturę: duże efekty czarnej farby.
1946: Mark Rothko, którego Still poznał w 1943 roku w Kalifornii, przedstawił go Peggy Guggenheim, a ta dała Stillowi jego pierwszą indywidualną wystawę w swojej galerii, The Art of This Century Gallery, na początku 1946 roku. W następnym roku Peggy Guggenheim zamknęła swoją galerię, a Still, wraz z Rothko i innymi abstrakcyjnymi ekspresjonistami, dołączył do Galerii Betty Parsons. Miał tam trzy wystawy (1947, 1950, 1951). Powrócił do San Francisco, gdzie stał się bardzo wpływowym nauczycielem w California School of Fine Arts (obecnie San Francisco Art Institute), ucząc tam w latach 1946-1950. Jego wystawa odbyła się w kalifornijskim Pałacu Legii Honorowej w San Francisco (1947). W 1948 roku, wraz z Rothko, stworzył podwaliny pod to, co miało się stać Podmiotami Akademii Artysty, zbiorowego think tanku i klubu artystów, zapraszającego prelegentów do wygłaszania wykładów, które były przedmiotem dyskusji i debat. Clyfford Still zamieszkał na dwa lata w San Francisco, po czym wrócił do Nowego Jorku.
1950: W 1950 roku przeniósł się do Nowego Jorku i pozostał tam przez większą część dekady. Był to okres rozkwitu ekspresjonizmu abstrakcyjnego, ale unikał jakichkolwiek związków z nowojorską szkołą abstrakcjonizmu. W tym czasie stawał się coraz bardziej krytyczny wobec świata sztuki. Należał do grupy „irascibles” (prawie wszyscy abstrakcyjni ekspresjoniści), którzy w 1950 roku protestowali (na spotkaniu w Subjects of the Artist) przeciwko pogardzie, jaką darzyło ich Metropolitan Museum of Art, przygotowujące pierwszą wystawę sztuki amerykańskiej z jury, które z pogardą odnosiło się do amerykańskiej abstrakcji. Zdjęcie „irascibles”, opublikowane później w Life, przyniosło im powszechną sławę, nagłaśniając abstrakcyjny ekspresjonizm. W tym czasie, bardziej niż wszyscy inni z grupy, Still upiera się przy wyjątkowości własnej twórczości w ramach grupy, zaznacza obok pogardy dla niektórych kolegów, wreszcie rosnące wymagania uznania wykluczyły go ze świata sztuki w Nowym Jorku. Na początku lat 50. Still zerwał związki z galeriami komercyjnymi. Retrospektywa twórczości Stilla odbyła się w Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, Nowy Jork, w 1959 roku.
W latach 60. miał kilka wystaw indywidualnych (Institute of Contemporary Art, University of Pennsylvania, Filadelfia (1963), Marlborough-Gerson Gallery, Nowy Jork (1969-70)). W 1972 roku otrzymał nagrodę Award of Merit for Painting od American Academy of Arts and Letters, której został członkiem, a następnie w 1975 roku Medal Skowhegana za malarstwo. W 1975 roku grupa jego obrazów została wystawiona na stałe w San Francisco Museum of Modern Art. Wreszcie, w 1980 roku miał wystawę w Metropolitan Museum of Art.
Należący do pierwszych obrazów abstrakcyjnych ekspresjonistów Lipiec 1945-R (przez pewien czas nazywany Quicksilver) precyzyjnie przywołuje błysk pioruna, pionową nieregularną białą linię na ciemnym lub czarnym tle. W liście z 1950 r. mówi o błyskawicy, która wywołała w nim „objawienie”, choć nie jest jasne, jakiego rodzaju było to objawienie.
Wciąż uważany za jednego z najwybitniejszych malarzy nurtu Color Field painting, jego niefiguratywne obrazy są również nieobiektywne i w dużej mierze dotyczą zestawienia różnych kolorów i powierzchni w różnych konfiguracjach. W przeciwieństwie do Marka Rothko czy Barnetta Newmana, którzy organizowali swoje kolory w stosunkowo prosty sposób (Rothko jako mgławicowe prostokąty, Newman jako cienkie linie na rozległych płaskich polach barwnych), układy Still”a są mniej regularne. Jego poszarpane wybuchy koloru sprawiają wrażenie, jakby warstwa koloru została „zdarta” z obrazu, odsłaniając barwy znajdujące się pod spodem. Kolejną różnicą w stosunku do Newmana i Rothko jest sposób kładzenia farby na płótno; podczas gdy Rothko i Newman używają dość płaskich kolorów i stosunkowo cienkiej farby, Still stosuje grube impasto, uzyskując szeroką gamę subtelnych grubości i mieniących się tonów, które łapią światło. W 1947 roku zaczął pracować w dużym formacie, który będzie rozwijał i dostosowywał przez całą swoją karierę – pole kolorów w dużym formacie, nakładanych za pomocą noży paletowych, tworzących efekty światła i faktury materii.
W przeciwieństwie do większości artystów plastyków tamtych czasów, Still miele i przygotowuje własne pigmenty, z których tworzy specjalne kolory, które nakłada na swoje ogromne płótna.
Muzeum w Denver, które jest mu w całości poświęcone, umożliwiło zwrócenie uwagi na niektóre aspekty procesu twórczego, poprzez studium porównawcze wariantów lub replik ponad 50 obrazów. Wydaje się więc, że dzieło to może być postrzegane jako „malarstwo gestykularne”, gdyż gesty artysty są doskonale widoczne przy oglądaniu obrazu, i to z dużą siłą, choćby ze względu na wielkość nakładów farby nożem paletowym. Z drugiej strony, porównania te przywołują stopniowy proces, a nie całkowicie spontaniczne, natychmiastowe pojawienie się. Podczas gdy tylko kilka obrazów zostało całkowicie wymyślonych na nowo, w większości przypadków zmiany są bardziej subtelne; zmiana medium, inna metoda nakładania farby, inna faktura, lub też gra światła na powierzchni farby, która nie jest już taka sama, poprzez manipulowanie właściwościami odbijającymi farby. Stąd wiele poprawek, w znacznie różniących się formatach, z chęcią przewyższenia w kolejnym obrazie tego, co zostało zbudowane w pierwszej wersji: „Chociaż nieliczne repliki, które wykonuję, są na ogół zbliżone do oryginału lub stanowią jego przedłużenie, każda z nich ma swoje własne życie i nie jest kopią. Obecna praca wyjaśniła pewne czynniki i, paradoksalnie w tym przypadku, jest bliższa mojej pierwotnej koncepcji niż pierwsza, która nosi ślady ścierających się sił.
Bliskość Pollocka i Stilla badał David Anfam. Obraz Pollocka The Moon Woman (1942) odkrył Still podczas wystawy w galerii Peggy Guggenheim The Art of This Century (pl), w listopadzie 43 roku. A trzy z obrazów Stilla to podobno „medytacje”, w tym PH-242 z lat 1943-44. Przyjaźń ta była szczególnie widoczna w 1943 roku, kiedy Pollock namalował Mural dla Peggy Guggenheim w korytarzu jej mieszkania. Ogromne płótno, poprzez swoją przestrzeń i pustą grozę, zdaje się w istocie przywoływać amerykański Zachód, jeśli weźmiemy pod uwagę zdanie Pollocka z 1944 roku. Przyjaźń Stilla i Pollocka trwała do 1955 roku, choć irytujący charakter Stilla osiągnął w latach 50. szczególnie ostre apogeum.
Obaj mieli takie wyobrażenie, że malarstwo jest przede wszystkim dziełem „mężczyzny”. Odnosząc się z wyraźną przyjemnością do ostatniej wystawy Pollocka w Sidney Janis Gallery w 1955 roku, wysłał do niego notę, w której zawarł zdanie: „To było tak, że tutaj człowiek był przy pracy, przy najgłębszej pracy, jaką człowiek może wykonać, mierząc się z tym, czym jest i do czego dąży”. I odwrotnie, Pollock mówi w 1955 roku: „Still makes the rest of us look academic”. W innym miejscu Pollock mówi, że „obaj (Still i on, w niektórych wersjach „wszyscy trzej” – z Rothko) zmienili naturę malarstwa”. Według Davida Anfama obraz The Deep z 1953 roku (Centre Georges Pompidou) jest „jednoznacznym” hołdem dla Stilla.
Choć Still nigdy nie zgodził się na dzielenie sali wystawowej z innymi, na dziewięć miesięcy przed otwarciem swojej dużej retrospektywy w Metropolitan Museum w 1979 roku zdecydował się powiesić swój ogromny obraz PH-929 (1974) obok Automn Rythmn (1950) Pollocka.
Krytycy chwalili czystą materialność jego malarstwa, monumentalną i dynamiczną obecność, wysublimowanego ducha jego abstrakcyjnych obrazów. Jego stosunek do rówieśników i malarstwa uważany był za prowokacyjny i bezkompromisowy, podobnie jak Davida Smitha, przyjaciela Stilla i Pollocka.
David Anfam, specjalista w dziedzinie ekspresjonizmu abstrakcyjnego, powiedział: „Jego prace mają trzewne oddziaływanie, obrazy wpatrują się we mnie i w widza. Nie znam wielu innych artystów, którzy wywołują ten sam rodzaj elektrycznego ładunku – prawdziwy frisson. Jednak nie tylko ten rodzaj dramatu o wysokim napięciu przykuwa moją uwagę, ale również to, że Stillowi udało się połączyć tę intensywność z rzadką dozą subtelności i delikatności. (Jego prace wywołują trzewny wstrząs, obrazy patrzą na mnie i na każdego widza. Nie znam wielu innych artystów, którzy wywołują ten sam rodzaj elektrycznego wstrząsu – prawdziwy dreszcz emocji. Jednak nie tylko ten rodzaj dramatu o wysokim napięciu mnie pociąga, ale to, co również uważam za godne uwagi, to fakt, że Stillowi udało się połączyć tę intensywność z subtelnością i delikatnością w stopniu rzadko osiąganym).
Przeczytaj także: biografie-pl – David Bowie
Bibliografia i odnośniki z Internetu
Przeczytaj także: biografie-pl – Witold Kiejstutowicz
Linki zewnętrzne
Źródła
