Franz Kline
gigatos | 31 marca, 2022
Streszczenie
Franz Kline (23 maja 1910 r. – 13 maja 1962 r.) był amerykańskim malarzem. Jest związany z ruchem ekspresjonizmu abstrakcyjnego w latach 40. i 50. Kline, wraz z innymi malarzami działającymi w tym nurcie, takimi jak Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell, John Ferren i Lee Krasner, a także lokalnymi poetami, tancerzami i muzykami, stał się znany jako nieformalna grupa New York School. Choć Kline zgłębiał te same innowacje w malarstwie, co inni artyści z tej grupy, jego twórczość jest odrębna i od lat 50. cieszy się uznaniem.
Kline urodził się w Wilkes-Barre, małym miasteczku górniczym we wschodniej Pensylwanii. Kiedy miał siedem lat, ojciec Kline”a popełnił samobójstwo. W młodości przeniósł się do Lehighton w Pensylwanii i ukończył Lehighton High School. Później matka ponownie wyszła za mąż i wysłała go do Girard College, akademii w Filadelfii dla chłopców bez ojca. Po ukończeniu szkoły średniej Kline studiował sztukę na Uniwersytecie Bostońskim w latach 1931-1935, a następnie spędził rok w Anglii, uczęszczając do Heatherley School of Fine Art w Londynie. W tym czasie poznał swoją przyszłą żonę, Elizabeth V. Parsons, brytyjską tancerkę baletową. W 1938 r. wraz z Kline”em wróciła do Stanów Zjednoczonych.
Po powrocie do kraju Kline pracował jako projektant w domu towarowym w stanie Nowy Jork. W 1939 roku przeniósł się do Nowego Jorku, gdzie pracował dla scenografa. To właśnie w tym czasie w Nowym Jorku Kline rozwinął swoje techniki artystyczne i zyskał uznanie jako znaczący twórca.
Później wykładał w wielu instytucjach, m.in. w Black Mountain College w Karolinie Północnej oraz w Pratt Institute na Brooklynie. W latach 1956-1962 spędzał lato malując w Provincetown w stanie Massachusetts. Zmarł w 1962 r. w Nowym Jorku na reumatyczną chorobę serca, dziesięć dni przed swoimi 52. urodzinami.
Przeczytaj także: historia-pl – Wojna na Pacyfiku
Wczesna praca
Wykształcenie artystyczne Kline”a koncentrowało się na tradycyjnym ilustrowaniu i rysowaniu. Pod koniec lat 30. i na początku lat 40. Kline pracował figuratywnie, malując pejzaże i krajobrazy miejskie, a także portrety i murale na zamówienie. Jego indywidualny styl można po raz pierwszy dostrzec w serii murali Hot Jazz, które namalował w 1940 r. dla Bleecker Street Tavern w Greenwich Village.
Seria ta ujawniła jego zainteresowanie rozbijaniem form reprezentacyjnych na szybkie, rudymentarne pociągnięcia pędzlem.
Wypracowany przez niego w tym czasie osobisty styl, wykorzystujący uproszczone formy, stawał się coraz bardziej abstrakcyjny. Wiele z przedstawianych przez niego postaci nawiązuje do lokomotyw, surowych krajobrazów i dużych mechanicznych kształtów z jego rodzinnej, górniczej społeczności w Pensylwanii. Czasami widzowie dostrzegają to tylko dlatego, że prace noszą nazwy tych miejsc i przedmiotów, a nie dlatego, że rzeczywiście wyglądają jak temat. Pod wpływem współczesnej nowojorskiej sceny artystycznej Kline coraz bardziej zagłębiał się w abstrakcję, a w końcu porzucił reprezentacjonizm. Od końca lat 40. Kline zaczął uogólniać swoje figuratywne tematy na linie i płaszczyzny, które pasują do siebie podobnie jak dzieła kubizmu z tamtych czasów.
W 1946 r. Poczta Legionu Amerykańskiego w Lehighton w Pensylwanii zleciła Kline”owi wykonanie dużego płótna przedstawiającego miasto, w którym uczęszczał do szkoły średniej. W 2016 r. mural Lehighton został zakupiony przez Allentown Art Museum w Allentown, w stanie Pensylwania, i obecnie jest tam wystawiony na stałe.
Przeczytaj także: biografie-pl – Gustave Courbet
Późniejsze prace
Powszechnie uważa się, że najbardziej rozpoznawalny styl Kline”a wywodzi się z sugestii jego przyjaciela i twórcy, Willema de Kooninga. Żona de Kooninga, Elaine, przedstawiła romantyczną relację z tego wydarzenia, twierdząc, że w 1948 roku de Kooning poradził sfrustrowanemu artystycznie Kline”owi, by ten rzutował szkic na ścianę swojego studia za pomocą projektora Bell-Opticon. Kline tak opisał tę projekcję:
„Czarny rysunek fotela bujanego o wymiarach 4 na 5 cali (…) został narysowany gigantycznymi czarnymi pociągnięciami, które usunęły wszelki obraz, a same pociągnięcia stały się bytami samymi w sobie, niezwiązanymi z żadną istotą poza ich własnym istnieniem”.
Jak sugeruje Elaine de Kooning, to właśnie wtedy Kline poświęcił się pracom abstrakcyjnym na dużą skalę. Willem de Kooning wspomina jednak, że Kline zagłębił się w abstrakcję „nagle, pogrążył się w niej”, ale przyznaje też, że zajęło mu to sporo czasu, stwierdzając, że „Franz miał wizję czegoś i czasami potrzeba sporo czasu, aby ją dopracować”. W ciągu następnych dwóch lat pociągnięcia pędzla Kline”a stały się całkowicie nieprzedstawiające, płynne i dynamiczne. W tym czasie Kline zaczął też malować wyłącznie w czerni i bieli. Wyjaśnił, że jego monochromatyczna paleta ma na celu przedstawienie przestrzeni negatywnej i pozytywnej, mówiąc: „Maluję zarówno biel, jak i czerń, a biel jest równie ważna”. Użycie przez niego czerni i bieli jest bardzo podobne do obrazów de Kooninga i Pollocka z lat 40. Wydaje się, że w czarno-białych obrazach Kline”a pojawiają się również nawiązania do japońskiej kaligrafii, a to za sprawą wymiany z japońską awangardową grupą kaligraficzną Bokujinkai i jej liderem Moritą Shiryu, choć Kline później zaprzeczył temu związkowi.
Pierwsza indywidualna wystawa Kline”a odbyła się w dniach 16 października – 4 listopada 1950 r. w Egan Gallery przy 63 East 57th Street. Na wystawę złożyło się jedenaście obrazów abstrakcyjnych. Kolor był w nich rzadkim elementem: brązowy podkład w dolnej części obrazu Nijinsky i przelotne odcienie zieleni w obrazie Leda. Obrazy przedstawiały różnorodne kompozycje i nastroje, ale wszystkie miały jedną cechę charakterystyczną: charakterystyczny dla Kline”a styl czarno na białym. Trzynaście lat wcześniej, w Londynie, Kline nazwał siebie „człowiekiem czarno-białym”, ale dopiero na tej wystawie inni uświadomili sobie trafność tego określenia. Ze względu na wpływ Kline”a i jego konkretny styl nazwano go „artystą czarno-białym” – etykietka ta przylgnęła do artysty i od czasu do czasu czuł się przez nią ograniczany. Pierwsza indywidualna wystawa Kline”a była przełomowym wydarzeniem w jego karierze, ponieważ oznaczała praktycznie równoczesny początek i koniec jego głównej inwencji jako artysty abstrakcyjnego. W wieku czterdziestu lat Kline wypracował swój własny styl, który już opanował. Kline nie miał już żadnych realnych możliwości dalszych poszukiwań; mógł jedynie powielać styl, który już opanował. Aby pójść dalej, Kline mógł pójść tylko w jednym logicznym kierunku: powrócić do koloru, w którym to kierunku podążał w chwili swojej przedwczesnej śmierci na serce.
W późniejszych latach 50., w takich obrazach jak Requiem (1958), Kline zaczął eksperymentować z bardziej złożonym światłocieniem, zamiast skupiać się na ścisłej monochromatycznej palecie. Następnie w 1958 roku ponownie wprowadził do swojej twórczości kolor poprzez kolorowe akcenty w czarno-białych obrazach. Gdy Kline zmarł w 1962 roku, jego poszukiwania w kierunku ponownego użycia koloru były jeszcze w fazie rozwoju.
Kline jest uznawany za jednego z najważniejszych, a zarazem najbardziej problematycznych artystów ruchu ekspresjonizmu abstrakcyjnego w Nowym Jorku. Jego styl jest trudny do zinterpretowania przez krytyków w odniesieniu do współczesnych mu artystów. Podobnie jak Jackson Pollock, Willem de Kooning i inni abstrakcyjni ekspresjoniści, Kline był uważany za action paintera ze względu na swój pozornie spontaniczny i intensywny styl, w którym nie skupiał się na postaciach czy obrazach, lecz na ekspresji pociągnięć pędzla i wykorzystaniu płótna. Obrazy Kline”a są jednak zwodniczo subtelne. Choć na ogół jego obrazy mają spontaniczny i dramatyczny wydźwięk, Kline często ściśle odnosił się do swoich rysunków kompozycyjnych. Wiele ze swoich najbardziej złożonych obrazów Kline starannie odwzorował na podstawie obszernych studiów, zazwyczaj tworzonych na kartkach książki telefonicznej. W przeciwieństwie do kolegów po fachu, ekspresjonistów abstrakcyjnych, prace Kline”a miały wyglądać tak, jakby powstały w chwili natchnienia; każdy obraz był jednak szczegółowo badany, zanim pędzel artysty dotknął płótna.
Kline był również znany z tego, że unikał nadawania znaczeń swoim obrazom, w przeciwieństwie do swoich kolegów, którzy podawali mistyczne opisy swoich dzieł. W katalogu dzieł Kline”a historyk sztuki Carolyn Christov-Bakargiev pisze, że „jego sztuka zarówno sugeruje, jak i zaprzecza znaczeniu i sensowi”. Wiele z jego dzieł historycy sztuki postrzegają jako oznaki postępu w kierunku malarstwa minimalistycznego. Uważają oni, że jego prace cechuje obiektywna nieprzejrzystość i szczerość, która różni się od subiektywizmu związanego ze stylem Szkoły Nowojorskiej. To upodabnia jego twórczość do awangardowych platform, takich jak minimalizm, które w latach 60. zastąpiły ruch ekspresjonizmu abstrakcyjnego.
Historyk sztuki David Anfam zauważa, że artyści pracujący za życia Kline”a i po jego śmierci – tacy jak Robert Rauschenberg, Aaron Siskind, Cy Twombly, Mark di Suvero i Brice Marden – nazywali Kline”a swoją inspiracją.
W 2012 roku finansista z San Francisco George R. Roberts sprzedał na aukcji Christie”s w Nowym Jorku czarno-białe dzieło z 1957 roku o szerokości prawie 3 metrów bez tytułu. Obraz został sprzedany telefonicznie za 36 milionów dolarów lub 40,4 miliona dolarów z opłatami (Christie”s zagwarantował sprzedającemu Robertowi Mnuchinowi nieujawnione minimum), co stanowiło rekordową cenę dla artysty na aukcji i ponad sześciokrotnie przewyższało poprzedni rekord, ustanowiony w 2005 roku, kiedy to Christie”s sprzedał Crow Dancer (1958) za 6,4 miliona dolarów.
Wczesna praca UNTITLED z 1940 roku (przedstawiająca wnętrze pokoju) została zakupiona w Sotheby”s w 1995 roku przez prywatnego kolekcjonera za 21 850 dolarów. Ta wczesna praca pomaga określić wczesny etap twórczości artysty, poprzedzający jego przemianę z malarza realisty w przełomowego ekspresjonistę abstrakcyjnego. Śmiałe pociągnięcia pędzla w obrazie zapowiadają epicką czarną abstrakcję jego przełomowego stylu.
W 2018 roku Instytut Hauser & Wirth we współpracy z Estate of Franz Kline rozpoczął przygotowanie katalogu raisonné Franz Kline Paintings, 1950-1962. Projekt, w ramach którego po raz pierwszy zaprezentowane zostanie internetowe kompendium prac Kline”a wykonanych techniką olejną na płótnie w okresie od 1950 roku do śmierci artysty w 1962 roku, ma zostać ukończony w 2022 roku.
W 1950 r. Kline miał swoją przełomową wystawę w Charles Egan Gallery, a rok później wziął udział w 9th Street Art Exhibition. W 1958 r. został włączony do wielkiej wystawy Museum of Modern Art „The New American Painting”, która odbyła się w ośmiu miastach europejskich. W dekadzie poprzedzającej śmierć artysty jego prace były prezentowane na wielu międzynarodowych wystawach, w tym na Biennale w Wenecji (oraz Whitney Annuals and Biennials (1952, 1953, 1955, 1961). Washington Gallery of Modern Art, Waszyngton, D.C., zorganizowała wystawę pamiątkową (1962). Duże wystawy monograficzne odbyły się także w Whitney Museum of American Art, Nowy Jork (Cincinnati Art Museum, podróż do San Francisco Museum of Modern Art i Pennsylvania Academy of Fine Arts (oraz Castello di Rivoli, Museo d”arte contemporanea, Włochy (2004).
Źródła
