Diane Arbus
gigatos | 31 grudnia, 2021
Streszczenie
Diane Arbus (14 marca 1923 – 26 lipca 1971) Zdjęcia Arbus pomogły znormalizować marginalizowane grupy i podkreślić znaczenie właściwej reprezentacji wszystkich ludzi. Fotografowała szeroką gamę obiektów, w tym striptizerki, karnawałowych performerów, nudystów, krasnoludki, dzieci, matki, pary, osoby starsze i rodziny z klasy średniej. Fotografowała swoich podopiecznych w dobrze znanych miejscach: w ich domach, na ulicy, w miejscu pracy, w parku. „Zauważa się u niej rozszerzanie pojęć dopuszczalnej tematyki i naruszanie kanonów odpowiedniego dystansu między fotografem a obiektem. Zaprzyjaźniając się, a nie uprzedmiotawiając swoje obiekty, była w stanie uchwycić w swoich pracach rzadką intensywność psychologiczną.” Arthur Lubow w swoim artykule z 2003 roku w New York Times Magazine, „Arbus Reconsidered”, stwierdza: „Fascynowali ją ludzie, którzy w widoczny sposób tworzyli swoją własną tożsamość – przebierańcy, nudyści, tancerze, wytatuowani mężczyźni, nowobogaccy, fani gwiazd filmowych – i ci, którzy byli uwięzieni w mundurze, który nie zapewniał już żadnego bezpieczeństwa ani komfortu.” Michael Kimmelman w swojej recenzji wystawy Diane Arbus Revelations pisze, że jej prace „przekształciły sztukę fotografii (Arbus jest wszędzie, na dobre i na złe, w pracach dzisiejszych artystów, którzy robią zdjęcia)”.
Już za życia zdobyła pewne uznanie i sławę, publikując, począwszy od 1960 roku, swoje zdjęcia w takich magazynach jak Esquire, Harper”s Bazaar, londyński Sunday Times Magazine i Artforum. W 1963 roku Fundacja Guggenheima przyznała Arbus stypendium za jej projekt zatytułowany „American Rites, Manners and Customs”. Stypendium zostało odnowione w 1966 roku. John Szarkowski, dyrektor ds. fotografii w Museum of Modern Art (MoMA) w Nowym Jorku w latach 1962-1991, był orędownikiem jej prac i włączył je do swojej wystawy New Documents z 1967 roku wraz z pracami Lee Friedlandera i Garry”ego Winogranda. Jej fotografie znalazły się również na wielu innych dużych wystawach zbiorowych: 86
W 1972 roku, rok po jej samobójstwie, Arbus została pierwszą fotografką, która znalazła się na Biennale w Wenecji: 51-52, gdzie jej zdjęcia były „przytłaczającą sensacją Pawilonu Amerykańskiego” oraz „niezwykle mocne i bardzo dziwne”.
Pierwsza duża retrospektywa twórczości Arbus odbyła się w 1972 roku w MoMA, zorganizowana przez Szarkowskiego. Retrospektywa zgromadziła największą frekwencję spośród wszystkich dotychczasowych wystaw w historii MoMA. Miliony osób obejrzało objazdowe wystawy jej prac w latach 1972-1979. Książka towarzysząca wystawie, Diane Arbus: An Aperture Monograph, pod redakcją Doona Arbusa i Marvina Israela, wydana po raz pierwszy w 1972 roku, nigdy nie wyszła z druku.
Arbus urodziła się jako Diane Nemerov jako córka Davida Nemerova i Gertrudy Russek Nemerov, żydowskiego małżeństwa – imigrantów z Rosji Radzieckiej – którzy mieszkali w Nowym Jorku i byli właścicielami Russeks, domu towarowego przy Piątej Alei, którego współzałożycielem był dziadek Arbus, Frank Russek. Ze względu na bogactwo rodziny, Arbus dorastając w latach 30. ubiegłego wieku była chroniona przed skutkami Wielkiego Kryzysu. Jej ojciec został malarzem po przejściu na emeryturę z Russeków. Jej młodsza siostra została rzeźbiarką i projektantką, a starszy brat, poeta Howard Nemerov, wykładał język angielski na Washington University w St. Louis i został mianowany Laureatem Poety Stanów Zjednoczonych. Synem Howarda jest historyk sztuki, amerykanista Alexander Nemerov.
Rodzice Arbus nie angażowali się zbytnio w wychowanie dzieci, którymi opiekowały się pokojówki i guwernantki. Jej matka prowadziła intensywne życie towarzyskie i przez około rok przechodziła okres klinicznej depresji, po czym wyzdrowiała, a ojciec był zajęty pracą. Diane odseparowała się od rodziny i swojego wystawnego dzieciństwa.
Arbus uczęszczała do szkoły Ethical Culture Fieldston School, która była szkołą przygotowawczą. W 1941 r., w wieku 18 lat, poślubiła ukochanego z dzieciństwa, Allana Arbusa. W 1945 r. urodziła się ich córka Doon, która miała zostać pisarką, a w 1954 r. córka Amy, która miała zostać fotografką. Arbus i jej mąż pracowali razem w fotografii komercyjnej od 1946 do 1956 roku, ale Allan pozostał bardzo wspierający jej pracę nawet po tym, jak opuściła firmę i rozpoczęła niezależny związek z fotografią.
Arbus i jej mąż rozstali się w 1959 roku, choć nadal pozostawali w bliskiej przyjaźni. Para nadal korzystała ze wspólnej ciemni, gdzie asystenci Allana obrabiali jej negatywy, a ona drukowała swoje prace. Para rozwiodła się w 1969 roku, kiedy Allan przeniósł się do Kalifornii, by zająć się aktorstwem. Był popularnie znany z roli Dr. Sidneya Freedmana w serialu telewizyjnym M*A*S*H. Przed jego przeprowadzką do Kalifornii, Allan założył jej ciemnię fotograficzną,:: 198 i od tego czasu utrzymywali długą korespondencję.: 224
Pod koniec 1959 roku Arbus rozpoczęła związek z dyrektorem artystycznym i malarzem Marvinem Israelem, który trwał do jej śmierci. Przez cały ten czas pozostawał w związku małżeńskim z Margaret Ponce Israel, znakomitą artystką zajmującą się mieszanymi mediami. Marvin Israel zarówno pobudzał Arbus twórczo, jak i był orędownikiem jej pracy, zachęcając ją do stworzenia pierwszego portfolio. Wśród innych fotografów i artystów, z którymi się zaprzyjaźniła, Arbus była blisko związana z fotografem Richardem Avedonem; był on mniej więcej w tym samym wieku, jego rodzina również prowadziła dom towarowy przy Piątej Alei, a wiele jego zdjęć również charakteryzowało się szczegółowymi pozami frontalnymi.
Arbus otrzymała swój pierwszy aparat fotograficzny, Graflex, od Allana wkrótce po ślubie. Niedługo potem zapisała się na zajęcia z fotografką Berenice Abbott. Zainteresowania fotografią doprowadziły Arbusów w 1941 roku do odwiedzenia galerii Alfreda Stieglitza i poznania fotografów Mathew Brady”ego, Timothy”ego O”Sullivana, Paula Stranda, Billa Brandta i Eugène”a Atgeta. Na początku lat 40. ojciec Diane zatrudnił ich do robienia zdjęć do reklam domu towarowego. Allan był fotografem Korpusu Sygnalistów Armii Stanów Zjednoczonych w czasie II wojny światowej.
W 1946 r., po wojnie, Arbusowie rozpoczęli działalność w zakresie fotografii komercyjnej pod nazwą „Diane & Allan Arbus”, w której Diane była dyrektorem artystycznym, a Allan fotografem. To ona wymyślała koncepcje sesji zdjęciowych, a następnie zajmowała się modelami. Stała się niezadowolona z tej roli, którą nawet jej mąż uważał za „poniżającą”. Pisali do Glamour, Seventeen, Vogue i innych magazynów, mimo że „oboje nienawidzili świata mody”. Pomimo ponad 200 stron ich modowych edytoriali w Glamour i ponad 80 stron w Vogue, fotografia mody Arbusów została określona jako „średniej jakości”. Na wystawie fotografii Edwarda Steichena z 1955 roku, The Family of Man, znalazło się zdjęcie Arbusów przedstawiające ojca i syna czytających gazetę.
W 1954 roku studiowała krótko u Alexeya Brodovicha. Jednak to studia u Lisette Model, rozpoczęte w 1956 roku, zachęciły Arbus do skupienia się wyłącznie na własnej twórczości. W tym samym roku Arbus zrezygnowała z pracy w branży fotografii komercyjnej i zaczęła numerować swoje negatywy. (Jej ostatni znany negatyw został oznaczony jako
Do 1956 roku pracowała z aparatem Nikon 35 mm, wędrując po ulicach Nowego Jorku i spotykając swoich fotografów w dużej mierze, choć nie zawsze, przypadkowo. Arbus powracała do koncepcji tożsamości osobistej jako społecznie skonstruowanej, niezależnie od tego, czy byli to performerzy, kobiety i mężczyźni w makijażu, czy też dosłowna maska zasłaniająca twarz. Krytycy spekulują, że wybory dokonywane przez artystkę odzwierciedlały jej własne problemy z tożsamością, ponieważ twierdziła ona, że jedyną rzeczą, na którą cierpiała w dzieciństwie, było to, że nigdy nie odczuwała przeciwności losu. To przerodziło się w tęsknotę za rzeczami, których nie można kupić za pieniądze, takimi jak doświadczenia w podziemnym świecie społecznym. Często chwalona jest za współczucie dla tych tematów, które nie wynika bezpośrednio z samych obrazów, ale z jej pisarstwa i świadectw portretowanych mężczyzn i kobiet. Kilka lat później, w 1958 roku, zaczęła sporządzać listy osób i rzeczy, które chciałaby sfotografować. W 1959 roku zaczęła fotografować na zlecenie dla takich magazynów jak Esquire, Harper”s Bazaar i The Sunday Times Magazine.
Około 1962 roku Arbus przestawiła się z aparatu 35 mm Nikon, który produkował ziarniste, prostokątne zdjęcia charakterystyczne dla jej pracy poststudyjnej: 55 na lustrzankę dwuobiektywową Rolleiflex, która produkowała bardziej szczegółowe, kwadratowe obrazy. Wyjaśniła to przejście mówiąc: „Na początku fotografowania robiłam bardzo ziarniste rzeczy. Byłam zafascynowana tym, co robiło ziarno, ponieważ tworzyło ono rodzaj gobelinu z tych wszystkich małych kropek… Ale kiedy pracowałam przez jakiś czas z tymi wszystkimi kropkami, nagle zapragnęłam strasznie się przez nie przebić. Chciałam dostrzec prawdziwe różnice między rzeczami… Zaczęłam się strasznie napalać na klarowność.”: 8-9 W 1964 roku Arbus oprócz Rolleiflexa zaczęła używać aparatu 2-14 Mamiyaflex z lampą błyskową.: 59
O stylu Arbus mówi się, że jest „bezpośredni i pozbawiony ozdobników, portret frontalny w kwadratowym formacie. Jej pionierskie użycie lampy błyskowej w świetle dziennym odizolowało fotografowane osoby od tła, co przyczyniło się do surrealistycznej jakości zdjęć”. Jej metody obejmowały nawiązanie silnej osobistej relacji z fotografowanymi osobami i ponowne fotografowanie niektórych z nich przez wiele lat.
Pomimo szerokiej publikacji i osiągnięcia pewnego uznania artystycznego, Arbus z trudem utrzymywała się ze swojej pracy. „Za jej życia nie było rynku na kolekcjonowanie fotografii jako dzieł sztuki, a jej odbitki zazwyczaj sprzedawały się za 100 dolarów lub mniej”. Z jej korespondencji jasno wynika, że brak pieniędzy był stałym problemem.
W 1963 roku Arbus otrzymała stypendium Guggenheima na projekt dotyczący „amerykańskich rytuałów, manier i zwyczajów”; stypendium zostało odnowione w 1966 roku.
Przez całe lata 60. Arbus utrzymywała się głównie z przyjmowania zleceń od magazynów i zamówień. Na przykład w 1968 roku wykonała dokumentalne zdjęcia biednych chłopów parcelujących ziemię na wsi w Południowej Karolinie (dla magazynu Esquire). W 1969 roku bogaty i znany aktor i właściciel teatru, Konrad Matthaei, oraz jego żona, Gay, zlecili Arbus sfotografowanie rodzinnego spotkania bożonarodzeniowego. W czasie swojej kariery Arbus sfotografowała Mae West, Ozziego Nelsona i Harriet Nelson, Benneta Cerfa, ateistkę Madalyn Murray O”Hair, Normana Mailera, Jayne Mansfield, Eugene”a McCarthy”ego, miliardera H. L. Hunta, dziecko Glorii Vanderbilt, Andersona Coopera, Corettę Scott King i Marguerite Oswald (matkę Lee Harveya Oswalda). Ogólnie rzecz biorąc, jej zlecenia dla magazynów malały wraz ze wzrostem jej sławy jako artystki. Szarkowski zatrudnił Arbus w 1970 roku do przygotowania wystawy na temat fotoreportażu „From the Picture Press”; zawierała ona wiele zdjęć Weegee, którego prace Arbus podziwiała. Uczyła także fotografii w Parsons School of Design i Cooper Union w Nowym Jorku oraz w Rhode Island School of Design w Providence, Rhode Island.
Pod koniec kariery artystki Metropolitan Museum of Art zaproponowało jej zakup trzech jej fotografii za 75 dolarów każda, ale powołując się na brak funduszy, kupiło tylko dwie. Jak napisała do Allana Arbusa: „Myślę więc, że bycie biednym nie jest hańbą”: 63
Począwszy od 1969 roku Arbus podjęła się wykonania serii fotografii ludzi w ośrodkach dla osób niepełnosprawnych intelektualnie i umysłowo w New Jersey, którą pośmiertnie nazwała Bez tytułu. Arbus wielokrotnie wracała do kilku ośrodków na przyjęcia z okazji Halloween, pikniki i potańcówki. W liście do Allana Arbusa z 28 listopada 1969 roku opisała te fotografie jako „liryczne, czułe i ładne”: 203
Artforum opublikowało w maju 1971 roku sześć fotografii, w tym zdjęcie okładkowe, z portfolio Arbus, A box of ten photographs. Po spotkaniu z Arbus i jej portfolio, Philip Leider, ówczesny redaktor naczelny Artforum i sceptyk fotografii, przyznał: „Dzięki Diane Arbus można było zainteresować się fotografią lub nie, ale nie można było już … zaprzeczyć jej statusowi jako sztuki”. Była ona pierwszą fotografką, która pojawiła się na łamach Artforum, a „przyjęcie Arbus przez Leidera do tego krytycznego bastionu późnego modernizmu było kluczowe w zmianie postrzegania fotografii i wprowadzeniu jej do sfery ”poważnej” sztuki”: 51
Pierwsza duża wystawa jej zdjęć miała miejsce w Museum of Modern Art we wpływowej wystawie New Documents (1967), obok prac Garry”ego Winogranda i Lee Friedlandera, której kuratorem był John Szarkowski. New Documents, która przyciągnęła prawie 250 000 zwiedzających, pokazała zainteresowanie Arbus tym, co Szarkowski określił mianem „słabości społeczeństwa” i przedstawiła to, co opisał jako „nową generację fotografów dokumentalnych… których celem nie jest reforma życia, ale jego poznanie”, opisaną w innym miejscu jako „fotografia, która podkreśla patos i konflikty współczesnego życia, przedstawiona bez redagowania i sentymentalizowania, ale z krytycznym, obserwującym okiem”. Wystawa była polaryzująca i spotkała się zarówno z pochwałami, jak i krytyką. Niektórzy uznali Arbus za bezinteresownego podglądacza, inni zaś chwalili ją za wyraźną empatię wobec swoich podopiecznych.
W 2018 roku The New York Times opublikował spóźniony nekrolog Arbus w ramach projektu Overlooked history. Smithsonian American Art Museum mieściło ekskluzywną wystawę od 6 kwietnia 2018 roku do 27 stycznia 2019 roku, która zawierała jedno z portfolio Arbus, A box of ten photographs. SAAM jest jedynym muzeum, które obecnie wystawia tę pracę. Kolekcja jest „jednym z zaledwie czterech kompletnych wydań, które Arbus wydrukowała i opatrzyła adnotacjami. Trzy pozostałe edycje – artystka nigdy nie zrealizowała planu wykonania 50 sztuk – znajdują się w rękach prywatnych”. Edycja dla Smithsonian została wykonana dla Bea Feitler, dyrektora artystycznego, który zarówno zatrudniał Arbus, jak i zaprzyjaźnił się z nią. Po śmierci Feitler, kolekcjoner z Baltimore, G.H. Dalsheimer, kupił jej portfolio od Sotheby”s w 1982 roku za 42,900 dolarów. Następnie SAAM odkupiło je od Dalsheimera w 1986 roku. Portfolio zostało odłożone w kolekcji muzeum, aż do 2018 roku.
Arbus doświadczała w swoim życiu „epizodów depresyjnych”, podobnych do tych, które przeżywała jej matka; epizody te mogły się nasilać z powodu objawów zapalenia wątroby. W 1968 roku Arbus napisała list do przyjaciółki, Carlotty Marshall, w którym pisze: „Często się wznoszę i upadam. Może zawsze taka byłam. Po części dzieje się tak, że przepełnia mnie energia i radość, zaczynam wiele rzeczy lub myślę o tym, co chcę zrobić, i zapiera mi dech w piersiach z podniecenia, a potem nagle, albo z powodu zmęczenia, albo rozczarowania, albo czegoś bardziej tajemniczego, energia znika, pozostawiając mnie znękaną, przytłoczoną, zrozpaczoną, przerażoną tym, na co tak bardzo miałam ochotę! Jestem pewna, że jest to dość klasyczne”. Jej były mąż zauważył kiedyś, że miała ona „gwałtowne zmiany nastroju”. 26 lipca 1971 roku, mieszkając w Westbeth Artists Community w Nowym Jorku, Arbus zmarła śmiercią samobójczą, zażywając barbiturany i podcinając sobie żyły brzytwą. W swoim dzienniku napisała słowa „Ostatnia Wieczerza”, a swój terminarz położyła na schodach prowadzących do łazienki. Marvin Israel znalazł jej ciało w wannie dwa dni później; miała 48 lat. Fotograf Joel Meyerowitz powiedział dziennikarzowi Arthurowi Lubow: „Jeśli wykonywała taką pracę, jaką wykonywała, a fotografia nie wystarczyła, by utrzymać ją przy życiu, jaką mieliśmy nadzieję?”.
Jej twórczość wywarła taki wpływ na innych fotografów, że trudno już pamiętać, jak bardzo była oryginalna” – pisał krytyk sztuki Robert Hughes w listopadowym numerze magazynu „Time” z 1972 roku. Nazywana jest „postacią, która odegrała kluczową rolę w nowoczesnej fotografii i wywarła wpływ na trzy pokolenia fotografów” i powszechnie uważana jest za jedną z najbardziej wpływowych artystek ubiegłego wieku.
Kiedy w 1980 roku film Lśnienie w reżyserii Stanleya Kubricka wszedł na ekrany kin na całym świecie i odniósł ogromny sukces, miliony widzów zetknęło się z dziedzictwem Diane Arbus, nie zdając sobie z tego sprawy. Powtarzające się w filmie postacie identycznych bliźniaczek noszących identyczne sukienki pojawiły się na ekranie w wyniku sugestii, jaką Kubrick otrzymał od członka ekipy Leona Vitali. Historyk filmu Nick Chen opisuje go jako „prawą rękę Kubricka od połowy lat 70-tych”. Chen ujawnia dalej: „Vitali nie tylko nagrał na kasety wideo i przeprowadził wywiady z 5000 dzieci, aby znaleźć syna Jacka Nicholsona, Danny”ego, ale był również odpowiedzialny za odkrycie przerażających sióstr bliźniaczek w ostatnim dniu przesłuchań. Para, w rzeczywistości, nie była bliźniakami w scenariuszu Kubricka i to właśnie Vitali natychmiast zasugerował niesławne zdjęcie Diane Arbus przedstawiające dwie identyczne siostry bliźniaczki jako punkt odniesienia.”
Ponieważ Arbus zmarła bez testamentu, odpowiedzialność za nadzór nad jej twórczością spadła na jej córkę, Doon. Zabroniła ona badania korespondencji Arbus i często odmawiała zgody na wystawę lub reprodukcję fotografii Arbus bez uprzedniego sprawdzenia, co wzbudziło gniew wielu krytyków i naukowców. Redaktorzy jednego z czasopism akademickich opublikowali w 1993 roku dwustronicową skargę na kontrolę posiadłości nad zdjęciami Arbus i jej próby cenzurowania charakterystyki obiektów i motywów fotografki w artykułach o Arbus. W artykule z 2005 roku, zezwolenie posiadłości na reprodukcję tylko piętnastu zdjęć przez brytyjską prasę nazwano próbą „kontrolowania krytyki i debaty”. Z drugiej strony, w Stanach Zjednoczonych powszechną praktyką instytucjonalną jest dołączanie do zestawu prasowego wystawy jedynie kilku zdjęć do wykorzystania przez media. W 2008 roku skrytykowano również posiadłość za pomniejszanie znaczenia wczesnych komercyjnych prac Arbus, mimo że zdjęcia te zostały wykonane przez Allana Arbusa i przypisane do Diane and Allan Arbus Studio. W 2011 roku w The Guardian ukazała się recenzja książki An Emergency in Slow Motion: The Inner Life of Diane Arbus autorstwa Williama Todda Schultza odnosi się do „…słynnej kontrolującej posiadłości Arbus, która, jak Schultz to ostatnio ujął, ”wydaje się mieć ten pomysł, z którym się nie zgadzam, że każda próba interpretacji sztuki umniejsza sztukę.””
Twórczość Diane Arbus była przedmiotem ponad dwudziestu pięciu dużych wystaw indywidualnych, ośmiu autoryzowanych publikacji i niezliczonych artykułów krytycznych.
W 1972 roku Arbus była pierwszą fotografką, która znalazła się na Biennale w Wenecji; jej zdjęcia opisywano jako „przytłaczającą sensację Pawilonu Amerykańskiego” i „niezwykłe osiągnięcie”.
Pod koniec 1972 roku w Museum of Modern Art odbyła się retrospektywa prac Arbus, której kuratorem był John Szarkowski, a która następnie podróżowała po Stanach Zjednoczonych i Kanadzie do 1975 roku; szacuje się, że wystawę obejrzało ponad siedem milionów osób. Inna retrospektywa, której kuratorami byli Marvin Israel i Doon Arbus, podróżowała po świecie w latach 1973-1979.
Doon Arbus i Marvin Israel zredagowali i zaprojektowali książkę z 1972 roku, Diane Arbus: an Aperture Monograph, wydaną przez Aperture i towarzyszącą wystawie w Museum of Modern Art. Zawierała ona osiemdziesiąt fotografii Arbus, a także teksty z zajęć, które prowadziła w 1971 roku, niektóre z jej pism i wywiady,
W latach 2001-2004 Diane Arbus: an Aperture Monograph została uznana za jedną z najważniejszych książek fotograficznych w historii.
Neil Selkirk, były student, rozpoczął drukowanie na potrzeby retrospektywy w MOMA w 1972 roku i Aperture Monograph: 214, 269 Pozostaje on jedyną osobą, która jest upoważniona do wykonywania pośmiertnych odbitek prac Arbus.
Półgodzinny film dokumentalny o życiu i twórczości Arbus znany pod tytułem Mistrzowie fotografii: Diane Arbus lub Going Where I”ve Never Been: The Photography of Diane Arbus został wyprodukowany w 1972 roku i wydany na wideo w 1989 roku.
Patricia Bosworth napisała nieautoryzowaną biografię Arbus, opublikowaną w 1984 roku. Bosworth podobno „nie otrzymała żadnej pomocy od córek Arbus, ani od ich ojca, ani od dwóch jej najbliższych i najbardziej przewidujących przyjaciół, Avedona i … Marvina Israela”. Książka została również skrytykowana za niedostateczne uwzględnienie słów samej Arbus, za spekulacje na temat brakujących informacji oraz za skupienie się na „seksie, depresji i sławnych ludziach”, zamiast na sztuce Arbus.
W latach 2003-2006 Arbus i jej twórczość były przedmiotem innej dużej wystawy objazdowej, Diane Arbus Revelations, zorganizowanej przez Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco. Wystawie towarzyszyła książka o tym samym tytule, na którą składały się artefakty, takie jak korespondencja, książki i aparaty fotograficzne, a także 180 fotografii autorstwa Arbus. Poprzez „upublicznienie znacznych fragmentów listów, dzienników i notatników Arbus” wystawa i książka „podjęły się upomnienia się o centralne miejsce podstawowych faktów związanych z życiem i śmiercią artystki”. Ponieważ majątek Arbus zaaprobował wystawę i książkę, chronologia w niej zawarta jest „efektywnie pierwszą autoryzowaną biografią fotografki”.
W 2006 roku ukazał się film fabularny Fur: an Imaginary Portrait of Diane Arbus, w którym w rolę Arbus wcieliła się Nicole Kidman; jako źródło inspiracji wykorzystano nieautoryzowaną biografię Patricii Bosworth Diane Arbus: A Biography. Krytycy nie zgodzili się z „bajkowym” przedstawieniem Arbus w tym filmie.
Metropolitan Museum of Art zakupiło dwadzieścia fotografii Arbus (wycenianych na miliony dolarów) i otrzymało w darze od jej majątku w 2007 roku archiwum Arbus, zawierające setki wczesnych i unikatowych fotografii, a także negatywy i odbitki stykowe z 7500 rolek filmu.
W 2018 roku The New York Times opublikował spóźniony nekrolog Arbus w ramach projektu Overlooked history.
Niektórzy z fotografowanych przez Diane Arbus osób oraz ich krewni wypowiadali się na temat swoich doświadczeń związanych z fotografowaniem przez Diane Arbus:
Do najbardziej znanych fotografii Arbus należą:
Ponadto, A box of ten photographs Arbus to portfolio wybranych fotografii z lat 1963-1970 w ramce z przezroczystego pleksiglasu, zaprojektowane przez Marvina Israela, które miało zostać wydane w limitowanej edycji 50 sztuk. Arbus ukończyła jednak tylko osiem pudełek: 137 i sprzedała tylko cztery (dwa Richardowi Avedonowi, jeden Jasperowi Johnsowi i jeden Bea Feitler). Po śmierci Arbus, pod auspicjami Estate of Diane Arbus, Neil Selkirk rozpoczął druk, aby dokończyć zamierzoną przez Arbus edycję 50: 78 W 2017 roku jedna z tych pośmiertnych edycji sprzedała się za 792 500 dolarów.
Prace Arbus znajdują się w następujących stałych kolekcjach:
Przeczytaj także: biografie-pl – Al Capone
Artykuły
Źródła
