Jean-Baptiste-Camille Corot
gigatos | 14 lutego, 2022
Streszczenie
Jean-Baptiste-Camille Corot (16 lipca 1796 – 22 lutego 1875) był francuskim malarzem pejzażystą i portrecistą, a także twórcą akwafort. Jest on kluczową postacią w malarstwie pejzażowym, a jego rozległa twórczość jednocześnie nawiązywała do tradycji neoklasycznej i antycypowała plenerowe innowacje impresjonizmu.
Przeczytaj także: wazne_wydarzenia – Konferencja jałtańska
Wczesne życie i wykształcenie
Jean-Baptiste-Camille Corot (w skrócie Camille Corot) urodził się w Paryżu 16 lipca 1796 roku, w domu przy Rue du Bac 125, obecnie zburzonym. Jego rodzina była mieszczańska – ojciec był perukarzem, a matka modystką – i w przeciwieństwie do doświadczeń niektórych jego kolegów artystów, przez całe życie nigdy nie odczuwał braku pieniędzy, ponieważ jego rodzice dobrze inwestowali i dobrze prowadzili swoje firmy. Po ślubie jego rodzice kupili sklep z wyrobami galanteryjnymi, w którym pracowała jego matka, a ojciec zrezygnował z kariery perukarza, by zająć się stroną biznesową sklepu. Sklep był znanym miejscem dla modnych Paryżan i przynosił rodzinie doskonałe dochody. Corot był drugim z trojga dzieci urodzonych w rodzinie, która w tamtych latach mieszkała nad sklepem.
Corot otrzymał stypendium na naukę w Lycée Pierre-Corneille w Rouen, ale porzucił je z powodu trudności szkolnych i wstąpił do szkoły z internatem. Nie był „genialnym uczniem i przez całą swoją karierę szkolną nie otrzymał ani jednej nominacji do nagrody, nawet w klasie rysunku.” W przeciwieństwie do wielu mistrzów, którzy wcześnie przejawiali talent i skłonności do sztuki, przed rokiem 1815 Corot nie wykazywał takich zainteresowań. W tych latach mieszkał u rodziny Sennegon, której patriarcha był przyjacielem ojca Corota i który spędzał wiele czasu z młodym Corotem na spacerach przyrodniczych. To właśnie w tym regionie Corot stworzył swoje pierwsze obrazy o tematyce przyrodniczej. W wieku dziewiętnastu lat Corot był „dużym dzieckiem, nieśmiałym i niezręcznym. Rumienił się, gdy się do niego mówiło. Przed pięknymi damami, które bywały w salonie jego matki, był zakłopotany i uciekał jak dziki… Pod względem uczuciowym był czułym i dobrze wychowanym synem, który uwielbiał swoją matkę i drżał, gdy ojciec mówił.” Kiedy rodzice Corota przeprowadzili się do nowej rezydencji w 1817 roku, 21-letni Corot zamieszkał w pokoju z oknami w lukarnie na trzecim piętrze, który stał się również jego pierwszą pracownią.
Z pomocą ojca Corot przyuczał się do zawodu sukiennika, ale nie znosił życia handlowego i gardził tym, co nazywał „sztuczkami biznesowymi”, mimo to wiernie trwał w tym fachu do 26 roku życia, kiedy to ojciec zgodził się, by przyjął zawód artysty. Później Corot stwierdził: „Powiedziałem ojcu, że biznes i ja jesteśmy po prostu nie do pogodzenia i że się rozwodzę.” Doświadczenie w biznesie okazało się jednak korzystne, pomagając mu rozwinąć zmysł estetyczny poprzez kontakt z kolorami i fakturą tkanin. Być może z nudów, około 1821 roku zwrócił się ku malarstwu olejnemu i od razu zaczął od pejzaży. Od 1822 roku, po śmierci siostry, Corot zaczął otrzymywać roczny zasiłek w wysokości 1500 franków, który wystarczał na sfinansowanie jego nowej kariery, studia, materiałów i podróży do końca życia. Natychmiast wynajął studio na quai Voltaire.
W okresie, w którym Corot zdobył środki, by poświęcić się sztuce, malarstwo pejzażowe przeżywało rozkwit i dzieliło się na dwa obozy: pejzaż historyczny, tworzony przez neoklasyków w Europie Południowej, przedstawiający wyidealizowane widoki rzeczywistych i wymyślonych miejsc, zaludnionych postaciami starożytnymi, mitologicznymi i biblijnymi; oraz pejzaż realistyczny, bardziej powszechny w Europie Północnej, który był w dużej mierze wierny rzeczywistej topografii, architekturze i florze, i który często ukazywał postacie chłopów. W obu podejściach pejzażyści zazwyczaj zaczynali od szkicowania w plenerze i wstępnego malowania, a prace wykończeniowe wykonywali we wnętrzach. Duży wpływ na francuskich pejzażystów na początku XIX wieku miała twórczość Anglików Johna Constable”a i J.M.W. Turnera, którzy wzmocnili trend na rzecz realizmu i odeszli od neoklasycyzmu.
Przez krótki okres między 1821 a 1822 rokiem, Corot studiował u Achille Etna Michallon, pejzażysty w wieku Corota, który był protegowanym malarza Jacques-Louis David i który był już szanowanym nauczycielem. Michallon miał wielki wpływ na karierę Corota. Lekcje rysunku Corota obejmowały śledzenie litografii, kopiowanie form trójwymiarowych oraz wykonywanie szkiców i obrazów pejzażowych w plenerze, zwłaszcza w lasach Fontainebleau, portach morskich Normandii i wioskach na zachód od Paryża, takich jak Ville-d”Avray (gdzie jego rodzice mieli wiejski dom). Michallon zapoznał go również z zasadami francuskiej tradycji neoklasycznej, zawartymi w słynnym traktacie teoretyka Pierre”a-Henri de Valenciennes”a, a zilustrowanymi w dziełach francuskich neoklasyków Claude”a Lorraina i Nicolasa Poussina, których głównym celem było przedstawienie idealnego Piękna w naturze, związanego z wydarzeniami z czasów starożytnych.
Mimo że szkoła ta chyliła się ku upadkowi, nadal była obecna na Salonie, najważniejszej wystawie sztuki we Francji, na którą przychodziły tysiące ludzi. Corot stwierdził później: „Pierwszy pejzaż wykonałem z natury… pod okiem tego malarza, którego jedyną radą było oddanie z największą skrupulatnością wszystkiego, co widziałem przed sobą. Lekcja zadziałała; od tego czasu zawsze ceniłem precyzję”. Po przedwczesnej śmierci Michallona w 1822 roku, Corot studiował u nauczyciela Michallona, Jean-Victora Bertina, jednego z najbardziej znanych neoklasycznych pejzażystów we Francji, który kazał Corotowi rysować kopie litografii tematów botanicznych, aby nauczyć się precyzyjnych form organicznych. Choć darzył neoklasyków najwyższym szacunkiem, Corot nie ograniczał swego wykształcenia do ich tradycji alegorii osadzonej w wyobrażonej naturze. Jego notatniki ujawniają precyzyjne odwzorowania pni drzew, skał i roślin, w których widoczne są wpływy północnego realizmu. Przez cały okres swojej twórczości Corot wykazywał skłonność do stosowania obu tradycji w swoich pracach, czasami łącząc je ze sobą.
Przeczytaj także: biografie-pl – Aleksandr Rodczenko
Pierwsza podróż do Włoch
Dzięki wsparciu rodziców Corot podążył za utrwalonym wzorcem francuskich malarzy, którzy udawali się do Włoch, by studiować mistrzów włoskiego renesansu i rysować rozpadające się zabytki rzymskiej starożytności. Przed wyjazdem rodzice postawili mu warunek, że namaluje dla nich autoportret, swój pierwszy. Pobyt Corota we Włoszech w latach 1825-1828 był niezwykle twórczy i produktywny, podczas którego ukończył ponad 200 rysunków i 150 obrazów. Pracował i podróżował z kilkoma młodymi francuskimi malarzami, którzy również studiowali za granicą. Malowali razem i spotykali się nocami w kawiarniach, krytykując się nawzajem i plotkując. Corot niewiele nauczył się od mistrzów renesansu (choć później wymienił Leonarda da Vinci jako swojego ulubionego malarza) i spędzał większość czasu w Rzymie i na włoskiej wsi. Ogrody Farnese ze wspaniałym widokiem na starożytne ruiny były częstym celem jego podróży, a malował je o trzech różnych porach dnia. Szkolenie było szczególnie cenne w zrozumieniu wyzwań związanych z perspektywą średnią i panoramiczną oraz w efektywnym umieszczaniu struktur ludzkich w naturalnej scenerii. Nauczył się także nadawać budynkom i skałom efekt objętości i bryły za pomocą odpowiedniego światła i cienia, stosując przy tym płynną i cienką technikę. Ponadto, umieszczenie odpowiednich postaci w świeckiej scenerii było koniecznością dobrego malarstwa pejzażowego, aby dodać ludzki kontekst i skalę, a było to jeszcze ważniejsze w pejzażach alegorycznych. W tym celu Corot pracował nad studiami postaci w rodzimych strojach, jak również nago. Zimą spędzał czas w pracowni, ale wracał do pracy na zewnątrz tak szybko, jak tylko pozwalała na to pogoda. Intensywne światło Włoch stanowiło nie lada wyzwanie: „To słońce daje światło, które doprowadza mnie do rozpaczy. Sprawia, że czuję całkowitą bezsilność mojej palety”. Nauczył się panować nad światłem i malować kamienie i niebo w subtelnych i dramatycznych wariacjach.
Nie tylko włoska architektura i światło przyciągnęły uwagę Corota. Późno rozkwitający Corot był również zauroczony włoskimi kobietami: „Oni wciąż mają najpiękniejsze kobiety na świecie, jakie spotkałem…. – ich oczy, ramiona, ręce są spektakularne. Pod tym względem przewyższają nasze kobiety, ale z drugiej strony nie dorównują im wdziękiem i dobrocią… Ja sam, jako malarz, wolę Włoszki, ale jeśli chodzi o emocje, skłaniam się ku Francuzkom.” Mimo silnego przyciągania do kobiet, o swoim zaangażowaniu w malarstwo pisał: „Mam w życiu tylko jeden cel, do którego chcę wiernie dążyć: tworzyć pejzaże. To mocne postanowienie powstrzymuje mnie od poważnego przywiązania. To znaczy w małżeństwie (…), ale moja niezależna natura i wielka potrzeba poważnych studiów każą mi traktować tę sprawę lekko.”
Przeczytaj także: biografie-pl – Joanna d’Arc
Dążenie do salonu
W ciągu sześciu lat po pierwszej i drugiej wizycie we Włoszech, Corot skupił się na przygotowaniu dużych pejzaży do prezentacji na Salonie. Kilka z jego obrazów salonowych to adaptacje włoskich szkiców olejnych, przerobionych w pracowni poprzez dodanie wyobrażonych, formalnych elementów zgodnych z zasadami neoklasycyzmu. Przykładem tego jest jego pierwszy obraz na Salon, Widok w Narni (1827), w którym wykorzystał swoje szybkie, naturalne studium ruin rzymskiego akweduktu w zakurzonym, jasnym słońcu i przekształcił je w fałszywie idylliczną scenerię pastoralną z olbrzymimi drzewami cienistymi i zielonymi trawnikami, co miało przemówić do neoklasycznych jurorów. Wielu krytyków wysoko ceniło jego włoskie obrazy plenerowe za ich „zalążki impresjonizmu”, wierność naturalnemu światłu i unikanie wartości akademickich, mimo że w zamierzeniu miały być studiami. Kilkadziesiąt lat później impresjonizm zrewolucjonizował sztukę, przyjmując podobne podejście – szybkie, spontaniczne malarstwo wykonywane w plenerze; jednak tam, gdzie impresjoniści używali szybko nakładanych, niemieszanych kolorów, aby uchwycić światło i nastrój, Corot zazwyczaj mieszał i mieszał kolory, aby uzyskać swoje senne efekty.
Po wyjściu z pracowni Corot podróżował po Francji, naśladując swoje włoskie metody, i koncentrował się na rustykalnych pejzażach. Powrócił na wybrzeże Normandii i do Rouen, miasta, w którym mieszkał w młodości. Corot wykonał również kilka portretów przyjaciół i krewnych, a także otrzymał swoje pierwsze zamówienia. Jego czuły portret siostrzenicy, Laure Sennegon, ubranej w pudrowy błękit, był jednym z jego najbardziej udanych i został później podarowany do Luwru. Zwykle malował dwie kopie każdego portretu rodzinnego, jedną dla portretowanego i jedną dla rodziny, często wykonywał też kopie swoich pejzaży.
Wiosną 1829 roku Corot przybył do Barbizon, aby malować w lesie Fontainebleau; po raz pierwszy malował w tym lesie w Chailly w 1822 roku. Powrócił do Barbizon jesienią 1830 i latem 1831, gdzie wykonywał rysunki i studia olejne, z których powstał obraz przeznaczony na Salon 1830; Widok Lasu Fontainebleau (obecnie w National Gallery w Waszyngtonie) oraz, na Salon 1831, kolejny Widok Lasu Fontainebleau. Poznał tam członków szkoły barbizońskiej: Théodore”a Rousseau, Paula Hueta, Constanta Troyona, Jeana-François Milleta i młodego Charlesa-François Daubigny”ego. Corot wystawił jeden portret i kilka pejzaży na Salonie w 1831 i 1833 roku. Jego przyjęcie przez krytyków na Salonie było chłodne i Corot zdecydował się na powrót do Włoch, nie zadowoliwszy ich swoimi neoklasycznymi tematami.
Przeczytaj także: biografie-pl – Dante Gabriel Rossetti
W połowie kariery zawodowej
Podczas dwóch powrotnych podróży do Włoch, zwiedził północne Włochy, Wenecję i ponownie rzymskie krajobrazy. W 1835 roku Corot wywołał sensację na Salonie swoim biblijnym obrazem Agar dans le desert (Hagar na pustyni), który przedstawiał Hagar, służebnicę Sary, i dziecko Izmaela, umierających z pragnienia na pustyni, dopóki nie uratował ich anioł. Tło obrazu zostało prawdopodobnie zaczerpnięte z włoskiego opracowania. Tym razem, niespodziewanie odważna i świeża wypowiedź Corota na temat neoklasycznego ideału odniosła sukces u krytyków, ukazując „harmonię między scenerią a pasją lub cierpieniem, które malarz postanowił w niej przedstawić”. Następnie malował kolejne obrazy o tematyce biblijnej i mitologicznej, ale nie odniosły one już takiego sukcesu, gdyż krytycy Salonu uznali, że nie ma on porównania z Poussinem. W 1837 roku namalował swój najwcześniejszy zachowany akt, Nimfę znad Sekwany. Później radził swoim uczniom: „Studium aktu, widzicie, jest najlepszą lekcją, jaką może mieć malarz pejzażysta. Jeśli ktoś wie, jak, bez żadnych sztuczek, zejść z figury, jest w stanie zrobić pejzaż; w przeciwnym razie nigdy nie będzie w stanie tego zrobić.”
W latach czterdziestych Corot nadal miał problemy z krytyką (wiele z jego prac zostało odrzuconych na wystawie w Salonie), nie było też wielu dzieł kupowanych przez publiczność. Uznanie i akceptacja ze strony establishmentu przychodziły powoli, ale w 1845 roku Baudelaire poprowadził szarżę, ogłaszając Corota liderem „nowoczesnej szkoły malarstwa pejzażowego”. Podczas gdy niektórzy krytycy uznali kolory Corota za „blade”, a jego prace za „naiwnie niezręczne”, Baudelaire bystro odpowiedział: „M. Corot jest bardziej harmonistą niż kolorystą, a jego kompozycje, które zawsze są całkowicie pozbawione pedanterii, są uwodzicielskie właśnie dzięki prostocie kolorów”. W 1846 roku rząd francuski odznaczył go krzyżem Légion d”honneur, a w 1848 roku otrzymał medal drugiej klasy na Salonie, ale w rezultacie otrzymał niewielki mecenat państwowy. Jego jedynym zamówionym dziełem był namalowany w 1847 r. obraz religijny do kaplicy chrzcielnej, utrzymany w manierze mistrzów renesansu. Choć establishment wciąż się wstrzymywał, inni malarze dostrzegali rosnącą rangę Corota. W 1847 roku Delacroix zanotował w swoim dzienniku: „Corot jest prawdziwym artystą. Trzeba zobaczyć malarza u siebie, aby poznać jego wartość… Corot zagłębia się w temat: pomysły przychodzą do niego i dodaje je podczas pracy; to właściwe podejście.” Za rekomendacją Delacroix, malarz Constant Dutilleux kupił obraz Corota i rozpoczął długą i satysfakcjonującą współpracę z artystą, przynosząc mu przyjaźń i mecenasów. Publiczne traktowanie Corota uległo radykalnej poprawie po rewolucji 1848 roku, kiedy to został przyjęty w poczet jury Salonu. W 1867 roku został awansowany na oficera Salonu.
Wyzbywszy się wszelkich długotrwałych związków z kobietami, Corot pozostał bardzo blisko swoich rodziców, nawet po pięćdziesiątce. Jeden ze współczesnych powiedział o nim: „Corot jest człowiekiem zasad, nieświadomie chrześcijańskim; oddaje matce całą swoją wolność… musi ją wielokrotnie błagać, aby uzyskać pozwolenie na wyjście… na kolację co drugi piątek.” Poza częstymi podróżami, Corot pozostawał ściśle związany z rodziną aż do śmierci rodziców, wtedy wreszcie zyskał swobodę, by wyjeżdżać, jak mu się podoba. Ta wolność pozwoliła mu przyjmować uczniów na nieformalne sesje, w tym żydowskich artystów Édouarda Brandona i przyszłego impresjonistę Camille Pissarro, który był krótko wśród nich. Wigor i przenikliwe rady Corota imponowały jego studentom. Charles Daubigny stwierdził: „To doskonały staruszek Joy, ten ojciec Corot. Jest on w ogóle wspaniałym człowiekiem, który miesza żarty ze swoimi bardzo dobrymi radami.” Inny student powiedział o Corocie, że „gazety tak zniekształciły Corota, wkładając w jego ręce Teokryta i Wergiliusza, że byłem dość zaskoczony, gdy odkryłem, że nie zna ani greki, ani łaciny… Jego powitanie jest bardzo otwarte, bardzo swobodne, bardzo zabawne: mówi lub słucha cię, podskakując na jednej lub na dwóch nogach; śpiewa urywki opery bardzo prawdziwym głosem”, ale ma „bystrą, kąśliwą stronę starannie ukrytą za swoją dobrą naturą”.
W połowie lat pięćdziesiątych XIX wieku coraz bardziej impresjonistyczny styl Corota zaczął zdobywać uznanie, które ugruntowało jego miejsce w sztuce francuskiej. „M. Corot doskonali się (…) w odtwarzaniu roślinności w jej świeżych początkach; cudownie oddaje pierwiosnki nowego świata”. Od lat 50. XIX wieku Corot malował wiele pejzażowych pamiątek i paysages, sennych obrazów zapamiętanych miejsc z wcześniejszych wizyt, malowanych lekkimi i luźnymi pociągnięciami.
Przeczytaj także: biografie-pl – Imre Nagy
Późniejsze lata
W latach sześćdziesiątych XIX wieku Corot nadal mieszał postacie chłopów z mitologicznymi, mieszał neoklasycyzm z realizmem, co spowodowało, że jeden z krytyków ubolewał: „Gdyby M. Corot zabił raz na zawsze nimfy ze swoich lasów i zastąpił je chłopami, polubiłbym go ponad miarę”. W rzeczywistości, w późniejszym okresie życia jego postacie ludzkie zwiększyły się, a nimfy zmniejszyły, ale nawet te ludzkie postacie były często osadzone w idyllicznej zadumie.
W późniejszym życiu studio Corota było wypełnione studentami, modelami, przyjaciółmi, kolekcjonerami i handlarzami, którzy przychodzili i odchodzili pod tolerancyjnym okiem mistrza, co skłoniło go do zażartowania: „Dlaczego jest tak, że jest was dziesięciu wokół mnie, a żaden z was nie myśli, by ponownie zapalić moją fajkę? Dealerzy masowo kupowali jego dzieła, a ceny często przekraczały 4.000 franków za obraz. Mając zapewniony sukces, Corot hojnie rozdawał swoje pieniądze i czas. Stał się starszym w społeczności artystów i używał swoich wpływów, aby zdobyć zamówienia dla innych artystów. W 1871 roku przekazał 2000 funtów na rzecz biednych mieszkańców Paryża, oblężonego przez Prusaków. (patrz: Wojna francusko-pruska) Podczas Komuny Paryskiej był w Arras z Alfredem Robautem. W 1872 roku kupił dom w Auvers jako prezent dla Honoré Daumiera, który był już wtedy niewidomy, bez środków do życia i bezdomny. W 1875 roku ofiarował 10.000 franków wdowie po Millecie na utrzymanie jej dzieci. Jego dobroczynność była niemal przysłowiowa. Wspierał też finansowo utrzymanie świetlicy dla dzieci przy rue Vandrezanne w Paryżu. W późniejszym życiu pozostał człowiekiem skromnym i pokornym, apolitycznym i zadowolonym ze swojego szczęścia w życiu, hołdując przekonaniu, że „ludzie nie powinni nadymać się pychą, czy to cesarze dodający tę czy inną prowincję do swoich imperiów, czy malarze zdobywający sławę”.
Mimo wielkiego powodzenia i uznania wśród artystów, kolekcjonerów i hojniejszych krytyków, jego liczni przyjaciele uważali jednak, że jest oficjalnie zaniedbywany, i w 1874 roku, na krótko przed śmiercią, wręczyli mu złoty medal. Zmarł w Paryżu na chorobę żołądka w wieku 78 lat i został pochowany na cmentarzu Père Lachaise.
Wielu naśladowców nazywało siebie uczniami Corota. Do najbardziej znanych należą Camille Pissarro, Eugène Boudin, Berthe Morisot, Stanislas Lépine, Antoine Chintreuil, François-Louis Français, Charles Le Roux i Alexandre Defaux.
Corot jest kluczową postacią w malarstwie pejzażowym. Jego twórczość nawiązuje jednocześnie do tradycji neoklasycznej i antycypuje plenerowe innowacje impresjonizmu. Claude Monet powiedział o nim w 1897 roku: „Jest tu tylko jeden mistrz – Corot. My jesteśmy niczym w porównaniu z nim, niczym”. Jego wkład w malarstwo figuralne jest nie mniej ważny; Degas wolał jego figury od pejzaży, a klasyczne figury Picassa składają jawny hołd wpływowi Corota.
Historycy dzielą jego twórczość na okresy, ale punkty podziału są często niejasne, gdyż często kończył obraz wiele lat po jego rozpoczęciu. We wczesnym okresie malował tradycyjnie i „ciasno” – z drobiazgową dokładnością, wyraźnymi konturami, cienkim pędzlem, z absolutną definicją przedmiotów na całej powierzchni, z monochromatycznym podmalowaniem lub ébauche. Po pięćdziesiątym roku życia jego metody zmieniły się, koncentrując się na szerokiej gamie tonalnej i podejściu do poetyckiej siły przekazywanej grubszym nakładaniem farby; a około 20 lat później, od około 1865 roku, jego sposób malowania stał się bardziej liryczny, dotknięty bardziej impresjonistycznym akcentem. Po części tę ewolucję ekspresji można postrzegać jako przejście od plenerowych obrazów młodości, nasyconych ciepłym, naturalnym światłem, do studyjnych pejzaży późnej dojrzałości, spowitych jednolitymi tonami srebra. W ciągu ostatnich 10 lat życia stał się „Père (Ojcem) Corot” paryskich kręgów artystycznych, gdzie był traktowany z osobistą sympatią i uznawany za jednego z pięciu lub sześciu największych pejzażystów, jakich widział świat, obok Meinderta Hobbemy, Claude”a Lorraina, J.M.W. Turnera i Johna Constable”a. W swoim długim i produktywnym życiu namalował ponad 3 000 obrazów.
Choć często uważa się go za prekursora impresjonizmu, Corot podchodził do swoich pejzaży bardziej tradycyjnie, niż się powszechnie uważa. W porównaniu z późniejszymi impresjonistami, paleta Corota jest powściągliwa, zdominowana przez brązy i czernie („kolory zakazane” wśród impresjonistów), a także ciemne i srebrzyste zielenie. Choć czasami wydawał się być szybki i spontaniczny, zazwyczaj jego pociągnięcia były kontrolowane i ostrożne, a kompozycje przemyślane i na ogół oddane tak prosto i zwięźle, jak to tylko możliwe, co potęgowało poetycki efekt obrazu. Jak sam stwierdził: „Zauważyłem, że wszystko, co zostało wykonane poprawnie przy pierwszej próbie, było bardziej prawdziwe, a formy piękniejsze.”
Podejście Corota do tematów było podobnie tradycyjne. Chociaż był głównym zwolennikiem studiów plenerowych, był w zasadzie malarzem studyjnym i niewiele z jego gotowych pejzaży zostało ukończonych przed motywem. Przez większość swojego życia Corot spędzał lato podróżując i zbierając studia i szkice, a zimę kończąc bardziej dopracowane, gotowe do sprzedaży dzieła. Na przykład tytuł obrazu „Kąpiący się na wyspach Borromejskich” (1865-70) odnosi się do Jeziora Maggiore we Włoszech, mimo że Corot nie był tam od 20 lat. Jego nacisk na rysowanie obrazów z wyobraźni i pamięci, a nie z bezpośredniej obserwacji, był zgodny z gustami jurorów Salonu, którego był członkiem.
W latach sześćdziesiątych XIX wieku Corot zainteresował się fotografią, sam robił zdjęcia i poznał wielu wczesnych fotografów, co spowodowało, że jego paleta malarska została jeszcze bardziej stłumiona w symbiozie z monochromatycznymi tonami fotografii. Spowodowało to, że jego obrazy stały się jeszcze mniej dramatyczne, ale bardziej poetyckie, co spowodowało, że niektórzy krytycy wskazywali na monotonię w jego późniejszej twórczości. Théophile Thoré napisał, że Corot „ma tylko jedną oktawę, bardzo ograniczoną i w tonacji minorowej; powiedziałby muzyk. Zna niewiele więcej niż jedną porę dnia, poranek, i jeden kolor, bladoszary.” Corot odpowiedział:
To, co jest do zobaczenia w malarstwie, a raczej to, czego szukam, to forma, całość, wartość tonów… Dlatego dla mnie kolor jest na drugim miejscu, bo bardziej niż wszystko inne kocham efekt całościowy, harmonię tonów, podczas gdy kolor daje pewien rodzaj szoku, którego nie lubię. Być może to właśnie nadmiar tej zasady sprawia, że ludzie mówią, że mam ołowiane tony.
W swojej niechęci do szokujących kolorów Corot ostro odbiegał od początkujących impresjonistów, którzy eksperymentowali z żywymi barwami.
Oprócz pejzaży (tak popularnych, że istnieją liczne falsyfikaty), Corot stworzył wiele cennych obrazów przedstawiających postaci. Choć czasem umieszczał je w scenerii pastoralnej, były to przede wszystkim prace studyjne, rysowane na żywym modelu z precyzją i subtelnością. Podobnie jak pejzaże, charakteryzują się kontemplacyjnym liryzmem, czego doskonałym przykładem są jego późne obrazy L”Algérienne (Kobieta algierska) i La Jeune Grecque (Greczynka). Corot namalował około pięćdziesięciu portretów, głównie rodziny i przyjaciół. Namalował także trzynaście aktów w pozycji leżącej, przy czym jego Les Repos (1860) jest uderzająco podobny w pozie do słynnej Le Grande Odalisque (1814) Ingresa, ale kobieta Corota to raczej rustykalna bachantka. W być może ostatnim obrazie figuralnym, Dama w błękicie (1874), Corot osiąga efekt przypominający Degasa, miękki, ale wyrazisty. We wszystkich przypadkach malarstwa figuralnego Corota, kolor jest powściągliwy i wyróżnia się siłą i czystością. Corot wykonał również wiele akwafort i szkiców ołówkiem. Niektóre z tych szkiców wykorzystywały system symboli wizualnych – koła reprezentujące obszary światła i kwadraty reprezentujące cień. Eksperymentował również z procesem cliché verre – hybrydą fotografii i grawerowania. Począwszy od lat 30. XIX wieku Corot malował również panele dekoracyjne i ściany w domach przyjaciół, korzystając z pomocy swoich uczniów.
Corot podsumował swoje podejście do sztuki około 1860 roku: „Interpretuję za pomocą mojej sztuki w takim samym stopniu, jak za pomocą mojego oka”.
Dzieła Corota znajdują się w muzeach we Francji i Holandii, Wielkiej Brytanii, Ameryce Północnej i Rosji.
Silny rynek na dzieła Corota i jego stosunkowo łatwy do naśladowania styl późnego malarstwa zaowocował ogromną produkcją falsyfikatów Corota w latach 1870-1939. René Huyghe słynnie zażartował, że „Corot namalował trzy tysiące płócien, z których dziesięć tysięcy zostało sprzedanych w Ameryce”. Chociaż jest to żartobliwa przesada, to jednak tysiące falsyfikatów zostało zgromadzonych, a sama kolekcja Jousseaume zawiera 2 414 takich dzieł. Dodatkowym problemem była pobłażliwa postawa Corota, która zachęcała do kopiowania i fałszowania. Pozwalał swoim studentom kopiować swoje prace, a nawet pożyczać je do późniejszego zwrotu, poprawiał i podpisywał kopie studenckie i kolekcjonerskie, a także wypożyczał prace profesjonalnym kopiarzom i wypożyczalniom. Według katalogera Corota, Etienne Moreau-Nélatona, w jednym ze studiów kopiowania „Zadowolony pędzel mistrza uwierzytelniał te repliki kilkoma osobistymi i zdecydowanymi retuszami. Kiedy nie było go już przy nim, aby dokończyć swoje „sobowtóry”, produkowano je dalej bez niego.” Katalogowanie dzieł Corota w próbie oddzielenia kopii od oryginałów spełzło na niczym, gdy fałszerze wykorzystywali publikacje jako przewodniki do rozszerzania i udoskonalania swoich fałszywych obrazów.
Dwa z dzieł Corota są przedstawione i odgrywają ważną rolę w fabule francuskiego filmu z 2008 roku L”Heure d”été (angielski tytuł Summer Hour). Film został wyprodukowany przez Musée d”Orsay, a oba dzieła zostały wypożyczone przez muzeum na potrzeby filmu.
Na Île des Sœurs w Quebecu znajduje się ulica Rue Corot, nazwana na cześć artysty.
W powieści Arthura Conan Doyle”a Znak czterech z 1890 roku Thaddeus Sholto ma na wystawie nieznane dzieło Corota.
Przeczytaj także: historia-pl – Królestwo Neapolu
Referencje
Źródła
