James Rosenquist

gigatos | 3 września, 2022

Streszczenie

James Rosenquist (29 listopada 1933 – 31 marca 2017) był amerykańskim artystą i jednym ze zwolenników ruchu pop art. Czerpiąc ze swojego tła pracy w malarstwie znakowym, prace Rosenquista często badały rolę reklamy i kultury konsumpcyjnej w sztuce i społeczeństwie, wykorzystując techniki, których nauczył się tworząc sztukę komercyjną, aby przedstawić popularne ikony kultury i prozaiczne przedmioty codziennego użytku. Choć jego prace często porównywano do prac innych kluczowych postaci ruchu pop-artu, takich jak Andy Warhol i Roy Lichtenstein, prace Rosenquista były wyjątkowe, ponieważ często wykorzystywały elementy surrealizmu, używając fragmentów reklam i obrazów kultury, aby podkreślić przytłaczającą naturę reklam. W 2001 roku został przyjęty do Galerii Sław Artystów Florydy.

Rosenquist urodził się 29 listopada 1933 roku w Grand Forks w Północnej Dakocie, jako jedyne dziecko Louisa i Ruth Rosenquist. Jego rodzice byli pilotami amatorami szwedzkiego pochodzenia, którzy przenosili się z miasta do miasta w poszukiwaniu pracy, ostatecznie osiadając w Minneapolis w Minnesocie. Jego matka, która była również malarką, zachęcała syna do zainteresowań artystycznych. W gimnazjum Rosenquist zdobył krótkoterminowe stypendium na naukę w Minneapolis School of Art, a następnie w latach 1952-1954 studiował malarstwo na Uniwersytecie Minnesoty. W 1955 roku, w wieku 21 lat, przeniósł się na stypendium do Nowego Jorku, gdzie studiował w Art Students League, ucząc się pod kierunkiem takich malarzy jak Edwin Dickinson i George Grosz. Mówiąc o swoich doświadczeniach w Art Students League, Rosenquist powiedział „Studiowałem tylko z artystami abstrakcyjnymi. Mieli tam artystów komercyjnych uczących pracy komercyjnej, nie zawracałem sobie tym głowy. Interesowało mnie tylko – widzisz, tak to się zaczęło. Byłem zainteresowany nauczeniem się, jak namalować Kaplicę Sykstyńską. Brzmi to ambitnie, ale chciałem pójść do szkoły muralu”. Podczas studiów w Nowym Jorku Rosenquist podjął pracę jako szofer, po czym zdecydował się wstąpić do Międzynarodowego Bractwa Malarzy i Rzemiosł Pokrewnych. Jako członek związku Rosenquist malował billboardy wokół Times Square, ostatecznie został głównym malarzem Artkraft-Strauss i malował wystawy i okna na Piątej Alei. Do 1960 roku Rosenquist porzucił malowanie szyldów po tym, jak jego przyjaciel zginął spadając z rusztowania podczas pracy. Zamiast pracować nad komercyjnymi dziełami, zdecydował się skupić na osobistych projektach w swoim własnym studio, rozwijając swój własny, odrębny styl malowania, który zachował rodzaj obrazowania, odważnych odcieni i skali, które wykorzystywał podczas malowania billboardów.

Kariera Rosenquista w sztuce komercyjnej rozpoczęła się, gdy miał 18 lat, po tym jak jego matka zachęciła go do podjęcia letniej pracy przy malowaniu. Zaczął od malowania znaków Phillips 66, jeżdżąc na stacje benzynowe od Północnej Dakoty do Wisconsin. Po zakończeniu szkoły Rosenquist podjął szereg dorywczych prac, a następnie zajął się malowaniem znaków. Od 1957 do 1960 roku Rosenquist zarabiał na życie jako malarz billboardów. Rosenquist zastosował techniki malowania szyldów do dużych obrazów, które zaczął tworzyć w 1960 roku. Podobnie jak inni artyści pop, Rosenquist zaadaptował wizualny język reklamy i popkultury do kontekstu sztuki pięknej. „Malowałem billboardy nad każdym sklepem ze słodyczami na Brooklynie. „Doszedłem do takiego stanu, że mogłem we śnie namalować butelkę whisky Schenley” – napisał w 2009 roku w autobiografii „Painting Below Zero: Notes on a Life in Art”. Magazyn Time stwierdził, że „jego potężny styl graficzny i malowane montaże pomogły zdefiniować ruch Pop Art w latach 60.”.

W 2003 roku krytyk sztuki Peter Schjeldahl zapytał o zastosowanie przez Rosenquista technik malowania znaków do sztuki pięknej w ten sposób: „czy importowanie tej metody do sztuki jest trochę tanim chwytem? Podobnie jak sitodruk fotograficzny Warhola i wyklejanie przez Lichtensteina paneli z komiksów. We wszystkich przypadkach chodziło o połączenie malarskiej estetyki z semiotyką przesiąkniętej mediami współczesnej rzeczywistości. Naga skuteczność antypersonalnego tworzenia sztuki definiuje klasyczny pop. To tak, jakby ktoś zapraszał cię do obejrzenia pięści, którą jednocześnie zadaje ciosy.”

Rosenquist miał swoje pierwsze dwie wystawy indywidualne w Green Gallery w 1962 i 1963 roku. W 1965 roku w Leo Castelli Gallery wystawił swój obraz F-111, obraz w skali pokojowej, którym zdobył międzynarodowe uznanie.

Ale Rosenquist o swoim zaangażowaniu w ruch Pop Art powiedział co następuje: „Nazwali mnie artystą pop, ponieważ używałem rozpoznawalnych obrazów. Krytycy lubią grupować ludzi razem. Andy”ego Warhola poznałem dopiero w 1964 roku. Tak naprawdę nie znałem tak dobrze ani Andy”ego, ani Roya Lichtensteina. Wszyscy wyłoniliśmy się osobno”.

W 1971 roku Rosenquist przybył na Południową Florydę po otrzymaniu propozycji od Donalda Saffa, dziekana University of South Florida”s College of Fine Arts, aby wziąć udział w szkolnym Graphicstudio, inicjatywie artystycznej opartej na współpracy. W kolejnych latach Rosenquist pozostał kluczowym współpracownikiem studia, współpracując ze studentami i innymi artystami oraz tworząc liczne własne prace, ostatecznie tworząc w 1976 roku swoje studio Aripeka. W trakcie swojej kariery Rosenquist nadal podróżował na Florydę, gdzie stworzył kilka prac na zamówienie społeczności, w tym dwa murale dla budynku Kapitolu Stanowego Florydy oraz rzeźbę dla Szpitala Dziecięcego Johnsa Hopkinsa, a także zasiadał w Radzie Powierniczej Muzeum Sztuki w Tampie.

Obrazy Rosenquista były wystawiane w lobby Key Tower w Cleveland, Ohio. Jego F-111 był tam wystawiany przez wiele lat.

Po zdobyciu uznania Rosenquist realizował zamówienia na dużą skalę. Należy do nich trzyobrazowa suita The Swimmer in the Econo-mist (1997-1998) dla Deutsche Guggenheim, Berlin, Niemcy, oraz obraz, który był planowany na sufit Palais de Chaillot w Paryżu, Francja.

Strefa: Kluczowa praca w rozwoju jego charakterystycznego stylu, Rosenquist cytuje swoją pracę z 1961 roku Zone jako punkt zwrotny w rozwoju jego osobistej estetyki, przy czym praca ta była pierwszą, w której zastosowano monumentalną skalę, powtarzający się aspekt sztuki Rosenquista, który jest przykładem jego wielu murali. Zone służyła również jako kamień milowy w twórczości Rosenquista, ponieważ stanowiła odejście od jego poprzednich prac, w których odchodził od wcześniejszych eksperymentów z abstrakcyjnym ekspresjonizmem. Wykonana w oleju na dwóch oddzielnych kawałkach płótna praca stanowi przykład początków ruchu pop-artu w sposobie, w jaki Rosenquist zaczerpnął obrazy z mass mediów, wykorzystując zdjęcie pomidora i wycinek z reklamy kremu do rąk. Oba obrazy podzielone są na osobne strefy, które służą skupieniu się na wizualnych podobieństwach, takich jak łuk łodygi pomidora i rzęsy kobiety, a także ilustrują charakterystyczną dla Rosenquista, często surrealistyczną, fragmentaryczną kompozycję.

Prezydent elekt: Wydany w tym samym roku co Zone, President Elect Jamesa Rosenquista jest jednym z jego najbardziej znanych dzieł, w którym artysta przekłada portret Johna F. Kennedy”ego z plakatu kampanijnego na wysoki wyświetlacz. Obraz zawiera również nałożone zdjęcie dłoni trzymającej tort w skali szarości, a także tył Chevroleta. Rosenquist wykorzystuje ikony popkultury, aby zbadać sławę i relacje między reklamą a konsumentem, eksplorując rodzaj sławy i ikonografii, która wiąże się z amerykańską polityką. Poprzez President Elect, Rosenquist stara się wypowiedzieć na temat nowej roli, jaką reklama i mass media odegrały podczas kampanii Kennedy”ego. „W tamtym czasie bardzo interesowali mnie ludzie, którzy się reklamowali” – powiedział Rosenquist. „Dlaczego umieszczali reklamę samych siebie? Więc to była jego twarz. A jego obietnicą było pół Chevroleta i kawałek nieświeżego ciasta”. Na obrazie Rosenquist kontrastuje portret Kennedy”ego z ciastkiem i Chevroletem, aby pokazać, jak każdy element jest wprowadzany na rynek dla amerykańskich konsumentów.

F-111: W 1965 roku James Rosenquist ukończył F-111, jedną z największych i najbardziej ambitnych prac w swojej kolekcji. Rozciągający się na ponad 83 stopy i 23 płótna, obraz swoją skalą nawiązuje do prac Rosenquista na billboardach, ilustrując naturalnej wielkości przedstawienie samolotu F-111 Aardvark. Obraz początkowo miał pokryć wszystkie cztery ściany głównej sali w galerii Castelli na Manhattanie, zajmując całą każdą ścianę bez żadnego rodzaju wizualnej ulgi, aby rzucić imponujący, ciągły widok wojny. Namalowany podczas wojny w Wietnamie F-111 kontrastuje obrazy z wojny z komercyjnymi obrazami z reklam, przedstawiającymi opony, ciasto, żarówki, dziewczynę w suszarce do włosów, bąbelki i spaghetti. Rosenquist zestawia obrazy z reklam z samolotem jako sposób na zasugerowanie graficznych scen z wojny, przy czym rozbite żarówki w pobliżu kokpitu odzwierciedlają bomby spadające z samolotu, a kaptur suszarki do włosów echo wyglądu pocisku. Rosenquist używa obrazu, by zakwestionować rolę marketingu i relacji z wojny, opisując samolot jako „przelatujący przez flak społeczeństwa konsumpcyjnego, by zakwestionować zmowę między machiną śmierci w Wietnamie, konsumpcjonizmem, mediami i reklamą”.

Rosenquist otrzymał wiele wyróżnień, w tym wybór na „Młody Talent Art In America USA” w 1963 roku, nominację na sześcioletnią kadencję w zarządzie National Council of the Arts w 1978 roku oraz otrzymanie Golden Plate Award od American Academy of Achievement w 1988 roku. W 2002 roku Fundación Cristóbal Gabarrón przyznała mu swoją doroczną międzynarodową nagrodę za sztukę, w uznaniu jego wkładu w kulturę uniwersalną.

Począwszy od pierwszych retrospektyw jego twórczości w 1972 roku zorganizowanych przez Whitney Museum of American Art w Nowym Jorku i Wallraf-Richartz Museum w Kolonii, prace Rosenquista były przedmiotem wielu wystaw w galeriach i muzeach, zarówno w Stanach Zjednoczonych, jak i za granicą. Solomon R. Guggenheim Museum zorganizowało w 2003 roku retrospektywę całej twórczości, która podróżowała po całym świecie, a zorganizowali ją kuratorzy Walter Hopps i Sarah Bancroft.

Jego F-111, pokazany w The Jewish Museum w 1965 roku, został wspomniany w rozdziale Polaroidy od umarłych autorstwa Douglasa Couplanda.

Rosenquist ożenił się dwukrotnie i miał dwoje dzieci. Z pierwszą żoną, Mary Lou Adams, którą poślubił 5 czerwca 1960 roku, Jego pierwsze małżeństwo zakończyło się rozwodem. W 1976 roku, rok po rozwodzie, przeniósł się do Aripeki na Florydzie. Jego drugą żoną była Mimi Thompson, którą poślubił 18 kwietnia 1987 roku, przez którą miał jedno dziecko: Lily.

25 kwietnia 2009 roku przez Hernando County na Florydzie, gdzie Rosenquist mieszkał od 30 lat, przetoczył się pożar, który spalił jego dom, pracownie i magazyn. Zniszczeniu uległy wszystkie jego obrazy przechowywane na terenie posiadłości, w tym prace na zbliżającą się wystawę.

Rosenquist zmarł w swoim domu w Nowym Jorku 31 marca 2017 roku, po długiej chorobie; miał 83 lata. Przeżyła go żona, Thompson; jedna córka, Lily; jeden syn, John; i wnuk, Oscar.

Źródła

1. James Rosenquist
2. James Rosenquist
3. ^ „James Rosenquist, The Bird of Paradise Approaches the Hot Water Planet, 1988, Oil on canvas, 105 x 85 inches”. www.acquavellagalleries.com. Acquavella Galleries.
4. ^ a b Pengelly, Martin (April 2, 2017). „James Rosenquist, pop artist who painted the famous F-111, dies aged 83”. The Guardian. Retrieved April 2, 2017.
5. ^ „Milestones James Rosenquist,” Time, April 17, 2017, p. 15
6. 1,0 1,1 «Encyclopædia Britannica» (Αγγλικά) biography/James-Rosenquist. Ανακτήθηκε στις 9  Οκτωβρίου 2017.