Giorgio Morandi
gigatos | 20 stycznia, 2022
Streszczenie
Giorgio Morandi (20 lipca 1890, Bolonia – 18 czerwca 1964, Bolonia) był włoskim malarzem i grafikiem.
Przyszły artysta, najstarszy z pięciorga dzieci, urodził się w rodzinie Andrea Morandi (1858-1909) – współwłaściciel bolońskiej filii francuskiej firmy handlującej konopiami, w 1889 r. ożenił się z 19-letnią Marią Maccaferri. Giorgio początkowo pracował w firmie ojca, ale jego wczesna pasja do malarstwa skierowała go na inną drogę życiową: w 1907 roku zapisał się do Accademia di Belle Arti di Bologna. Po wczesnej śmierci ojca, dzięki staraniom matki o zapewnienie dzieciom wykształcenia, mógł kontynuować naukę i ukończyć Akademię w 1913 roku. Morandi osiągnął dobre wyniki w nauce, ale nie otrzymał z akademickiego wykształcenia szkoły twórczości, do której dążył. Szkoła ta mogłaby mu umożliwić wyjazd do Paryża, o którym marzył na początku lat 1910, ale kłopoty finansowe rodziny nie pozwoliły mu na opuszczenie Bolonii, gdzie w latach 1914-1929 uczył rysunku w szkołach podstawowych.
W nowym malarstwie francuskim, które początkowo Morandi poznawał tylko w czarno-białych reprodukcjach, kierował się przede wszystkim dziełami Renoira i Cézanne”a. Ale o ile obrazy Renoira młody artysta zobaczył bezpośrednio w 1910 roku na IX Biennale w Wenecji, gdzie cała sala była poświęcona dziełom Renoira, o tyle obrazy Cézanne”a przez długi czas studiował jedynie poprzez reprodukcje.
Najwcześniejsze z obecnie znanych prac Morandiego, pejzaż i portret siostry Diny, wykonane w ostrej manierze plastycznej, datowane są na lata 1911 i 1912. W latach 1913-1914 Giorgio Morandi uczestniczył w kilku wystawach futurystycznych w Bolonii i Rzymie, spotykając Umberto Boccioniego i Carlo Carrę oraz będąc chwalonym przez lidera włoskich futurystów Tomaso Marinettiego, ale jego poszukiwania artystyczne były w dużej mierze pod wpływem twórczości francuskich kubistów i częściowo Henri Rousseau. Równolegle z zainteresowaniem eksperymentami nowszych ruchów, Morandi zagłębiał się w malarstwo starych mistrzów – Giotta, Masaccia, Uccello, Piero della Francesca – odbywając podróże do Florencji (1910), Padwy i Asyżu.
W związku z przystąpieniem Włoch do działań wojennych I wojny światowej latem 1915 r. został powołany do wojska (ze względu na bardzo wysoki wzrost przydzielono go do pułku grenadierów), ale po dwóch miesiącach służby przeszedł załamanie nerwowe i został zwolniony. W 1917 roku Morandi ponownie poważnie zachorował i był prawie niezdolny do pracy.
W latach 1916-1919 poszukiwania twórcze Morandiego zbliżyły go do przedstawicieli tzw. malarstwa metafizycznego – Giorgio de Chirico, Arturo Martiniego, a zwłaszcza Carlo Carra. W pierwszych latach powojennych artyści ci, wraz z Morandim, należeli do grupy „Valori Plastici” („Wartości Plastyczne”), nazwanej tak na cześć czasopisma o tej samej nazwie założonego w 1918 roku przez artystę, wydawcę i handlarza dziełami sztuki Mario Broglio, który w 1921 roku zorganizował objazdową wystawę grupy w Berlinie, Dreźnie, Hanowerze i Monachium. Broglio jako pierwszy podpisał umowę na wyłączność z bolońskim artystą i zaczął sprzedawać jego prace. Jednak w 1922 roku, kiedy Morandi wystawiał jeszcze z de Chirico, Carrą i Martinim na „Wystawie wiosennej” we Florencji (a de Chirico napisał o nim artykuł w katalogu tej wystawy), jego nowe prace wskazywały, że jego „etap metafizyczny” należy już do przeszłości.
W latach 30. Giorgio Morandi zdobywa pierwsze uznanie. Początkowo jako grafik: sukcesy poprzedniej dekady w dziedzinie akwaforty pozwoliły mu w 1930 r. objąć katedrę techniki akwaforty w Akademii Sztuk Pięknych w Bolonii (sprawował ją do 1956 r.). W 1932 roku uczestniczył w pierwszej wystawie współczesnej akwaforty włoskiej we Florencji, a w tym samym roku czasopismo L”italiano poświęciło mu specjalny numer z artykułem Ardengo Soffici, który w 1938 roku zaproponował Morandiemu zostanie członkiem korespondentem Akademii Beaux-Arts we Florencji. Stopniowo jego malarstwo staje się również zauważalnym zjawiskiem w sztuce włoskiej: od 1931 roku prace Morandiego prezentowane są na najbardziej prestiżowej wystawie krajowej, rzymskim Quadrenale, a w 1939 roku uhonorowano go 42 obrazami w osobnej sali wystawowej na rzymskim Quadrenale III.
W połowie lat 30. jego malarstwo zostało wysoko ocenione przez słynnego historyka sztuki Roberto Longhi oraz ważnego kolekcjonera, krytyka i biznesmena Lamberto Vitali (1896-1992), z którym Giorgio Morandi był następnie związany długotrwałą przyjaźnią. W czasie II wojny światowej Longhi pomógł uwolnić go z więzienia w Bolonii, a później wspierał go, organizując osobistą wystawę w Galleria Il Fiore we Florencji, która została otwarta 25 kwietnia 1945 r., w dniu wyzwolenia Bolonii przez aliantów. Vitali stał się nie tylko jednym z największych kolekcjonerów dzieł Morandiego (najcenniejsze z nich przekazał Pinakotece Brera w Mediolanie), ale także autorem katalogu rysunków artysty (1957) oraz pośmiertnego katalogu podsumowującego jego twórczość (1977).
Mimo sławy, która przyszła do Morandiego w latach powojennych, nie zmienił on swojego skromnego stylu życia. Niezamężny, mieszkał z niezamężnymi siostrami w staromodnym mieszkaniu rodziców w Bolonii, gdzie jeden z pokoi służył mu za pracownię i sypialnię. Dopiero w 1959 roku wybudował dom w wiejskiej gminie Grizzana, 30 km od Bolonii, gdzie spędził wiele lat w czasie wojny; tutaj Morandi spędzał letnie miesiące z siostrami i ostatnie lata życia. W 1985 r. do nazwy tej gminy dodano nazwisko artysty: Grizzana-Morandi.
W rzadkim wywiadzie udzielonym pod koniec lat 50. Giordo Morandi tak mówił o głównym gatunku swojej twórczości:
„Zasadniczo jestem artystą, którego lwią część twórczości stanowi martwa natura, potrafiąca przekazać widzowi poczucie spokoju i intymności, cechy, które sam cenię ponad wszystko. <…>
W skonsolidowanych katalogach Vitali”ego znajduje się około 1.340 obrazów olejnych Giorgio Morandiego (nie licząc akwareli i rysunków). Pejzaże stanowią nieco mniej niż jedną piątą jego spuścizny, Morandi nie pozostawił prawie żadnych portretów (reszta jego dzieł to martwe natury, w tym duża grupa jego „Kwiatów” (nazywał je „kwiatowymi martwymi naturami” i zwykle obdarowywał nimi koneserów, przyjaciół i swoje siostry), a także szereg obrazów i akwafort przedstawiających muszle – „obrazy skamieniałego świata”.
Historycy sztuki, którzy odwiedzili pracownię Giorgio Morandiego, zwrócili uwagę na szczególne podejście artysty do natury, z której zrodziły się jego martwe natury. Według Roberto Longhi były to „przedmioty bezużyteczne”, czyli wyrwane z rzeczywistości. Victoria Markova wspominała: „…Prawie wszystkie te przedmioty – różnokształtne butelki, słoiki, wazony – były albo malowane gwaszem na określony kolor <…>, albo pokrywane celowo niedbale warstwą gipsu, dzięki czemu traciły nie tylko swój użytkowy związek z codziennością, ale także naturalną fakturę i właściwości materiałowe – szkło przestawało być szkłem, a metal przestawał być metalem. James Troll Sobie, kurator nowojorskiej wystawy Italian Art of the 20th Century (1949), zwrócił uwagę, że Morandi przygotowując przedmioty do swoich martwych natur (pudełka, paralelipsy) często „…malował ich powierzchnie w prostych geometrycznych kształtach – kwadraty, koła, prostokąty – w niezmiennie miękkich kolorach”. Maria Christiane Bandera, dyrektor naukowy Fundacji Roberta Longy, opisała obiekt „wykonany z cyny specjalnie na życzenie Morandiego i często spotykany w jego pracach – w formie przewróconego lejka umieszczonego na walcu”. Wnikliwie analizuje techniki pracy artysty, podkreślając, że Morandi oderwał się od funkcjonalności inscenizowanych przedmiotów, długo je aranżując i dopasowując do siebie.
Co znamienne, porównując kompozycje tematyczne w różnych martwych naturach Morandiego z tego samego okresu, na przykład z końca lat czterdziestych, Bandera pisze o nich w kategoriach muzyki i architektury:
„Następnie łączył je w całość, potem odwracał, orkiestrując ich melodię barwami pełnymi światła, wyrafinowanymi, wysmakowanymi. Wybierał przedmioty o wydłużonych kształtach – dzbany, wazony, lampy, butelki. Najczęściej butelki, jego własne butelki: ciemne, tradycyjne butelki burgundzkie; butelki o wydłużonych szyjkach, przypominające iglice gotyckich katedr, ciągnące się ku górze, z plamami światła podkreślającymi ich strukturę; butelki spiralne i ryflowane; butelki w kształcie piramid o trójkątnej podstawie; butelki „perskie” – płaskie, z krótką szyjką. Wybierał naczynia jako elementarne formy o różnych wysokościach i proporcjach, które pomagały budować kompozycję…”.
Giorgio Morandi jest zupełnie niezależnym zjawiskiem w sztuce XX wieku. Nie interesowałyby go wpływy „metafizyczne”, których doświadczył we wczesnej fazie twórczości (ów stereotypowy układ „manekinopodobnych” figur w duchu G. Chirico w uproszczonej geometrycznej trójwymiarowości i nie mówiłby nic o artyście, z którym kojarzone jest jego nazwisko, gdyby nawet jego najwcześniejsze prace nie ukazywały wyrafinowanego kolorysty, jakim był w najbardziej ekspresyjnym okresie swojego malarstwa. Nie można więc mówić o bliskości minimalizmu, co zarzucają mu niektórzy krytycy sztuki, gdyż jego gama, choć pozornie prosta, jest niezwykle złożona, zbudowana na najsubtelniejszych niuansach; A formy obecne w jego pracach są proste, ale dostatecznie zróżnicowane, obdarzone charakterem, niekiedy misternie kapryśne, a nie prymitywne – w sensie implikowanym przez ten styl.
Klucz do zrozumienia jego sztuki leży w malarstwie wczesnego włoskiego renesansu, we freskach Giotta, w martwych naturach F. Klucz do zrozumienia jego sztuki leży we freskach Giotta i martwych naturach F. Surbarana lub prostych szkicach J.-B. S. Chardina. Sposób życia artysty, który zdystansował się od problemów rozgorączkowanego świata (praktycznie nigdy nie opuszczał Bolonii), mówi o jego pragnieniu dostrzeżenia i ukazania piękna prostych form, o umiejętności ciągłego odnajdywania go w tym cichym, kameralnym życiu, które pojawia się za wyimaginowaną monotonią w różnorodności, „intymności” nastrojów jego obrazów.
Ciekawe są też doświadczenia Morandiego w grafice sztalugowej. Jego akwaforty charakteryzują się miękką rozpiętością tonalną zbliżoną do tej właściwej dla malarstwa; w istocie rozwiązuje on tu te same problemy, co w malarstwie olejnym, ale osiąga to za pomocą zupełnie innych środków technicznych, czego efektem jest jedność obrazu. Tematyka martwych natur G. Morandiego przeplata się z prozaicznymi przedmiotami domowego użytku, takimi jak dzbanki do kawy, słoiki, butelki… Malarz znalazł własny sposób rozwiązywania najciekawszych problemów kompozycyjnych, plastycznych i artystycznych. Przekaz relacji przestrzennych, światła i cienia uzyskuje za pomocą krzyżujących się pociągnięć, przecinających się wzajemnie lub przechodzących od jednego przedmiotu do drugiego bez konturów. Obiekty płynnie przechodzą w tło, nie ma konturów, wyraźnych granic. Malarz osiąga wysoką harmonię i dużą spójność w druku.
Za swoją twórczość otrzymał nagrodę za malarstwo na Biennale w Wenecji (1948), nagrodę główną za serię akwafort na Biennale w São Paulo (1953) oraz nagrodę główną za malarstwo na Biennale w São Paulo (1957). W 1962 roku, po indywidualnej wystawie w Siegen, artysta został uhonorowany nagrodą Rubensa, a w 1963 roku otrzymał złoty medal Arquiginasio w imieniu miasta Bolonii.
Martwe natury Morandiego pojawiają się w filmach Federico Felliniego „La Dolce Vita” (1960) i Michelangelo Antonioniego „Noc” (1961).
Pierwsza monograficzna wystawa Giorgio Morandiego w Związku Radzieckim odbyła się w dniach 18 maja – 10 lipca 1973 roku w Moskwie, w Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina. W jej skład weszły 24 obrazy (w tym dwa z Państwowej Kolekcji Ermitażu), 13 akwarel i rysunków oraz 50 akwafort.
W 1989 roku w Leningradzie i Moskwie odbyła się wielka retrospektywna wystawa z okazji 100-lecia Morandiego w ramach obszernego międzynarodowego tournée zatytułowanego Progetto Morandi Europa. Sette mostre in sette musei” („siedem wystaw w siedmiu muzeach”). Projekt rozpoczął się w listopadzie 1988 roku w Tampere (Finlandia), następnie wystawa została pokazana w Leningradzie od 21 stycznia do 19 lutego 1989 roku w salach Galerii Nadwornej Pałacu Zimowego, gdzie zaprezentowano 58 obrazów, 25 akwarel, 25 rysunków ołówkiem i 22 akwaforty. W Moskwie gospodarzem wystawy był Związek Artystów Plastyków ZSRR, a w wyniku trudności organizacyjnych ekspozycja, która odbyła się w marcu w salach Centralnego Domu Artystów, została skrócona o połowę. Wystawa podróżowała następnie do Londynu, Locarno i Tybingi, a według organizatorki tego tournée, Marileny Pasquali, zakończyła się w marcu 1990 roku w Düsseldorfie.
Trzecia narodowa wystawa Morandiego miała miejsce w Moskwie, w salach Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina, od 25 kwietnia do 10 września 2017 roku. Na wystawie znalazło się 46 obrazów, 7 akwarel, 23 akwaforty i 8 plansz akwafortowych. Niezbędnym uzupełnieniem prezentowanych prac był szczegółowy katalog, wydany w języku rosyjskim i włoskim w tłumaczeniu równoległym.
Źródła
