Jeff Koons
gigatos | 4 lutego, 2022
Streszczenie
Jeffrey Lynn Koons (ur. 21 stycznia 1955 r.) jest amerykańskim artystą znanym ze swoich prac związanych z kulturą popularną oraz rzeźb przedstawiających przedmioty codziennego użytku, w tym balonowe zwierzęta wykonane ze stali nierdzewnej o lustrzanym wykończeniu powierzchni. Mieszka i pracuje zarówno w Nowym Jorku, jak i w swoim rodzinnym mieście York w Pensylwanii. Jego prace zostały sprzedane za znaczne sumy, w tym co najmniej dwie rekordowe ceny aukcyjne za dzieło żyjącego artysty: 58,4 mln USD za Balloon Dog (Orange) w 2013 r. i 91,1 mln USD za Rabbit w 2019 r.
Krytycy są ostro podzieleni w swoich poglądach na temat Koonsa. Niektórzy uważają jego twórczość za pionierską i o dużym znaczeniu dla historii sztuki. Inni odrzucają jego twórczość jako kiczowatą, tandetną i opartą na cynicznej auto-merchandisingu. Koons twierdzi, że w jego pracach nie ma ukrytych znaczeń i krytyki.
Koons urodził się w York, w Pensylwanii, jako syn Henry”ego i Glorii Koonsów. Jego ojciec był sprzedawcą mebli i dekoratorem wnętrz. Jego matka była krawcową. Kiedy miał dziewięć lat, jego ojciec umieszczał w oknie swojego sklepu obrazy starych mistrzów, które Koons kopiował i podpisywał, próbując w ten sposób przyciągnąć gości. Jako dziecko chodził po szkole od drzwi do drzwi, sprzedając papier do pakowania prezentów i słodycze, aby zarobić na kieszonkowe. Jako nastolatek tak bardzo cenił Salvadora Dalí, że odwiedził go w hotelu St. Regis w Nowym Jorku.
Koons studiował malarstwo w Maryland Institute College of Art w Baltimore oraz w School of the Art Institute of Chicago. Podczas studiów w Instytucie Sztuki Koons poznał artystę Eda Paschke, który wywarł na niego duży wpływ i dla którego Koons pracował jako asystent w studio pod koniec lat 70. Mieszkał w Lakeview, a następnie w dzielnicy Pilsen przy Halsted Street i 19th Street.
Po studiach, w 1977 roku Koons przeniósł się do Nowego Jorku, gdzie pracował w biurze członkowskim Muzeum Sztuki Nowoczesnej, a jednocześnie rozpoczął działalność artystyczną. W tym czasie przefarbował włosy na czerwono i często nosił ołówkowe wąsy, na wzór Salvadora Dalí. W 1980 roku uzyskał licencję na sprzedaż funduszy inwestycyjnych i akcji i rozpoczął pracę jako makler towarowy na Wall Street w First Investors Corporation. Po wakacjach spędzonych z rodzicami w Sarasocie na Florydzie, gdzie przez krótki czas pracował jako agitator polityczny, Koons wrócił do Nowego Jorku i rozpoczął nową karierę jako makler giełdowy, najpierw w Clayton Brokerage Company, a następnie w Smith Barney.
Jeff Koons zyskał sławę w połowie lat 80. jako członek pokolenia artystów, którzy badali znaczenie sztuki w epoce nasyconej mediami. Zdobył uznanie w latach 80., a następnie założył przypominające fabrykę studio w lofcie SoHo na rogu Houston Street i Broadway w Nowym Jorku. Zatrudniał w nim ponad 30 asystentów, z których każdy zajmował się innym aspektem produkcji jego dzieł – w podobny sposób jak w Fabryce Andy”ego Warhola. Prace Koonsa są produkowane metodą znaną jako art fabrication. Do 2019 roku Koons miał fabrykę studyjną o powierzchni 1 500 m2 (16 000 stóp kwadratowych) w pobliżu starych stoczni kolejowych Hudson w Chelsea i zatrudniał od 90 do 120 osób. Ostatnio Koons zmniejszył liczbę pracowników i przeszedł na bardziej zautomatyzowane formy produkcji oraz przeniósł się do znacznie mniejszej przestrzeni studyjnej. Koons stosował system „kolor po numerze”, dzięki czemu każdy z jego asystentów mógł wykonać płótna i rzeźby tak, jakby były wykonane „jedną ręką”.
Przeczytaj także: biografie-pl – Eugène Delacroix
Wczesne prace i dmuchańce
W latach 1977-1979 Koons stworzył cztery odrębne dzieła sztuki, które później określił jako Early Works. Począwszy od 1978 roku pracował nad serią Inflatables, składającą się z nadmuchiwanych kwiatów i królika o różnej wysokości i kolorze, ustawionych wzdłuż luster.
Przeczytaj także: biografie-pl – Antonio Vivaldi
Serie Pre-New, The New i Equilibrium
Od 1979 roku Koons tworzył prace w ramach serii. Jego wczesne prace miały formę rzeźby konceptualnej, czego przykładem jest The Pre-New, seria przedmiotów domowych przymocowanych do opraw oświetleniowych, co prowadziło do dziwnych, nowych konfiguracji. Innym przykładem jest The New, seria odkurzaczy, często wybieranych ze względu na marki, które przemawiały do artysty, takie jak kultowy Hoover, które montował w podświetlanych pudełkach Perspex. Koons po raz pierwszy wystawił te prace w oknie New Museum w Nowym Jorku w 1980 roku. Wybrał ograniczoną kombinację odkurzaczy i odpowiednio ułożył je w gablotach, zestawiając pionowość pionowych odkurzaczy z przysadzistymi cylindrami „Shelton Wet”.
Innym przykładem wczesnej twórczości Koonsa jest The Equilibrium Series (1983), składająca się z jednej do trzech piłek do koszykówki unoszących się w wodzie destylowanej, projekt, który artysta badał z pomocą fizyka Richarda Feynmana, laureata Nagrody Nobla. Zbiorniki Total Equilibrium są całkowicie wypełnione wodą destylowaną i niewielką ilością zwykłej soli, aby pomóc pustym kulom w utrzymaniu się w zawieszeniu w środku cieczy. W drugiej wersji, 50
Przeczytaj także: mitologia_p – Mitologia egipska
Seria posągów
Koons zaczął tworzyć rzeźby z wykorzystaniem nadmuchiwanych zabawek w latach 70. Biorąc gotowego, nadmuchiwanego królika, Koons odlał obiekt z polerowanej stali nierdzewnej, czego efektem jest Rabbit (1986), jedno z jego najsłynniejszych dzieł sztuki. Pierwotnie Rabbit należał do prywatnej kolekcji Ileany Sonnabend, a obecnie jest własnością Muzeum Sztuki Współczesnej w Chicago. Dowód rzeźby jest własnością Eli Broad.
Od tego czasu Królik powrócił do swojej pierwotnej miękkiej formy, a wielokrotnie większy, na wysokości ponad 50 stóp, wzbił się w powietrze. 13 października 2009 roku gigantyczny metaliczny, monochromatyczny królik, użyty podczas parady z okazji Święta Dziękczynienia Macy”s 2007, został wystawiony na Nuit Blanche w Eaton Centre w Toronto. Pozostałe obiekty z tej serii łączą w sobie przedmioty znalezione przez Koonsa w sklepach z pamiątkami i barokowe obrazy, bawiąc się w ten sposób rozróżnieniem między sztuką niską i wysoką.
15 maja 2019 roku Koons ustanowił rekord dla najdroższego dzieła sprzedanego przez żyjącego artystę za sprzedaż „Rabbit”. „Rabbit” został sprzedany w Domu Aukcyjnym Christie”s za 80 milionów dolarów, co – z uwzględnieniem opłat aukcyjnych – dało ostateczną cenę sprzedaży w wysokości 91 075 000 dolarów.
Przeczytaj także: mitologia_p – Odyseusz
Seria Luxury and Degradation oraz Kiepenkerl
Seria Luxury and Degradation, po raz pierwszy pokazana na tytułowych wystawach Koonsa w krótko działającej International With Monument Gallery w Nowym Jorku oraz w Daniel Weinberg Gallery w Los Angeles w 1986 roku, to grupa prac tematycznie skupionych wokół alkoholu. Grupa ta obejmowała podróżną szafkę na koktajle ze stali nierdzewnej, kryształową karafkę Baccarat i inne ręcznie wykonane renderingi akcesoriów związanych z alkoholem, a także przedrukowane i oprawione reklamy takich napojów jak Gordon”s Gin („I Could Go for Something Gordon”s”), Hennessy („Hennessy, The Civilized Way to Lay Down the Law”), Bacardi („Aquí. … el gran sabor del ron Bacardi”), Dewars („The Empire State of Scotch”), Martell („I Assume You Drink Martell”) i Frangelico („Stay in Tonight” i „Find a Quiet Table”) w uwodzicielsko zintensyfikowanych kolorach na płótnie Koons przywłaszczył sobie te reklamy i przewartościował je poprzez rekontekstualizację w dzieła sztuki. Koons „przeprowadza krytykę tradycyjnej reklamy, która wspiera cenzorskie spojrzenie Baudrillarda na nieprzyzwoitą rozwiązłość znaków konsumenckich”. Inna praca, Jim Beam – J.B. Turner Engine (1986), oparta jest na pamiątkowej, kolekcjonerskiej butelce w kształcie lokomotywy, stworzonej przez firmę Jim Beam; Koons przywłaszczył sobie jednak ten model i zlecił odlanie go z lśniącej stali nierdzewnej. Odlany ze stali model pociągu zatytułowany Jim Beam – Baggage Car (1986) zawiera nawet bourbon Jim Beam. W serii Luxury and Degradation Koons ingerował w sferę tego, co społeczne. Stworzył sztuczną, lśniącą powierzchnię, która reprezentowała proletariacki luksus. Zinterpretowano to jako uwodzenie przez symulację, ponieważ był to fałszywy luksus. Bycie producentem tego oszustwa przyniosło mu rodzaj przywództwa, jak sam to skomentował.
Z tego samego materiału – stali nierdzewnej – wykonano posąg Kiepenkerla. Po przebudowie w latach 50. postać wędrownego handlarza została w 1987 roku zastąpiona przez Jeffa Koonsa na dziesięcioletnią wystawę Skulptur Projekte. Stojąc na centralnym placu Münster, posąg zachował pewną siłę kulturową jako nostalgiczny symbol przeszłości. W trakcie procesu produkcyjnego odlewnik, w którym powstawała rzeźba, chciał zbyt szybko wybić ceramiczną skorupę, co spowodowało wygięcie i deformację dzieła. Koons zdecydował się na sprowadzenie specjalisty i poddanie dzieła „radykalnej operacji plastycznej”. Po tym doświadczeniu poczuł się wyzwolony: „Byłem teraz wolny, by pracować z obiektami, które niekoniecznie wcześniej istniały. Mogłem tworzyć modele.”
Przeczytaj także: historia-pl – Czarna Ręka (Serbia)
Seria Banalność
Koons przeszedł następnie do serii Banality. Do tego projektu zaangażował warsztaty w Niemczech i Włoszech, które miały długą tradycję pracy w ceramice, porcelanie i drewnie. Seria zakończyła się w 1988 roku Michaelem Jacksonem i Bubbles, serią trzech naturalnej wielkości pozłacanych porcelanowych posągów przedstawiających siedzącego piosenkarza przytulającego Bubbles, swojego szympansa. Trzy lata później, jedna z nich została sprzedana w Sotheby”s New York za 5.6 milionów dolarów. Dwie z tych rzeźb znajdują się obecnie w San Francisco Museum of Modern Art oraz w Broad Contemporary Art Museum (BCAM) w centrum Los Angeles. Rzeźba znalazła się na retrospektywie w 2004 roku w Astrup Fearnley Museum of Modern Art w Oslo, która rok później powędrowała do Muzeum Sztuki Miejskiej w Helsinkach. Statua znalazła się również na drugiej retrospektywie artysty w Muzeum Sztuki Współczesnej w Chicago w 2008 roku. Obecnie posąg znajduje się w nowo otwartym Muzeum Sztuki Współczesnej Astrup Fearnley na Tjuvholmen w Oslo. Ostatnio jego dzieło Chrystus i Baranek (1988) analizowane jest jako uznanie i krytyka duchowej i medytacyjnej siły rokoka.
Spodziewając się niezbyt przychylnej reakcji krytyków na wystawę z cyklu Banality z 1988 roku, na której wszystkie nowe obiekty Koonsa zostały wykonane w nakładzie trzech sztuk, co pozwoliło na jednoczesne, identyczne pokazy w galeriach w Nowym Jorku, Kolonii i Chicago, Koons wymyślił serię Art Magazine Ads (1988-89). Reklamy te, zamieszczane w Artforum, Art in America, Flash Art i Art News, były pomyślane jako promocja wystaw w jego własnych galeriach. Koons opublikował również Signature Plate, edycję dla magazynu Parkett, zawierającą fotograficzną kalkomanię w kolorach na porcelanowym talerzu z pozłacanym brzegiem. Dziennikarka artystyczna Arifa Akbar donosiła dla The Independent, że w „czasach, gdy artyści nie byli uważani za ”gwiazdy”, Koons zadał sobie wiele trudu, by kultywować swoją publiczną osobowość, zatrudniając konsultanta do spraw wizerunku”. Wykorzystując fotografie Matta Chedgeya, Koons umieszczał w międzynarodowych magazynach o sztuce „swoje reklamy otoczone atrapami sukcesu” i udzielał wywiadów, w których „mówił o sobie w trzeciej osobie”.
Przeczytaj także: biografie-pl – James Ensor
Seria Made in Heaven
W 1989 roku Whitney Museum i jego gościnny kurator Marvin Heiferman poprosili Koonsa o wykonanie pracy o mediach na billboardzie na wystawę „Image World: Art and Media Culture”. Billboard miał być reklamą niezrealizowanego filmu pod tytułem Made in Heaven. Koons zatrudnił swoją ówczesną żonę Ilonę Staller („Cicciolina”) jako modelkę do sesji zdjęciowej, która stała się podstawą powstałej w ten sposób pracy dla Whitney, Made in Heaven (1990-91). Zawierająca prace o tytułach takich jak Dirty Ejaculation (Brudny wytrysk) i Ilonaʼs Asshole (Dupa Ilony) seria ogromnych, ziarnistych fotografii wydrukowanych na płótnie, szkle i rzeźbach, przedstawiających Koonsa i Staller w bardzo jednoznacznych pozycjach seksualnych, wywołała spore kontrowersje. Obrazy z tej serii nawiązują do sztuki z okresu baroku i rokoka – między innymi Gian Lorenzo Berniniego, Jean-Honoré Fragonarda i François Bouchera – a także do przełomowych dzieł malarzy wczesnego modernizmu, takich jak Gustave Courbet i Édouard Manet.
Seria została po raz pierwszy pokazana na Biennale w Wenecji w 1990 roku. Koons podobno zniszczył dużą część prac, gdy Staller zabrała ze sobą do Włoch ich syna Ludwiga. Z okazji 20-lecia Made in Heaven, Luxembourg & Dayan zdecydowali się zaprezentować redukcyjne wydanie serii. W 2014 roku w Whitney Museum odbyła się retrospektywa, na której zaprezentowano kilka z tych fotografii na płótnie.
Przeczytaj także: biografie-pl – Georges Braque
Szczeniak
Koons nie znalazł się wśród 44 amerykańskich artystów wybranych do wystawienia swoich prac na Documenta 9 w 1992 roku, ale otrzymał zlecenie od trzech handlarzy sztuki na stworzenie dzieła dla pobliskiego zamku Arolsen w Bad Arolsen w Niemczech. W rezultacie powstał Puppy, wysoka na 13 metrów rzeźba topiarowa przedstawiająca szczeniaka rasy West Highland White Terrier, wykonana z różnych kwiatów (m.in. nagietków, begonii, niecierpków, petunii i lobelii) na przezroczystej, chromowanej na kolor stali nierdzewnej. Samoczyszczące się kwiaty będą rosły przez określony czas ekspozycji. Rozmiar i lokalizacja Puppy – dziedziniec barokowego pałacu – uznawały masowego odbiorcę. Po wybuchu epidemii, która nastąpiła po jego serii Made in Heaven, Koons postanowił stworzyć „obraz, który przekazywałby ludziom ciepło i miłość”. W 1995 roku, we współpracy między Museum of Contemporary Art, Kaldor Public Art Projects i Sydney Festival, rzeźba została zdemontowana i ponownie postawiona w Museum of Contemporary Art na Sydney Harbour na nowym, bardziej trwałym, nierdzewnym ramieniu ze stali nierdzewnej z wewnętrznym systemem nawadniania. Podczas gdy w Arolsen Puppy było 20 000 roślin, wersja z Sydney mieściła około 60 000.
Dzieło zostało zakupione w 1997 roku przez Fundację Solomona R. Guggenheima i zainstalowane na tarasie przed Muzeum Guggenheima w Bilbao. Przed poświęceniem w muzeum, trio Euskadi Ta Askatasuna (ETA) przebrane za ogrodników próbowało podłożyć doniczki z materiałami wybuchowymi w pobliżu rzeźby, ale zostało udaremnione przez baskijskiego policjanta Jose María Aguirre, który następnie został zastrzelony przez członków ETA. Obecnie plac, na którym stoi posąg, nosi imię Aguirre. Latem 2000 roku posąg został przewieziony do Nowego Jorku na czasową wystawę w Rockefeller Center.
Potentat medialny Peter Brant i jego żona, modelka Stephanie Seymour, zlecili Koonsowi stworzenie duplikatu posągu Puppy z Bilbao (1993) dla ich posiadłości w Connecticut, Brant Foundation Art Study Center. W 1998 roku miniaturowa wersja Puppy została wydana w postaci białej, szkliwionej porcelanowej wazy, w edycji 3000 sztuk.
Przeczytaj także: biografie-pl – Sonja Henie
Seria Uroczystości
Celebracja Koonsa miała uczcić gorąco oczekiwany powrót Ludwiga z Rzymu. Składająca się z serii wielkoformatowych rzeźb i obrazów przedstawiających balonowe pieski, walentynkowe serca, diamenty i wielkanocne jajka, powstała w 1994 roku. Niektóre z nich są nadal wykonywane. Każda z 20 różnych rzeźb w serii występuje w pięciu różnokolorowych „unikalnych wersjach”, w tym pęknięte jajko (niebieskie) artysty zdobyło w 2008 roku nagrodę Charlesa Wollastona za najbardziej wyróżniającą się pracę na Letniej Wystawie Akademii Królewskiej. Diamentowe dzieła powstawały w latach 1994-2005, wykonane z błyszczącej stali nierdzewnej o szerokości siedmiu stóp. Późniejsze dzieło, Tulipany (1995-2004), powstało w pięciu wersjach i składa się z bukietu różnokolorowych balonowych kwiatów nadmuchanych do gargantuicznych rozmiarów (ponad 2 m wysokości i 5 m szerokości). Koons rozpoczął pracę nad Balonowym kwiatem w 1995 roku.
Koons dążył do ukończenia serii na czas, aby zdążyć na wystawę w Solomon R. Guggenheim Museum w Nowym Jorku w 1996 roku, ale pokaz został ostatecznie odwołany z powodu opóźnień w produkcji i przekroczenia kosztów. Kiedy skończyły się fundusze na „Celebration”, zwolniono cały personel, pozostawiając jedynie dwuosobową załogę: Gary McCraw, kierownik studia Koonsa, który był z nim od 1990 roku, oraz Justine Wheeler, artystka z RPA, która przybyła w 1995 roku i ostatecznie przejęła kierownictwo nad operacją rzeźbiarską. Artysta przekonał swoich głównych kolekcjonerów: Dakisa Joannou, Petera Branta i Eliego Broada, a także dealerów: Jeffreya Deitcha, Anthony”ego d”Offaya i Maxa Hetzlera, do zainwestowania znacznych środków w kosztowną produkcję serii Celebration w firmie Carlson & Company z Południowej Kalifornii (m.in. serii Balloon Dog i Moon), a następnie w firmie Arnold z Frankfurtu. Dilerzy finansowali projekt częściowo poprzez sprzedaż prac kolekcjonerom, zanim zostały one wyprodukowane. W 1999 roku jego rzeźba „Różowa Pantera” z 1988 roku została sprzedana na aukcji za 1,8 miliona dolarów, a on sam powrócił do galerii Sonnabend. Ileana Sonnabend i Antonio Homem, dyrektor jej galerii i adoptowany syn, doskonale zdawali sobie sprawę z bezgranicznych potrzeb i wymagań Koonsa, ale mimo to przyjęli go z radością; najprawdopodobniej przeczuwali (jak się okazało, słusznie), że szykuje się on do chwalebnego drugiego aktu – czegoś, co jak dotąd udało się tylko jemu, spośród jego pokolenia nagłośnionych artystów. Koons nie ogranicza się już jednak do jednej galerii. Larry Gagosian, kolos wśród nowojorskich dealerów, zgodził się sfinansować dokończenie wszystkich niedokończonych prac z „Celebration” w zamian za wyłączne prawo do ich sprzedaży.
W 2006 roku Koons zaprezentował Hanging Heart, wysokie na 9 stóp stalowe, polerowane serce, jedno z serii pięciu różnokolorowych egzemplarzy, będących częścią jego cyklu Celebration. Duże rzeźby z tej serii zostały wystawione w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku w 2008 roku. Późniejsze uzupełnienia serii obejmują Balonowego łabędzia (2004-2011), 11,5-stopowego (3,5-metrowego) ptaka ze stali nierdzewnej, Balonowego królika (2005-2010) i Balonową małpę, w których dziecięce upominki na przyjęcia zostały przekształcone w hipnotyzujące monumentalne formy.
W skład cyklu, oprócz rzeźb, wchodzi również szesnaście
Przeczytaj także: biografie-pl – Marie Tussaud
Easyfun i Easyfun-Ethereal
Na zamówienie Deutsche Guggenheim w 1999 roku Koons stworzył siedem pierwszych obrazów z nowej serii Easyfun, składającej się z obrazów i rzeźb montowanych na ścianach. W 2001 roku Koons rozpoczął serię obrazów Easyfun-Ethereal, w której zastosował metodę kolażu, łącząc bikini, jedzenie i pejzaże malowane pod jego nadzorem przez asystentów. Seria ta rozrosła się ostatecznie do dwudziestu czterech obrazów.
Przeczytaj także: cywilizacje – Sułtanat Delhijski
Split-Rocker
W 2000 roku Koons zaprojektował Split-Rocker, swoją drugą rzeźbę kwiatową wykonaną ze stali nierdzewnej, ziemi, geowłókniny i wewnętrznego systemu nawadniania, która po raz pierwszy została pokazana w Pałacu Papieskim w Avignon we Francji. Podobnie jak Puppy, jest ona pokryta około 27 000 żywych kwiatów, w tym petunii, begonii, niecierpków, pelargonii i nagietków. Ważący 150 ton i wznoszący się na wysokość ponad 37 stóp Split-Rocker składa się z dwóch połówek: jedna oparta na zabawkowym kucyku jednego z synów Koonsa, druga na zabawkowym dinozaurze. Razem tworzą one głowę gigantycznego dziecięcego bujaka. Koons wyprodukował tylko dwie edycje tej rzeźby. Od 2014 roku jest właścicielem jednej z nich; druga jest wystawiona w Glenstone w Maryland. Latem 2014 roku Split-Rocker został zainstalowany na Rockefeller Plaza w Nowym Jorku na kilka miesięcy, co zbiegło się z otwarciem retrospektywy Koonsa w Whitney Museum of American Art.
Przeczytaj także: biografie-pl – Herodot
Seria Popeye i Hulk Elvis
Obrazy i rzeźby z serii Popeye, którą Koons rozpoczął w 2002 roku, przedstawiają postacie z kreskówek Popeye i Olive Oyl. Jednym z takich obiektów jest wykonana ze stali nierdzewnej reprodukcja masowej figurki Popeye”a z PVC. Artysta ponownie wykorzysta także dmuchane zwierzęta, tym razem w połączeniu z drabinami, koszami na śmieci i płotami. Aby stworzyć te rzeźby, zabawki po znalezieniu odpowiedniego kształtu są pokrywane warstwą lakieru. Następnie wykonuje się odbitkę i wysyła do odlewni, gdzie odlewa się je z aluminium. Po powrocie do studia rzeźby są malowane, aby uzyskać błyszczący wygląd oryginalnych dmuchańców. Przy tworzeniu tych surrealistycznych instalacji, a w szczególności Acrobat, Koons inspirował się chicagowskim imagistą H.C. Westermannem. Rzeźba Popeye została zakupiona przez miliardera Steve”a Wynna za 28 milionów dolarów i jest wystawiona przed wejściem do kasyna w należącym do Wynna hotelu i kasynie Encore Boston Harbor.
Hulk Elvis to seria prac Jeffa Koonsa stworzona między 2004 a 2014 rokiem. Prace obejmują od precyzyjnie wykonanych rzeźb z brązu – inspirowanych nadmuchiwanym bohaterem popularnego komiksu i wytłaczanych w trzech wymiarach – po wielkoformatowe obrazy olejne. Tytuł serii prac łączy popularnego bohatera komiksów, Hulka, z ikoną popu, Elvisem. Potrójny wizerunek postaci Hulka przywołuje na myśl sitodruk Andy”ego Warhola Triple Elvis (1963), zarówno jeśli chodzi o multiplikację, jak i posturę postaci Hulka.
Według artysty, seria Hulk Elvis z silnym, heroicznym wizerunkiem Hulka reprezentuje „bardzo wysoki poziom testosteronu”. Koons postrzega tę serię również jako „pomost między Wschodem a Zachodem”, ponieważ można w niej dostrzec paralelę między komiksowym bohaterem Hulkiem a azjatyckimi bogami-opiekunami.
Trójwymiarowe prace Hulk (Friends) i Hulks (Bell) (obie z lat 2004-2012) przedstawiają pozornie nadmuchiwanych Incredible Hulków, którzy w rzeczywistości ważą prawie tonę każdy i są wykonane z brązu i drewna. Rzeźba Hulk (Organy) (2004-2014) zawiera w pełni funkcjonalny instrument muzyczny, którego potencjalnie głębokie dźwięki pasują do potężnego i męskiego wyglądu postaci.
Obrazy z tej serii to kolaże złożone z kilku warstw photoshopa. Obrazy obejmują zarówno abstrakcyjne pejzaże, jak i elementy amerykańskiej ikonografii (pociągi, konie, powozy) oraz postacie takie jak Hulk czy nadmuchiwana plastikowa małpa. Obrazy pejzażowe często zawierają jawne lub ukryte treści seksualne. Na przykład, powtarzający się surowy rysunek sromu nawiązuje do obrazu Courbetta L”Origine du Monde (1866).
Seria Hulk Elvis była wystawiana w wielu międzynarodowych miejscach sztuki, takich jak Gagosian Gallery w Londynie (2007), Gagosian Gallery w Hong Kongu, Chiny (2014) i Österreichische Galerie Belvedere w Wiedniu, Austria (2015).
Przeczytaj także: bitwy – Bitwa pod Kannami
Seria Antyk
Nawiązująca do starożytnego rzymskiego marmurowego posągu Kallipygii Wenus, Metallic Venus (2010-2012) została wykonana z wysokochromowej stali nierdzewnej z przezroczystą kolorową powłoką i żywymi kwitnącymi roślinami.
W centrum każdej sceny z obrazów Antyk (2009-2013) znajduje się słynna antyczna lub klasyczna rzeźba, pieczołowicie odtworzona w farbie olejnej i przeskalowana do rozmiarów rzeźb. Równie szczegółowe tła zawierają arkadyjską wizję. W obrazach Ballerinas (2010-2014) Koons przedstawia figurki tancerek, pochodzące z dekoracyjnej porcelany, w imponującej skali klasycznej rzeźby.
Przeczytaj także: biografie-pl – Ptolemeusz I Soter
Ostatnie prace
Na sezon 2007-2008 w Wiedeńskiej Operze Państwowej Jeff Koons zaprojektował wielkoformatowy obraz (176 m2) Gejsza w ramach cyklu wystaw „Safety Curtain”, wymyślonego przez muzeum in progress. Koons współpracował z amerykańską wykonawczynią muzyki pop Lady Gagą przy jej studyjnym albumie Artpop z 2013 roku, w tym przy tworzeniu jego okładki, na której znalazła się wykonana przez niego rzeźba Lady Gagi.We wrześniu 2014 roku ukazująca się dwa razy w roku publikacja poświęcona sztuce i kulturze GARAGE Magazine opublikowała pierwszą w historii cyfrową pracę artystyczną Jeffa Koonsa na front swojego wydania drukowanego. Dzieło, zatytułowane Lady Bug, jest rzeźbą w rzeczywistości rozszerzonej, którą można oglądać tylko na urządzeniach mobilnych za pośrednictwem aplikacji GARAGE Magazine, która pozwala widzom badać dzieło pod różnymi kątami, tak jakby stali na nim.
W 2012 r. Koons kupił Advanced Stone Technologies, filię niekomercyjnego oddziału Johnson Atelier Technical Institute of Sculpture zajmującego się obróbką kamienia. Przeniósł zaawansowany technologicznie warsztat kamieniarski z New Jersey do większej przestrzeni o powierzchni 5 600 m2 (60 000 stóp kwadratowych) w Morrisville w hrabstwie Bucks w Pensylwanii. Zakład istnieje wyłącznie w celu produkcji dzieł Koonsa wykonanych z kamienia.
W 2013 roku Koons stworzył rzeźbę Gazing Ball (Farnese Hercules), która została zainspirowana Farnese Hercules. Rzeźba wykonana jest z białego gipsu i może być interpretowana jako utrwalenie koloryzmu w sposobie postrzegania świata antycznego.
Przeczytaj także: biografie-pl – Thomas Newcomen
Inne projekty
W 1999 roku Koons zamówił piosenkę o sobie na albumie Momusa „Stars Forever”.
Rysunek podobny do jego Tulipanowych Balonów został umieszczony na pierwszej stronie wyszukiwarki internetowej Google. Rysunek witał wszystkich, którzy odwiedzili stronę główną Google 30 kwietnia 2008 roku i 1 maja 2008 roku.
W 2006 roku Koons wystąpił w Artstar, serialu telewizyjnym bez scenariusza, którego akcja toczy się w nowojorskim świecie sztuki. W 2008 roku Koons zagrał niewielką rolę w filmie Milk, w którym wcielił się w postać posła stanowego Arta Agnosa.
We wrześniu 2012 roku gubernator Nowego Jorku Andrew Cuomo powierzył Koonsowi zadanie pomocy w weryfikacji projektów nowego mostu Tappan Zee.
Pod koniec 2016 roku Koons ujawnił plany Bouquet of Tulips, 11-metrowej pamiątkowej rzeźby w Paryżu wzorowanej na Statui Wolności, honorującej ofiary zamachów z listopada 2015 roku.
Koons pełnił funkcję kuratora wystawy Eda Paschke w Gagosian Gallery w Nowym Jorku w 2009 roku. W 2010 roku był również kuratorem wystawy prac z prywatnej kolekcji greckiego miliardera Dakisa Joannou w New Museum w Nowym Jorku. Wystawa „Skin Fruit: Selections from the Dakis Joannou Collection, wywołała dyskusję na temat kumoterstwa w świecie sztuki, jako że Koons jest kolekcjonerem prac Joannou, a wcześniej zaprojektował zewnętrzną część jachtu Joannou – Guilty.
Koons był artystą, który zaprojektował siedemnasty z serii „Art Cars” BMW. Jego prace zostały naniesione na wyścigowe BMW M3 E92 i zaprezentowane publicznie w Centrum Pompidou w Paryżu 2 czerwca 2010 roku. Samochód, wspierany przez BMW Motorsport, wziął następnie udział w 24-godzinnym wyścigu Le Mans we Francji w 2010 r.
W 1989 roku Koons i Martin Kippenberger pracowali razem nad jednym z numerów czasopisma artystycznego „Parkett”, a rok później Koons zaprojektował dla Kippenbergera plakat wystawowy.
W 2013 roku Koons współpracował z amerykańską piosenkarką i performerką Lady Gagą przy tworzeniu jej trzeciego studyjnego albumu ARTPOP. Okładka albumu przedstawia nagą rzeźbę Gagi wykonaną przez Koonsa za rzeźbą w kształcie niebieskiej kuli, a w tle fragmenty innych dzieł sztuki, takich jak Narodziny Wenus namalowane przez Sandro Botticellego, które zainspirowały wizerunek Gagi przez całą nową erę, w tym w jej teledysku do „Applause” i wykonaniu piosenki na MTV Video Music Awards 2013. Obraz okładki został ujawniony kawałek po kawałku w kampanii marketingu społecznego, gdzie jej fani musieli tweetować na Twitterze hashtag „
W kwietniu 2017 roku Jeff Koons nawiązał współpracę z francuskim luksusowym domem mody Louis Vuitton w ramach „Masters Collection” i zaprojektował serię torebek i plecaków z reprodukcjami swoich ulubionych arcydzieł Starych Mistrzów, takich jak Leonardo da Vinci, Tycjan, Vincent van Gogh, Peter Paul Rubens i Jean-Honoré Fragonard. Jeszcze w tym roku zaprezentował kolejną garść toreb i akcesoriów z reprodukcjami dzieł Claude”a Moneta, J.M.W. Turnera, Édouarda Maneta, Paula Gauguina i François Bouchera. Ceny wahają się od 585 dolarów za breloczek do kluczy do 4 000 dolarów za dużą torbę.
Koons ma na swoim koncie również kilka wspaniałych zleceń związanych z winem. W grudniu 2012 roku Chateau Mouton Rothschild ogłosiło, że Koons jest autorem projektu etykiety rocznika 2010 – tradycja ta została zapoczątkowana w 1946 roku. Inni artyści, którzy zaprojektowali etykiety to między innymi Pablo Picasso, Francis Bacon, Salvador Dalí i Joan Miró. W sierpniu 2013 roku Dom Pérignon wypuścił rocznik 2004, ze specjalną edycją wykonaną przez Koonsa, jak również z wykonaną na zamówienie skrzynką o nazwie „Balloon Venus”. Rekomendowana cena detaliczna to 15 000 euro.
W dniach od 15 lutego do 6 marca 2008 roku Koons podarował Fundacji Chorób Dziedzicznych prywatną wycieczkę po swoim studiu na aukcję w serwisie Charitybuzz. Z jego limitowanej edycji projektów Tulipan 2010 dla Kiehl”s Crème de Corps, część dochodu została przeznaczona na Koons Family Institute, inicjatywę Międzynarodowego Centrum Dzieci Zaginionych i Wykorzystywanych. Od początku swojej współpracy z Międzynarodowym Centrum, Koons przekazał ponad 4,3 miliona dolarów na rzecz Instytutu noszącego imię jego rodziny.
Od czasu instalacji okiennej w New Museum of Contemporary Art w Nowym Jorku w 1980 roku, prace Koonsa były szeroko eksponowane na całym świecie na wystawach indywidualnych i zbiorowych. W 1986 r. Koons wziął udział w wystawie grupowej z Peterem Halleyem, Ashleyem Bickertonem, Rossem Minoru Laingiem i Meyerem Vaismanem w Sonnabend Gallery w Nowym Jorku. W 1997 r. paryska Galerie Jerome de Noirmont zorganizowała jego pierwszą wystawę indywidualną w Europie. Jego seria Made in Heaven została po raz pierwszy pokazana na Biennale w Wenecji w 1990 roku.
Jako młody artysta Koons brał udział w wielu wystawach kuratorowanych przez Richarda Milazzo, w tym The New Capital w White Columns w 1984 roku, Paravision w Postmasters Gallery w 1985 roku, Cult and Decorum w Tibor De Nagy Gallery w 1986 roku, Time After Time w Diane Brown Gallery w 1986 roku, Spiritual America w CEPA w 1986 roku oraz Art at the End of the Social w The Rooseum, Malmö, Szwecja w 1988 roku. Wystawy te odbyły się u boku innych znaczących artystów, takich jak Ross Bleckner, Joel Otterson i Kevin Larmon.
Jego solowe pokazy muzealne odbyły się m.in. w Museum of Contemporary Art w Chicago (1988), Walker Art Center w Minneapolis (1993), Deutsche Guggenheim w Berlinie (2000), Kunsthaus Bregenz (2001), Museo archeologico nazionale di Napoli (2003) oraz retrospektywny przegląd w Astrup Fearnley Museum of Modern Art w Oslo (2004), który odbył się w Muzeum Sztuki Miejskiej w Helsinkach (2005). W 2008 r. cykl Celebration był prezentowany w Neue Nationalgalerie w Berlinie oraz na dachu Metropolitan Museum of Art.
Uznawana za pierwszą retrospektywę artysty we Francji, wystawa 17 rzeźb Koonsa w Château de Versailles w 2008 roku była jednocześnie pierwszą ambitną wystawą współczesnego amerykańskiego artysty zorganizowaną przez pałac. New York Times donosił, że „kilkadziesiąt osób demonstrowało przed bramami pałacu” w proteście zorganizowanym przez mało znaną, prawicową grupę zajmującą się francuską czystością artystyczną. Skrytykowano również fakt, że dziewięćdziesiąt procent z 2,8 mln dolarów przeznaczonych na wystawę pochodziło od prywatnych mecenasów, głównie François Pinault.
Retrospektywa Koonsa, która odbyła się w dniach 31 maja – 21 września 2008 roku w Muzeum Sztuki Współczesnej w Chicago i była szeroko komentowana w prasie, pobiła rekord frekwencji w muzeum – 86 584 zwiedzających. Na wystawie znalazły się liczne prace z kolekcji MCA, a także najnowsze obrazy i rzeźby artysty. Ta retrospektywna wystawa odzwierciedla zaangażowanie MCA w twórczość Koonsa, ponieważ w 1988 roku MCA zaprezentowało pierwszą amerykańską wystawę artysty. Na ostatnią wystawę w budynku im. Marcela Breuera, Whitney Museum planuje zaprezentować retrospektywę Koonsa we współpracy z Muzeum Sztuki Współczesnej w Los Angeles i Centre Pompidou w Paryżu.
W lipcu 2009 roku Koons miał swoją pierwszą dużą indywidualną wystawę w Londynie, w Serpentine Gallery. Zatytułowana Jeff Koons: Popeye Series, zawierała odlane z aluminium modele dziecięcych zabawek do basenu oraz „gęste, realistyczne obrazy Popeye”a trzymającego puszkę szpinaku lub palącego fajkę, z czerwonym homarem górującym nad jego głową”.
W maju 2012 roku Koons miał swoją pierwszą dużą wystawę indywidualną w Szwajcarii, w Muzeum Beyeler w Bazylei, zatytułowaną Jeff Koons. Pokazane zostały prace z trzech serii: The New,Banality i Celebration, a także kwiecista rzeźba Split-Rocker.
Również w 2012 roku wystawa Jeff Koons. The Painter w Schirn Kunsthalle Frankfurt skupiała się przede wszystkim na rozwoju artysty jako malarza, podczas gdy na wystawie Jeff Koons. The Sculptor w Liebieghaus we Frankfurcie rzeźby Jeffa Koonsa weszły w dialog z historycznym budynkiem i kolekcją rzeźb obejmującą pięć tysiącleci. Obie wystawy tworzą razem największy dotychczasowy pokaz prac Koonsa.
W 2014 roku artysta doczekał się retrospektywy w Whitney Museum of American Art w Nowym Jorku. Scott Indrisek, piszący dla ARTINFO.com, opisał ją jako „odważną, dość zabawną i strawną jak paczka M&Msów”.
W 2019 roku w Ashmolean Museum w Oxfordzie w Wielkiej Brytanii odbyła się wystawa Jeff Koons at the Ashmolean.
Koons otrzymał nagrodę kulturalną BZ od miasta Berlin w 2000 roku oraz Skowhegan Medal for Sculpture w 2001 roku. W 2002 roku został mianowany Kawalerem Francuskiej Legii Honorowej, a następnie w 2007 roku awansowany do stopnia Oficera. W 2008 roku otrzymał tytuł doktora honoris causa School of the Art Institute of Chicago. W 2008 roku otrzymał nagrodę Wollaston Award przyznawaną przez Royal Academy of Arts w Londynie. W 2013 roku otrzymał Medal Sztuki Departamentu Stanu USA. W 2014 roku Koons otrzymał nagrodę Golden Plate Award Amerykańskiej Akademii Osiągnięć wręczoną przez członka Rady Nagród Wayne”a Thiebauda podczas International Achievement Summit w San Francisco. W 2017 roku przyjął doroczną nagrodę Honorary Membership Award for Outstanding Contribution to Visual Culture od Edgar Wind Society, University of Oxford.
Koons jest szeroko kolekcjonowany w Ameryce i Europie, gdzie niektórzy kolekcjonerzy nabywają jego prace w całości. Eli Broad ma 24 prace, a Dakis Joannou posiada około 38 dzieł ze wszystkich etapów kariery artysty.
Koons był reprezentowany przez takich dealerów, jak Mary Boone (1979-1980), Sonnabend Gallery (1986-2021), Galerie Max Hetzler, Jérôme de Noirmont i Gagosian Gallery. Wyłączne prawo do pierwotnej sprzedaży serii „Celebration” przez wiele lat należało do Galerii Gagosian, dominującego dealera artysty. Od 2021 roku Pace Gallery reprezentuje Koonsa na całym świecie na wyłączność.
Wiele z prac Koonsa zostało sprzedanych prywatnie na aukcjach. Rekordy aukcyjne osiągają przede wszystkim jego rzeźby (zwłaszcza te z serii Celebration), natomiast obrazy cieszą się mniejszą popularnością. W 2001 roku jedna z jego trzech porcelanowych rzeźb Michael Jackson and Bubbles została sprzedana za 5,6 miliona dolarów. 14 listopada 2007 roku, Hanging Heart (Magenta
Jednak podczas recesji pod koniec lat 2000 ceny sztuki gwałtownie spadły, a sprzedaż aukcyjna wartościowych dzieł Koonsa spadła o 50 procent w 2009 roku. Fioletowe Wiszące Serce zostało sprzedane za 11 milionów dolarów w prywatnej sprzedaży. Jednak ceny wcześniejszych prac artysty z serii Luxury and Degradation wydają się trzymać poziom. The Economist donosi, że Thomas H. Lee, inwestor private-equity, sprzedał Jim Beam J.B. Turner Train (1986) w pakiecie pośredniczonym przez Giraud Pissarro Segalot za ponad 15 milionów dolarów. W 2012 roku Tulipany (1995-2004) przyniosły rekordową cenę aukcyjną dla Koonsa w Christie”s, sprzedając się telefonicznemu oferentowi za 33,6 mln USD, znacznie powyżej wysokiej wyceny 25 mln USD. W Christie”s w 2015 r. olej na płótnie Triple Elvis (2009) ustanowił światowy rekord aukcyjny dla obrazu artysty, osiągając 8 565 000 USD, ponad 5 mln USD więcej niż poprzednia wysoka kwota. Wykonany ze stali nierdzewnej Rabbit (1986) Koonsa sprzedał się za 91,1 miliona dolarów na aukcji w 2019 roku, co czyni go najdroższym dziełem sprzedanym przez żyjącego artystę na aukcji.
W 2018 roku kolekcjoner sztuki i miliarder Steven Tananbaum wniósł pozew przeciwko Koonsowi i Gagosian Gallery za niedostarczenie trzech rzeźb, Balloon Venus, Eros i Diana, za które zapłacił 13 milionów dolarów. Wkrótce potem hollywoodzki producent Joel Silver złożył podobny pozew przeciwko Gagosion i Koonsowi za niedostarczenie rzeźby o wartości 8 milionów dolarów w 2014 roku. Oba pozwy zostały rozstrzygnięte w 2019 i 2020 roku.
Wywołał kontrowersje, przenosząc nieskrywany kicz na arenę sztuki wysokiej, wykorzystując bardziej wyrzucone przedmioty niż np. puszki zupy Campbella Warhola. Jego praca Balloon Dog (1994-2000) opiera się na balonach skręconych w kształt psa-zabawki.
Teoretyk Samito Jalbuena napisał: „Od początku swojej kontrowersyjnej kariery Koons obalił tradycyjne pojęcie sztuki wewnątrz i na zewnątrz. Skupiając się na banalnych przedmiotach jako modelach, zakwestionował standardy normatywnych wartości w sztuce, a zamiast tego, objął podatność na estetyczne hierarchie i systemy gustów.”
Koons spotkał się z polaryzującymi reakcjami na swoje prace. Krytyczka Amy Dempsey opisała Balloon Dog jako „niesamowitą obecność… masywny, trwały pomnik”. Jerry Saltz z artnet.com napisał, że jest „oszołomiony techniczną wirtuozerią i wizualną eksplozją” sztuki Koonsa. Koons znalazł się wśród nazwisk na liście Blake”a Gopnika z 2011 roku „10 najważniejszych współczesnych artystów”, gdzie Gopnik argumentował: „Nawet po 30 latach, mashupy Koonsa z wysokiego i niskiego poziomu – pies zawiązany z balonów, następnie powiększony do publicznego pomnika; naturalnej wielkości popiersie Michaela Jacksona i jego szympansa w biało-złotej porcelanie – nadal czują się znaczące.”
Mark Stevens z The New Republic uznał go za „dekadenckiego artystę, któremu brakuje wyobraźni, by zrobić coś więcej niż trywializować i kursywizować swoje tematy i tradycję, w której pracuje… Jest kolejnym z tych, którzy służą tandetnym bogaczom”. Jest on kolejnym z tych, którzy służą tandetnym bogaczom”. Michael Kimmelman z „The New York Times” dostrzegł „ostatnie, żałosne oddechy autopromocyjnego szumu i sensacji, które charakteryzowały najgorsze lata osiemdziesiąte” i nazwał prace Koonsa „sztucznymi”, „tanimi” i „bezczelnie cynicznymi”.
W artykule porównującym współczesną scenę artystyczną z show-biznesem znany krytyk Robert Hughes napisał, że Koons jest
skrajną i zadowoloną z siebie manifestację świętości, jaka towarzyszy wielkim pieniądzom. Koons naprawdę myśli, że jest Michałem Aniołem i nie wstydzi się tego powiedzieć. Znamienne jest to, że są kolekcjonerzy, zwłaszcza w Ameryce, którzy w to wierzą. Ma oślizgłą pewność siebie, grubiańskie gadanie o transcendencji poprzez sztukę, jak wysuszony baptysta sprzedający akry bagien na Florydzie. A rezultat jest taki, że nie można sobie wyobrazić wyjątkowo zdeprawowanej kultury amerykańskiej bez niego.
Hughes umieścił twórczość Koonsa tuż nad twórczością Sewarda Johnsona, a w artykule w New York Timesie stwierdził, że porównywanie ich karier to „jak debatowanie nad zaletami psich odchodów i kocich odchodów”.
Wywarł wpływ na młodszych artystów, takich jak Damien Hirst (np. w Hymnie Hirsta, 18-stopowej (5,5 m) wersji 14-calowej (0,36 m) zabawki anatomicznej), Jack Daws czy Mona Hatoum. Z kolei ekstremalne powiększenia prozaicznych przedmiotów zawdzięcza Claesowi Oldenburgowi i Coosje van Bruggen. Duży wpływ na jego twórczość mieli także artyści pracujący w Chicago podczas studiów w Art Institute, tacy jak Jim Nutt, Ed Paschke i H. C. Westermann.
W 2005 roku został wybrany na Członka Amerykańskiej Akademii Sztuki i Nauki.
Koons był kilkakrotnie pozywany za naruszenie praw autorskich w związku z wykorzystaniem w swoich pracach wcześniej istniejących obrazów, będących oryginalnymi dziełami innych osób. W sprawie Rogers v. Koons, 960 F.2d 301 (2d Cir. 1992), Sąd Apelacyjny Stanów Zjednoczonych dla Drugiego Okręgu utrzymał w mocy wyrok przeciwko Koonsowi za wykorzystanie fotografii szczeniąt jako podstawy rzeźby String of Puppies.
Koons przegrał również procesy w United Features Syndicate, Inc. v. Koons, 817 F. Supp. 370 (S.D.N.Y. 1993), i Campbell v. Koons, No. 91 Civ. 6055, 1993 WL 97381 (S.D.N.Y. Apr. 1, 1993).
Wygrał jeden proces, Blanch v. Koons, nr 03 Civ. 8026 (LLS), S.D.N.Y., 1 listopada 2005 r. (slip op.), potwierdzony przez Second Circuit w październiku 2006 r., wytoczony w związku z wykorzystaniem przez niego reklamy fotograficznej jako materiału źródłowego dla nóg i stóp w obrazie Niagara (2000). Sąd orzekł, że Koons wystarczająco przekształcił oryginalną reklamę, aby można ją było zakwalifikować jako uczciwe wykorzystanie oryginalnego obrazu.
W 2015 roku Koons stanął w obliczu zarzutów, że w jednym ze swoich obrazów Luxury and Degradation wykorzystał zdjęcie fotografa Mitchela Graya z 1986 roku dla Gordon”s Gin bez pozwolenia i rekompensaty.
W 2018 roku francuski sąd orzekł, że jego praca z 1988 roku Fait d”Hiver, przedstawiająca świnię stojącą nad leżącą na plecach kobietą, skopiowała reklamę sieci odzieżowej i uznał Koonsa oraz Centre Pompidou za winnych naruszenia praw autorskich fotografa Francka Davidovici. Decyzja ta została podtrzymana w 2021 roku w drodze apelacji. W rezultacie dzieło, którego właścicielem jest Foundazione Prada, nie może być wystawiane we Francji, a muzeum i artysta nie mogą wyświetlać reprodukcji fotograficznych w Internecie (bez kary 600 euro dziennie). Ponadto muzeum i artysta zostali zobowiązani do zapłacenia łącznie 190 000 euro, a firma księgarska 14 000 euro.
W 2019 roku francuski sąd orzekł, że jego praca 1988 Naked, przedstawiająca małego chłopca oferującego kwiaty małej dziewczynce, z których oboje są nadzy, naruszyła prawa autorskie do fotografii pocztówkowej z 1975 roku autorstwa francuskiego artysty Jean-Francois Baureta.
Koons oskarżył również innych o naruszenie praw autorskich, twierdząc, że księgarnia w San Francisco naruszyła jego prawa autorskie do Balloon Dogs, sprzedając podpórki do książek w kształcie balonowych psów. Koons zrezygnował z pozwu po tym, jak prawnik księgarni złożył wniosek o deklaratywne zadośćuczynienie, stwierdzając: „Jak może poświadczyć praktycznie każdy klaun, nikt nie jest właścicielem pomysłu zrobienia balonowego psa, a kształt powstały w wyniku skręcenia balonu w formę przypominającą psa jest częścią domeny publicznej”.
Rzeźba Koonsa przedstawiająca balerinę przypomina pracę „Ballerina Lenochka”, stworzoną przez ukraińską artystkę Oksanę Zhnykrup w 1974 roku.
W skardze z 2021 roku złożonej w Sądzie Okręgowym Stanów Zjednoczonych dla Południowego Dystryktu Nowego Jorku, artysta Michael Hayden, który w 1988 roku wykonał dla Ilony Staller rzeźbę węża owiniętego wokół skały, twierdził, że Koons bezprawnie wykorzystał rzeźbę w swoich pracach.
Koons jest członkiem zarządu International Centre for Missing & Exploited Children (ICMEC), globalnej organizacji non-profit, która walczy z wykorzystywaniem seksualnym dzieci, pornografią dziecięcą i uprowadzaniem dzieci. W 2007 r. Koons wraz z żoną Justine założył Instytut Prawa i Polityki Międzynarodowej ICMEC Koons Family Institute on International Law and Policy.
Po zakończeniu pierwszego małżeństwa w 1994 roku z urodzoną na Węgrzech włoską aktorką Iloną Staller, Staller wyjechała z ich dwuletnim synem do Włoch, łamiąc amerykański nakaz sądowy. Koons spędził pięć lat na dochodzeniu praw rodzicielskich. Włoski Sąd Najwyższy orzekł na korzyść Staller. Koons założył następnie Koons Family Institute. W 2008 roku Staller złożyła pozew przeciwko Koonsowi o niepłacenie alimentów na dziecko.
Podczas studiów w Maryland Institute College of Art, Koonsowi urodziła się córka, Shannon Rodgers. Para oddała dziecko do adopcji. Rodgers ponownie nawiązała kontakt z Koonsem w 1995 roku.
W 1991 roku poślubił urodzoną na Węgrzech, naturalizowaną włoską gwiazdę pornografii Ilonę Staller (Cicciolina), która w tym czasie była członkiem włoskiego parlamentu (1987-1992). Koons współpracował ze Staller przy tworzeniu obrazów i rzeźb „Made in Heaven” w różnych mediach, z nadzieją na nakręcenie filmu. Posiadając dom na Manhattanie, Koons i Staller mieszkali w Monachium. W 1992 roku urodził im się syn, Ludwig. Małżeństwo zakończyło się wkrótce potem w związku z zarzutami, że Koons znęcał się fizycznie i emocjonalnie nad Staller.
Koons jest obecnie żonaty z Justine Wheeler, artystką i byłą pracownicą, która zaczęła pracować w studiu Koonsa w 1995 roku. Para ma sześcioro dzieci. Rodzina mieszka obecnie w kamienicy na Upper East Side.
Koons przekazał 50 000 dolarów na rzecz Correct the Record, Super PAC, który wspierał kampanię prezydencką Hillary Clinton w 2016 roku w czerwcu 2016 roku.
Źródła
