James Ensor
gigatos | 18 stycznia, 2022
Streszczenie
James Sidney Edouard baron Ensor (Ostenda, 13 kwietnia 1860 – tamże, 19 listopada 1949) był belgijskim malarzem symbolistą. Powszechnie uważa się go za najważniejszego innowatora sztuki nowoczesnej w Belgii, dewiacyjnego indywidualistę, który nie dał się łatwo zaszufladkować do tego czy innego ruchu artystycznego. Był także kompozytorem i pisarzem.
Przeczytaj także: historia-pl – II triumwirat
Rodzina
Ojciec Ensora, James Frederic Ensor, miał brytyjskich rodziców. Matką Ensora była Marie Louise Cathérine Haegheman z Ostendy, kobieta o prostym pochodzeniu, córka kupców koronek, która nie umiała czytać ani pisać.
W 1876 r. rodzina przeniosła się do nowego budynku na rogu Van Iseghemlaan i Vlaanderenstraat w Ostendzie. Jego matka prowadziła wraz z siostrą Mimi sklep z pamiątkami, muszlami, chinoiserie i artykułami karnawałowymi, takimi jak maski i komiczne kostiumy. Przedmioty te działały później na wyobraźnię Ensora, a maski często powracały w jego pracach. Niektóre piętra były użytkowane jako pokoje dla turystów. James mógł urządzić małe studio w mansardowym pokoju. Stąd miał dobry widok na ulice i dachy Van Iseghemlaan i Vlaanderenstraat. Motyw ten będzie powracał w wielu jego utworach. Przez pewien czas z tego studia korzystał również jego przyjaciel Willy Finch.
Chociaż urodził się w Brukseli, James Frederic został zarejestrowany w Brighton, jako syn Jamesa Rainforda i Anne Andrew, jego angielskich dziadków. Ci angielscy dziadkowie byli rentierami z Sussex. Wkrótce po narodzinach małego Jamesa, ojciec Ensora, inżynier w firmie Bridges and Roads, wyjechał do Stanów Zjednoczonych w nadziei na zdobycie fortuny. To była porażka i wrócił bez grosza. Ensor mówił o swoim ojcu, że był mądrym i wyższym człowiekiem, intelektualistą, który znał kilka języków. Prenumerował czasopisma o sztuce, co mogło mieć wpływ na jego syna. Nie potrafił jednak poradzić sobie z porażką i pod przykrywką trzeźwej i autorytarnej żony kupca z Ostendy, od której był zależny finansowo, zaczął pić i stał się wstydem rodziny. Wyśmiewano się z niego, że jest pijakiem z Ostendy, a kiedyś wrócił do domu ogolony z połową wąsów. Zmarł dzień po tym, jak został przywieziony przez policję do domu w stanie nietrzeźwym, kiedy Ensor miał 27 lat i był u szczytu swoich możliwości twórczych. James Ensor nigdy nie wybaczył klasie społecznej, która doprowadziła do ostracyzmu jego ojca i nadal pogardzał nią w swoich obrazach.
Ensor miał młodszą o rok siostrę Mariëtte, zwaną zwykle Mietje (on nazywał ją Mitche). Stanie się ona jedną z jego ulubionych modelek. Kiedy Ensor miała 32 lata, wyszła za mąż za chińskiego handlarza. Nie było to udane małżeństwo. Po kilku miesiącach odeszła od męża, ale miała z nim dziecko, dziewczynkę, która stała się drogą siostrzenicą Ensora, Alex, i którą Ensor nazywał „La Chinoise”. Później, w wieku piętnastu lat, wyszła za mąż.
Przeczytaj także: biografie-pl – William Turner
Życie prywatne
Sam James Ensor nigdy nie był żonaty. Swoje życie prywatne ukrywał lub mistyfikował jak tylko się dało. Jako student akademii w Brukseli był pod wrażeniem Mariëtte Rousseau, żony Ernesta Rousseau i starszej siostry jego przyjaciela Théo Hannona. Wielokrotnie ją portretował. Miał później wybraną dziewczynę: Augustę Bogaerts (1870-1951), „Syrenę”, którą namalował na słynnym podwójnym portrecie w 1905 roku, gdy miała 35 lat. Ta córka kierownika hotelu w Ostendzie była o 10 lat młodsza od Ensora, który spotkał ją po raz pierwszy, gdy miał 28 lat. W 1904 r. zawarł znajomość z Emmą Lambotte z Liège, inteligentną mężatką. Nazywał ją swoją dobrą wróżką i często z nią korespondował. Przez tę kobietę nawiązał kontakt z François Franckiem, inspiratorem antwerpskiej grupy artystycznej „Kunst van Heden” (i późniejszym założycielem kolekcji Ensora w Królewskim Muzeum Sztuk Pięknych w Antwerpii). W 1914 r. udzielał lekcji malarstwa Alice Frey, która z powodu wojny uciekła do Ostendy i mieszkała po sąsiedzku. Mogła więc nazywać się „jedyną uczennicą” Jamesa Ensora.
Przeczytaj także: biografie-pl – Laonik Chalkokondyles
Szkolenie
W 1873 roku młody Ensor uczęszczał do szkoły w Ostend Our Lady College. Tam okazał się zdyscyplinowanym uczniem, ale już wtedy wykazywał duże zamiłowanie do rysunku. W archiwach Our Lady”s College znajduje się książeczka „Le petit sécrétaire”, na której na stronie tytułowej widnieje „Jeździec na koniu”, narysowany przez młodego Ensora. Pierwsze rysunki i obrazy pokazał w wieku zaledwie 14 lat słynnemu wówczas mistrzowi Louisowi Dubois, który go zachęcił. Ensor pozostał w tej szkole tylko przez dwa lata. Następnie pobierał lekcje malarstwa i rysunku u dwóch artystów z Ostendy: Edouarda Dubara (malarza marynisty, który został fotografem i publikował litografie) i Michela Van Cuycka (malarza olejnego, akwarelisty i litografa). Tu również był zbuntowany i nie miał dobrego zdania o ich „zwodniczej technice gąbki i rysunku, o ich nudnym, chorobliwym i martwym métier”.
W 1876 r. pobierał lekcje rysunku z antyku i z żywego modela w Akademii Sztuk Pięknych w Ostendzie. Z tego okresu pochodzą jego pierwsze obrazy przedstawiające morze, plażę oraz pejzaże wydmowe i polderowe, takie jak „Duinen” (ok. 1876), „Gezicht op Mariakerke” (1876), „Fort Napoleon” (1876), „De triomfwagen” (Rydwan na plaży) (1877).
Ensor miał 17 lat, gdy 8 października 1877 roku zapisał się do Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w Brukseli. Był to jedyny raz, kiedy opuścił Ostendę na dłużej. Nie było go przez trzy lata. Wynajął mały pokoik przy Sint-Jansstraat, blisko Grote Markt. Jego nauczyciele Joseph Stallaert, Joseph van Severdonck i Alexandre Robert prowadzili kursy malarstwa i rysunku według klasycznego modelu. Ale znowu wpadł w kłopoty z nauczycielami. Poznał kilku swoich kolegów z klasy: Willy Finch, Paul Dubois, Fernand Khnopff, Willy Schlobach, Guillaume Van Strydonck, Rudolph Wystman i Dario de Regoyos.
W tym okresie Ensor rysował szereg postaci ludowych z okolic Ostendy, nie tyle ze względów towarzyskich, co w celu dalszego rozwoju umiejętności rysunkowych. Z tego okresu pochodzą też: „Falochron w Ostendzie” (1878), „Nagi chłopiec” (1878), „Pejzaż polderowy” (1878), „Mężczyzna z rannym ramieniem” (początek 1879), „Autoportret” (1879), „Dziewczyna z zadartym nosem” (1879), „Ensor przy sztalugach” (1879) oraz ciemny rysunek węglem „Akt kobiecy” (1879) (zwany też „La Bohémienne”).
Kiedy Ensor miał 20 lat, w 1880 roku, opuścił akademię, a wraz z nią Brukselę. Rezultaty jego treningu nie były tak błyskotliwe. Otrzymał jedynie siódmą nagrodę za rysunek według klasycznego modelu i dziesiątą za malarstwo z natury. To sprawiło, że stał się człowiekiem złym i rozgoryczonym, a ten stan ducha przedstawiał w sarkastycznych i satyrycznych scenach. Wrócił do Ostendy, zamieszkał u rodziców na rogu Vlaanderenhelling i Van Iseghemlaan. Aby uciec przed natrętną matką, wycofał się na strych i tam założył swoje pierwsze studio. Z dużego okna na poddaszu miał widok z lotu ptaka na morze (z jego nieskończonymi odcieniami światła i koloru, przedstawianymi w różnych marynarkach), na ulice, budynki i przechodniów. Pogląd ten znalazłby odzwierciedlenie w wielu dziełach. Mieszkał tu do 1917 roku i tu też stworzył swoje najlepsze obrazy.
W tym samym 1880 roku namalował znanego „Chłopca z lampą” w przewadze czerni i ochry, oraz prace „Szare morze”, „Martwa natura z kaczką”, „Bagno”. Pozostał twórczy i w 1881 roku namalował „Ulicę Flandryjską w śniegu”, „Portret mojego ojca”, „Ponurą damę”, „Popołudnie w Ostendzie”, „Zachmurzony Camber” i „Kobietę z niebieskim szalem”. Był to jego „mroczny okres”, którego wykładnikiem były mieszczańskie wnętrza, w których mrocznym impresjonistycznym pędzlem oddawał atmosferę sztywności i nudy. Najwięcej swoich marines namalował w latach 1880-1885. Podobnie jak rysunki, malował swoje marynarki jako przekonany plenerysta. Jego impresjonistyczny obraz „Duża marynarka – zachód słońca” z 1885 roku jest jednym z jego większych płócien.
Przeczytaj także: biografie-pl – Demokryt
Les vingt
Wspierany w swoim talencie przez brukselską awangardę, Ensor wysłał trzy obrazy (The Colourist, The Bourgeois Salon i Nature morte) na postępowy Salon Chrysalide w 1881 roku oraz obraz „Russian Music” na Exposition Générale des Beaux-Arts w Brukseli w 1882 roku. Obraz „Salon obywatelski” przedstawiał duszną atmosferę jego własnego środowiska domowego. Obraz „Muzyka rosyjska” odnosi się do rosyjskiej muzyki kameralnej, która została niedawno odkryta w Belgii. Ensor później regularnie nawiązywał do tematu muzyki w swoich pracach („Portret Dario de Regoyos” (1884), „Muzyka na Rue de Flanders” (1891), „Au conservatoire” (1902) lub wstawiając muzyków lub siebie jako muzyka).
W 1882 roku namalował „Portret mojej matki”, „Pożeracza ostryg” i „Damę w opałach”.
Od 1882 roku Ensor należał do grupy artystycznej L”Essor. Brał udział w szóstej (1882) i siódmej (1883) wystawie tej grupy. W 1885 r. występował także w programie L”Essora.
Prace Ensora były wielokrotnie odrzucane, także przez L”Essora. Większość jego obrazów, z najbardziej szalonymi przedstawieniami, oglądano z niezadowoleniem lub określano jako bardziej osobliwe niż piękne. Cała jego kandydatura na Salon des Beaux-Arts w Antwerpii została odrzucona. Czuł się niezrozumiany, niejako „zamaskowany”. W tej pozycji znalazły się „Popołudnie w Ostendzie” (1881) i „Pożeracz ostryg” (1882), dwa dzieła, które później zostaną uznane za arcydzieła. W „Pożeraczu ostryg” Ensor zdystansował się od mrocznej atmosfery poprzednich obrazów. Namalował swoją siostrę w jasnym świecie kolorów i światła. Odrzucenie przez Salon i krytykę artystyczną było dla niego wielkim rozczarowaniem. Postanowił zdystansować się od obiektywnej rzeczywistości i odtąd iść własną drogą. „Pożeracz ostryg” został zakupiony przez Królewskie Muzeum Sztuk Pięknych w Antwerpii 20 lat później, na Salonie Triennale w 1904 roku.
Wystawiał w Kursaal w Ostendzie w 1882 i 1883 roku, na 32 Triennale w Gandawie (1883) i w salonie Société Royale des Aquarellistes Belges (1883).
W 1883 r. namalował opustoszałą egzystencję „Pijaków”, a w 1884 r. barwne płótno „Dachy w Ostendzie”, którego burzliwe niebo przypomina nieco „Ostatni rejs okrętu wojennego Téméraire” Williama Turnera. W 1887 roku Ensor udał się do Londynu wraz z Guillaume Vogelsem, aby lepiej poznać twórczość Turnera.
Tymczasem brukselski prawnik Octave Maus okazał się entuzjastycznym organizatorem, mecenasem, rzecznikiem i inspiratorem nowej, rewolucyjnej grupy artystów – Les XX. Grupa ta, założona w październiku 1883 roku, wyrosła na niezwykłą grupę innowatorów w belgijskim świecie sztuki. Dołączył do tej brukselskiej grupy progresywnych artystów i został jej członkiem-założycielem. Każdy malarz z nazwiskiem lub na drodze do sławy wystawiał się w salonach Les XX. Zarówno Henri de Toulouse-Lautrec, jak i Georges Seurat mieli swój pierwszy przełom w Brukseli.
Ensor wystąpił na pierwszej wystawie Les XX w 1884 roku z sześcioma pracami. Spotkał się z dość lekceważącą krytyką, w tym z pierwszym artykułem w L”Art Moderne (czasopismo kierowane przez Octave”a Mausa). Jednak ponownie odmówiono mu wstępu na oficjalny Salon Brukselski. Na Salon Les XX w 1886 roku wysłał dwadzieścia prac, ale krytyka omówiła jedynie technikę, a nie wartość artystyczną jego dzieł.
Zderzył się z tą krytyką doszczętnie w swoim dziele „Kalwaria” z sobą na krzyżu, jako ofiarą tylu niezrozumień, a krytykiem jako rzymskim żołnierzem tnącym jego bok.
Z okazji mianowania go kawalerem Orderu Leopolda został uhonorowany w 1904 r. przez swoich przyjaciół z „Cercle Cecilia”, organizatorów karnawałowego festynu „Bal du Rat mort” w Ostend Kursaal. Odświętny magazyn, wydrukowany w nakładzie zaledwie 40 numerów pod redakcją Géo Daveluy”a, ilustrował sam Ensor. Oprócz fotografii Ensora zawiera teksty, w których w karnawałowy sposób piętnuje on niektórych swoich przyjaciół, po czym następuje czerwona reprodukcja „Diabłów, które mnie dręczą” i żartobliwe przyśpiewki.
Przeczytaj także: biografie-pl – Attyla
Rysownik i wytrawiacz
W wieku 25 lat Ensor cierpiał na problemy jelitowe, które doprowadziły do chronicznych obaw o jego zdrowie. Światło ujrzały jego pierwsze rysunki z cyklu „Aureole Chrystusa” czy „Wrażliwości światła” („Adoracja pasterzy”, „Chrystus ukazuje się ludowi”, „Wjazd do Jerozolimy”, „Szatan i fantastyczne legiony dręczą Ukrzyżowanego”, „Zejście z krzyża i Wniebowstąpienie Chrystusa”). Jego lęki i halucynacje nie były rozumiane w Lesie XX. Ludzie mówili o produkcie chorego mózgu. Ale Emile Verhaeren wykrył w tych pracach wpływ Rembrandta.
Rok 1886 był punktem zwrotnym w artystycznej ewolucji „Światła” Ensora. Dystansował się od swoich ponurych „wnętrz”. Pierwsze akwaforty wykonał w 1886 roku pod wpływem Mariette Rousseau.
Szczytową formę osiągnął w 1888 roku, wykonując aż 45 akwafort, w tym „Autoportret pas fini” (1885) i arcydzieło „Katedra” (1886), które przyniosło mu równie wielką sławę. Katedra należy do cyklu 133 prac graficznych. Jest to jedna z jego najsłynniejszych prac graficznych, a także jedna z pierwszych, w której przedstawił tłum ludzi. W 1933 roku sprzedano również wersję tej pracy, kolorowaną kredą.
Jego akwaforta „Diabły rabujące anioły i anioły w dupie” (1888) odtwarza atmosferę dzieł Hieronima Boscha czy Pietera Brueghela Starszego poprzez wykorzystanie diabłów, potworów i masek.
„Łaźnie w Ostendzie” to znana praca z 1890 roku wykonana w farbie olejnej, kredzie i kolorowym ołówku. Wznowił go w 1891 roku w rysunku tuszem na papierze i w wersji trawionej. Ensor w żartobliwy i satyryczny sposób szkicuje tu beau monde i wycieczkowiczów na plaży w Ostendzie w pracowity letni dzień. Ze względu na oczywiste aluzje erotyczne i krytykę środowiska, dzieło zostało odrzucone w 1895 (lub 1898?) roku na Salonie „La Libre Esthétique”. Kiedy Ensor poskarżył się na to królowi Leopoldowi II, Octave Maus musiał nawet przyznać mu honorowe miejsce.
Z „Chrystusem uspokajającym burzę” (1891) trafił w dziesiątkę modernizmu.
Przeczytaj także: cywilizacje – Republika Wenecka
Obraz „Wjazd Chrystusa do Brukseli”.
Od 1885 roku postać Chrystusa zajmuje centralne miejsce w twórczości Ensora. Łączy wzniosłość z groteską, czasem umownie, czasem humorystycznie.
W 1888 roku, gdy Ensor miał 28 lat, rozpoczął „Wjazd Chrystusa do Brukseli w 1889 roku”. Będzie to jego najpopularniejszy obraz, ale też jeden z najtrudniejszych. Jednak już rok później dzieło nie było gotowe do wystawienia na Salonie XX-lecia.
Stała się ona monumentalnym dziełem o wysokości 2,58 m i długości 4,31 m. Jego pracownia na poddaszu nie była wystarczająco wysoka i musiał przybijać płótno do ściany, podczas gdy dolna część pozostawała na ziemi. Do tak monumentalnego dzieła Ensor nie mógł użyć drogiej farby w tubkach. Poprosił malarza domowego o przygotowanie farby w 5 i 10 kg doniczkach. Następnie malował farbę, nierozcieńczoną, dużymi pociągnięciami, warstwa po warstwie, za każdym razem nieco zwijając obraz.
Ensor wykorzystał motyw biblijny, czyli przybycie Chrystusa do Jerozolimy, ale przeniósł go do Brukseli. W scenie ukryty jest Chrystus (rysy Ensora?) siedzący na osiołku, któremu towarzyszy wiwatujący tłum, orkiestra dęta i barwny korowód masek. Tysiące groteskowych postaci wysuwają się z tła, na czele z zamaskowanymi postaciami, z których Ensor kpi: wyniosły Sędzia, roześmiani żołnierze, żony rybaków, zadowolona z siebie burżuazja, prześmiewcza para zakochanych, lekarz w kapeluszu magika, Śmierć we fraku, para muzyków z „Fanfares doctrinaires” i wreszcie, na samym przedzie, nadęty biskup grający na drum major. Po prawej stronie burmistrz i jego radni w kostiumach klaunów. Na górze znajduje się transparent z tekstem „Vive la Sociale” (Powstańcie Partii Socjalistycznej). Ensor rzeczywiście zrobił z całego tłumu głupca. Ten wpis umieścił w Brukseli, bo tam doznał tylu rozczarowań.
Płótno pozostało zwinięte w jego pracowni na poddaszu, na rogu Vlaanderenramp, przez 29 lat. Istnieje jednak zdjęcie z tego okresu, na którym widzimy dzieło nieco niezdarnie przybite do ściany pracowni wraz z wieloma innymi pracami. Dopiero w 1917 r., po przeprowadzce do nowego domu przy Vlaanderenstraat, mógł go naprawdę zamontować nad swoją fisharmonią. Dom ten, obecnie Ensor House, odziedziczył po swoim wuju Leopoldzie. Kiedy dzieło zostało przewiezione do Paryża na wielką wystawę w 1929 roku, najpierw trzeba było zburzyć część balkonu fasady. Powtórzyło się to przy okazji wystawy w Brukseli w 1939 roku.
Eugène Demolder należał do wąskiego grona intelektualistów, którzy popierali Ensora i napisał o nim pierwszą monografię „Mort Mystique d”un théologien”. W 1892 roku Demolder napisał: „… Malarz Ensor (…) jest jednym z pierwszych w Belgii, którzy podjęli wyzwanie nowoczesnego poszukiwania światła. Jest nowatorem (…) Widzieliśmy, jaką zmienność i giętkość wnosi Ensor do swoich obrazów (…)”.
Płótno zostało lekko uszkodzone przez odłamki podczas II wojny światowej. Następnie wisiała w różnych miejscach: w Wenecji (1950), w Casino w Knokke (1971), w Muzeum Sztuk Pięknych w Ostendzie (1977-1978), wypożyczona z Królewskiego Muzeum Sztuk Pięknych w Antwerpii, Chicago i Nowym Jorku (1976) oraz w Kunsthaus w Zurychu (1983). W 1987 r. został zakupiony przez Getty Museum w Malibu, Los Angeles, gdzie został poddany fachowej renowacji. Kopia znajduje się również w Ensor House w Ostendzie.
Dzieło to w historii sztuki współczesnej zyskało mityczny wymiar. Antycypował, a nawet zapowiadał ekspresjonizm XX wieku. Jednak w tej twórczości można odnaleźć wpływy wcześniejszych mistrzów, takich jak Hieronymus Bosch, Peter Paul Rubens, William Hogarth, Francisco Goya, William Turner czy Georges Seurat.
Gęste warstwy pigmentu, którymi rozgorączkowany tłum liliputów przeciska się z tła na maski na pierwszym planie, są niemal groteskową parodią płaskich przestrzeni z obrazów Les XX. Ten śmiały obraz, będący anachronizmem jak na standardy 1889 roku, musiał stanowić istny zamach na ówczesne konwencje piękna. Surowej brzydoty tematu nie jest w stanie zlekceważyć mnogość barw w tej pracy, pożądane pomieszanie kompozycji i całkowita rezygnacja z jednopunktowej perspektywy. Trzeba sięgnąć daleko w głąb historii sztuki, do brutalnych zniekształceń po 1945 roku, by znaleźć coś podobnego w pracach Willema de Kooninga, Jeana Dubuffeta i ruchu Kobra.
Ensor wykonał lustrzane odbicie tego obrazu na papierze japońskim w 1898 r. (kolekcja Royal Library AlbertI, Bruksela).
Przeczytaj także: historia-pl – Wojna amerykańsko-hiszpańska
Postać Chrystusa w twórczości Ensora
Ensor wykorzystał postać Chrystusa jeszcze kilkakrotnie, zazwyczaj w sensie alegorycznym, np. „Chrystus znieważony” (akwaforta, 1886), „Umierający Chrystus” (1888), „Chrystus uspokaja burzę” (1891), „Człowiek boleści” (1891) (zniekształcony autoportret), „Chrystus i krytycy” (1891), „Kuszenie Chrystusa” (1913).
W latach 1912-1920 wykonał 31 litografii „Sceny z życia Chrystusa”. w którym ponownie wykorzystał kilka wcześniejszych rysunków. Wydał je w 1921 roku w formie albumu w ograniczonej liczbie numerowanych i sygnowanych egzemplarzy (nakładem Galerie Georges Giroux).
W 1887 roku na 51 kartkach szkicownika Ensor narysował Kuszenie świętego Antoniego, złośliwą, wolnomyślicielską satyrę. Zawiera setki miniaturowych rysunków wschodnich bogów, diabłów, seksu i znów Chrystusa. Praca ta była następnie wystawiana w Art Institute of Chicago.
Przeczytaj także: biografie-pl – Gene Kelly
Wolna estetyka
Z powodu ostrych kłótni między artystami Octave Maus rozwiązał w 1893 roku koło artystyczne Les XX, choć James Ensor ostro przeciwko temu protestował. Maus założył nowe koło artystyczne, La Libre Esthétique, tym razem bez członków, a jedynie z zaproszonymi gośćmi. Ensor chciał odejść i sprzedał wszystkie swoje prace za 8000 franków belgijskich, ale nie znalazł nabywcy. W swoich przeciwnościach, niezrozumiany i krytykowany przez współczesnych, trwał, ale właśnie dzięki temu jego moc twórcza wzrastała.
W końcu jego charakterystyczna wizja została coraz bardziej zaakceptowana przez znawców sztuki. W 1893 r. brukselski Print Room zakupił dużą liczbę jego rycin (w 1888 r. wykonał ich 44).
W 1894 roku Ensor został zaproszony na pierwszą wystawę „La Libre Esthétique” i wraz z Guillaume Vogelsem założył w swoim mieście „Cercle des Beaux Arts d”Ostende”. W tym samym roku sprzedał 25 rycin do Drukarni w Dreźnie. W grudniu tego samego roku, za namową Eugène”a Demoldera, zorganizował swoją pierwszą własną wystawę w Comptoir des Arts Industriels La Royale w Brukseli. Inicjatywa ta wzbudziła zainteresowanie Królewskiego Muzeum Sztuk Pięknych, które w następnym roku zakupiło „Lampistę”, wspaniałe dzieło z 1880 roku, za 2.500 franków belgijskich.
W 1898 roku wziął udział w Salonie Centów w Paryżu z 25 pracami, ale spodziewany sukces nie nastąpił. Mimo to w 1899 roku ukazał się specjalny numer „La Plume” poświęcony pracom Ensora z tej wystawy. W tym samym roku Albertina w Wiedniu zakupiła sto jego rycin, namalował też słynny „Autoportret w otoczeniu masek”, na którym przedstawił siebie w samym środku swojej sztuki, maskę wśród masek.
Matka Ensora zmarła 8 marca 1915 r. w wieku osiemdziesięciu lat. Czterokrotnie ją rysował i dwukrotnie malował w tych dniach po jej długiej walce ze śmiercią (kolekcja Mu.ZEE, Ostenda). Jej siostra, jego ciotka Mimi, zmarła dwa lata później. Tym samym pożegnał się z dwiema kobietami, które odegrały decydującą rolę w jego ówczesnej edukacji. Ensor powiedział kiedyś w przemówieniu przy stole, że jego matka i ciotka prowadziły go finansowo przez najtrudniejsze lata.
Przeczytaj także: biografie-pl – Alfred Nobel
Ensor i jego maski
We wczesnej twórczości Jamesa Ensora maski nie były jeszcze powszechne. Ale w miarę jak czuł się ignorowany lub odrzucany przez świat sztuki, coraz bardziej się przeciwko niemu buntował. Pomiędzy nim a społeczeństwem powstała sytuacja konfliktowa, dlatego posługując się mocno naładowanymi obrazami, takimi jak maski, szkielety, śmierć, karnawał i transwestyci, wystawił społeczeństwo na pośmiewisko.
Inspirację dla swoich masek (i muszli) znalazł w sklepie z pamiątkami swojej matki. Kilka z tych masek zachowało się do dziś i są przechowywane w Domu Ensora w Ostendzie.
Pierwsza praca z maskami, „Maski skandalizujące”, pochodzi z 1883 roku. Nie był to jeszcze tak symboliczny ładunek, a raczej przedstawienie karnawałowego przebrania lub ewentualnie nawiązanie do pijackich nawyków jego ojca. Tutaj postać wciąż trzyma maskę przed twarzą. W późniejszych pracach postać i maska stanowią jedność. Szkielety pojawiły się po raz pierwszy w obrazie „Szkielet patrzy na chinoiserie” z 1885 roku, a demony w akwaforcie „Szatan i fantastyczne legiony dręczą ukrzyżowanego” z 1886 roku (cykl Aureole Chrystusa). Karnawał i transwestytyzm pojawiły się w „Karnawale na plaży” z 1887 roku.
Od 1888 r. wzrosła liczba jego znanych dzieł: „Wjazd Chrystusa do Brukseli” (1888), „Maski przeciwstawiające się śmierci” (1888), „Maski oglądające murzyńskiego maga” (1888) (w rzeczywistości przemalowana praca z czasów akademii w 1879 r.), „Zdumienie właściciela maski” (1889), „Staruszka z maskami” (1889) i wreszcie jego słynna „Akcja” (1890), „Maski i śmierć” (1897), „Chrzest masek” (1891), „Rozpacz Pierrota” (1892), „Autoportret z muszlami i maskami” (1917).
Ensor faktycznie używał masek do demaskowania. Chciał odsłonić prawdziwe, ale ukryte oblicze swoich prześmiewczych czy złośliwych postaci.
Szkielety i śmierć to główne tematy: „Walka szkieletów o wisielca” (1891), rysunek „Śmierć prześladuje ludzkie stado” (1887), „Demony, które mnie dręczą” (1888), „Mnożenie się ryb” (1891), „Pierrot i szkielety” (1905 i 1907), „Kwitnące czaszki” (1909).
James Ensor, w swojej walce z ustabilizowanym społeczeństwem, często wybierał zwykłego człowieka. Uderzającym przykładem jest kolorowy rysunek „Strajk” (1888). Inne przykłady to „Pisser” (przedstawiający człowieka z klasy średniej), „Dobrzy sędziowie” (1891), „Żandarmi” (1892), „Źli lekarze” (1892), „W konserwatorium muzycznym” (1902).
Przeczytaj także: historia-pl – Wojny włoskie
Wyniesienie do godności szlacheckiej
Choć wystawiał już wcześniej w Hanowerze (1927), Berlinie, Dreźnie, Mannheim (1928) i Lipsku, to rok 1929 był rokiem chwały Ensora. Wtedy też zorganizowano jego największą i najważniejszą retrospektywę w Centrum Sztuk Pięknych w Brukseli. Po raz pierwszy wystawiono jego kontrowersyjny „Wjazd Chrystusa do Brukseli”, a on sam został wyniesiony do godności szlacheckiej jako James Baron Ensor (olej i czarny ołówek na płycie). 13 kwietnia 1930 r. odsłonił nawet swój pomnik z mottem „Pro Luce” w ogrodzie naprzeciwko Ostend Kursaal. W międzyczasie skończył 70 lat.
Ensor stworzył w ciągu życia około 850 obrazów, z czego około jedna trzecia to martwe natury.
James baron Ensor zmarł 19 listopada 1949 roku, w wieku 89 lat, w klinice Najświętszego Serca w Ostendzie i został pochowany obok wieży swojego ukochanego kościoła Matki Boskiej z Wydm, w dzielnicy Mariakerke w Ostendzie.
Był wiernym bywalcem koncertów i recitali w Kursaal Ostend. Jako muzyczny samouk James Ensor grał na fortepianie, flecie i fisharmonii. Harmonium było prezentem od kolekcjonerów Albina i Emmy Lambotte.
Nie mając żadnego wykształcenia muzycznego, od 1906 r. zaczął improwizować i komponować. Nie umiał ani pisać, ani czytać muzyki, a swoje kompozycje zlecał innym (m.in. Michelowi Brusselmansowi i Georges”owi Vriamontowi) i aranżował na harfę, organy, carillon, kwartet smyczkowy, kwintet fletowy i orkiestrę symfoniczną.
Sam kilkakrotnie grał przed publicznością własne kompozycje, choć w sposób niekonwencjonalny. W późniejszych latach uważał się czasem bardziej za muzyka niż za malarza, ale nie zyskał za to większego uznania. Wirtuoz organów Auguste De Boeck uważał jego kompozycje raczej za bezpretensjonalne melodie taneczne.
Jego kompozycje były w większości tańcami i emanowały atmosferą mieszczańskiego salonu. Jego należy wymienić:
Rok 2010 był ważnym rokiem, w którym odbyło się kilka wystaw prac Ensora. To właśnie wtedy, 150 lat temu, urodził się w Ostendzie. Oto kilka wzmianek:
Dom Ensora w Ostendzie (Vlaanderenstraat 29) został odnowiony i rozbudowany w 2020 roku. Muzeum składa się z oryginalnego domu artysty i interaktywnego centrum doświadczeń w sąsiednim budynku. Odbywają się tu wystawy czasowe. Posiada również maskę pośmiertną autorstwa Ensora.
Archiwum Ensora znajduje się w Archiwum Sztuki Współczesnej w Belgii oraz w Królewskim Muzeum Sztuk Pięknych w Antwerpii.
Źródła
