Eva Hesse
gigatos | 15 marca, 2022
Streszczenie
Eva Hesse (11 stycznia 1936 – 29 maja 1970) to urodzona w Niemczech amerykańska rzeźbiarka znana z pionierskich prac z wykorzystaniem takich materiałów, jak lateks, włókno szklane i tworzywa sztuczne. Jest jedną z artystek, które w latach 60. zapoczątkowały ruch sztuki postminimalnej.
Hesse urodziła się 11 stycznia 1936 r. w Hamburgu, w Niemczech, w rodzinie spostrzegawczych Żydów. Gdy Hesse miała dwa lata, w grudniu 1938 r., jej rodzice, w nadziei na ucieczkę przed nazistowskimi Niemcami, wysłali ją wraz ze starszą siostrą Helen Hesse Charash do Holandii. Znalazły się na pokładzie jednego z ostatnich pociągów Kindertransport.
Po prawie sześciu miesiącach rozłąki połączona rodzina przeniosła się do Anglii, a następnie, w 1939 r., wyemigrowała do Nowego Jorku, gdzie zamieszkała w dzielnicy Washington Heights na Manhattanie. W 1944 roku rodzice Hesse rozstali się; ojciec ożenił się ponownie w 1945 roku, a matka popełniła samobójstwo w 1946 roku. W 1961 r. Hesse poznała i poślubiła rzeźbiarza Toma Doyle”a (rozwiedli się w 1966 r.).
W październiku 1969 r. zdiagnozowano u niej guza mózgu, a 29 maja 1970 r. zmarła po trzech nieudanych operacjach w ciągu roku. Jej śmierć w wieku 34 lat zakończyła karierę, która mimo że trwała zaledwie dziesięć lat, miała ogromne znaczenie.
Hesse ukończyła nowojorską School of Industrial Art w wieku 16 lat, a w 1952 roku zapisała się do Pratt Institute of Design. Już rok później zrezygnowała z nauki. Gdy Hesse miała 18 lat, odbyła staż w magazynie Seventeen. W tym czasie uczęszczała też na zajęcia w Art Students League. W latach 1954-57 studiowała w Cooper Union, a w 1959 r. uzyskała tytuł licencjata na Uniwersytecie Yale. Podczas studiów w Yale Hesse studiowała pod kierunkiem Josefa Albersa i pozostawała pod silnym wpływem ekspresjonizmu abstrakcyjnego.
Po ukończeniu Yale Hesse wróciła do Nowego Jorku, gdzie zaprzyjaźniła się z wieloma innymi młodymi artystami minimalistami, takimi jak Sol LeWitt, Donald Judd, Yayoi Kusama i inni. Bliska przyjaźń z Sol LeWittem trwała do końca jej życia. Oboje często pisali do siebie, a w 1965 roku LeWitt poradził młodej, wątpiącej Evie, by „przestała”. Zarówno Hesse, jak i LeWitt zostali wpływowymi artystami, a ich przyjaźń stymulowała artystyczny rozwój ich twórczości.
W listopadzie 1961 r. Eva Hesse poślubiła rzeźbiarza Toma Doyle”a. W sierpniu 1962 r. Eva Hesse i Tom Doyle wzięli udział w Happeningu Allana Kaprowa w Art Students League of New York w Woodstock, w stanie Nowy Jork. Hesse wykonała tam swoje pierwsze dzieło trójwymiarowe: kostium na Happening. W 1963 r. Eva Hesse miała indywidualną wystawę prac na papierze w Allan Stone Gallery na Upper East Side w Nowym Jorku. W 1965 roku Hesse i Doyle, których małżeństwo w tym czasie rozpadało się, zamieszkali i pracowali przez rok w opuszczonej fabryce włókienniczej w Kettwig-on-the-Ruhr koło Essen, aby Doyle mógł ubiegać się o stypendium u niemieckiego przemysłowca i kolekcjonera Friedricha Arnharda Scheidta. W budynku nadal znajdowały się części maszyn, narzędzia i materiały pochodzące z poprzedniego zastosowania, a kanciaste formy tych nieużywanych maszyn i narzędzi posłużyły Hesse za inspirację do rysunków i obrazów o tematyce mechanicznej. Jej pierwszą rzeźbą była płaskorzeźba zatytułowana Ringaround Arosie, w której wykorzystano pokryty tkaniną sznurek, przewód elektryczny i masonit. Ten rok w Niemczech stanowił punkt zwrotny w karierze Hesse. Od tej pory Hesse nadal tworzyła rzeźby, które stały się głównym tematem jej twórczości. Po powrocie do Nowego Jorku w 1965 roku zaczęła pracować i eksperymentować z niekonwencjonalnymi materiałami, które stały się charakterystyczne dla jej twórczości: lateksem, włóknem szklanym i plastikiem.
Wczesna twórczość Hesse (1960-65) obejmowała przede wszystkim abstrakcyjne rysunki i obrazy. Jest bardziej znana ze swoich rzeźb i dlatego jej rysunki są często traktowane jako wstęp do jej późniejszych prac. Jednak większość rysunków artystka tworzyła jako osobne prace. Stwierdziła, że „były one powiązane, ponieważ były moje, ale nie były powiązane w jeden sposób z drugim”.
Zainteresowanie Hessego lateksem jako medium dla form rzeźbiarskich miało związek z natychmiastowością. Krytyk sztuki John Keats stwierdził: „natychmiastowość może być jednym z głównych powodów, dla których Hesse był przyciągnięty do lateksu”. Dwie pierwsze prace Hessego z użyciem lateksu, Schema i Sequel (1967-68), wykorzystują lateks w sposób, którego producent nigdy sobie nie wyobrażał. W pracy Bez tytułu (Rope Piece) Hesse użyła lateksu przemysłowego, a po jego utwardzeniu zawiesiła go na ścianie i suficie za pomocą drutu. „Lateks przemysłowy był przeznaczony do odlewania. Hesse obchodziła się z nim jak z farbą domową, nakładając warstwę po warstwie, aby uzyskać powierzchnię, która była gładka, ale nieregularna, poszarpana na krawędziach jak papier z pokładem”.
Prace Hesse często wykorzystują wiele form o podobnych kształtach, zorganizowanych w struktury siatki lub klastry. Zachowując niektóre z form definiujących minimalizm, modularność i użycie niekonwencjonalnych materiałów, Hesse tworzyła ekscentryczne prace, które były powtarzalne i pracochłonne. Jej praca Contingent z 1968 roku jest idealnym przykładem tej koncepcji. W jednym z oświadczeń na temat swojej twórczości Hesse opisała pracę zatytułowaną Hang-Up jako „…pierwszy raz pojawiła się u mnie idea absurdu lub ekstremalnego odczucia… Całość jest absolutnie sztywna, dookoła niej biegnie gładki sznurek… To jest ekstremalne i dlatego mi się podoba i nie podoba… Jest to najbardziej absurdalna konstrukcja, jaką kiedykolwiek stworzyłem, i dlatego jest naprawdę dobra”.
Eva Hesse jest kojarzona z ruchem sztuki postminimalnej. Arthur Danto odróżnił postminimalizm od minimalizmu „wesołością i żartobliwością”, „wyraźnym powiewem erotyzmu” i „niemechanicznym powtarzaniem”.
Hesse pracowała, a czasem konkurowała ze swoimi męskimi odpowiednikami w sztuce postminimalistycznej, ruchu zdominowanym głównie przez mężczyzn. Wielu feministycznych historyków sztuki zauważa, że jej prace z powodzeniem naświetlają kwestie kobiece, a jednocześnie nie zawierają żadnych oczywistych programów politycznych. W liście do Ethelyn Honig (1965) ujawniła, że kobieta „od początku znajduje się w niekorzystnej sytuacji… Brakuje jej przekonania, że ma ”prawo” do osiągnięć. Brakuje jej także przekonania, że jej osiągnięcia są wartościowe”. Wyjaśniała dalej, że „niezbędna jest fantastyczna siła i odwaga. Cały czas się nad tym zastanawiam. Moja determinacja i wola są silne, ale tak bardzo brakuje mi poczucia własnej wartości, że nigdy nie udaje mi się zwyciężyć”. Hesse zaprzeczała, jakoby jej twórczość była ściśle feministyczna, broniąc jej jako kobiecej, ale bez feministycznych deklaracji na myśli. W wywiadzie z Cindy Nemser dla Woman”s Art Journal (1970) stwierdziła: „Sposobem na pokonanie dyskryminacji w sztuce jest sztuka. Doskonałość nie ma płci”.
Prace Hessego często pokazują minimalną fizyczną manipulację materiałem przy jednoczesnym całkowitym przekształceniu znaczenia, jakie ten materiał przekazuje. Ta prostota i złożoność wywołała kontrowersje wśród historyków sztuki. Debata koncentrowała się na tym, które prace należy uznać za kompletne i ukończone, a które za studia, szkice lub modele przyszłych dzieł. Rysunki Hesse są często uznawane za szkice do późniejszych rzeźb, ale sama Hesse nie chce się z tym wiązać. Jej twórczość jest często określana jako antyforma, czyli opór wobec jednolitości. Jej prace zawierają elementy minimalizmu w prostych kształtach, delikatnych liniach i ograniczonej palecie kolorów. Barry Schwabsky tak opisał jej prace dla Camden Arts Centre w Londynie: „Rzeczy złożone, rzeczy ułożone w stosy, rzeczy poskręcane, zwinięte i rozwinięte; rzeczy poplątane, tępe, do których można się przyczepić; materiały, które wyglądają na zastygłe, materiały, które wydają się zagubione, wyrzucone lub źle traktowane; kształty, które wyglądają tak, jakby powinny być zrobione z ciała, i kształty, które wyglądają tak, jakby mogły być zrobione z ciała, ale nie powinny – możesz patrzeć na te rzeczy, te materiały, te kształty i poczuć dreszcz nienazwanej nanosensacji, albo możesz przepuścić obok nich wzrok bez reakcji; być może możesz zrobić jedno i drugie naraz. ” Wszystkie jej prace, a zwłaszcza rysunki, opierają się na powtórzeniach i prostych progresjach.
Od pewnego czasu trwają dyskusje na temat tego, jak najlepiej konserwować rzeźby Evy Hesse. Z wyjątkiem włókna szklanego, większość preferowanych przez nią materiałów źle się zestarzała, więc wiele z jej prac stanowi dla konserwatorów ogromne wyzwanie. Arthur Danto, pisząc o retrospektywie w Muzeum Żydowskim w 2006 roku, wspomina o „przebarwieniach, luźności w membranopodobnym lateksie, wyczuwalnym starzeniu się materiału… A jednak w jakiś sposób praca nie sprawia wrażenia tragicznej. Jest za to pełna życia, erosa, a nawet komizmu… Każda praca na wystawie wibruje oryginalnością i złośliwością.”
W niektórych przypadkach jej prace są zniszczone w stopniu uniemożliwiającym ich prezentację. Na przykład praca Sans III nie może być już wystawiona na widok publiczny, ponieważ lateksowe pudełka zwinęły się i rozpadły. Bliski przyjaciel Hessego, Sol LeWitt, przekonywał do podjęcia kroków w celu aktywnej konserwacji: „Chciała, aby jej prace przetrwały. Z pewnością nie miała nastawienia, że będzie bezczynnie siedzieć z boku i pozwalać, by rozpadały się na jej oczach”. Odpowiedź LeWitta popiera wielu innych przyjaciół i współpracowników Hessego. Jednak przywiązanie Hesse do materiału i procesu stoi w sprzeczności z jej zamiarem trwałości tych prac. Omawiając ten temat z myślą o kolekcjonerach, napisała: „W tym momencie czuję się trochę winna, kiedy ludzie chcą je kupić. Myślę, że wiedzą, ale chciałabym napisać do nich list, że to nie będzie trwałe. Nie jestem pewna, jakie jest moje stanowisko w sprawie trwałości. Część mnie uważa, że to zbyteczne i jeśli muszę użyć gumy, to jest to ważniejsze. Życie nie jest trwałe; sztuka nie jest trwała”.
Jej sztukę często postrzega się w kontekście wielu życiowych zmagań. Obejmuje to ucieczkę przed nazistami, rozwód rodziców, samobójstwo matki w wieku 10 lat, nieudane małżeństwo i śmierć ojca. W 2016 r. w Nowym Jorku odbyła się premiera filmu dokumentalnego zatytułowanego Eva Hesse, który ukazał jej bolesną przeszłość. Film, wyreżyserowany przez Marcie Begleiter, opowiada o „tragicznie skróconym życiu” Hesse. Skupia się na latach artystycznego rozkwitu, okresie szybkiego rozwoju i szalonej produktywności, który ma niewiele odpowiedników w historii sztuki.
Choć doświadczenia bez wątpienia wywarły głębokie wrażenie na Hesse, prawdziwy wpływ na jej twórczość miała jej formalna, artystyczna inwencja: na przykład pomysłowe wykorzystanie materiału, współczesna odpowiedź na ruch minimalistyczny oraz zdolność do zapoczątkowania ruchów sztuki postmodernistycznej i postminimalistycznej. Arthur Danto łączy te dwie kwestie, opisując ją jako „radzącą sobie z emocjonalnym chaosem, wymyślającą rzeźbę na nowo poprzez estetyczną niesubordynację, bawiącą się bezwartościowym materiałem pośród przemysłowych ruin pokonanego narodu, który zaledwie dwie dekady wcześniej zamordowałby ją bez zastanowienia”.
Hesse należała do pierwszych artystów lat 60., którzy eksperymentowali z płynnymi konturami organicznego świata natury, a także z najprostszymi gestami artystycznymi. Niektórzy obserwatorzy widzą w tych cechach ukryte, protofeministyczne odniesienia do kobiecego ciała; inni odnajdują w leniwych formach Hesse wyraz dowcipu, kaprysu i poczucia spontanicznej inwencji przy użyciu przypadkowo znalezionych lub „codziennych” materiałów. Wśród wybitnych artystów, dla których Hesse była głównym źródłem inspiracji, należy wymienić japońskiego artystę Eiji Sumi
W 1961 r. gwasze Hesse były prezentowane na 21. Międzynarodowym Biennale Akwareli w Brooklyn Museum. Równocześnie pokazała swoje rysunki na wystawie John Heller Gallery Drawings: Three Young Americans. W sierpniu 1962 r. wraz z Tomem Doyle”em wzięła udział w Allan Kaprow Happening w Art Students League of New York w Woodstock, w stanie Nowy Jork. W 1963 r. Hesse miała indywidualną wystawę prac na papierze w Allan Stone Gallery na Upper East Side w Nowym Jorku. Jej pierwsza indywidualna wystawa rzeźby odbyła się w Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen w Düsseldorfie w 1965 roku. W listopadzie 1968 r. wystawiła swoje wielkoformatowe rzeźby w Fischbach Gallery w Nowym Jorku. Wystawa nosiła tytuł Chain Polymers i była jej jedyną indywidualną wystawą rzeźbiarską w Stanach Zjednoczonych w czasie jej życia. Wystawa ta miała decydujące znaczenie dla kariery Hesse i zapewniła jej ówczesną reputację. Jej duża praca Expanded Expansion została pokazana w Whitney Museum w 1969 r. na wystawie „Anti-Illusion: Process .
W Stanach Zjednoczonych i Europie zorganizowano kilkadziesiąt dużych wystaw pośmiertnych. Wczesna z nich miała miejsce w Muzeum Guggenheima (1972), natomiast w 1979 roku zorganizowano trzy odrębne odsłony retrospektywy Evy Hesse zatytułowanej Eva Hesse: Sculpture. Wystawy te odbyły się w Whitechapel Art Gallery w Londynie w dniach 4 maja – 17 czerwca 1979 roku, w Kroller-Muller w Otterlo w dniach 30 czerwca – 5 sierpnia 1979 roku oraz w Kestner-Gesellschaft w Hanowerze w dniach 17 sierpnia – 23 września 1979 roku. Jedną z prac prezentowanych na tej wystawie było Aught – cztery podwójne arkusze lateksu wypchane polietylenem. W 1982 roku Ellen H. Johnson zorganizowała pierwszą retrospektywę poświęconą w całości rysunkom Hessego, która zawędrowała do Grey Art Gallery na Uniwersytecie Nowojorskim, Allen Memorial Art Museum w Oberlin College, Renaissance Society na Uniwersytecie Chicagowskim, Contemporary Arts Museum w Houston i Baltimore Museum of Art. W 1992 i 1993 r. odbyły się wystawy retrospektywne w New Haven, Walencji i Paryżu.
Od początku XXI wieku zorganizowano wiele dużych wystaw, w tym dużą wystawę w 2002 roku (zorganizowaną wspólnie przez San Francisco Museum of Modern Art, Tate Modern i Museum Wiesbaden) oraz równoległe wystawy w 2006 roku w The Drawing Center w Nowym Jorku i Muzeum Żydowskim w Nowym Jorku. W Europie Hesse miała ostatnio wystawy w Fundació Antoni Tàpies w Barcelonie (2010) i w Fruitmarket Gallery w Edynburgu (sierpień-październik 2009). W latach 2019-2020 wystawa jej rysunków z kolekcji Allen Memorial Art Museum pojedzie do Museum Wiesbaden, Mumok w Wiedniu, Hauser & Wirth w Nowym Jorku oraz Allen Memorial Art Museum.
Ponad 20 jej prac znajduje się w Museum of Modern Art w Nowym Jorku. Największa kolekcja dzieł Hesse poza Stanami Zjednoczonymi znajduje się w Museum Wiesbaden, które zaczęło aktywnie nabywać jej prace po wystawie „Female Artists of the Twentieth Century” w 1990 roku. Jedna z największych kolekcji rysunków Hesse znajduje się w Allen Memorial Art Museum w Oberlin College, które prowadzi również Archiwum Evy Hesse, podarowane muzeum przez siostrę artystki, Helen Hesse Charash, w 1977 roku. Inne kolekcje publiczne obejmują Art Institute of Chicago, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, National Gallery of Australia, Nelson-Atkins Museum of Art, San Francisco Museum of Modern Art, Solomon R. Guggenheim Museum, Tate Gallery, Jewish Museum oraz Whitney Museum of American Art.
Źródła
