Cy Twombly
gigatos | 20 stycznia, 2022
Streszczenie
Cy Twombly, urodzony jako Edwin Parker Twombly Jr. 25 kwietnia 1928 roku w Lexington, Virginia – zmarł 5 lipca 2011 roku w Rzymie, był amerykańskim malarzem, rysownikiem, rzeźbiarzem i fotografem.
Cy Twombly należy do pokolenia Roberta Rauschenberga, Jaspera Johnsa czy Brice”a Mardena, odnawiającego sztukę amerykańską po pokoleniu abstrakcyjnych ekspresjonistów, takich jak Jackson Pollock, Mark Rothko czy Barnett Newman.
W jego twórczości krzyżują się niektóre z głównych zagadnień sztuki XX wieku, takie jak dylemat abstrakcji
Przeczytaj także: biografie-pl – James Ensor
Pochodzenie rodzinne
Edwin Parker Twombly Jr, znany jako „Cy”, urodził się w 1928 roku w Lexington, w stanie Wirginia. Jego ojciec, Edwin Parker Twombly, znany jako „Cy” (1894-1974), był baseballistą w Chicago White Sox. Przyjął pseudonim słynnego miotacza Dentona True Younga (1867-1955), znanego jako „Cy Young” (Cy od „Cyclone”).
Malarz Cy Twombly przejmie więc nie tylko imiona i nazwisko ojca, ale także jego pseudonim. Cy Twombly Sr. jest profesorem sportu na Uniwersytecie Washington and Lee w Lexington.
Przeczytaj także: biografie-pl – Milton Friedman
Szkolenie i pierwsze wystawy w USA
Cy Twombly od najmłodszych lat interesował się rysunkiem i malarstwem. W latach 1942-1946 pobierał w swoim rodzinnym mieście lekcje u hiszpańskiego malarza Pierre”a Daura (byłego ucznia ojca Picassa), który przez długi czas był uchodźcą we Francji, a do Stanów Zjednoczonych przybył po ślubie z Wirginijką w 1938 roku.
W 1946 r. Twombly rozpoczął naukę w Darlington School w Rome, Georgia. Lato 1947 roku spędził w kolonii artystów w Ogunquit i Groveland. Następnie, w latach 1947-1949, uczęszczał do Boston Museum School. Po powrocie do rodzinnego miasta na studia na Washington and Lee University (Lexington), został zachęcony do wstąpienia do Art Students League of New York (1950-1951). Tam też poznał malarzy Knoxa Martina i Roberta Rauschenberga. Za jego radą w latach 1951 i 1952 przebywał w Black Mountain College, niedaleko Asheville w Karolinie Północnej, miejscu wymiany i spotkań intelektualnych, gdzie gromadziła się nowojorska awangarda. Tam ocierał się o Franza Kline”a, Roberta Motherwella, Bena Shahna, poetę Charlesa Olsona, muzyka Johna Cage”a oraz tancerza i choreografa Merce”a Cunninghama.
Jego pierwsza wystawa odbyła się w listopadzie 1951 roku w Seven Stairs Gallery w Chicago za sprawą Aarona Siskinda; w tym samym czasie wystawiał w Kootz Gallery w Nowym Jorku za sprawą Roberta Motherwella. Stypendium Virginia Museum of Fine Arts w 1952 roku umożliwiło mu podróż z Robertem Rauschenbergiem do Europy, Hiszpanii, Włoch, Francji i Afryki Północnej od września 1952 do maja 1953 roku. W czasie tej podróży obaj malarze odkryli Rzym, Wenecję, Florencję, Asyż, a także Casablankę, Marrakesz i Tangier. Cy Twombly uczestniczył w wykopaliskach archeologicznych w łaźniach rzymskich.
Po powrocie do Stanów Zjednoczonych w 1953 roku Twombly i Rauschenberg wystawiali w Stable Gallery w Eleanord Ward, zbierając negatywne recenzje. Od jesieni 1953 do wiosny 1954 roku Twombly wypełniał swoje obowiązki wojskowe w służbach kryptograficznych w Waszyngtonie. Po powrocie do Nowego Jorku, przez pewien czas dzielił studio, które Robert Rauschenberg wynajmował przy Fulton Street. Jego nowojorskie życie naznaczyły nowe przyjaźnie, zwłaszcza z Jasperem Johnsem i Jacksonem Pollockiem, oraz nowe wystawy w Stable Gallery w 1956 i 1957 roku. Od 1959 roku wystawiał go Leo Castelli, znany nowojorski galerzysta włoskiego pochodzenia. W drugiej części swojej kariery związany był z Galerią Gagosian.
Przeczytaj także: biografie-pl – Podbój Meksyku przez Hiszpanów
Między Europą a Stanami Zjednoczonymi – Podróżnik
W 1957 roku, podczas drugiego pobytu we Włoszech, który miał być tymczasowy, zdecydował się osiąść na stałe w Rzymie. W tym samym roku poznał Tatianę Franchetti, malarkę i potomkinię rodziny mecenasów sztuki. Pobrali się w Nowym Jorku 20 kwietnia 1959 r. i mieli dziecko, Cyrusa Alessandro, urodzonego 18 grudnia tego samego roku. Od tego momentu Cy Twombly żył pomiędzy Europą a Stanami Zjednoczonymi, posiadając kolejno lub czasami jednocześnie rezydencje i pracownie w Rzymie, Nowym Jorku, Lexington, Sperlondze, Bolsenie, Bassano in Teverina, Gaecie oraz regularnie odwiedzając Roberta Rauschenberga na wyspie Captiva (Floryda).
Życie malarza naznaczone było licznymi podróżami, m.in. do Francji, gdzie mieszkał w Paryżu w hotelu La Louisiane, do Niemiec, Szwajcarii, Egiptu (1962), Jemenu (1983) i Indii (1973). Latem 1991 roku Cy Twomby podążył do Grecji szlakiem angielskiego poety romantycznego Lorda Byrona.
Przeczytaj także: bitwy – Bitwa pod Azincourt
Międzynarodowe uznanie
Twombly został zaproszony na Biennale w Wenecji w 1964 roku. W 1968 roku w Milwaukee Art Center odbyła się jego pierwsza retrospektywa w Stanach Zjednoczonych. Uznanie to zostało podkreślone w 1979 roku retrospektywą w Whitney Museum of American Art. Później wystawiał na całym świecie: Kunsthaus Zurich w 1987 roku, Musée national d”art moderne w Paryżu w 1988 roku, MoMA w Nowym Jorku w 1994 roku, a także w Houston w Teksasie (gdzie Menil Collection otworzyła w 1995 roku sekcję specjalnie przeznaczoną dla jego twórczości w budynku zaprojektowanym przez Renzo Piano w ścisłej współpracy z malarzem), w Los Angeles, w Berlinie… Muzeum Brandhorst w Monachium również prezentuje wiele jego dzieł (malarzowi poświęcona jest cała kondygnacja, której ozdobą jest cykl Lepanto z 2001 roku).
W 1996 r. otrzymał nagrodę Praemium Imperiale w kategorii Malarstwo, a w 2001 r. Złotego Lwa na Biennale Sztuki Współczesnej w Wenecji.
Cy Twombly zmarł 5 lipca 2011 roku w Rzymie.
Przeczytaj także: biografie-pl – Ptolemeusz IV Filopator
Krótka chronologia namalowanych dzieł
Twórczość Cy Twombly”ego można z grubsza podzielić na siedem następujących po sobie okresów.
Katalog raisonné umieszcza początek w 1948 roku, choć istnieje fotografia młodego człowieka w wieku 16 lat malującego na naturalnym pejzażu w Ogunquit, Maine (fotografia zatytułowana Cy Twombly with painting box + Umbrella of Charles Woodburry . Te wczesne obrazy są mało publikowane i mało znane.
W latach 1951-1953 artysta stosował w swoich płótnach gruby, chropowaty materiał, malując duże prymitywne, często falliczne formy. Tę fazę, zdominowaną przez chromatyzm ograniczony do czerni i bieli, odżywiła zwłaszcza podróż do Rzymu i Maghrebu z Robertem Rauschenbergiem.
Rok 1955 to rok serii obrazów, z których wszystkie, poza Panoramą, zaginęły. Zestaw, zniszczony przez artystę, znany jest dzięki fotografii wykonanej przez Roberta Rauschenberga w pracowni, którą dzielili przy Fulton Street w Nowym Jorku. Na tych płótnach lekka, poszarpana, abstrakcyjna biała linia biegnie przez jednolicie czarne tło. Cykl ten często porównywany jest do wysiłków Cy Twombly”ego, który podczas służby wojskowej (1953) próbował oduczyć się klasycznej techniki rysunku, ćwicząc w ciemności.
Lata 1955-1959, naznaczone przeprowadzką do Rzymu w 1957 r., wykazują pewną jedność w białości tła, na którym rozrzucone są różnego rodzaju drobne znaki. Okres ten obejmuje główne serie i prace, takie jak Academy, Criticism, Free Wheeler, etc. namalowane w 1955 roku w Nowym Jorku, zatytułowane przypadkowo przy współudziale Jaspera Johnsa i Roberta Rauschenberga, a czasem interpretowane jako odpowiedź na ostrą krytykę, jakiej Twombly doświadczył po swoich pierwszych wystawach (na Academy kilkakrotnie czytamy „Fuck”). Kontynuacją tej serii była Arkadia z 1958 roku, formalnie bardzo podobna, ale wykorzystująca zupełnie inny temat, nawiązujący przede wszystkim do Arkadii malowanych przez Nicolasa Poussina. W 1959 roku widzimy wiele wariantów tych białych powierzchni poprzecinanych dyskretnymi znakami z : serię Bez tytułu, zwaną Obrazami leksykalnymi, w której znaki rozpadają się na drobne byty, 24 rysunki z zestawu Wiersze do morza, będącego hołdem dla Stéphane”a Mallarmégo (odkrytego przez Twombly”ego w 1957 roku) i przywołującego płodność ciężarnej wówczas żony malarza, wreszcie zamykający rok, bo namalowany w noc sylwestrową 1959-1960, Wiek Aleksandra, inaugurujący niedawne ojcostwo artysty (18 grudnia 1959 roku urodził się jego syn).
Pięć kolejnych lat, od 1960 do 1964, zdominowała irracjonalna energia, wyrażająca się zarówno w sposobie wykonania (wyolbrzymiona kolorystyka, anarchiczne kompozycje, farba często nakładana bezpośrednio rękami), jak i w tematyce (seksualność, skatologia, przemoc pewnych mitów itp.). Cykl Ferragosto, nazwany tak na cześć pogańskiego święta, które Twombly przeżył w 1961 roku w bardzo gorącym klimacie, jest szczytowym osiągnięciem tego barokowego wybuchu. Te formy i tematy zbiegają się z nowym włoskim życiem Twombly”ego, ale także z wczesnym dzieciństwem jego syna. Jej pożywką były konfrontacje z wielką historią sztuki: Szkoła z Fontainebleau (1960, w nawiązaniu do Szkoły z Fontainebleau), Imperium Flory (1961, w związku z Nicolasem Poussinem), Wnętrze holenderskie (1961), dwie wersje Szkoły ateńskiej (1961 i 1964, w nawiązaniu do fresku Rafaela w Loży Watykańskiej, Achilles opłakujący śmierć Patroklosa (1962) itd. Punktem zwrotnym tego okresu była wystawa w galerii Leo Castelli w 1964 roku cyklu Dziewięć dyskursów o Commodusie (namalowanego w 1963 roku i opowiadającego o tragicznym życiu i śmierci rzymskiego cesarza Commodusa), ostro skrytykowanego zwłaszcza przez lidera minimal artu Donalda Judda.
Ta nowa konfrontacja z amerykańskimi krytykami spowolniła na kilka miesięcy twórczość Twombly”ego, zanim rozpoczął on okres znany jako „Obrazy tablicowe” (1966-1970), nazwane tak z powodu podobieństwa do szkolnej tablicy. Wykonane przy użyciu farby przemysłowej (tło) i kredki woskowej (formy), te liczne prace wyraźnie przypominają Panoramę i jej zniszczone odpowiedniki z 1955 roku. Motywy są jednak często bardziej rygorystyczne i surowe, co sprzyjało nawiązaniu do modnego wówczas w Stanach Zjednoczonych minimal artu. Pozostają odniesienia do sztuki, a nawet muzyki: tytułowa Straż nocna przywołuje Rembrandta, a Traktat o chuście (1970) zawdzięcza tyleż rysunkom draperii Leonarda da Vinci, co konkretnej kompozycji Pierre”a Henry”ego. Ten jałowy i rygorystyczny okres kontynuowały serie o odmiennej formie, ale podobnym duchu: Bolsena (1969, nazwana tak od włoskiego miasta, w którym powstały obrazy) oraz słynne Obrazy Nini (1970, nazwane tak od Nini Pirandello, żony niedawno zmarłego właściciela galerii i przyjaciela Twombly”ego). Pierwszy cykl multiplikuje adnotowane figury geometryczne, drugi zaś składa się z całopowierzchniowych przeplotów sugerujących niewypowiedziane w obliczu śmierci.
Kolejne czterdzieści lat, od 1971 do 2011 roku, mimo ciągłego odnawiania się twórczości Cy Twombly”ego, można połączyć w jedną całość. Odtąd dominował kolor, materiał obrazowy często płynął, szczególnie obecne było pismo (wiersze), a duże cykle stały się bardziej regularne (Pięćdziesiąt dni w Iliam, Zielone obrazy, Cztery pory roku, Koronacja Sesostrisa, Lepanto, Bachus, Piwonia, Róże itd.) Na ten okres przypada szczególnie długa realizacja największego obrazu artysty: rozpoczęty w 1972 roku Bez tytułu (Pożegnaj się, Katullusie, z brzegami Azji mniejszej) został ukończony w 1994 roku i wystawiony w Gagosian Gallery w Nowym Jorku, równolegle z wielką retrospektywą w MoMA. Malarz podejmuje na przemian tematykę elegijną (zwłaszcza miłość i wygnanie) i epicką (wojny starożytne i nowożytne). Ta dwoistość jest idealnie wyrażona w dwóch dużych pracach graficznych, które tworzą wisiorki: Apollo i artysta oraz Mars i artysta (1975). W ostatnich latach, zwłaszcza dzięki współpracy z klientami francuskimi (Yvon Lambert) i niemieckimi (małżeństwo Brandhorst), powstały bardzo duże kolorowe formaty (Bachus, Piwonia, Róże).
Przeczytaj także: biografie-pl – Ajschylos
Dzieło samo w sobie, łączące gestualność, mitologię i poezję
Twórczość Cy Twombly”ego rozwijała się na obrzeżach dominujących nurtów sztuki amerykańskiej i była zorganizowana w rozległe serie i cykle. Nigdy nie ilustracyjny, nigdy czysto abstrakcyjny, pozostaje poza debatami na temat figuracji, co stanowi pozorny paradoks formalny. Nadaje jej to wieloraki i niepowtarzalny charakter, co znajduje odzwierciedlenie w bogactwie i różnorodności jej prac na papierze.
Prezentując jego pierwszą wystawę w Paryżu w 1961 roku, Pierre Restany, krytyk sztuki współczesnej, napisał:
„Jego grafika jest poezją, reportażem, ukradkowym gestem, seksualnym uwolnieniem, pismem automatycznym, autoafirmacją, a także odmową… nie ma w niej ani składni, ani logiki, ale drżenie istoty, szept, który sięga dna rzeczy.
Prace malarskie wykazują dużą różnorodność pod względem techniki i problematyki. Wiele z jego płócien to białe powierzchnie, na których malowane są różnego rodzaju ślady: liczby, krzyżyki, geometryczne wzory, mazaki palców, bazgroły w kreskach lub pętlach, krwawe lub skatologiczne rozlewiska, wreszcie kilka słów (imiona bogów lub starożytnych bohaterów, wersy znanych poetów itp.) Farba olejna przyjmuje kolory nastrojów ciała (od kremowej bieli do brązu, przechodząc przez wszystkie gradacje różu i czerwieni) i miesza się z papierem i kolorowymi kredkami z dzieciństwa. Pismo jest pomieszane, duże litery mieszają się z małymi, najprostsze wyrazy są przekreślone. Po zakończeniu pracy większa część powierzchni płótna pozostaje pusta. Spotyka się tu więc forma dziecięcego prymitywizmu, głębia psychoanalizy i kultura klasyczna (która poprzez sposób wnikania w płótno i dobór tytułów wydaje się być zawsze absolutnym horyzontem uniwersum malarza).
„Twombly zbudował korpus inskrypcji regenerujących całą literacką, starożytną i nieaktywną kulturę. Jego sztuka jest walką z wymazywaniem prawdziwej wiedzy, tej o genezie bogów i świata oraz o jej mitycznym podłożu. Tak więc Twombly pozostawił nam stoły. Tablica materii, materia prima.
W ostatnich latach życia, mimo zaawansowanego wieku, artysta znacznie się odnowił. Od zgrubnie namalowanego motywu kolorowe smugi farby spływają do dolnej krawędzi płótna. Każdy motyw ma swoją barwę, tak że dno niektórych obrazów to zestawienie kropel, których barwy przeplatają się losowo. Energiczne bazgranie ustąpiło więc miejsca bardziej pojemnemu gestowi z płynną farbą, na którą działa grawitacja. Ponadto paleta jest bogatsza, a barwy (zwłaszcza żółcienie i czerwienie) osiągają rzadko spotykaną w historii malarstwa intensywność. Tu Twombly udowadnia swoje walory kolorystyczne. Temu wejściu w kolor towarzyszył nowy temat: kwiaty. Na kilkumetrowych płótnach lub deskach Twombly malował wyolbrzymione róże lub peonie w wielkich, wijących się ruchach. Motywom tym towarzyszą wiersze Rainera Marii Rilkego, Emily Dickinson, Patricii Waters, T.S. Eliotta czy Ingeborg Bachmann. Jedna stała pozostaje: odrzucenie mistrzostwa. Pismo jest przekreślane, przekreślane, czasem wymazywane; motywy udają niezdarność; grawitacja, w połączeniu z fakturą podłoża i lepkością farby, niszczy formy i generuje przypadkowe smugi. Cykle Lepanto, Blossoms i Roses są najlepszymi przykładami tych ostatnich innowacji.
W 2001 roku Cy Twombly został poproszony przez Haralda Szeemanna, dyrektora Biennale w Wenecji, o zaproponowanie wystawy na temat „The Foundation of Human Being”. Na tę okoliczność stworzył duży cykl narracyjny poświęcony bitwie pod Lepanto, słynnej bitwie morskiej, która rozegrała się 7 października 1571 roku w Grecji, w zatoce Lepanto. Ta wystawa nosi tytuł „Lepanto”. Zainteresowanie Twombly”ego tym tematem rozpoczęło się od przedstawienia bitwy na gobelinach wykonanych z zestawu obrazów Luca Cambiaso dla króla Hiszpanii Filipa II. Artysta zaaranżował „Lepanto” w sposób symfoniczny i filmowy, z czterema obrazami płomieni, spadających liści i bardzo abstrakcyjną relacją z bitwy. Apartament „Lepanto” został następnie umieszczony na stałe w Muzeum Brandhorst w Monachium.
Przeczytaj także: biografie-pl – Henri de Toulouse-Lautrec
Prace na papierze
U Cy Twombly”ego nie ma hierarchii między malarstwem a rysunkiem. Kilka z jego prac na papierze uważanych jest za najważniejsze w jego twórczości, jak Poematy do morza (1959) czy odpowiedniki Apollo i artysta oraz Mars i artysta z 1975 roku.
Pod koniec lat 50. na papierze pojawiają się graffiti i zadrapania, zestawione z literami, słowami i cyframi. Obok rozproszonych graffiti, często przekreślonych lub wręcz wymazanych, pojawiają się niekiedy prawdziwe cytaty.
W rysunkach z lat 60. następuje eksplozja materiału, przejawiająca się w intensywnym użyciu kolorowych ołówków i pasteli oraz powierzchni nasyconej graffiti i cyframi.
W latach 70. zajął się kolażem, w którym stworzył serię obrazów wykorzystujących ten sam motyw. Realizował wówczas bardzo duże formaty, poświęcone mitologii grecko-łacińskiej, która była źródłem jego twórczości od końca lat 50.
Użycie farby, a także ołówka i pasteli, nasiliło się na początku lat 90. i osiągnęło apogeum w serii rysunków z 2001 roku. Prace te, w których artysta zrywa z tradycyjnym podziałem na malarstwo i rysunek, stanowią bezprecedensowy szczyt w jego twórczości.
Przeczytaj także: biografie-pl – Edward Smith (1850–1912)
Rzeźba
Cy Twombly tworzył również rzeźby, asamblaże ze skromnych przedmiotów, które pokrywał białą farbą. Zdjęcie z 1946 roku pokazuje prekursorstwo tych badań. Swoją estetykę ugruntował już w 1948 roku pracą bez tytułu, złożoną w szczególności z porcelanowych gałek do drzwi (przechowywaną w Art Institute of Chicago). Kontynuował ten wątek podczas miesięcy spędzonych w studio Roberta Rauschenberga przy Fulton Street w Nowym Jorku po 1952 roku i kontynuował go przez całą karierę. Kwiaty, łodzie, zabytki i mitologie stanowią wspólne tematy malowanych prac. Unifikacja form zespolonych białą farbą przywołuje znaczenie bieli w całej twórczości Twombly”ego (biel papieru, płótna etc.), ale w przypadku rzeźb kojarzona jest przez samego artystę z antycznym marmurem.
Przeczytaj także: biografie-pl – Epoka hellenistyczna
Fotografia
Twombly jest również fotografem, w którym to zajęciu odnajdujemy skromność i poetycką łagodność przenikającą całą jego twórczość.
1980s
1990s
2000s
Rok 2010
Trzy studia Twombly”ego dla odważnych (1998-1999) zostały zakupione w 2004 roku przez Galerię Sztuki Nowej Południowej Walii za 4,5 mln A$.
W 2015 roku obraz Cy Twombly”ego z 1968 roku, wyceniony na 60 milionów dolarów i przedstawiający sześć linii czegoś, co wygląda jak białe, okrągłe bazgroły na szarej tablicy, sprzedał się na aukcji w Nowym Jorku za 70,5 miliona dolarów.
W 2017 roku na aukcji w Christie”s duży obraz Twombly”ego z 1962 roku „Leda i łabędź” osiągnął cenę 52,8 mln dolarów (47 mln euro).
Przeczytaj także: mitologia_p – Herakles
Sprawa „pocałunku”
W 2007 roku w Hôtel de Caumont, gdzie mieści się Collection Lambert w Awinionie, odbyła się wystawa poświęcona Cy Twombly”emu zatytułowana Blooming, a scattering of Blossoms and other Things.
Podczas tej wystawy artystka z Kambodży, Rindy Sam, na białym płótnie Tryptyku poświęconego Platońskiemu Fajdrosowi umieściła odcisk swoich ust umazanych szminką, poważnie degradując ten szacowany na 2 miliony euro zespół. Młody człowiek stawił się przed sądem w Awinionie w dniu 9 października 2007 r. Wyrok został wydany w listopadzie. Zażądano grzywny w wysokości 4.500 euro.
Wyrok z dnia 16 listopada: Rindy Sam zostaje zobowiązana do zapłaty 1 500 euro odszkodowania (500 euro na rzecz Fundacji) oraz 1 euro odszkodowania na rzecz Cy Twombly”ego, zgodnie z żądaniem artysty. Wyznaczono również karę 100 godzin prac społecznych. Decyzję o kosztach przywrócenia dzieła sąd odroczył do 28 lutego 2008 roku. Jego prawnicy, Patrick Gontard i Jean-Michel Ambrosino, zaproponowali, aby dzieło zostało zastąpione nowym, identycznym płótnem.
2 czerwca 2009 r. sąd apelacyjny w Nîmes nakazał mu zapłacić 18.840 euro na rzecz kolekcji Lambertów za koszty renowacji obrazu. Decyzja ta jest zgodna z decyzją wydaną w pierwszej instancji przez sąd karny w Awinionie w sierpniu 2008 r. Musi też zapłacić 500 euro malarzowi, ale także Yvonowi Lambertowi, właścicielowi obrazu i kolekcji, w której się on znajduje, za wydatki związane z ich obroną.
Przeczytaj także: biografie-pl – George Gordon Byron
Sufit w Luwrze
Paryskie muzeum Musée du Louvre zleciło Twombly”emu stworzenie stałego sufitu, który od 2010 roku zdobi jedną z jego głównych sal (Sala Grecka z Brązu). Jest to drugie zlecenie od państwa francuskiego po kurtynie scenicznej dla Opéra Bastille w 1989 roku. 23 marca 2010 roku Cy Twombly wziął udział w inauguracji swojego sufitu o powierzchni 400 m2, zatytułowanego The Cieling, w Salonie Brązów na pierwszym piętrze skrzydła Sully. Ten „błękitny” sufit Giotta ma na krawędzi prostokąta, który tworzy, około czterdziestu okręgów w innych kolorach, przedstawiających starożytne tarcze i siedem kartuszy z nazwiskami siedmiu słynnych rzeźbiarzy greckiego antyku: Cefisodota, Lysippusa, Myrona, Fidiasza, Poliklita, Praksytelesa i Scopasa.
Z tej okazji Cy Twombly został mianowany kawalerem Legii Honorowej przez ministra kultury Frédérica Mitterranda.
W lutym 2021 roku Fundacja Cy Twombly”ego potępiła „ohydny afront” ze strony Luwru po zmianie aranżacji sali, „całkowitą zmianę jakości światła dziennego, które jest pochłaniane przez czerwone ściany, zamiast być odbijane przez białe i w ten sposób oświetlać kolory wybrane dla sufitu”. W rezultacie sufit utracił delikatną i zwiewną atmosferę projektu artysty i został obciążony nowym, sztucznym chromatyzmem. Ich zdaniem jest to „poważne uszkodzenie dzieła Twombly”ego, naruszające prawa moralne artysty” i Fundacja zabiega o interwencję Ministerstwa Kultury.
Przeczytaj także: biografie-pl – Herodot
Charles Olson
Poeta Charles Olson wspierał Cy Twombly”ego, gdy ten był rezydentem w Black Mountain College w 1951 i 1952 roku. W 1951 roku napisał poemat prozą zatytułowany Cy Twombly, w którym czytamy:
” Pojawił się człowiek, który zajmował się bielą. I z przestrzenią. Był Amerykaninem. I być może jego geniusz tkwił najbardziej w niewinności, a nie w niezbędnej teraz szczerości. W każdym razie, nie został zrozumiany. „
Przeczytaj także: biografie-pl – Banksy
Roland Barthes
Roland Barthes, którego analiza twórczości Cy Twombly”ego jest jedną z najbardziej wnikliwych, pisze w ważnym tekście dedykowanym „Yvonowi, Renaudowi i Williamowi”:
„Jak nazwać to, co robi? Słowa pojawiają się spontanicznie („rysunek”, „grafizm”, „bazgranie”, „lewy”, „dziecinny”). I od razu pojawia się problem językowy: te słowa, jednocześnie (co jest bardzo dziwne), nie są ani fałszywe, ani zadowalające: bo z jednej strony dzieło TW pokrywa się dobrze z jego wyglądem, i trzeba śmiało powiedzieć, że jest płaskie; ale z drugiej strony – i to jest zagadka – ten wygląd nie pokrywa się dobrze z językiem, który tyle prostoty i niewinności powinien w nas patrzących wzbudzać… Materiał pokaże swoją istotę, pokaże nam pewność swojej nazwy: to jest ołówek. „
„Wspomnienie jest opowiadane, przyjemność jest celebrowana. Nazwisko, aluzyjny obraz, dedykacja, data. Wszystko bez krawędzi, w ruchu, jakby rzucone w płaski zachwyt. Można w nim rozpoznać boga, jeśli się chce. Nie byle jakiego boga. Ani w żadnym momencie, ani pod żadną maską. „Wtedy rozpoznał boga”. Klasyczna sytuacja homerycka, teofania kryjąca się za najbanalniejszą niekiedy epifanią. Zaproszenie Twombly”ego jest wyraźnie w tym porządku. Jego spokojny i stanowczy bohater – on sam – zapisuje te rewelacje.”
– Philippe Sollers, „Les épiphanies de Twombly”, w: Éloge de l”infini
„W twórczości Twombly”ego niewiele jest obszarów czy inspiracji, które podobają mi się mniej, a bardzo niewiele takich, które nie podobają mi się wcale. Ale jest jedna dziedzina, którą kocham ponad wszystko, to prawda, i jest to wielka dziedzina liryczna, dziedzina hołdów, często w poliptykach, dla Goethego, Sapho, Wergiliusza, Teokryta czy Valéry”ego. Poezja plastyczna nie przestaje wzruszać, bo jakkolwiek literacko natchniona, naładowana najszlachetniejszą i najmiłościwszą kulturą, jest oddechem, powietrzem, podróżą, pejzażem i szelestem liści, zapachem góry w widoku morza.
– w Renaud Camus, Aguets – Dziennik 1988
– w Écriture poétique et langage plastique (Au même titre éditions)
„Praca Cy Twombly”ego jest pracą osądzającą, jej obecność jest oczywista i zniewalająca. To już jest w oku patrzącego, to wymaga, to wykracza poza przekonania. Jesteś w tym bezpośrednim związku lub jest pominięty, to nie będzie dla Ciebie, nie tym razem. Jesteś skompromitowany w jego geście, jesteś częścią jego kolażu. To jest to, rozumie człowieka, który do niego podchodzi, jest częścią jego inscenizacji, jest w nim, jest częścią jego komentarza.
– w Marcelin Pleynet „Dessein des lettres des chiffres et des mots. Malowanie ze słuchu” (1974)
Źródła
