Ellsworth Kelly
gigatos | 28 lutego, 2022
Streszczenie
Ellsworth Kelly (31 maja 1923 – 27 grudnia 2015) był amerykańskim malarzem, rzeźbiarzem i grafikiem, związanym z malarstwem o twardych krawędziach, malarstwem Color Field i minimalizmem. Jego prace prezentują skromne techniki kładące nacisk na linię, kolor i formę, podobne do prac Johna McLaughlina i Kennetha Nolanda. Kelly często stosował jaskrawe kolory. Mieszkał i pracował w Spencertown w stanie Nowy Jork.
Urodził się jako drugi z trzech synów Allana Howe”a Kelly”ego i Florence Rose Elizabeth (Githens) Kelly w Newburghu, w stanie Nowy Jork, około 60 mil na północ od Nowego Jorku. Jego ojciec był dyrektorem firmy ubezpieczeniowej pochodzenia szkocko-irlandzkiego i niemieckiego. Jego matka była byłą nauczycielką pochodzącą z Walii i Pensylwanii. Jego rodzina przeniosła się z Newburgha do Oradell w stanie New Jersey, miasta liczącego prawie 7500 mieszkańców. Rodzina mieszkała w pobliżu zbiornika wodnego Oradell, gdzie w wieku ośmiu lub dziewięciu lat babcia zapoznała go z ornitologią.
Tam rozwinął swoją pasję do formy i koloru. Szczególnie silny wpływ na twórczość Kelly”ego przez cały okres jego kariery miał John James Audubon. Autor Eugene Goossen spekulował, że dwu- i trójkolorowe obrazy (takie jak Three Panels: Red Yellow Blue, I 1963), z których Kelly jest tak dobrze znany, można przypisać jego obserwacji ptaków i studiowaniu dwu- i trójkolorowych ptaków, które często widywał w młodym wieku. Kelly powiedział, że jako młody chłopiec często przebywał sam i stał się w pewnym sensie „samotnikiem”. Lekko się jąkał, co utrzymywało się aż do wieku nastoletniego.
Kelly uczęszczała do szkoły publicznej, gdzie na lekcjach plastyki kładziono nacisk na materiały i starano się rozwijać „wyobraźnię artystyczną”. Taki program nauczania był typowy dla szerszego trendu w szkolnictwie, który wyłonił się z progresywnych teorii edukacyjnych głoszonych przez Columbia University”s Teacher”s College, w którym wykładał amerykański malarz modernista Arthur Wesley Dow. Chociaż rodzice niechętnie wspierali kształcenie artystyczne Kelly”ego, jego szkolna nauczycielka, Dorothy Lange Opsut, zachęcała go do dalszego kształcenia. Ponieważ rodzice płacili tylko za wykształcenie techniczne, Kelly studiował najpierw w Pratt Institute na Brooklynie, gdzie uczęszczał od 1941 r. do czasu powołania do wojska w Nowy Rok 1943.
Po wstąpieniu do służby wojskowej w USA w 1943 r. Kelly poprosił o przydział do 603 Batalionu Kamuflażu Inżynieryjnego, który przyjął wielu artystów. Został przyjęty do służby w Fort Dix w New Jersey, a następnie wysłany do Camp Hale w Kolorado, gdzie szkolił się z narciarstwa górskiego. Nigdy wcześniej nie jeździł na nartach. Sześć do ośmiu tygodni później został przeniesiony do Fort Meade w stanie Maryland. Podczas II wojny światowej służył wraz z innymi artystami i projektantami w jednostce zwanej Armią Duchów. Żołnierze „Ducha” używali nadmuchiwanych czołgów, ciężarówek i innych elementów podstępu, aby zmylić wojska Osi co do kierunku i rozmieszczenia sił alianckich. Zetknięcie się z kamuflażem wojskowym w czasie służby stało się częścią jego podstawowego szkolenia artystycznego. Kelly służył w jednostce od 1943 r. do końca europejskiej fazy wojny.
Kelly skorzystał z ustawy G.I. Bill, aby w latach 1946-47 studiować w School of the Museum of Fine Arts w Bostonie, gdzie korzystał ze zbiorów muzeum, a następnie w École nationale supérieure des Beaux-Arts w Paryżu. Podczas pobytu w Bostonie wziął udział w swojej pierwszej wystawie zbiorowej w Boris Mirski Gallery i prowadził zajęcia artystyczne w Norfolk House Center w Roxbury. Podczas pobytu w Paryżu Kelly ugruntował swoją estetykę. Rzadko uczęszczał na zajęcia, ale zanurzył się w bogatych zasobach artystycznych stolicy Francji. W 1948 roku wysłuchał wykładu Maxa Beckmanna na temat francuskiego artysty Paula Cézanne”a i jeszcze w tym samym roku przeniósł się do Paryża. Spotkał tam Amerykanów Johna Cage”a i Merce Cunningham, eksperymentujących odpowiednio z muzyką i tańcem, francuskiego surrealistę Jeana Arpa oraz abstrakcyjnego rzeźbiarza Constantina Brâncuși, którego uproszczenie naturalnych form wywarło na niego trwały wpływ. Doświadczenie odwiedzenia takich artystów, jak Alberto Magnelli, Francis Picabia, Alberto Giacometti i Georges Vantongerloo w ich pracowniach, było dla niego transformujące.
Po sześciu latach pobytu za granicą język francuski Kelly”ego był nadal słaby, a on sam sprzedał tylko jeden obraz. W 1953 roku został eksmitowany ze swojej pracowni i w następnym roku wrócił do Ameryki. Zainteresował się nim po przeczytaniu recenzji z wystawy Ad Reinhardta, artysty, z którego twórczością czuł się związany. Po powrocie do Nowego Jorku stwierdził, że świat sztuki jest „bardzo trudny”. Chociaż Kelly jest obecnie uważany za istotnego innowatora i współtwórcę amerykańskiego ruchu artystycznego, wielu osobom trudno było znaleźć związek między sztuką Kelly”ego a dominującymi trendami stylistycznymi. W maju 1956 roku Kelly miał swoją pierwszą nowojorską wystawę w galerii Betty Parsons. Jego sztuka była uważana za bardziej europejską niż popularna w tamtym czasie w Nowym Jorku. Ponownie wystawiał w jej galerii jesienią 1957 roku. Trzy z jego prac: Atlantic, Bar i Painting in Three Panels, zostały wybrane i pokazane na wystawie Whitney Museum of American Art, „Young America 1957″. Jego prace uznano za radykalnie odmienne od dzieł pozostałych dwudziestu dziewięciu artystów. Szczególną uwagę zwrócił na przykład obraz Malarstwo na trzech panelach, w którym krytycy kwestionowali tworzenie przez niego dzieła z trzech płócien. Na przykład Michael Plante stwierdził, że prace Kelly”ego składające się z wielu paneli często były ciasne ze względu na ograniczenia instalacyjne, co ograniczało interakcję między nimi a architekturą pomieszczenia.
Kelly ostatecznie przeniósł się z Coenties Slip, gdzie czasami dzielił pracownię z artystką i przyjaciółką Agnes Martin, na dziewiąte piętro wieżowca studyjnego
W 1970 roku Kelly wyjechał z Nowego Jorku do Spencertown, a w 1984 roku dołączył do niego jego partner, fotograf Jack Shear. Od 2001 roku aż do śmierci Kelly pracował w studiu o powierzchni 20 000 m2 w Spencertown, przebudowanym i rozbudowanym przez architekta Richarda Gluckmana. W 2005 r. Kelly i Shear przenieśli się do rezydencji, którą dzielili do śmierci malarza – krytego drewnem domu w stylu kolonialnym, zbudowanego około 1815 r. Shear pełni funkcję dyrektora Ellsworth Kelly Foundation. W 2015 roku Kelly podarował Blanton Museum of Art na Uniwersytecie Teksańskim w Austin swój projekt budynku, który ma być miejscem kontemplacji. Zatytułowany Austin, kamienny budynek o powierzchni 2715 stóp kwadratowych – w którym znajdują się okna z kolorowego szkła, totemiczna rzeźba z drewna oraz panele z czarno-białego marmuru – jest jedynym budynkiem zaprojektowanym przez Kelly”ego i jego najbardziej monumentalnym dziełem. Austin, który Kelly zaprojektował trzydzieści lat wcześniej, został otwarty w lutym 2018 roku.
Kelly zmarła w Spencertown, w stanie Nowy Jork, 27 grudnia 2015 r., w wieku 92 lat.
Przeczytaj także: biografie-pl – Rainier III Grimaldi
Malowanie
Podczas pobytu w Paryżu Kelly nadal malował postaci, ale już w maju 1949 roku stworzył swoje pierwsze obrazy abstrakcyjne. Obserwując, jak światło rozprasza się na powierzchni wody, namalował obraz Seine (1950), składający się z czarno-białych prostokątów ułożonych przypadkowo. W 1951 roku rozpoczął serię ośmiu kolaży zatytułowanych Spectrum Colors Arranged by Chance I do VIII. Tworzył je za pomocą ponumerowanych kartek papieru, z których każda odnosiła się do koloru, jednego z osiemnastu różnych odcieni, umieszczanych na siatce o wymiarach 40 na 40 cali. W każdym z ośmiu kolaży zastosował inny proces.
Odkrycie przez Kelly”ego w 1952 r. późnych dzieł Moneta dało mu nową swobodę malarskiej ekspresji: zaczął pracować w bardzo dużych formatach, zgłębiał koncepcje seryjności i malarstwa monochromatycznego. Od tej pory malarz pracował wyłącznie w trybie abstrakcyjnym. Do końca lat 50. w jego malarstwie kładziono nacisk na kształt i bryły planarne (często przyjmując nierektylowalne formaty). Jego twórczość z tego okresu stanowiła również użyteczny pomost między awangardową amerykańską abstrakcją geometryczną lat 30. i wczesnych 40. a minimalizmem i sztuką redukcyjną połowy lat 60. i 70. Na przykład relief Kelly”ego Blue Tablet (1962) znalazł się na przełomowej wystawie Toward a New Abstraction (W stronę nowej abstrakcji) w Muzeum Żydowskim w 1963 roku.
W latach 60. zaczął pracować z płótnami o nieregularnych kątach. Yellow Piece (1966), pierwsze kształtne płótno artysty, stanowi przełomowe zerwanie Kelly”ego z prostokątną podstawą i redefinicję figury malarskiej.
W latach 70. do repertuaru jego prac dołączyły kształty zakrzywione. Green White (1968) to debiut trójkąta w twórczości Kelly”ego, kształtu, który powraca w całej jego karierze; obraz składa się z dwóch odrębnych monochromatycznych płócien o różnych kształtach, które są zainstalowane jedno na drugim: duży, odwrócony, zielony trapez jest umieszczony pionowo nad mniejszym białym trójkątem, tworząc nową geometryczną kompozycję.
Po wyjeździe z Nowego Jorku do Spencertown w 1970 r. wynajął dawny teatr w pobliskim miasteczku Chatham, co pozwoliło mu pracować w pracowni bardziej przestronnej niż wszystkie, które wcześniej zajmował. Pracując tam przez rok, Kelly rozpoczął serię 14 obrazów, które stały się Serią Chatham. Każdy z nich ma formę odwróconej litery E i składa się z dwóch połączonych płócien, z których każde jest monochromatyczne w innym kolorze. Prace różnią się proporcjami i paletą barw; szczególną uwagę zwrócono na wielkość każdego panelu i dobór kolorów, aby uzyskać równowagę i kontrast między nimi.
Większy cykl dwunastu prac, który Kelly rozpoczął w 1972 roku, a ukończył dopiero w 1983, Gray został pierwotnie pomyślany jako antywojenna wypowiedź i jest pozbawiony koloru. W 1979 roku Kelly zastosował krzywe w dwukolorowych obrazach składających się z oddzielnych paneli.
W późniejszych obrazach Kelly destyluje paletę barw i wprowadza nowe formy. W każdym dziele zaczynał od prostokątnego płótna, które starannie malował wieloma warstwami białej farby; na wierzchu umieszczał kształtne płótno, w większości pomalowane na czarno.
W odniesieniu do własnej twórczości Kelly powiedział w wywiadzie z 1996 roku: „Myślę, że to, czego wszyscy pragniemy od sztuki, to poczucie stałości, przeciwstawienia się chaosowi codziennego życia. To oczywiście iluzja. Płótno gnije. Farba zmienia kolor. Ale ty wciąż próbujesz zamrozić świat, jakbyś mógł sprawić, że będzie trwał wiecznie. W pewnym sensie staram się uchwycić rzeczywistość płynności, utrzymać sztukę w stanie otwartym, niekompletnym, dotrzeć do zachwytu widzeniem”.
Kelly komentuje: „Zdałam sobie sprawę, że nie chcę komponować obrazów… Chciałam je znaleźć. Czułem, że moja wizja polega na wybieraniu rzeczy istniejących w świecie i przedstawianiu ich”. Największe zainteresowanie wzbudziło we mnie badanie percepcji. Było tak wiele do zobaczenia i wszystko to wyglądało dla mnie fantastycznie”.
Przeczytaj także: biografie-pl – Antystenes
Litografie i rysunki
Kelly oferował rysunki roślin i kwiatów od końca lat 40. Ailanthus (1948) to pierwszy rysunek roślinny, który wykonał w Bostonie, a Hyacinth (1949) był pierwszym, który zrobił podczas pobytu w Paryżu. Od 1949 roku, mieszkając w Paryżu (pod wpływem Henri Matisse”a i Jeana Arpa), zaczął rysować proste formy roślin i wodorostów. Studia roślinne to w większości konturowe rysunki liści, łodyg i kwiatów, wykonane czystymi pociągnięciami ołówka lub pióra i wyśrodkowane na kartce.
Grafiką zajął się intensywnie w połowie lat 60., kiedy to w paryskim wydawnictwie Maeght Éditeur wykonał Suitę dwudziestu siedmiu litografii (1964-66). Wtedy też powstała pierwsza grupa litografii roślin. Od 1970 r. współpracował głównie z Gemini G.E.L. Jego pierwsza seria 28 litografii transferowych, zatytułowana Suita litografii roślinnych, zapoczątkowała zbiór, który liczył 72 odbitki i niezliczone rysunki liści. W 1971 roku w Gemini G.E.L. ukończył cztery edycje odbitek oraz edycję wielokrotnego lustrzanego Concorde”a. Jego Purpurowy
Przeczytaj także: historia-pl – Wielki głód 1315–1317
Rzeźba
Choć Kelly jest bardziej znany ze swoich obrazów, przez cały czas swojej kariery zajmował się również rzeźbą. W 1958 r. Kelly stworzył jedną ze swoich pierwszych rzeźb w drewnie, Concorde Relief I (1958), skromną płaskorzeźbę ścienną z wiązu, która eksploruje wizualną grę i równowagę między dwiema prostokątnymi formami nałożonymi na siebie, z których najwyższa ma usunięty prawy górny i lewy dolny róg. W ciągu swojej kariery artysta wykonał 30 rzeźb w drewnie. Od 1959 r. tworzył wolnostojące rzeźby składane. Seria Rocker rozpoczęła się w 1959 roku po przypadkowej rozmowie Kelly”ego z Agnes Martin, która mieszkała pod nim na Coenties Slip na dolnym Manhattanie. Bawiąc się papierową pokrywką od kubka po kawie, Kelly wyciął i złożył fragment okrągłego przedmiotu, który następnie położył na stole i kołysał w przód i w tył. Wkrótce potem skonstruował swoją pierwszą rzeźbę w kształcie koła, Pony. Tytuł nawiązuje do dziecięcego konika hobbystycznego z zakrzywionymi podpórkami bujanymi.
W 1973 roku Kelly zaczął regularnie tworzyć duże rzeźby plenerowe. Kelly zrezygnował z malowanych powierzchni, wybierając nielakierowaną stal, aluminium lub brąz, często w konfiguracjach przypominających totem, takich jak Curve XXIII (1981). Podczas gdy totemiczne formy jego rzeźb wolnostojących mogą mieć do 15 stóp wysokości, płaskorzeźby ścienne mogą mieć ponad 14 stóp szerokości. Rzeźby Kelly”ego „opierają się na absolutnej prostocie i przejrzystości formy”. W latach osiemdziesiątych, w okresie pobytu w Spencertown, artysta po raz pierwszy poświęcił rzeźbom tyle samo energii co malarstwu, tworząc ponad sześćdziesiąt procent ze swoich 140 rzeźb.
Kelly tworzył swoje prace, wykorzystując kolejne pomysły w różnych formach. Być może zaczynał od rysunku, poprawiał go i tworzył odbitkę, a następnie z tej odbitki tworzył wolnostojącą pracę, która następnie stawała się rzeźbą. Jego rzeźby mają być całkowicie proste i można je oglądać szybko, często jednym spojrzeniem. Widz obserwuje gładkie, płaskie powierzchnie, które są odizolowane od otaczającej je przestrzeni. To poczucie płaskości i minimalizmu sprawia, że trudno jest odróżnić pierwszy plan od tła. Błękitny dysk Kelly”ego znalazł się na przełomowej wystawie w Muzeum Żydowskim w Nowym Jorku w 1966 roku, zatytułowanej Primary Structures, obok wielu znacznie młodszych artystów, którzy dopiero zaczynali pracę z minimalnymi formami.
Przeczytaj także: biografie-pl – Bessarion
Styl
William Rubin zauważył, że „rozwój Kelly”ego był zdecydowanie ukierunkowany wewnętrznie: nie był ani reakcją na ekspresjonizm abstrakcyjny, ani wynikiem dialogu ze współczesnymi mu malarzami”. Wiele z jego obrazów składa się z jednego (zwykle jasnego) koloru, a niektóre płótna mają nieregularne kształty, nazywane czasem „płótnami kształtowanymi”. Jakość linii widoczna w jego obrazach i w formie ukształtowanych płócien jest bardzo subtelna i sugeruje doskonałość. Widać to w pracy Block Island Study (1959).
Przeczytaj także: biografie-pl – Edgar Spokojny
Wpływy
Jako źródło powagi jego prac wskazuje się wojskową przeszłość Kelly”ego. Podczas służby w armii Kelly miał styczność z kamuflażem, którym posługiwał się jego batalion, i pozostawał pod jego wpływem. To nauczyło go posługiwania się formą i cieniem, a także konstruowania i dekonstruowania tego, co widzialne. Miało to fundamentalne znaczenie dla jego wczesnej edukacji artystycznej. Podczas pobytu w Paryżu Ralph Coburn, przyjaciel Kelly”ego z Bostonu, zapoznał go z techniką rysunku automatycznego. Kelly przyjął tę technikę tworzenia obrazu bez patrzenia na kartkę papieru. Techniki te pomogły Kelly”emu rozluźnić styl rysowania i poszerzyły jego akceptację tego, co uważał za sztukę. Podczas ostatniego roku pobytu w Paryżu Kelly był chory i cierpiał na depresję; Sims uważa, że miało to wpływ na jego dominujące użycie czerni i bieli w tym okresie.
Podziw Kelly”ego dla Henri Matisse”a i Pabla Picassa jest widoczny w jego twórczości. Dzięki ich inspiracji nauczył się patrzeć na rzeczy w różny sposób i pracować w różnych mediach. Piet Mondrian wywarł wpływ na nieobiektywne formy, których używał zarówno w swoich obrazach, jak i rzeźbach. Podczas studiów w Paryżu Kelly po raz pierwszy uległ wpływowi sztuki i architektury romańskiej i bizantyjskiej. Zapoznanie się z surrealizmem i neoplastycyzmem wpłynęło na jego twórczość i skłoniło go do wypróbowania abstrakcji form geometrycznych.
Przeczytaj także: cywilizacje – Święte Cesarstwo Rzymskie
Curating
W 2014 roku Kelly zorganizował wystawę rysunków Matisse”a w Mount Holyoke College Art Museum w South Hadley, Massachusetts. W 2015 r. był kuratorem wystawy „Monet
W 1990 roku Kelly był kuratorem wystawy „Artist”s Choice: Ellsworth Kelly Fragmentation and the Single Form” w Museum of Modern Art.
W 1956 r. poznał Roberta Indianę, który zamieszkał w tym samym budynku, i zostali partnerami. Kelly stał się jego mentorem. Rozstali się około 1964 roku. Jednym z powodów było używanie przez Indianę słów w swoich obrazach, a Kelly uważał taką technikę za niegodną sztuki wysokiej.
Od 1984 roku aż do śmierci Kelly mieszkał ze swoim mężem, fotografem Jackiem Shearem, który pełni funkcję dyrektora Ellsworth Kelly Foundation.
Pierwsza indywidualna wystawa Kelly”ego odbyła się w Galerie Arnaud w Paryżu w 1951 roku. Jego pierwsza wystawa indywidualna w Nowym Jorku odbyła się w 1956 r. w Betty Parsons Gallery. W 1957 r. pokazał prace na wystawie zbiorowej w Ferus Gallery w Los Angeles. W 1959 r. został włączony do przełomowej wystawy Museum of Modern Art, Sixteen Americans. W 1961 r. Kelly został zaproszony do udziału w Biennale w São Paulo. Jego prace znalazły się później na wystawach documenta w latach 1964, 1968, 1977 i 1992. Pokój z jego obrazami był prezentowany na Biennale w Wenecji w 2007 roku.
Pierwsza retrospektywa Kelly”ego odbyła się w Museum of Modern Art w 1973 roku. Od tego czasu jego twórczość została doceniona na licznych wystawach retrospektywnych, m.in. na wystawie rzeźby w Whitney Museum of American Art w Nowym Jorku w 1982 roku; na wystawie prac na papierze i pokazie jego prac graficznych, które podróżowały po Stanach Zjednoczonych i Kanadzie w latach 1987-88; oraz na retrospektywnej wystawie w 1996 roku zorganizowanej przez Solomon R. Guggenheim Museum, która podróżowała do Museum of Contemporary Art w Los Angeles, Tate Gallery w Londynie i Haus der Kunst w Monachium. Od tamtego czasu wystawy indywidualne prac Kelly”ego odbyły się w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku (1998), Fogg Art Museum w Cambridge (1999), San Francisco Museum of Modern Art (1988), Fogg Art Museum w Cambridge (1999), San Francisco Museum of Modern Art (1988), Fogg Art Museum w Cambridge (1999), Fogg Art Museum w Cambridge (1999), San Francisco Museum of Modern Art (1999).
W 1993 roku Galerie nationale du Jeu de Paume w Paryżu zorganizowała wystawę „Ellsworth Kelly: The French Years, 1948-54″, poświęconą związkom artysty z tym miastem, która została przeniesiona do National Gallery of Art w Waszyngtonie; w 2008 r. Musée d”Orsay uhonorowało Kelly”ego wystawą „Correspondences: Paul Cézanne Ellsworth Kelly”. W 2012 r. w Haus der Kunst odbyła się pierwsza kompleksowa retrospektywa czarno-białych prac Kelly”ego.
Z okazji 90. urodzin artysty w 2013 r. w National Gallery of Art w Waszyngtonie zorganizowano wystawę jego grafik, w Barnes Foundation w Filadelfii pokazano pięć rzeźb, w Phillips Collection w Waszyngtonie wystawiono jego obrazy panelowe, a w Museum of Modern Art otwarto wystawę „Chatham Series”.
Przeczytaj także: cywilizacje – Bidźapur
Wybrane wystawy indywidualne
W 1957 r. Kelly otrzymał zlecenie na wykonanie rzeźby ściennej o długości 65 stóp dla Transportation Building w Penn Center w Filadelfii, która była jego największym dziełem. Rzeźba, zatytułowana Sculpture for a Large Wall (1957), została ostatecznie zdemontowana. Od tego czasu Kelly zrealizował wiele zamówień publicznych, m.in. Wright Curve (1966), stalową rzeźbę przeznaczoną do stałej instalacji w Peter B. Lewis Theater Guggenheima; mural w siedzibie UNESCO w Paryżu w 1969 r.; Curve XXII (1985, zamówienie I. M. Pei dla budynku Raffles City w Singapurze; Tryptyk Houston, pionowe płaszczyzny z brązu zamontowane na wysokim betonie w Muzeum Sztuk Pięknych w Houston w 1986 r.; Totem (the Dallas Panels – rzeźba z 1989 r. dla siedziby Nestlé w Vevey w Szwajcarii; Gaul (dwuczęściowy pomnik dla United States Holocaust Memorial Museum w Waszyngtonie w 1993 r.; oraz wielkoformatowe rzeźby berlińskie dla Muzeum Holokaustu w Berlinie w 1993 r.), w 1993 roku; oraz wielkoformatowe panele berlińskie dla Bundestagu w Berlinie w 1998 roku. Dla gmachu sądu Stanów Zjednoczonych im. Johna Josepha Moakleya (projekt Henry”ego N. Cobba) w Bostonie zaprojektował The Boston Panels, 21 jaskrawo kolorowych paneli aluminiowych zainstalowanych w centralnej rotundzie jako pojedyncze dzieło w całym budynku.
Dwupanelowy projekt Kelly”ego Blue Black (2001), wysoki na 28 stóp i wykonany z malowanego aluminium o strukturze plastra miodu, powstał na zamówienie Pulitzer Arts Foundation w St. Louis, a wielkoskalowy brąz Untitled (2005) został zamówiony specjalnie na dziedziniec Phillips Collection. W 2005 r. Kelly otrzymał zlecenie na wykonanie jedynej pracy site-specific dla skrzydła Modern Instytutu Sztuki w Chicago, zaprojektowanego przez Renzo Piano. Stworzył White Curve, największą rzeźbę ścienną, jaką kiedykolwiek wykonał, która jest wystawiana od 2009 roku. W 2008 roku na dziedzińcu Ambasady Stanów Zjednoczonych w Berlinie Kelly zainstalował Berlin Totem, 40-stopową rzeźbę ze stali nierdzewnej. Następnie wykonał kurtynę Spectrum VIII (2014), składającą się z 12 kolorowych pasów, dla audytorium Fundacji Louis Vuitton w Paryżu.
W 1986 roku Kelly zaprojektował swój pierwszy wolnostojący budynek dla prywatnego kolekcjonera, ale nigdy nie został on zrealizowany. Dopiero w 2015 r. Blanton Museum of Art nabyło jego projekt kamiennego budynku o powierzchni 2715 stóp kwadratowych, w tym 14 paneli z czarno-białego marmuru i okien z kolorowego szkła, planując wybudować go na terenie muzeum na Uniwersytecie Teksańskim w Austin. Budynek został otwarty dla zwiedzających 18 lutego 2018 r. Austin, dzieło sztuki i architektury, uważane jest za zwieńczenie kariery Kelly”ego.
W 1968 r. Kelly otrzymał zlecenie na wykonanie dużej rzeźby plenerowej dla Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection w Albany, NY. Rzeźba zatytułowana Yellow Blue została zainspirowana otoczeniem Empire State Plaza i jest największą stojącą rzeźbą Kelly”ego o wysokości 9 stóp i szerokości prawie 16 stóp. Yellow Blue była jego pierwszą stalową rzeźbą i do dziś pozostaje jedyną wykonaną z malowanej stali.
W 1957 roku Whitney Museum of American Art zakupiło obraz Atlantic, przedstawiający dwa łuki przypominające białe fale na tle jednolitej czerni; był to pierwszy zakup Kelly”ego do muzeum. Obecnie jego prace znajdują się w wielu kolekcjach publicznych, m.in. w Centre Pompidou w Paryżu, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía w Madrycie, Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection w Albany w stanie Nowy Jork oraz Tate Modern w Londynie. W 1999 r. Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco ogłosiło, że zakupiło 22 prace Ellswortha Kelly”ego – obrazy, płaskorzeźby i rzeźby. Ich wartość została wyceniona na ponad 20 milionów dolarów. W 2003 r. Menil Collection otrzymała tablicę Kelly”ego, 188 oprawionych prac na papierze, w tym szkice, rysunki robocze i kolaże. Do znanych prywatnych kolekcjonerów należą między innymi Eli Broad i Gwyneth Paltrow.
Kelly otrzymała również liczne tytuły honorowe, m.in. od Bard College (Uniwersytet Harvarda, Cambridge) i Williams College (2005).
Przeczytaj także: historia-pl – Biblia genewska
Znaczki pocztowe Kelly
W styczniu 2019 r. United States Postal Service ogłosiła, że w 2019 r. zostanie wydany zestaw znaczków honorujących dzieło Kelly”ego. Komunikat prasowy USPS uznaje Kelly”ego za pioniera „charakterystycznego stylu abstrakcji opartego na rzeczywistych elementach zredukowanych do ich istotnych form”. Przedstawiono dziesięć prac, w tym Yellow White, Colors for a Large Wall, Blue Red Rocker, Spectrum I, South Ferry, Blue Green, Orange Red Relief (dla Delphine Seyrig), Meschers, Red Blue i Gaza. Zestaw znaczków zostanie wydany 31 maja 2019 r.
W 1956 r. diler Betty Parsons po raz pierwszy zaproponował mu wystawę indywidualną. W 1965 r., po prawie dziesięciu latach współpracy z Parsons, zaczął wystawiać w Sidney Janis Gallery. W latach 70. i 80. jego pracami zajmowały się wspólnie Leo Castelli i Blum Helman w Nowym Jorku. W 1992 r. związał się z Matthew Marks Gallery w Nowym Jorku i Los Angeles oraz z Anthony d”Offay Gallery w Londynie. Fasada galerii Marksa w Los Angeles została zainspirowana kolażem Study for Black and White Panels, który Marks wykonał w 1954 roku mieszkając w Paryżu, oraz obrazem Black Over White. Od 1964 roku Marks produkował grafiki i rzeźby w Gemini G.E.L. w Los Angeles i Tyler Graphics Ltd. w pobliżu Nowego Jorku.
W 2014 roku obraz Kelly”ego Red Curve (1982) został sprzedany na aukcji w Christie”s New York za 4,5 miliona dolarów. Rekord aukcyjny dla dzieła Ellswortha Kelly”ego został ustanowiony przez 13-częściowy obraz Spectrum VI (1969), który został sprzedany za 5,2 miliona dolarów na aukcji Sotheby”s New York, Contemporary Art Evening, 14 listopada 2007 roku.
W listopadzie 2019 roku Christie”s ustanowił rekord aukcyjny dla artysty dzięki pracy Red Curve VII, sprzedanej za 9,8 mln dolarów.
Źródła
