Edvard Munch
gigatos | 23 stycznia, 2022
Streszczenie
Edvard Munch (12 grudnia 1863 – 23 stycznia 1944) był norweskim malarzem. Jego najbardziej znane dzieło, Krzyk, stało się jednym z ikonicznych obrazów sztuki światowej.
Jego dzieciństwo zostało przyćmione przez choroby, żałobę i strach przed odziedziczeniem choroby psychicznej, która występowała w rodzinie. Studiując w Królewskiej Szkole Sztuki i Projektowania w Kristianii (dzisiejsze Oslo), Munch rozpoczął życie w cyganerii pod wpływem nihilisty Hansa Jægera, który namawiał go do malowania własnych stanów emocjonalnych i psychicznych („malarstwo duszy”). Z tego wyłonił się jego charakterystyczny styl.
Podróże przyniosły nowe wpływy i możliwości. W Paryżu nauczył się wiele od Paula Gauguina, Vincenta van Gogha i Henri de Toulouse-Lautreca, zwłaszcza ich sposobu operowania kolorem. W Berlinie poznał szwedzkiego dramaturga Augusta Strindberga, którego malował, gdy rozpoczął swój główny kanon Fryz życia, przedstawiający serię głęboko odczuwanych tematów, takich jak miłość, niepokój, zazdrość i zdrada, przesiąkniętych atmosferą.
Krzyk został poczęty w Kristianii. Według Muncha, był on na spacerze o zachodzie słońca, kiedy „usłyszał ogromny, nieskończony krzyk natury”. Udręczona twarz na obrazie jest powszechnie utożsamiana z niepokojem współczesnego człowieka. W latach 1893-1910 powstały dwie wersje malowane i dwie w pastelach, a także kilka grafik. Jeden z pasteli osiągnął czwartą najwyższą cenę nominalną za obraz na aukcji.
Gdy jego sława i bogactwo rosły, jego stan emocjonalny pozostawał niepewny. Przez krótki czas rozważał małżeństwo, ale nie mógł się zaangażować. Załamanie w 1908 r. zmusiło go do porzucenia nałogu alkoholowego, a pocieszała go rosnąca akceptacja mieszkańców Kristianii i ekspozycja w miejskich muzeach. Późniejsze lata spędził pracując w spokoju i prywatności. Chociaż jego dzieła były zakazane w nazistowskich Niemczech, większość z nich przetrwała II wojnę światową, zapewniając mu spuściznę.
Przeczytaj także: biografie-pl – Podbój Meksyku przez Hiszpanów
Dzieciństwo
Edvard Munch urodził się w gospodarstwie we wsi Ådalsbruk w Løten, w Norwegii, jako syn Laury Catherine Bjølstad i Christiana Muncha, syna księdza. Christian był lekarzem i urzędnikiem medycznym, który ożenił się z Laurą, kobietą o połowę młodszą od niego, w 1861 roku. Edvard miał starszą siostrę, Johanne Sophie, oraz trójkę młodszego rodzeństwa: Petera Andreasa, Laurę Catherine i Inger Marie. Laura była utalentowana artystycznie i być może zachęcała Edvarda i Sophie. Edvard był spokrewniony z malarzem Jacobem Munchem i historykiem Peterem Andreasem Munchem.
Rodzina przeniosła się do Christianii (przemianowanej w 1877 roku na Kristianię, a obecnie Oslo) w 1864 roku, kiedy Christian Munch został mianowany oficerem medycznym w twierdzy Akershus. Matka Edvarda zmarła na gruźlicę w 1868 roku, podobnie jak ulubiona siostra Muncha, Johanne Sophie w 1877 roku. Po śmierci matki rodzeństwo Muncha było wychowywane przez ojca i ciotkę Karen. Edvard często chorował przez większość zimy i nie uczęszczał do szkoły, więc rysował, aby się czymś zająć. Korepetycji udzielali mu szkolni koledzy i ciotka. Christian Munch uczył syna historii i literatury, a także zabawiał dzieci żywymi historiami o duchach i opowieściami amerykańskiego pisarza Edgara Allana Poe.
Jak zapamiętał Edvard, pozytywne zachowanie Christiana w stosunku do dzieci zostało przyćmione przez jego chorobliwy pietyzm. Munch napisał: „Mój ojciec był temperamentnie nerwowy i obsesyjnie religijny – aż do psychonerwicy. Po nim odziedziczyłem nasiona szaleństwa. Aniołowie strachu, smutku i śmierci stali u mego boku od dnia moich narodzin.” Christian strofował swoje dzieci, mówiąc im, że ich matka patrzy z nieba i smuci się z powodu ich złego zachowania. Opresyjne środowisko religijne, słabe zdrowie Edvarda i żywe opowieści o duchach inspirowały jego makabryczne wizje i koszmary; chłopiec czuł, że śmierć nieustannie się do niego zbliża. U jednej z młodszych sióstr Muncha, Laury, już w młodym wieku zdiagnozowano chorobę psychiczną. Z pięciorga rodzeństwa tylko Andreas ożenił się, ale zmarł kilka miesięcy po ślubie. Munch napisze później: „Odziedziczyłem dwóch najstraszliwszych wrogów ludzkości – dziedzictwo konsumpcji i szaleństwa.”
Wojskowy żołd Christiana Muncha był bardzo niski, a jego próby rozwinięcia prywatnej praktyki nie powiodły się, utrzymując jego rodzinę w eleganckim, ale wiecznym ubóstwie. Często przenosili się z jednego taniego mieszkania do drugiego. Wczesne rysunki i akwarele Muncha przedstawiały te wnętrza, a także pojedyncze przedmioty, takie jak butelki z lekarstwami i przybory do rysowania, a także niektóre pejzaże. W wieku nastoletnim sztuka zdominowała zainteresowania Muncha. W wieku trzynastu lat, Munch po raz pierwszy zetknął się z innymi artystami w nowo powstałym Stowarzyszeniu Sztuki, gdzie podziwiał prace norweskiej szkoły pejzażu. Powracał, by kopiować obrazy, a wkrótce zaczął malować olejami.
Przeczytaj także: historia-pl – Taneczna plaga (1518)
Badania i wpływy
W 1879 roku Munch zapisał się do technikum, aby studiować inżynierię, gdzie wyróżniał się w fizyce, chemii i matematyce. Nauczył się rysunku skalowego i perspektywicznego, ale częste choroby przerwały jego studia. W następnym roku, ku rozczarowaniu ojca, Munch opuścił szkołę z postanowieniem zostania malarzem. Jego ojciec uważał sztukę za „nieświęty zawód”, a sąsiedzi reagowali gorzko i wysyłali mu anonimowe listy. W przeciwieństwie do wściekłego pietyzmu ojca, Munch przyjął niedogmatyczną postawę wobec sztuki. Swój cel zapisał w dzienniku: „W mojej sztuce próbuję wyjaśnić sobie życie i jego sens”.
W 1881 roku Munch zapisał się do Królewskiej Szkoły Sztuki i Projektowania w Kristianii, której jednym z założycieli był jego daleki krewny Jacob Munch. Jego nauczycielami byli rzeźbiarz Julius Middelthun i naturalistyczny malarz Christian Krohg. W tym samym roku Munch zademonstrował szybkie przyswojenie sobie treningu figur w akademii w swoich pierwszych portretach, w tym portrecie ojca i pierwszym autoportrecie. W 1883 roku, Munch wziął udział w swojej pierwszej publicznej wystawie i dzielił studio z innymi studentami. Jego pełnometrażowy portret Karla Jensena-Hjella, notorycznego cygana z miasta, zyskał lekceważącą odpowiedź krytyka: „To impresjonizm doprowadzony do skrajności. To parodia sztuki.” Nagie obrazy Muncha z tego okresu przetrwały jedynie w postaci szkiców, z wyjątkiem Stojącego aktu (1887). Być może zostały one skonfiskowane przez jego ojca.
Od najmłodszych lat Munch pozostawał pod wpływem impresjonistów, takich jak Édouard Manet, a później artystów postimpresjonizmu, w tym Vincenta van Gogha i Paula Gauguina. W tych wczesnych latach eksperymentował z wieloma stylami, w tym naturalizmem i impresjonizmem. Niektóre wczesne prace przypominają Maneta. Wiele z tych prób przyniosło mu nieprzychylną krytykę ze strony prasy oraz ciągłe upomnienia ze strony ojca, który mimo to przekazywał mu niewielkie sumy na utrzymanie. W pewnym momencie jednak ojciec Muncha, być może pod wpływem negatywnej opinii kuzyna Edvarda Diriksa (uznanego, tradycyjnego malarza), zniszczył co najmniej jeden obraz (prawdopodobnie akt) i odmówił dalszych pieniędzy na przybory artystyczne.
Munch spotkał się również z gniewem ojca za jego związek z Hansem Jægerem, lokalnym nihilistą, który żył według kodeksu „pasja niszczenia jest również pasją twórczą” i który zalecał samobójstwo jako ostateczną drogę do wolności. Munch uległ jego złośliwemu, antyestablishmentowemu czarowi. „Moje idee rozwijały się pod wpływem cyganerii, a raczej pod wpływem Hansa Jægera. Wielu ludzi mylnie twierdzi, że moje idee ukształtowały się pod wpływem Strindberga i Niemców… ale to błąd. One już wtedy były ukształtowane”. W tym czasie, w przeciwieństwie do wielu innych cyganerii, Munch nadal szanował kobiety, był powściągliwy i dobrze wychowany, ale zaczął poddawać się nałogowemu piciu i bijatykom w swoim środowisku. Niepokoiła go ówczesna rewolucja seksualna i otaczające go niezależne kobiety. Później stał się cyniczny w sprawach seksualnych, co znalazło wyraz nie tylko w jego zachowaniu i sztuce, ale także w jego twórczości, czego przykładem jest długi poemat Miasto wolnej miłości. Wciąż zależny od rodziny w kwestii wielu posiłków, relacje Muncha z ojcem pozostawały napięte z powodu obaw związanych z jego cyganeryjnym życiem.
Po licznych eksperymentach Munch doszedł do wniosku, że idiom impresjonistyczny nie pozwala na wystarczającą ekspresję. Uznał, że jest powierzchowny i zbyt podobny do naukowego eksperymentu. Odczuwał potrzebę sięgnięcia głębiej i zbadania sytuacji pełnych emocjonalnej treści i ekspresyjnej energii. Pod przykazaniem Jægera, że Munch powinien „napisać swoje życie”, co oznacza, że Munch powinien zbadać swój własny stan emocjonalny i psychologiczny, młody artysta rozpoczął okres refleksji i badania siebie, zapisując swoje myśli w „dzienniku duszy”. Ta głębsza perspektywa pomogła mu spojrzeć na swoją sztukę z nowej perspektywy. Napisał, że jego obraz Chore dziecko (1886), oparty na śmierci siostry, był jego pierwszym „obrazem duszy”, pierwszym zerwaniem z impresjonizmem. Obraz spotkał się z negatywną reakcją krytyków i jego rodziny, wywołał kolejny „gwałtowny wybuch moralnego oburzenia” społeczności.
Bronił go tylko jego przyjaciel Christian Krohg:
Maluje, a raczej postrzega rzeczy w sposób odmienny niż inni artyści. Widzi tylko to, co istotne, i to jest naturalnie wszystko, co maluje. Z tego powodu obrazy Muncha są z reguły „niekompletne”, co ludzie z taką przyjemnością odkrywają na własne oczy. O, tak, są kompletne. Jego kompletne dzieło. Sztuka jest kompletna, gdy artysta powiedział wszystko, co miał na myśli, i to jest właśnie przewaga Muncha nad malarzami innych generacji, że on naprawdę wie, jak pokazać nam to, co czuł, co nim owładnęło, i temu podporządkowuje wszystko inne.
W latach 80. i na początku lat 90. XIX wieku Munch nadal stosował różne techniki pociągnięć pędzlem i palety barw, walcząc o zdefiniowanie swojego stylu. Jego idiom wahał się między naturalistycznym, jak w Portrecie Hansa Jægera, a impresjonistycznym, jak w Rue Lafayette. Jego Inger Na plaży (1889), który wywołał kolejną burzę nieporozumień i kontrowersji, wskazuje na uproszczone formy, ciężkie kontury, ostre kontrasty i emocjonalną zawartość dojrzałego stylu, który miał nadejść. Zaczął starannie kalkulować swoje kompozycje, aby stworzyć napięcie i emocje. Choć stylistycznie pozostawał pod wpływem postimpresjonistów, to jednak ewoluował temat, który był symbolistyczny w treści, przedstawiając raczej stan umysłu niż zewnętrzną rzeczywistość. W 1889 roku Munch zaprezentował swój pierwszy indywidualny pokaz, na którym znalazły się prawie wszystkie jego dotychczasowe prace. Uznanie, jakie zyskał, zaowocowało dwuletnim stypendium państwowym na studia w Paryżu u francuskiego malarza Léona Bonnata.
Wydaje się, że Munch był wczesnym krytykiem fotografii jako formy sztuki i zauważył, że „nigdy nie będzie ona konkurować z pędzlem i paletą, dopóki nie będzie można robić zdjęć w niebie lub piekle!”.
Młodsza siostra Muncha, Laura, była tematem jego wnętrza Melancholia z 1899 roku: Laura. Amanda O”Neill mówi o tej pracy: „W tej gorącej klaustrofobicznej scenie Munch nie tylko portretuje tragedię Laury, ale także swój własny strach przed szaleństwem, które mógł odziedziczyć.”
Przeczytaj także: bitwy – Bitwa morska pod Dżaul
Paryż
Munch przybył do Paryża podczas uroczystości związanych z Exposition Universelle (1889) i zamieszkał z dwoma norweskimi artystami. Jego obraz Poranek (1884) został wystawiony w pawilonie norweskim. Poranki spędzał w pracowni Bonnata (w której pracowały modelki), a popołudnia na wystawie, w galeriach i muzeach (gdzie studenci mieli robić kopie jako sposób na naukę techniki i obserwacji). Munch nie wykazał entuzjazmu dla lekcji rysunku Bonnata – „To mnie męczy i nudzi – to drętwienie” – ale lubił komentarze mistrza podczas wycieczek do muzeów.
Munch był zachwycony ogromną wystawą nowoczesnej sztuki europejskiej, w tym dziełami trzech artystów, którzy okazali się wpływowi: Paul Gauguin, Vincent van Gogh i Henri de Toulouse-Lautrec – wszyscy znani z tego, jak używali koloru do przekazywania emocji. Munch był szczególnie zainspirowany „reakcją Gauguina przeciwko realizmowi” i jego credo, że „sztuka jest pracą ludzką, a nie imitacją Natury”, przekonaniem wcześniej wyrażonym przez Whistlera. Jak powiedział później o Munchu jeden z jego berlińskich przyjaciół, „nie musi on udawać się na Tahiti, aby zobaczyć i doświadczyć prymitywizmu w ludzkiej naturze. On nosi swoje własne Tahiti w sobie”. Pod wpływem Gauguina, a także akwafort niemieckiego artysty Maxa Klingera, Munch eksperymentował z drukami jako medium do tworzenia graficznych wersji swoich dzieł. W 1896 roku stworzył swoje pierwsze drzeworyty – medium, które okazało się idealne dla symbolicznych obrazów Muncha. Wraz ze swoim współczesnym Nikolai Astrupem, Munch jest uważany za innowatora medium drzeworytu w Norwegii.
W grudniu 1889 roku zmarł jego ojciec, pozostawiając rodzinę Muncha bez środków do życia. Wrócił do domu i zorganizował dużą pożyczkę od bogatego norweskiego kolekcjonera, gdy bogaci krewni nie pomogli, i od tego czasu przejął odpowiedzialność finansową za swoją rodzinę. Śmierć Christiana przygnębiała go i dręczyły go myśli samobójcze: „Żyję ze zmarłymi – moją matką, siostrą, dziadkiem, ojcem…Zabij się i wtedy będzie po wszystkim. Po co żyć?”. Obrazy Muncha z następnego roku zawierały szkicowe sceny z tawerny i serię jasnych pejzaży miejskich, w których eksperymentował z pointylistycznym stylem Georges”a Seurata.
Przeczytaj także: biografie-pl – Jesse Owens
Berlin
Do 1892 roku Munch sformułował swoją charakterystyczną i oryginalną estetykę syntetyzmu, widoczną w Melancholii (1891), w której kolor jest elementem niosącym symbol. Uznana przez artystę i dziennikarza Christiana Krohga za pierwszy symbolistyczny obraz norweskiego artysty, Melancholia została wystawiona w 1891 roku na Jesiennej Wystawie w Oslo. W 1892 roku Adelsteen Normann, w imieniu Związku Artystów Berlińskich, zaprosił Muncha na listopadową wystawę, pierwszą indywidualną wystawę tego stowarzyszenia. Jego obrazy wzbudziły jednak gorzkie kontrowersje (nazwane „Sprawą Muncha”) i po tygodniu wystawa została zamknięta. Munch był zadowolony z „wielkiego zamieszania” i napisał w liście: „Nigdy nie miałem tak zabawnego czasu – to niewiarygodne, że coś tak niewinnego jak malarstwo powinno wywołać takie poruszenie”.
W Berlinie Munch związał się z międzynarodowym kręgiem pisarzy, artystów i krytyków, w tym szwedzkiego dramaturga i czołowego intelektualisty Augusta Strindberga, którego namalował w 1892 roku. Poznał również duńskiego pisarza i malarza Holgera Drachmanna, którego namalował w 1898 roku. Drachmann był 17 lat starszy od Muncha i był towarzyszem picia w Zum schwarzen Ferkel w latach 1893-94. W 1894 roku Drachmann napisał o Munchu: „On ciężko walczy. Powodzenia w twoich zmaganiach, samotny Norwegu.”
Podczas czterech lat spędzonych w Berlinie Munch naszkicował większość pomysłów, które złożyły się na jego główne dzieło, Fryz życia, początkowo zaprojektowany do ilustracji książkowej, ale później wyrażony w obrazach. Sprzedawał niewiele, ale zarobił trochę na pobieraniu opłat za wstęp na jego kontrowersyjne obrazy. Już wtedy Munch wykazywał niechęć do rozstania się ze swoimi obrazami, które nazywał swoimi „dziećmi”.
Inne jego obrazy, w tym sceny z kasyna, ukazują uproszczenie formy i detalu, które naznaczyło jego wczesny dojrzały styl. Munch zaczął również preferować płytką przestrzeń obrazową i minimalne tło dla swoich czołowych postaci. Ponieważ pozy zostały dobrane tak, aby uzyskać najbardziej przekonujące obrazy stanów umysłu i uwarunkowań psychologicznych, jak w Popiołach, postacie te nadają monumentalną, statyczną jakość. Postacie Muncha wydają się odgrywać role na scenie teatralnej (ponieważ każda postać uosabia jeden wymiar psychologiczny, jak w Krzyku), mężczyźni i kobiety Muncha zaczęli wydawać się bardziej symboliczni niż realistyczni. Pisał: „Nie powinno się już malować wnętrz, ludzi czytających i kobiet robiących na drutach: byliby tam żywi ludzie, oddychający i czujący, cierpiący i kochający.”
Przeczytaj także: biografie-pl – Charles-Albert Gobat
Krzyk
Krzyk istnieje w czterech wersjach: dwóch pastelowych (1893 i 1895) i dwóch malarskich (1893 i 1910). Istnieje również kilka litografii Krzyku (1895 i późniejsze).
Pastel z 1895 r. został sprzedany na aukcji 2 maja 2012 r. za 119 922 500 USD, łącznie z prowizją. Jest to najbardziej kolorowa z wersji i wyróżnia się pochyloną w dół postawą jednej z postaci tła. Jest to również jedyna wersja, która nie znajduje się w norweskim muzeum.
Wersja z 1893 roku została skradziona z Galerii Narodowej w Oslo w 1994 roku i odzyskana. Obraz z 1910 r. został skradziony w 2004 r. z Muzeum Muncha w Oslo, ale odzyskano go w 2006 r. z niewielkimi uszkodzeniami.
Krzyk jest najsłynniejszym dziełem Muncha i jednym z najbardziej rozpoznawalnych obrazów w całej sztuce. Jest powszechnie interpretowany jako obraz reprezentujący uniwersalny niepokój współczesnego człowieka. Malowany szerokimi pasmami jaskrawego koloru i wysoce uproszczonymi formami, z wysokim punktem widzenia, redukuje udręczoną postać do ubranej czaszki w ferworze emocjonalnego kryzysu.
Tym obrazem Munch osiągnął swój cel, którym było „studium duszy, to znaczy studium mojego własnego ja”. Munch napisał, jak powstał ten obraz: „Szedłem drogą z dwoma przyjaciółmi, gdy zachodziło słońce; nagle niebo zrobiło się czerwone jak krew. Zatrzymałem się i oparłem o płot, czując się niewypowiedzianie zmęczony. Języki ognia i krwi rozciągały się nad niebiesko-czarnym fiordem. Moi przyjaciele szli dalej, a ja zostałem w tyle, drżąc ze strachu. Wtedy usłyszałem ogromny, nieskończony krzyk natury”. Później opisał osobistą udrękę stojącą za obrazem: „przez kilka lat byłem prawie szalony… Znasz mój obraz ”Krzyk?” Byłem rozciągnięty do granic możliwości – natura krzyczała w mojej krwi… Po tym wydarzeniu porzuciłem nadzieję, że kiedykolwiek będę mógł znowu kochać.”
Podsumowując działanie obrazu, autorka Martha Tedeschi stwierdziła:
Matka Whistlera, Amerykański gotyk Wooda, Mona Lisa Leonarda da Vinci i Krzyk Edvarda Muncha osiągnęły coś, czego nie osiągnęła większość obrazów – niezależnie od ich historycznego znaczenia, piękna czy wartości pieniężnej – a mianowicie, że niemal każdemu odbiorcy niemal natychmiast przekazują określone znaczenie. Tym nielicznym dziełom udało się przejść z elitarnej sfery zwiedzającego muzeum do ogromnego obszaru kultury popularnej.
Przeczytaj także: biografie-pl – Władysław III Warneńczyk
Fryz życia – wiersz o życiu, miłości i śmierci
W grudniu 1893 roku na berlińskiej Unter den Linden odbyła się wystawa prac Muncha, na której pokazano między innymi sześć obrazów zatytułowanych Studium do serii: Miłość. Zapoczątkowało to cykl, który nazwał później Fryzem życia – poematem o życiu, miłości i śmierci. Motywy Fryzu życia, takie jak Burza i Światło księżyca, są przesiąknięte atmosferą. Inne motywy oświetlają nocną stronę miłości, jak Róża i Amelie czy Wampir. W obrazie Śmierć w izbie chorych tematem jest śmierć siostry Zofii, którą artysta powtórzył w wielu późniejszych wariantach. Dramatyczne skupienie obrazu, ukazujące całą jego rodzinę, zostaje rozproszone w oddzielonych od siebie i rozłączonych postaciach smutku. W 1894 roku poszerzył spektrum motywów o Lęk, Popioły, Madonnę i Kobiety w trzech odsłonach (od niewinności do starości).
Około początku XX wieku, Munch pracował nad ukończeniem „Fryzu”. Namalował szereg obrazów, kilka z nich w większym formacie i w pewnym stopniu nawiązujących do ówczesnej estetyki Art Nouveau. Wykonał drewnianą ramę z rzeźbionymi reliefami do dużego obrazu Metabolizm (1898), początkowo nazwanego Adam i Ewa. Dzieło to zdradza zafascynowanie Muncha „upadkiem człowieka” i jego pesymistyczną filozofię miłości. Motywy takie jak Pusty Krzyż i Golgota (oba ok. 1900) odzwierciedlają metafizyczną orientację, a także pietystyczne wychowanie Muncha. Cały fryz został po raz pierwszy pokazany na secesyjnej wystawie w Berlinie w 1902 roku.
„Fryz życia” tematy powtarzają się w całej twórczości Muncha, ale on sam szczególnie skupił się na nich w połowie lat 90-tych. W szkicach, obrazach, pastelach i odbitkach, sięgnął do głębi swoich uczuć, aby zbadać swoje główne motywy: etapy życia, femme fatale, beznadziejność miłości, niepokój, niewierność, zazdrość, upokorzenie seksualne oraz separację w życiu i śmierci. Tematy te znalazły wyraz w takich obrazach jak Chore dziecko (1893-94), Popioły (1894), Most. Ten ostatni przedstawia wiotkie postacie o pozbawionych rysów lub ukrytych twarzach, nad którymi górują groźne kształty ciężkich drzew i ponurych domów. Munch przedstawiał kobiety albo jako kruche, niewinne cierpiętnice (patrz: Dojrzewanie oraz Miłość i ból), albo jako powód wielkiej tęsknoty, zazdrości i rozpaczy (patrz: Rozstanie, Zazdrość, Popioły).
Munch często wykorzystuje cienie i pierścienie koloru wokół swoich postaci, aby podkreślić aurę strachu, groźby, niepokoju lub seksualnej intensywności. Obrazy te interpretowane są jako odzwierciedlenie seksualnych lęków artysty, choć można również twierdzić, że reprezentują jego burzliwy związek z samą miłością i ogólny pesymizm dotyczący ludzkiej egzystencji. Wiele z tych szkiców i obrazów powstało w kilku wersjach, jak np. Madonna, Ręce i dojrzewanie, a także zostały przepisane jako odbitki drzeworytnicze i litografie. Munch nie znosił rozstawać się ze swoimi obrazami, ponieważ uważał swoją twórczość za jedno ciało wyrazu. Tak więc, aby skapitalizować swoją produkcję i zarobić trochę pieniędzy, zwrócił się do grafiki, aby odtworzyć wiele swoich obrazów, w tym tych z tej serii. Munch przyznawał się do osobistych celów swojej pracy, ale oferował również swoją sztukę w szerszym celu, „Moja sztuka jest naprawdę dobrowolną spowiedzią i próbą wyjaśnienia sobie mojej relacji z życiem – jest to więc właściwie rodzaj egoizmu, ale mam nieustanną nadzieję, że dzięki temu mogę pomóc innym osiągnąć jasność.”
Przyciągając silnie negatywne reakcje, w latach 90. XIX wieku Munch zaczął otrzymywać pewne zrozumienie dla swoich artystycznych celów, jak napisał jeden z krytyków: „Z bezwzględną pogardą dla formy, jasności, elegancji, całości i realizmu, maluje z intuicyjną siłą talentu najbardziej subtelne wizje duszy.” Jednym z jego wielkich zwolenników w Berlinie był Walther Rathenau, późniejszy minister spraw zagranicznych Niemiec, który mocno przyczynił się do jego sukcesu.
Przeczytaj także: biografie-pl – Róża Luksemburg
Paryż, Berlin i Kristiania
W 1896 roku Munch przeniósł się do Paryża, gdzie skupił się na graficznych przedstawieniach swoich tematów z Fryzu życia. Dalej rozwijał swoją technikę drzeworytu i litografii. Autoportret Muncha z ramieniem szkieletu (1895) jest wykonany metodą akwaforty igłowej, używanej również przez Paula Klee. Munch stworzył również wielobarwne wersje Chorego dziecka, dotyczącego gruźlicy, które dobrze się sprzedawały, a także kilka aktów i wiele wersji Pocałunku (1892). W maju 1896 roku Siegfried Bing zorganizował wystawę prac Muncha w Maison de l”Art Nouveau Binga. Na wystawie znalazło się sześćdziesiąt prac, w tym Pocałunek, Krzyk, Madonna, Chore dziecko, Komora śmierci i Pojutrze. Wystawa Binga przyczyniła się do przybliżenia Muncha francuskiej publiczności. Mimo to, wielu paryskich krytyków nadal uważało prace Muncha za „brutalne i gwałtowne”, nawet jeśli jego wystawy cieszyły się poważnym zainteresowaniem i dobrą frekwencją. Jego sytuacja finansowa znacznie się poprawiła i w 1897 roku Munch kupił sobie letni domek z widokiem na fiordy w Kristiania, małej rybackiej chacie zbudowanej pod koniec XVIII wieku, w małym miasteczku Åsgårdstrand w Norwegii. Nazwał ten dom „Szczęśliwym domem” i wracał tu prawie każdego lata przez następne 20 lat. To właśnie za tym miejscem tęsknił, kiedy przebywał za granicą, kiedy czuł się przygnębiony i wyczerpany. „Spacer po Åsgårdstrand to jak spacer wśród moich obrazów – kiedy tu jestem, mam ogromną inspirację do malowania”.
W 1897 roku Munch powrócił do Kristianii, gdzie również spotkał się z niechętną akceptacją – jeden z krytyków napisał: „Spora część tych obrazów była już wcześniej wystawiana. Moim zdaniem poprawiają się one przy bliższym poznaniu.” W 1899 roku Munch rozpoczął intymny związek z Tullą Larsen, „wyzwoloną” kobietą z klasy wyższej. Podróżowali razem do Włoch, a po powrocie Munch rozpoczął kolejny płodny okres w swojej sztuce, który obejmował pejzaże i jego ostatni obraz z serii „Fryz życia”, Taniec życia (1899). Larsen był chętny do małżeństwa, a Munch odmówił. Jego picie i zły stan zdrowia potęgowały jego obawy, jak pisał w trzeciej osobie: „Od dziecka nienawidził małżeństwa. Jego chory i nerwowy dom dał mu poczucie, że nie ma prawa się żenić.” Munch prawie uległ Tulli, ale uciekł od niej w 1900 roku, odwracając się także od jej znacznej fortuny, i przeniósł się do Berlina. Jego Dziewczęta na molo, powstałe w osiemnastu różnych wersjach, ukazywały temat kobiecej młodości bez negatywnych konotacji. W 1902 roku wystawił swoje prace tematycznie w sali berlińskiej Secesji, wywołując „symfoniczny efekt – wielkie poruszenie – wiele antagonizmów i wiele aprobaty”. Berlińscy krytycy zaczynali doceniać twórczość Muncha, mimo że publiczność nadal uważała jego prace za obce i dziwne.
Dobre relacje w prasie przyciągnęły uwagę Muncha do wpływowych mecenasów Alberta Kollmana i Maxa Lindego. Munch opisał ten obrót wydarzeń w swoim dzienniku: „Po dwudziestu latach walki i nędzy siły dobra wreszcie przychodzą mi z pomocą w Niemczech i otwierają się przede mną jasne drzwi.” Jednak pomimo tej pozytywnej zmiany, autodestrukcyjne i niekonsekwentne zachowanie Muncha pociągnęło za sobą najpierw gwałtowną kłótnię z innym artystą, a następnie przypadkowe postrzelenie w obecności Tulli Larsen, która wróciła na krótkie pojednanie, co spowodowało zranienie dwóch palców. Munch później przepiłował na pół autoportret przedstawiający jego i Larsen w konsekwencji tego postrzału i późniejszych wydarzeń. W końcu opuściła go i wyszła za mąż za młodszego kolegę Muncha. Munch odebrał to jako zdradę i jeszcze przez jakiś czas rozpamiętywał to upokorzenie, przelewając część goryczy na nowe obrazy. Jego obrazy Martwa natura (Morderczyni) i Śmierć Marata I, powstałe w latach 1906-07, wyraźnie nawiązują do incydentu ze strzelaniną i jego emocjonalnych następstw.
W latach 1903-04 Munch wystawiał w Paryżu, gdzie nadchodzący fowiści, słynący z odważnych, fałszywych kolorów, prawdopodobnie widzieli jego prace i mogli znaleźć w nich inspirację. Kiedy Fowiści zorganizowali własną wystawę w 1906 roku, Munch został zaproszony i wystawił swoje prace razem z ich dziełami. Po przestudiowaniu rzeźby Rodina, Munch mógł eksperymentować z plasteliną jako pomocą w projektowaniu, ale stworzył niewiele rzeźb. W tym czasie Munch otrzymał wiele zleceń na portrety i grafiki, co poprawiło jego zazwyczaj niepewną sytuację finansową. W 1906 roku namalował ekran do sztuki Ibsena w małym teatrze Kammerspiele znajdującym się w berlińskim Deutsches Theater, w którym zawieszony był Fryz Życia. Dyrektor teatru Max Reinhardt sprzedał go później; obecnie znajduje się w berlińskiej Nationalgalerie. Po wcześniejszym okresie pejzażowym, w 1907 roku ponownie zwrócił uwagę na postacie i sytuacje ludzkie.
Przeczytaj także: historia-pl – Wojna o niepodległość Bangladeszu
Awaria i odzysk
Jesienią 1908 roku, niepokój Muncha, spotęgowany przez nadmierne picie i awantury, stał się ostry. Jak później napisał: „Mój stan graniczył z obłędem – to było nieuniknione.” Poddany halucynacjom i uczuciu prześladowania, zgłosił się do kliniki Daniela Jacobsona. Terapia, którą Munch otrzymywał przez następne osiem miesięcy, obejmowała dietę i „elektryfikację” (leczenie modne wówczas w przypadku stanów nerwowych, nie mylić z terapią elektrokonwulsyjną). Pobyt Muncha w szpitalu ustabilizował jego osobowość, a po powrocie do Norwegii w 1909 roku, jego prace stały się bardziej kolorowe i mniej pesymistyczne. Po powrocie do Norwegii w 1909 roku jego twórczość stała się bardziej kolorowa i mniej pesymistyczna. Jeszcze bardziej poprawił mu się nastrój, publiczność Kristianii w końcu polubiła jego twórczość, a muzea zaczęły kupować jego obrazy. Olav został kawalerem Królewskiego Orderu Świętego Olava „za zasługi dla sztuki”. Jego pierwsza amerykańska wystawa odbyła się w 1912 roku w Nowym Jorku.
W ramach rekonwalescencji dr Jacobson poradził Munchowi, by spotykał się tylko z dobrymi przyjaciółmi i unikał picia w miejscach publicznych. Munch zastosował się do tej rady i w procesie tworzenia stworzył kilka pełnometrażowych portretów wysokiej jakości przyjaciół i mecenasów – uczciwych portretów pozbawionych pochlebstw. Tworzył również pejzaże i sceny ludzi przy pracy i zabawie, używając nowego optymistycznego stylu – szerokich, luźnych pociągnięć pędzla o żywych kolorach z częstym użyciem białej przestrzeni i rzadkim użyciem czerni – z jedynie sporadycznymi odniesieniami do jego chorobliwych tematów. Z większymi dochodami, Munch był w stanie kupić kilka nieruchomości dających mu nowe perspektywy dla jego sztuki i w końcu był w stanie zapewnić byt swojej rodzinie.
Wybuch I wojny światowej zastał Muncha z podzieloną lojalnością, jak stwierdził: „Wszyscy moi przyjaciele są Niemcami, ale to Francję kocham.” W latach 30-tych jego niemieccy patroni, wielu żydowskich, stracili fortuny, a niektórzy życie podczas powstania ruchu nazistowskiego. Munch znalazł norweskich drukarzy, którzy zastąpili Niemców drukujących jego prace graficzne. Biorąc pod uwagę jego słabe zdrowie, w 1918 roku Munch czuł się szczęśliwy, że przeżył atak grypy hiszpanki, ogólnoświatowej pandemii tego roku.
Przeczytaj także: biografie-pl – Pieter Zeeman
Późniejsze lata
Munch spędził większość swoich ostatnich dwóch dekad w samotności w swojej prawie samowystarczalnej posiadłości w Ekely, w Skøyen, Oslo. Wiele z jego późnych obrazów przedstawia życie na farmie, w tym kilka, w których użył swojego konia roboczego „Rousseau” jako modela. Bez żadnego wysiłku Munch przyciągał stały strumień modelek, które malował jako tematy licznych nagich obrazów. Z niektórymi z nich prawdopodobnie utrzymywał stosunki seksualne. Munch od czasu do czasu opuszczał swój dom, aby malować murale na zamówienie, w tym te wykonane dla fabryki czekolady Freia.
Do końca życia Munch kontynuował malowanie ostrych autoportretów, dodając do swojego cyklu autorefleksji nad własnym życiem i bezlitosną serię ujęć swoich stanów emocjonalnych i fizycznych. W latach 30. i 40. naziści nazwali prace Muncha „zdegenerowaną sztuką” (wraz z pracami Picassa, Klee, Matisse”a, Gauguina i wielu innych nowoczesnych artystów) i usunęli jego 82 dzieła z niemieckich muzeów. Adolf Hitler ogłosił w 1937 roku, „Dla wszystkich nas, ci prehistoryczni barbarzyńcy kultury z epoki kamiennej i jąkacze sztuki mogą wrócić do jaskiń swoich przodków i tam stosować swoje prymitywne międzynarodowe drapanie.”
W 1940 r. Niemcy najechali Norwegię i partia nazistowska przejęła władzę. Munch miał 76 lat. Mając prawie całą kolekcję swojej sztuki na drugim piętrze swojego domu, Munch żył w strachu przed konfiskatą przez nazistów. Siedemdziesiąt jeden obrazów, które wcześniej zostały zabrane przez nazistów, wróciło do Norwegii dzięki zakupowi przez kolekcjonerów (pozostałych jedenaście nigdy nie odzyskano), w tym Krzyk i Chore dziecko, i one również zostały ukryte przed nazistami.
Munch zmarł w swoim domu w Ekely koło Oslo 23 stycznia 1944 roku, około miesiąc po swoich 80-tych urodzinach. Jego nazistowsko zaaranżowany pogrzeb zasugerował Norwegom, że był on sympatykiem nazistów, co było rodzajem zawłaszczenia niezależnego artysty. Miasto Oslo kupiło posiadłość Ekely od spadkobierców Muncha w 1946 roku; jego dom został zburzony w maju 1960 roku.
Kiedy Munch zmarł, jego pozostałe prace zostały zapisane w testamencie miastu Oslo, które zbudowało Muzeum Muncha na Tøyen (otwarte w 1963 roku). Muzeum posiada kolekcję około 1,100 obrazów, 4,500 rysunków i 18,000 druków, najobszerniejszą kolekcję jego dzieł na świecie. Muzeum Muncha służy jako oficjalna posiadłość Muncha; było aktywne w reagowaniu na naruszenia praw autorskich, jak również w oczyszczaniu praw autorskich do dzieła, jak na przykład pojawienie się Krzyku Muncha w kampanii reklamowej M&M”s w 2006 roku. Amerykańskim przedstawicielem praw autorskich dla Muzeum Muncha i Posiadłości Edvarda Muncha jest Artists Rights Society.
Sztuka Muncha była wysoce spersonalizowana, a on sam niewiele nauczał. Jego „prywatny” symbolizm był o wiele bardziej osobisty niż u innych malarzy symbolistów, takich jak Gustave Moreau i James Ensor. Munch nadal był bardzo wpływowy, szczególnie wśród niemieckich ekspresjonistów, którzy podążali za jego filozofią: „Nie wierzę w sztukę, która nie jest kompulsywnym rezultatem popędu człowieka do otwarcia serca.” Wiele z jego obrazów, w tym „Krzyk”, oprócz bardzo osobistej wymowy, ma uniwersalny wydźwięk.
Prace Muncha są obecnie reprezentowane w wielu znaczących muzeach i galeriach w Norwegii i za granicą. Jego domek, „szczęśliwy dom”, został przekazany gminie Åsgårdstrand w 1944 roku; służy jako małe muzeum Muncha. Inwentarz został utrzymany dokładnie w takim stanie, w jakim go pozostawił.
Jedna z wersji Krzyku została skradziona z Galerii Narodowej w 1994 roku. W 2004 roku inna wersja Krzyku, wraz z Madonną, została skradziona z Muzeum Muncha podczas zuchwałego napadu w biały dzień. Wszystkie te obrazy udało się w końcu odzyskać, ale te skradzione w 2004 roku uległy poważnym uszkodzeniom. Zostały one pieczołowicie odrestaurowane i są ponownie wystawiane. Trzy dzieła Muncha zostały skradzione z Hotelu Refsnes Gods w 2005 roku; zostały one wkrótce odzyskane, chociaż jedno z dzieł zostało uszkodzone podczas rabunku.
W październiku 2006 roku kolorowy drzeworyt Dwoje ludzi. Samotni (To mennesker. De ensomme) ustanowił nowy rekord wśród grafik artysty, gdy został sprzedany na aukcji w Oslo za 8,1 mln koron (1,27 mln dolarów, czyli równowartość 1 600 000 dolarów w 2020 roku). Ustanowił również rekord najwyższej ceny zapłaconej na aukcji w Norwegii. 3 listopada 2008 r. obraz „Wampir” ustanowił nowy rekord dla obrazów artysty, kiedy został sprzedany za 38 162 000 USD (równowartość 45 900 000 USD w 2020 r.) w Sotheby”s w Nowym Jorku.
Wizerunek Muncha pojawia się na norweskim banknocie o nominale 1000 koron, wraz z obrazami inspirowanymi jego twórczością.
W lutym 2012 r. we frankfurckiej Schirn Kunsthalle otwarto dużą wystawę Muncha, Edvard Munch. The Modern Eye, została otwarta w Schirn Kunsthalle we Frankfurcie; wystawę otworzyła Mette-Marit, Księżniczka Korony Norwegii.
W maju 2012 roku The Scream został sprzedany za 119,9 mln USD (równowartość 135 200 000 USD w 2020 roku) i jest drugim najdroższym dziełem sztuki, jakie kiedykolwiek zostało sprzedane na otwartej aukcji. (Został on prześcignięty w listopadzie 2013 roku przez Three Studies of Lucian Freud, które sprzedano za 142,4 mln USD).
W 2013 roku cztery z obrazów Muncha zostały przedstawione na serii znaczków norweskiej poczty, aby upamiętnić w 2014 roku 150. rocznicę jego urodzin.
14 listopada 2016 roku wersja Dziewczyny na moście Muncha sprzedała się za 54,5 mln dolarów (równowartość 58 800 000 dolarów w 2020 roku) w Sotheby”s w Nowym Jorku, co czyni ją drugą najwyższą ceną osiągniętą za jeden z jego obrazów.
W kwietniu 2019 roku British Museum gościło wystawę, Edvard Munch: Love and Angst, obejmującą 83 dzieła sztuki i zawierającą rzadką oryginalną odbitkę The Scream.
Przeczytaj także: biografie-pl – Charlie Chaplin
Aula Uniwersytecka
W 1911 roku odbył się finałowy konkurs na dekorację dużych ścian Auli Uniwersytetu w Oslo, w którym udział wzięli Munch i Emanuel Vigeland. Epizod ten znany jest jako „kontrowersja wokół Auli”. W 1914 roku Munch otrzymał zlecenie na dekorację Auli, a prace zostały ukończone w 1916 roku. To główne dzieło norweskiego malarstwa monumentalnego obejmuje 11 obrazów o powierzchni 223 m2 (2,400 stóp kwadratowych). Słońce, Historia i Alma Mater to kluczowe dzieła w tej sekwencji. Munch oświadczył: „Chciałem, aby dekoracje tworzyły kompletny i niezależny świat idei, i chciałem, aby ich wizualna ekspresja była zarówno wyraźnie norweska, jak i uniwersalnie ludzka”. W 2014 roku zasugerowano, że obrazy Auli mają wartość co najmniej 500 milionów koron.
Przeczytaj także: biografie-pl – Kostis Palamas
Źródła ogólne
Źródła
