Francis Picabia
gigatos | 26 marca, 2022
Streszczenie
Francis Picabia miał elastyczną, otwartą osobowość i bardzo zmienny, choleryczny temperament. Gwałtowne wahania temperamentu i twórczego tonu czasami przeradzały się w długotrwałą depresję lub neurasteniczne wybuchy gniewu, które zwykle ujawniały się w środowisku rodzinnym. W ciągu swojego życia Picabia wielokrotnie zmieniał styl twórczy oraz upodobania osobiste i estetyczne. Pod tym względem można go uważać za swoistego rekordzistę. Jeśli policzyć po kolei wszystkie przemiany jego stylu, reżyserii, stylu pisania, a nawet ideologii, otrzymamy nie mniej niż siedem (lub nawet dziesięć) dramatycznych zwrotów. Być może pod tym względem Francis Picabia przewyższa nawet swojego bardziej znanego współczesnego artystę i kolegę po fachu, Pabla Picassa.
W latach 1895-1896 Francis Picabia pobierał lekcje w Ecole des Arts Décoratifs w Paryżu u Emberta i Cormona, a w swoim pierwszym stylu malował dobre, typowo francuskie pejzaże, jakby kontynuując w kierunku impresjonistycznym słynne dzieła Camille”a Corota. Po 1899 r. Picabia wystawiał na Salon des Independents i szybko zdobył pozycję w paryskich kręgach artystycznych jako impresjonista. Impresjonizm Picabiego nie trwał jednak długo. Już w 1902 roku, po podróży do Hiszpanii, zainteresowania artystyczne Picabie”go zaczęły stopniowo przesuwać się w kierunku kolorowego i krzykliwego („hiszpańskiego”) stylu fowistycznego.
Znajomość z Marcelem Duchampem w 1910 r. miała decydujący wpływ na dalszy rozwój osobowości i twórczości Francisa Picabiusa. Od fowizmu, przez stosunkowo krótki okres przed wojną z Niemcami, przeszedł najpierw do kubizmu i abstrakcji geometrycznej. Najbardziej znany obraz Picabii z tego okresu, Dancer on an Atlantic Cruise (1913), jest dokumentem nie tylko abstrakcyjnego stylu Picabii, ale także jego długiego (ponad trzy lata) wyjazdu do Nowego Jorku. Picabia w ogóle w swoim życiu miał zwyczaj opuszczania miejsca wojny. Swoje nowe abstrakcyjne kubistyczne obrazy wystawia na Armory Show (Nowy Jork, 1913), co przynosi mu dalszą sławę. Picabia nie poprzestaje jednak na tym. W latach 1915-1917, przez wszystkie trzy lata swojego życia w Nowym Jorku, utrzymywał bliskie kontakty z awangardowymi artystami, a wraz z Duchampem kierował nowojorską sekcją ruchu dadaistycznego. Jednak już dwa lata później po raz kolejny paradoksalnie zmienia swój styl. Tym razem, porzucając abstrakcję geometryczną, Francis Picabia nie wybiera już istniejącego stylu czy ruchu. Maluje cykl oryginalnych kompozycji artystycznych, które stały się najbardziej rozpoznawalnym i charakterystycznym elementem jego osobistego stylu malarskiego. Tradycyjnie można je nazwać „rysunkami mechanicznymi” lub „rysunkami antropomorficznymi”. Malując kopie rysunków technicznych i dodając nieoczekiwane, często żywe i pozbawione znaczenia szczegóły, Picabia nadawał im paradoksalne cechy form ludzkich. Są to na przykład jego najbardziej znane dzieła: Parada miłości (1917), Córka urodzona bez matki (1917), Dziecko z gaźnikiem (1919). Żywe „mechanomorficzne” rysunki Francisa Picabii są pełne prowokacji, dadaistycznego epatowania i sarkazmu, pokazują zarówno bezsens, jak i potęgę ludzkiej percepcji, zdolnej do wszczepiania rzeczywistych obrazów w każdą, najbardziej abstrakcyjną lub absurdalną formę. To właśnie te prace Picabii wydają się najbliższe i najbardziej adekwatne do jego twórczej osobowości, która paradoksalnie i bezpośrednio przejawiała się w jego życiu i twórczości.
Niezwykle wolny i niezależny w duchu, bliski pod względem charakteru i cech osobowości Guillaume”owi Apollinaire”owi i Marcelowi Duchampowi, z rozbawieniem można prześledzić, jak Francis Picabia najpierw otwarcie waśnił się i sprzeciwiał, a następnie wspierał ruch dadaistyczny, a nawet przewodził mu podczas specjalnie podejmowanych podróży „propagandowych” do Nowego Jorku, Barcelony i Zurychu. W ten sam sposób rozwijała się jego twórczość. Jego dadaistyczne artykuły są uznawane za druzgocące i błyskotliwe, awangardowy almanach „391”, który założył w Nowym Jorku, a który następnie wydawał w Zurychu i Paryżu do 1924 roku, a także jego abstrakcyjne obrazy sprzed I wojny światowej i „mechanomorficzne” rysunki, które przypominają dziwne rysunki przyszłości, stały się nie tylko rozpoznawalne, ale i ikoniczne w historii sztuki początku XX wieku.
Po fazie dadaistycznej, w której, wraz z Tristanem Tzarą, był jednym z uznanych przywódców, (1914-1920) Francis Picabia dokonał w 1921 roku kolejnego ostrego zwrotu i dołączył do bezpośrednich przeciwników (a zarazem zwolenników) dadaistów – surrealistów. Regularnie nękały go depresje, z których zmuszony był leczyć się tabletkami kakodylatowymi (bardzo bawi go to słowo), które głęboko zakorzeniły się także w jego sztuce okresu paryskiego. W tym czasie Picabia porzuca swój „mechaniczny” styl, przez kilka lat nie maluje w technice olejnej i przechodzi głównie do technik kolażu i obiektu surrealistycznego. Są to: „Słomkowy kapelusz” (1921), „Obraz kakodylowy” (1922) i „Kobieta z zapałkami” (1923). W tym okresie jednym z największych osiągnięć Francisa Picabii nie jest, o dziwo, czyste malarstwo, lecz balet i film „Relache” („Intermission” lub „Spektakl został odwołany”), zrealizowany wspólnie z błyskotliwym awangardowym kompozytorem Ericem Satie i młodym reżyserem René Clairem…
W połowie lat 30. Picabia odszedł od przezroczystych obrazów na rzecz surowych, brutalnych obrazów w stylu amatorskiego pseudoklasycyzmu. Parodiując lub odtwarzając manierę grafików, Picabia przechodzi do stylu niemal całkowicie kiczowatego. Maluje dziesiątki aktów, alegorii, portretów, a nawet klasycznych scen biblijnych o celowo kiczowatym wyglądzie, czyli antysztuce. W tym czasie był szczególnie aktywny w pracy na zlecenie. Francis Picabia, z charakteru i sposobu życia, zawsze był wyrazistym jouyer i bon vivant. Miłośnik pięknego życia i przyjemności, które zawsze były reklamowane w folderach turystycznych (piękne kobiety, samochody wyścigowe, prywatne jachty, wille na wybrzeżu, słoneczne plaże itp.), Picabia skończył po swoich „krytycznych pięćdziesiątych urodzinach”, zaczynając zarabiać na życie i przekładając swoje głośne nazwisko na „gotówkę”. W ostatnim okresie życia zwrócił się ku malarstwu konwencjonalnemu i niemal efekciarskiemu, służącemu doraźnym zyskom komercyjnym, ale całkowicie pozbawionemu siły i oryginalności, które były nieodłącznym elementem jego talentu w młodości.
Zmarł 30 listopada 1953 roku w Paryżu (82 rue des Petits-Champs) i został pochowany na cmentarzu Montmartre.
W ten czy inny sposób do końca kwietnia 1924 roku dawny balet Po kolacji, oparty na libretcie Blaise”a Sandrara, stał się ostatecznie Spektaklem odwołanym. Picabia zaplanował prowokacyjne przedstawienie, w którym wiele sztuk – teatr, balet, muzyka, rzeźba, malarstwo, a nawet film – zostanie połączonych „w jeden nonsens” – Relâche zawierało dwie projekcje filmowe na ekranie, jedną na początku przedstawienia (Prolog) i drugą w przerwie (Intermission). Film pod tym właśnie tytułem, „Entrée”, w którym wystąpiło wielu znanych artystów dadaistycznych i surrealistycznych, główny choreograf Baletu Szwedzkiego, a także Eric Satie i Francis Picabia, został wyreżyserowany przez początkującego wówczas filmowca René Claira, przyniósł autorowi sławę i (niezależnie od Relâche) trafił do złotej kasy sztuki filmowej XX wieku.
Pikabia, w życiu niezwykle wyzwolona seksualnie, podczas tworzenia Relâche nieustannie prowokowała Satiego do różnego rodzaju „sublimacji”. W rezultacie balet był pełen najbardziej „nieprzyzwoitych” ruchów i scen. Zwłaszcza Satie, który potrafił dopracować takie aluzje, twierdził podczas pracy nad partyturą, że skomponował dla Relâche muzykę „pornograficzną”. Najwyraźniej mu się to udało, i to w najbardziej bezpośredniej formie. Satie określił gatunek swojej twórczości jako „balet obsceniczny”. A reakcja na jego wybryki była właściwa. Jeden z najbardziej tolerancyjnych krytyków, Paul Judge, w swojej recenzji baletu napisał o tym łagodniej:
„Muzyka Monsieur Satie składa się z najbardziej zmęczonych i wyświechtanych popularnych melodii, odtworzonych ze stosunkowo niewielkimi zmianami, raczej nie jako muzyka baletowa, ale czysty przykład zastosowania klasycznych technik dancehallowych”.
Sam Satie, wybierając do swojego baletu najbardziej wulgarne i obsceniczne piosenki paryskie, był w tej kwestii dużo bardziej jednoznaczny: „Po usłyszeniu znanej melodii, w pamięci widzów powinny natychmiast pojawić się najbardziej obsceniczne słowa do niej śpiewane”. W różnych częściach baletu („Kobieta wychodzi”, „Muzyka”, „Mężczyźni się rozbierają”, „Taniec z taczką”) orkiestracja jest celowo przejrzysta i klarowna, a wulgarne motywy są zniekształcone na tyle, by pozostały łatwo rozpoznawalne. „Konstrukcja muzyki Erika Satie – pisała potem druga żona Picabii, Germaine Everling – nieustannie otaczała i wyjaśniała myśl artysty”.
Całość idei odwołania Relâche znalazła swoje bezpośrednie ucieleśnienie także poza sceną. Premiera baletu miała się odbyć 27 listopada 1924 roku. Jednak w chwili, gdy w Teatrze Elizejskim zebrała się już wytworna publiczność i cała paryska bohema, ogłoszono decydujące „relâche” i spektakl… odwołano. Powodem odwołania koncertu była zła pogoda i niechęć Jeana Bjorlena do tańca „w takim stanie, w jakim się znajdował”. Publiczność była autentycznie rozzłoszczona wybrykami uczestników przedstawienia. Wielu poważnie twierdziło, że żadna „Relâche” nie była prawdziwa i że była to po prostu oszukańcza mistyfikacja mająca na celu promocję własnej osoby dwóch słynnych miłośników kalamburów, Satiego i Picabii. Uchylenie” nastąpiło jednak tydzień później, 4 grudnia 1924 roku.
Źródła
