Jean-François Millet

gigatos | 23 stycznia, 2022

Post Views: 49

Streszczenie

Jean-François Millet (20 stycznia 1875) był francuskim malarzem realistą, który urodził się w rodzinie chłopskiej. Kształcił się u miejscowego malarza w Cherbourgu, a następnie w 1837 roku studiował w Paryżu u Delaroche”a. Pod wpływem Daumiera tworzył w stylu pastoralnym z akcentami socjalistycznymi, który rozwijał w wiosce Barbizon, w lesie Fontainebleau, gdzie osiadł w 1849 roku wraz z Theodorem Rousseau, Narcisse Diazem i innymi. Członkowie tej grupy, znanej jako Szkoła Barbizon, pozostający pod wpływem Corota, XVII-wiecznych holenderskich pejzażystów i Constable”a, byli prekursorami impresjonizmu. Sławę przyniosły mu sceny z chłopami, w których starał się wyrazić niewinność chłopa przeciwstawioną degradacji, jaka towarzyszy obywatelowi zanurzonemu w społeczeństwie przemysłowym. Zalicza się go do ruchów realistycznego i naturalistycznego. Zmarł w Barbizon w 1875 roku.

Przeczytaj także: historia-pl – I wojna burska

Młodzież

Millet był pierworodnym synem Jean-Louis-Nicolas i Aimée-Henriette-Adélaïde Henry Millet, członków społeczności chłopskiej we wsi Gruchy, gmina Gréville-Hague, Normandia. Pod kierunkiem dwóch wiejskich księży, Millet nauczył się łaciny i współczesnych autorów, zanim został wysłany do Cherbourga w 1833 roku, aby studiować u malarza portretowego o nazwisku Paul Dumouchel. W 1835 r. studiował już w Cherbourgu u Luciena-Théophile”a Langlois, ucznia barona Grosa. Langlois i inni wspierali go finansowo, dzięki czemu w 1837 roku mógł przenieść się do Paryża, gdzie studiował w École des Beaux-Arts u Paula Delaroche”a. W 1839 roku ukończył praktykę, a pierwsza rzecz, którą zgłosił do Salonu, została odrzucona.

Przeczytaj także: cywilizacje – Republika Wenecka

Paryż

W 1837 roku dzięki stypendium Millet przeniósł się do Paryża, gdzie uczęszczał do École des Beaux-Arts. Tam doskonalił swoją wiedzę w pracowni malarza historycznego Paula Delaroche”a. Później zaprzyjaźnił się z Constantem Troyonem, Narcisse”em Diazem, Charlesem Jacque”em i Théodore”em Rousseau, artystami, którzy, podobnie jak Millet, związani byli ze szkołą barbizońską; wszyscy oni pomogli mu i odegrali decydującą rolę w jego decyzji opuszczenia na dobre tego, jak sam mówił, „ponurego i chaotycznego” miasta, którego nigdy nie lubił; poza chłopskimi zwyczajami i surowym charakterem nie zgadzał się z paryskim stylem życia i powrócił do Cherbourga, by rozpocząć karierę malarza portrecisty. Po 1840 roku odszedł od oficjalnego stylu malarstwa i znalazł się pod wpływem Honoré Daumiera, którego rysunek postaci wpłynie na późniejsze przedstawienia chłopskich tematów, od którego Millet nauczył się wyczucia kontrastu światła i cienia, a także budowy ludzkiego ciała z prostotą bryły, oraz Alfreda Sensiera, rządowego biurokraty, który na całe życie stał się orędownikiem, a z czasem biografem artysty. W 1847 roku odniósł pierwszy sukces na Salonie, malując Edypa Schodzącego z drzewa, a w 1848 roku rząd kupił jego Czarownika.

Jego znanym początkiem był El aventador („Strzygacz”, 1848). W latach 50. XIX wieku obserwował robotników rolnych w demokratycznych latach II Republiki, a jego prace są melancholijne w swej powadze, a przede wszystkim w swym społecznym potępieniu (Mujeres cargando leña, 1851), a nawet w późniejszych dziełach, takich jak El Hombre de la azada (Człowiek z motyką, 1859-1862). Ten nacisk na wytykanie „sentymentalnego estetyzmu zrezygnowanych robotników ziemskich” powodował częste odrzucanie jego dzieł, które według Novonty”ego należy zrewidować i starać się zachować właściwą równowagę w ocenie jego twórczości.

W 1841 r. ożenił się z Pauline-Virginie Ono i zamieszkał w Paryżu. Po odrzuceniu na Salonie w 1843 roku i śmierci Pauline na gruźlicę, Millet powrócił do Cherbourga. W 1845 roku Millet przeniósł się do Hawru z Catherine Lemaire, z którą wziął ślub cywilny w 1853 roku; mieli dziewięcioro dzieci i pozostali razem do końca życia Milleta. W Hawrze malował portrety i małe dzieła rodzajowe przez kilka miesięcy przed powrotem do Paryża.

Pojmanie Żydów w Babilonie, najambitniejsze jak dotąd dzieło Milleta, zostało wystawione na Salonie w 1848 roku, ale zostało wyśmiane zarówno przez krytyków, jak i publiczność. Niedługo potem obraz ostatecznie zaginął, co skłoniło historyków do przypuszczeń, że Millet go zniszczył. W 1984 r. naukowcy z Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie prześwietlili obraz Milleta z 1870 r. „Młoda pasterka” w poszukiwaniu drobnych zmian i odkryli, że został on zamalowany: The Niewola the Żyd w Babilon. Obecnie uważa się, że Millet ponownie wykorzystał płótno, gdy z powodu wojny francusko-pruskiej zabrakło materiałów.

Przeczytaj także: biografie-pl – Sean Connery

Szkoła Barbizon

Termin używany w odniesieniu do grupy malarzy, którzy około 1818 roku zebrali się we francuskiej wiosce o tej samej nazwie i jej okolicach w pobliżu lasu Fontainebleau. Jest również znany jako Szkoła Fontainebleau, a jego produkcja jest uważana za najbardziej energiczny ruch krajobrazowy w XIX-wiecznej Francji. Z niezwykłą precyzją namalował plener malarski, poddając drobiazgowej obserwacji naturalne środowisko i odrzucając akademicką i neoklasyczną kompozycję. Luźno malowane, są to głównie pejzaże równin, drzew i lasów. Najbardziej reprezentatywnym malarzem był Jean-Camille Corot, choć organizatorem, przywódcą grupy i teoretykiem był Theodore Rousseau. Innymi czołowymi postaciami są Jules Dupré, którego prace charakteryzują się ponurym wykorzystaniem światła, oraz Jean Francois Millet, prawdziwy odnowiciel ze względu na swoją specyficzną tematykę, która wywyższała świat chłopów i robotników wiejskich.

W 1849 roku na zamówienie państwa Millet namalował Żniwiarzy. Na Salonie w tym samym roku wystawił Pasterkę siedzącą na skraju lasu, bardzo mały obraz olejny, który zaznaczył jego odejście od wcześniejszych wyidealizowanych tematów pastoralnych na rzecz bardziej realistycznego i osobistego podejścia. W czerwcu 1849 roku przybył do Barbizon, wraz z Katarzyną i jej dziećmi, dołączając do grona uczniów szkoły, która wzięła swoją nazwę od tego miasta.

W 1850 roku Millet zawarł porozumienie z Sensierem, który dostarczał artyście materiały i pieniądze w zamian za rysunki i obrazy, przy czym Millet zachował prawo do dalszej sprzedaży dzieł innym nabywcom. Na Salonie w tym samym roku wystawił Labradory i Siewcę, swoje pierwsze wielkie arcydzieło i pierwsze z ikonicznego tria obrazów, do którego należały również Chlewiki i Anioł Pański.

W latach 1850-1853 Millet pracował nad Żniwiarzami w czasie spoczynku (Rut i Boaz), obrazem, który będzie uważał za najważniejszy i nad którym pracował najdłużej. Wymyślony, by rywalizować ze swoimi bohaterami Michałem Aniołem i Poussinem, był również obrazem, który zaznaczył jego przejście od przedstawiania symbolicznych obrazów życia chłopskiego do obrazów współczesnych warunków społecznych. Był to jedyny obraz, któremu nadał datę, a także pierwsze dzieło, które zyskało oficjalne uznanie – medal drugiej klasy na Salonie w 1853 roku.

Millet, podobnie jak Théodore Rousseau, miał głębokie poczucie natury: interpretował ją (a nie tylko odzwierciedlał), rozumiejąc głosy ziemi, drzew czy ścieżek. Millet twierdził, że czuje w naturze więcej niż to, co dają mu zmysły. Sentymentalny niekiedy ton jego dzieł (Anioł Pański, Śmierć i drwal) dystansuje go nieco od innego wielkiego realisty, Courbeta, który był surowszy i bardziej buntowniczy.

Autor w geście podziwu dla ubogich mieszkańców wsi będzie starał się sportretować lud skromny i chłopski, uwodząc republikanów i drażniąc burżuazję, traktując to jako główny temat swojej twórczości.

Rozdrabniacz

Na tle dramatycznej przestrzeni wnętrza, postać strzygarza przesiewającego pszenicę, ze stopami obutymi w szerokie chodaki i stare szmaty przewiązane sznurkiem przez spodnie, by nie niszczały, cierpi jako obraz znamienny, choć, jak zawsze u Milleta, uległy wobec biedy i ciężkiej codziennej walki o przetrwanie skromnego wiejskiego robotnika najemnego.

Jest to jeden z najbardziej znanych obrazów Milleta, The Gleaners (1857). Spacerując po polach w okolicach Barbizon, przez siedem lat w ołówku i pędzlu Milleta pojawiał się powracający motyw – zbieractwo, wielowiekowe prawo biednych kobiet i dzieci do wynoszenia ziarna pozostawionego na polach po żniwach. Stwierdził, że jest to temat ponadczasowy, związany z historiami ze Starego Testamentu. W 1857 roku na Salonie zaprezentował obraz „Chlewiki”, który spotkał się z obojętną, a nawet wrogą publicznością.

(Wcześniejsze wersje to pionowa kompozycja namalowana w 1854 roku, akwaforta z lat 1855-56, która bezpośrednio zapowiadała horyzontalny format obrazu znajdującego się obecnie w Musée d”Orsay).

Ciepłe, złote światło sugeruje coś świętego i wiecznego w tej codziennej scenie, w której toczy się walka o przetrwanie. Podczas lat studiów przygotowawczych Millet zastanawiał się, jak najlepiej oddać sens powtarzalności i zmęczenia codziennego życia chłopów. Linie narysowane na plecach każdej z kobiet prowadzą do ziemi, a następnie powtarzają się w ruchu identycznym z ich niekończącą się i wyczerpującą pracą. Wzdłuż horyzontu zachodzące słońce zarysowuje farmę z obfitymi stertami zboża, kontrastując z długimi, cienistymi postaciami na pierwszym planie. Proste, ciemne suknie zbieraczek wycinają solidne kształty na tle złotego pola, nadając każdej z kobiet szlachetną, monumentalną siłę.

Obraz powstał na zamówienie Thomasa Golda Appletona, amerykańskiego kolekcjonera sztuki mieszkającego w Bostonie, Massachusetts, który wcześniej studiował u barbizońskiego malarza Constant Troyona, przyjaciela Milleta. Budowę ukończono latem 1857 roku. Millet dobudował dzwonnicę i zmienił pierwotny tytuł dzieła, Modlitwa o urodzaj ziemniaków, na Anioł Pański, gdy w 1859 roku nabywca go nie odebrał. Po raz pierwszy pokazany publicznie w 1865 roku obraz kilkakrotnie przechodził z rąk do rąk, a jego wartość wzrastała jedynie nieznacznie, ponieważ artysta był uważany przez niektórych za osobę o podejrzanych sympatiach politycznych. Po śmierci Milleta, dekadę później, wybuchła wojna licytacyjna między Stanami Zjednoczonymi a Francją, która zakończyła się kilka lat później ceną 800 000 franków w złocie.

Dysproporcja między pozorną wartością obrazu a ubogim stanem rodziny Milleta, która pozostała przy życiu, była głównym impulsem do ustanowienia droit de suite, które miało na celu rekompensatę dla artystów lub ich spadkobierców, gdy ich dzieła były odsprzedawane.

Angelus, autorstwa Jeana Francois Milleta, został pomyślany jako egzaltacja pracy chłopskiej, wolnej od brutalizacji ówczesnego proletariatu, oraz jako hymn na cześć pojednania człowieka z naturą. Kompozycja przebiega według prostego schematu: na tle otwartego pejzażu malarz umieszcza dwie postacie na pierwszym planie, nadając im niemal rzeźbiarską obecność, wzmocnioną przez mistrzowskie wykorzystanie światła, które uwydatnia modelunek obu postaci. W 1935 roku Salvador Dalí wykorzystał ten obraz jako przykład tego, co nazwał „metodą krytycznej paranoi”. Zgodnie z jego interpretacją, zrozumiałą w ramach surrealistycznego schematu, postacie nie odmawiają modlitwy Anioł Pański, lecz grzebią syna, którego ciało znajduje się w koszu na pierwszym planie. Jeszcze dalej posunął się w analizie, porównując postać kobiecą do modliszki mającej pożreć mężczyznę, który czeka posłusznie, zasłaniając erekcję kapeluszem.

Przeczytaj także: biografie-pl – Johan Cruijff

Ostatnie lata

Mimo mieszanych recenzji obrazów wystawionych na Salonie, reputacja i sukces Milleta rosły przez całe lata 60. Na początku dekady otrzymał kontrakt na namalowanie 25 dzieł za miesięczne stypendium przez następne trzy lata, a w 1865 roku kolejny mecenas, Émile Gavet, zaczął zamawiać u niego pastele do kolekcji, która w końcu miała osiągnąć 90 dzieł. W 1867 roku na Wystawie Powszechnej odbył się duży pokaz jego prac, wśród których znalazły się The Gleaners, The Angelus i Potato Plantters. W następnym roku Frédéric Hartmann zamówił Cztery pory roku za 25.000 franków, a Millet został kawalerem Legii Honorowej.

W 1870 roku Millet został wybrany na jurora Salonu. Jeszcze w tym samym roku wraz z rodziną uciekł przed wojną francusko-pruską, przenosząc się do Cherbourga i Gréville, a do Barbizon powrócił dopiero pod koniec 1871 roku. W ostatnich latach życia odnosił sukcesy finansowe i zyskiwał coraz większe uznanie urzędników, ale z powodu słabnącego zdrowia nie mógł już realizować zleceń rządowych. W dniu 3 stycznia 1875 r. poślubił Katarzynę w ceremonii religijnej. Millet zmarł 20 stycznia 1875 roku.

Millet był ważnym źródłem inspiracji dla Vincenta van Gogha, szczególnie w jego wczesnym okresie. Millet i jego dzieło są wielokrotnie wspominane w listach Vincenta do jego brata Theo. Późne pejzaże Milleta posłużą jako wpływowe punkty odniesienia dla obrazów Claude”a Moneta przedstawiających normandzkie wybrzeże; ich strukturalna i symboliczna zawartość wpłynęła również na Georges”a Seurata.

Millet jest głównym bohaterem powieści Marka Twaina „Czy on nie żyje? (1898), w którym przedstawiony jest jako młody artysta żyjący na krawędzi życia, udający zmarłego, aby osiągnąć sławę i fortunę. Większość szczegółów dotyczących Milleta w sztuce jest fikcyjna.

Obraz Milleta L”homme à la houe zainspirował słynny wiersz Edwina Markhama „Człowiek z motyką” (1898).

Anioł Pański był często reprodukowany w XIX i XX wieku. Salvador Dalí był zafascynowany tym dziełem i napisał jego analizę „Tragiczny mit Anioła Milleta”. Dalí nie widział w tym dziele duchowego spokoju, ale uważał, że zawiera ono przesłanie o stłumionej agresji seksualnej. Dalí uważał również, że dwie postacie modlą się nad grobem swojego zmarłego dziecka, a nie nad Aniołem. Dalí tak bardzo upierał się przy tym fakcie, że w końcu płótno zostało prześwietlone promieniami rentgenowskimi, co potwierdziło jego podejrzenia: na obrazie znajduje się geometryczny kształt, który później został zamalowany, podobnie jak trumna. Nie wiadomo jednak, czy Millet zmienił zdanie na temat znaczenia obrazu, w tym czy kształt rzeczywiście jest trumną.

Źródła