Michael Curtiz

gigatos | 29 grudnia, 2022

Streszczenie

Michael Curtiz (24 grudnia 1886 – 10 kwietnia 1962) był węgiersko-amerykańskim reżyserem filmowym, uznawanym za jednego z najbardziej płodnych reżyserów w historii. Złotego Wieku Hollywood, kiedy dominował system studyjny.

Curtiz był już znanym w Europie reżyserem, gdy w 1926 roku, w wieku 39 lat, Warner Bros. zaprosił go do Hollywood. Wyreżyserował już 64 filmy w Europie i wkrótce pomógł Warner Bros. stać się najszybciej rozwijającą się wytwórnią filmową. W trakcie swojej hollywoodzkiej kariery wyreżyserował 102 filmy, głównie w Warnerze, gdzie wyreżyserował dziesięciu aktorów nominowanych do Oscara. James Cagney i Joan Crawford zdobyli swoje jedyne Oscary pod kierunkiem Curtiza. Po raz pierwszy na ekranie pojawili się Doris Day i John Garfield, a z Errola Flynna, Olivii de Havilland i Bette Davis uczynił gwiazdy. Sam był pięciokrotnie nominowany i dwukrotnie wygrał, raz za najlepszy film krótkometrażowy za Synów wolności i raz jako najlepszy reżyser za Casablankę.

Curtiz był jednym z tych, którzy wprowadzili do Hollywood styl wizualny wykorzystujący artystyczne oświetlenie, rozległe i płynne ruchy kamery, wysokie ujęcia z dźwigu i nietypowe kąty widzenia kamery. Był wszechstronny i potrafił poradzić sobie z każdym gatunkiem filmowym: melodramatem, komedią, historią miłosną, filmem noir, musicalem, historią wojenną, westernem, horrorem czy epopeją historyczną. Zawsze zwracał uwagę na ludzki aspekt każdej historii, twierdząc, że „ludzkie i podstawowe problemy prawdziwych ludzi” są podstawą każdego dobrego dramatu.

Curtiz pomógł spopularyzować klasyczny swashbuckler dzięki takim filmom jak Kapitan Blood (1935) i Przygody Robin Hooda (1938). Wyreżyserował wiele innych dramatów, które są uznawane za klasyki: Anioły o brudnych twarzach (1938), Wilk morski (1941), Casablanca (1942) i Mildred Pierce (1945). Wyreżyserował czołowe musicale, w tym Yankee Doodle Dandy (1942), This Is the Army (1943) i White Christmas (1954), a także zrealizował komedie z Life With Father (1947) i We”re No Angels (1955).

Curtiz urodził się jako Manó Kaminer w żydowskiej rodzinie w Budapeszcie w 1886 roku, gdzie jego ojciec był stolarzem, a matka śpiewaczką operową. W 1905 r. dokonał hungaryzacji nazwiska na Mihály Kertész. Curtiz miał wychowanie w niższej klasie średniej. Wspominał podczas wywiadu, że domem jego rodziny było ciasne mieszkanie, w którym musiał dzielić mały pokój z dwoma braćmi i siostrą. „Wiele razy jesteśmy głodni” – dodał: 20.

Po ukończeniu szkoły średniej, przed rozpoczęciem kariery studiował na Uniwersytecie w Markoszy, a następnie w Królewskiej Akademii Teatru i Sztuki w Budapeszcie.

Przeczytaj także: biografie-pl – Paul Klee

Aktor

Curtiz zainteresował się teatrem, gdy był dzieckiem na Węgrzech. W wieku 8 lat zbudował w piwnicy rodzinnego domu mały teatr, w którym wraz z pięcioma przyjaciółmi odgrywał sztuki teatralne. Ustawiali scenę, ze scenografią i rekwizytami, a Curtiz je reżyserował.

Po ukończeniu college”u w wieku 19 lat podjął pracę jako aktor w wędrownym zespole teatralnym, gdzie zaczął pracować jako jeden z ich wędrownych graczy. Z tej pracy został na jakiś czas pantomimistą w cyrku, ale potem wrócił, by dołączyć do innej grupy wędrownych grajków na kilka kolejnych lat. Grali Ibsena i Szekspira w różnych językach, w zależności od tego, w jakim kraju się znajdowali. Występowali w całej Europie, w tym we Francji, na Węgrzech, we Włoszech i w Niemczech, a on ostatecznie nauczył się pięciu języków. Miał różne obowiązki:

Musieliśmy robić wszystko – robić plakaty, drukować programy, ustawiać scenografię, cerować garderobę, czasem nawet ustawiać krzesła na widowni. Czasami podróżowaliśmy pociągami, czasami w dyliżansach, czasami konno. Czasami graliśmy w ratuszach, czasami w małych restauracjach bez żadnej scenografii. Czasami dawaliśmy przedstawienia za drzwiami. Ci przechadzający się aktorzy byli najbardziej życzliwymi ludźmi, jakich kiedykolwiek znałem. Zrobiliby dla siebie wszystko.

Przeczytaj także: cywilizacje – Edo (okres)

Dyrektor

Pracował jako Mihály Kertész w Narodowym Teatrze Węgierskim w 1912 r.: 5 i był członkiem węgierskiej drużyny szermierczej na Igrzyskach Olimpijskich w Sztokholmie. Kertész wyreżyserował pierwszy węgierski film fabularny, Dziś i jutro (Ma és holnap, 1912), w którym miał również główną rolę. Następnie nakręcił kolejny film, Ostatnia Cyganeria (Az utolsó bohém, również 1912):  163

W 1913 roku Curtiz rozpoczął pracę nad filmami niemymi w różnych miastach Europy. Najpierw podjął naukę w studiu Nordisk w Danii, co zaowocowało pracą jako aktor i asystent reżysera Augusta Bloma przy pierwszym duńskim filmie fabularnym na wielu rolach – Atlantis (1913).

Po rozpoczęciu I wojny światowej w 1914 roku wrócił na Węgry, gdzie przez rok służył w wojsku, zanim został ranny walcząc na froncie rosyjskim. Curtiz napisał o tym okresie:

Odurzająca radość życia została przerwana, świat oszalał… Nauczono nas zabijać. Zostałem wcielony do armii cesarskiej … Potem działo się wiele rzeczy: zniszczenia, tysiące na zawsze uciszonych, okaleczonych lub wysłanych do anonimowych grobów. Potem nadszedł upadek. Los mnie oszczędził: 22

Został przydzielony do realizacji filmów dokumentalnych o tematyce związanej ze zbiórką pieniędzy dla Czerwonego Krzyża na Węgrzech. W 1917 roku został dyrektorem produkcji w Phoenix Films, wiodącym studiu w Budapeszcie, gdzie pozostał aż do wyjazdu z Węgier.: 173 Jednak żaden z filmów, które tam wyreżyserował, nie zachował się w całości, a większość z nich całkowicie zaginęła.: 173

Do 1918 roku stał się jednym z najważniejszych węgierskich reżyserów, mając na koncie około 45 filmów:  163 Jednak po zakończeniu wojny, w 1919 roku, nowy rząd komunistyczny znacjonalizował przemysł filmowy, więc postanowił wrócić do Wiednia, by tam reżyserować filmy.

Curtiz pracował krótko w niemieckiej wytwórni UFA GmbH, gdzie nauczył się reżyserować duże grupy kostiumowych statystów, stosować skomplikowane fabuły, szybkie tempo i wątki romantyczne. Prawdziwy początek jego kariery to praca dla hrabiego Aleksandra Kolowrata (znanego jako Sascha), z którym nakręcił co najmniej 21 filmów dla hrabiowskiej wytwórni Sascha Films. Curtiz napisał później, że u Saschy „nauczył się podstawowych praw sztuki filmowej, która w tamtych czasach w Wiedniu rozwinęła się bardziej niż gdziekolwiek indziej”:  173

Wśród wyreżyserowanych przez niego filmów znalazły się epopeje biblijne, takie jak Sodoma i Gomora (1922) i Die Sklavenkönigin (1924) (w USA pod tytułem Księżyc Izraela). Nakręcił także Czerwone obcasy (1925) i Złotego motyla (1926), a raz wyreżyserował 14-letnią Gretę Garbo w Szwecji. W tym okresie miał tendencję do specjalizowania się w reżyserowaniu dwóch rodzajów filmów, albo wyrafinowanych lekkich komedii, albo spektakli historycznych:  173 Zapoczątkował karierę Lucy Doraine, która stała się międzynarodową gwiazdą, wraz z Lili Damitą, która później wyszła za Errola Flynna.: 173

Księżyc Izraela (1924) to spektakl przedstawiający niewolę dzieci Izraela i ich cudowne wybawienie przez Morze Czerwone. Nakręcony w Wiedniu z pięciotysięczną obsadą, jego tematem była historia miłosna izraelskiej panny i egipskiego księcia. 163 Amerykańska wytwórnia Paramount Pictures zakupiła prawa do filmu, aby konkurować z „Dziesięciorgiem przykazań” Cecila B. DeMille”a. Jednak The Moon of Israel przykuł uwagę Jacka i Harry”ego Warnerów, a Harry pojechał do Europy w 1926 roku tylko po to, by poznać Curtiza i podpatrzeć jego pracę jako reżysera.

Warnerzy byli pod wrażeniem, że Curtiz stworzył unikalny styl wizualny, który był pod silnym wpływem niemieckiego ekspresjonizmu, z wysokimi ujęciami z dźwigu i niezwykłymi kątami kamery. Film pokazał również, że Curtiz lubił włączać romantyczny melodramat „przeciwko wydarzeniom o ogromnym znaczeniu historycznym, za doprowadzanie swoich bohaterów do kryzysów i zmuszanie ich do podejmowania moralnych decyzji”, według Rosenzweiga:  136 Zaproponował Curtizowi kontrakt na stanowisko reżysera w jego nowej wytwórni filmowej w Hollywood, Warner Bros., gdzie miałby wyreżyserować podobną epopeję, która była w planach, Arkę Noego (1928). Kiedy Curtiz przyjął ofertę Warnera, był już płodnym reżyserem, który nakręcił 64 filmy w takich krajach jak Węgry, Austria i Dania.: 3

Przeczytaj także: biografie-pl – Marilyn Monroe

1920s

Curtiz przybył do Stanów Zjednoczonych latem 1926 roku: 63 i zaczął reżyserować w wytwórni Warner Bros. pod zmienionym nazwiskiem Michael Curtiz. Podczas tego, co stało się 28-letnim okresem w Warner Bros. wyreżyserował 86 filmów, w tym swoje najlepsze dzieło.

Mimo że był już doświadczonym filmowcem, mając 38 lat, Warners powierzył mu wyreżyserowanie kilku przeciętnych filmów, które miały go wprowadzić w świat kina, a pierwszym z nich był Trzeci stopień (1926). W filmie zastosowano unikalną technikę operatorską Curtiza, widoczną w dramatycznych kątach kamery, w stylu, którego – jak przypuszczał jeden z krytyków – inni reżyserzy mogliby mu pozazdrościć.

Szybka nauka angielskiego była jednak bezpośrednią przeszkodą, ponieważ nie miał wolnego czasu. Kiedy Jack Warner dał mu film do wyreżyserowania, Curtiz wspomina: „Nie potrafiłem powiedzieć ani jednego słowa po angielsku”. Była to romantyczna opowieść o życiu więziennym i gangsterach w Chicago, miejscu, w którym nigdy nie był o postaciach amerykańskiego podziemia, których nigdy nie poznał.

Aby zdobyć bezpośrednie doświadczenie na ten temat, Curtiz przekonał szeryfa z Los Angeles, aby pozwolił mu spędzić tydzień w więzieniu. „Kiedy wyszedłem, wiedziałem, czego potrzebuję do obrazu”.

Curtiz głęboko wierzył, że przed rozpoczęciem filmu należy najpierw zbadać tło każdej historii i zrobić to dokładnie. Mówił, że zawsze, gdy ktoś pytał go, jak on, obcokrajowiec, może robić amerykańskie filmy, mówił mu, że „istoty ludzkie są takie same na całym świecie. Ludzkie emocje są międzynarodowe”. Swoje pierwsze filmy w USA traktował jako doświadczenia edukacyjne:

Jedyne, co różni się w różnych częściach świata, to zwyczaje … Ale te zwyczaje są łatwe do odkrycia, jeśli umiesz czytać i badać. W centrum miasta znajduje się wspaniała biblioteka publiczna. Tam możesz otworzyć książkę i dowiedzieć się wszystkiego, co chcesz wiedzieć.

Mimo że bariera językowa utrudniała komunikację z obsadą i ekipą, wciąż inwestował czas w przygotowania. Zanim wyreżyserował swój pierwszy western, spędził na przykład trzy tygodnie czytając o historii Teksasu i życiu jego ważnych ludzi. Tak intensywne studiowanie amerykańskiej kultury i zwyczajów było dla niego niezbędne w przygotowaniach do większości innych gatunków filmowych. Jednak bycie w Hollywood sprawiało mu sporą satysfakcję:

Wspaniale jest pracować w tym kraju. Ma się wszystko pod ręką, z czym można pracować. Reżyser nie musi się martwić o nic poza swoimi pomysłami. Może się na nich skupić, nie martwiąc się o produkcję w inny sposób.

The Third Degree (1926), dostępny w Bibliotece Kongresu, dobrze wykorzystał doświadczenie Curtiza w używaniu ruchomych kamer do tworzenia ekspresjonistycznych scen, takich jak sekwencja kręcona z perspektywy poruszającego się pocisku. Film był pierwszym z ośmiu filmów Curtiza, w którym gwiazdą była Dolores Costello.

Warner Bros. zleciło Curtizowi wyreżyserowanie trzech innych przeciętnych historii, aby upewnić się, że będzie on w stanie podjąć się większych projektów, podczas których mógł zapoznać się z ich metodami i pracować z technikami, w tym operatorami, z których będzie korzystał w kolejnych produkcjach:  137 Jak wyjaśnia biograf James C. Robertson, „W każdym przypadku Curtiz starał się dzielnie, ale bezskutecznie, ożywić nieprzekonujące scenariusze poprzez spektakularną pracę kamery i mocne centralne występy, czyli najbardziej godne uwagi cechy wszystkich tych filmów.”:  137

Podczas wizyty w Hollywood w 1927 roku, Ilja Tołstoj, syn Lwa Tołstoja, który przyjaźnił się z Curtizem w Europie, chciał, aby ten wyreżyserował kilka filmów na podstawie powieści jego ojca. Wybrał Curtiza, ponieważ znał już to miejsce i jego mieszkańców. W tym okresie Warner Bros. zaczęło eksperymentować z filmami mówionymi. Curtizowi przydzielono do wyreżyserowania dwa częściowo ciche, a częściowo mówiące filmy: Tenderloin (1928) i Arka Noego (1928), w których wystąpił również Costello.

Arka Noego zawierała dwie równoległe historie, jedną opowiadającą o biblijnym potopie, a drugą o romansie z czasów I wojny światowej. Był to pierwszy epicki film, na który zdecydowała się wytwórnia Warner Bros. i przekazując produkcję Curtizowi, miała nadzieję zapewnić mu sukces. Kulminacyjna sekwencja powodzi została uznana za „spektakularną” w tamtym czasie, zauważył historyk Richard Schickel,: 31 podczas gdy biograf James C. Robertson powiedział, że był to „jeden z najbardziej spektakularnych incydentów w historii filmu”:  16 Jego obsada składała się z ponad 10 000 statystów. Jednak ponowne wydanie filmu w 1957 roku obcięło godzinę z oryginalnego czasu 2 godzin i 15 minut. Historia była adaptacją napisaną przez Bess Meredyth, która kilka lat później wyszła za Curtiza.

Sukces krytyczny tych filmów Curtiza przyczynił się do tego, że Warner Bros. stało się najszybciej rozwijającym się studiem w Hollywood.

Przeczytaj także: historia-pl – Legia Honorowa

1930s

W 1930 roku Curtiz wyreżyserował Mammy (1930), czwarty film Ala Jolsona po występie w pierwszym prawdziwie mówiącym obrazie Hollywood, The Jazz Singer (1927). W latach trzydziestych Curtiz reżyserował co najmniej cztery filmy każdego roku.

Choć to nietypowe projekty dla Warner Bros., Curtiz wyreżyserował dla studia dwa horrory, Doctor X (1932) i Mystery of the Wax Museum (1933), oba we wczesnym Technicolorze, z licznymi klimatycznymi scenami kręconymi na zapleczu studia.

Kolejnym przełomowym filmem było 20 000 lat w Sing Sing (1932), w którym wystąpili mało znani wówczas aktorzy Spencer Tracy i Bette Davis w jednym z ich najwcześniejszych filmów. Szef MGM Louis B. Mayer zobaczył ten film i był pod wrażeniem gry Tracy”ego na tyle, że zatrudnił go na liście gwiazd MGM. 221

Amerykańska kariera Curtiza nabrała prawdziwego rozpędu dopiero w 1935 r.: 63 Na początku lat 30. wytwórnia Warner Bros. zmagała się z konkurencją ze strony większego MGM, które wydawało dramaty kostiumowe, takie jak Królowa Christina (1933) z Gretą Garbo, Wyspa skarbów (1934) z Wallace”em Beery”m i Hrabia Monte Cristo (1934), postanowili zaryzykować i wyprodukować własny dramat kostiumowy.

Do tego czasu był to gatunek filmowy, w którym Warnersi zakładali, że nigdy nie odniosą sukcesu, ze względu na wyższe budżety produkcji, w latach Wielkiego Kryzysu. Jednak w marcu 1935 roku Warners ogłosił, że wyprodukuje Kapitana Blood (1935), dramat akcji oparty na powieści Rafaela Sabatiniego i wyreżyserowany przez Curtiza:  63 Wystąpiłby w nim nieznany wówczas statysta Errol Flynn u boku mało znanej Olivii de Havilland.

Film odniósł duży sukces dzięki pozytywnym recenzjom krytyków. Był nominowany do Oscara za najlepszy film, a Curtiz, choć nie był nominowany, otrzymał drugą co do wielkości liczbę głosów na najlepszego reżysera, wyłącznie dzięki głosom pisanym. Film uczynił gwiazdami zarówno Flynna jak i de Havilland, a Curtiza wyniósł na pozycję czołowego reżysera studia:  63

Curtiz kontynuował udany gatunek filmów przygodowych z udziałem Flynna (często z de Havilland), który obejmował Szarżę lekkiej brygady (1936), przedstawienie brytyjskiej lekkiej brygady podczas wojny krymskiej. Film, kolejny zdobywca Oscara, odniósł większy sukces kasowy niż Kapitan Blood..:  64 Po nim nastąpiły Przygody Robin Hooda (1938, współreżyserowane z Williamem Keighleyem, którego Curtiz zastąpił), najbardziej dochodowy w tamtym roku,: 64 zdobywając trzy Oscary i będąc nominowanym do nagrody za najlepszy film. Znajduje się na liście Top 100 filmów Rotten Tomatoes.

Flynn i de Havilland wystąpili jeszcze w innych filmach Curtiza, które odniosły ogromny sukces, w tym w The Private Lives of Elizabeth and Essex (1939), w którym zagrała Bette Davis. Davis wystąpiła w filmie Curtiza w większości lat w latach 30:  73 Z powodu wysokiej produktywności filmowej Curtiza, Warner Bros. stworzył specjalną jednostkę dla jego obrazów, która następnie pozwoliła mu zarządzać dwoma ekipami filmowymi. Jedna z nich pracowała z nim podczas faktycznego filmowania, podczas gdy druga przygotowywała wszystko do następnego obrazu.

John Garfield był jednym z odkryć Curtiza, zadebiutował w filmie Cztery córki (1938), a następnie zagrał główną rolę w jego sequelu, Cztery żony (1939). Curtiz odkrył Garfielda, aktora estradowego, przez przypadek, kiedy natknął się na porzucony test ekranowy, który dał, i uznał, że był bardzo dobry. Garfield założył, że nie zdał testu ekranowego i z obrzydzeniem wracał już do Nowego Jorku. Curtiz pojechał więc do Kansas City, aby przechwycić pociąg, z którego wyciągnął Garfielda i przywiózł go do Hollywood. Garfield wystąpił później także w filmie Curtiza Wilk morski (1941).

W Czterech córkach Garfield wystąpił z Claude”em Rainsem, który w swojej karierze zagrał w 10 filmach Curtiza, z czego sześć w latach 30. Garfield i Rains „byli genialni razem w tym niesłusznie zaniedbanym klasyku Curtiza” – mówi o Czterech córkach biograf Patrick J. McGrath. Garfield uznał go za swoje „niejasne arcydzieło”. Recenzenci chwalili jego rolę: „Być może największym pojedynczym wydarzeniem mającym związek z Czterema córkami przy czytaniu krytyków wydaje się być debiut Johna Garfielda, genialnego młodego aktora zwerbowanego ze sceny Broadwayu.” Podobna aprobata płynęła z The New York Times, który nazwał aktorstwo Garfielda „gorzko genialnym … jednym z najlepszych obrazów w karierze kogokolwiek.” Garfield i Rains wystąpili wspólnie w następnym roku w filmie Curtiza Córki szczęścia (1939).

Po tym jak James Cagney wystąpił w filmie Curtiza „Anioły o brudnych twarzach” (1938), po raz pierwszy został nominowany do Oscara. Koło Nowojorskich Krytyków Filmowych uznało go za najlepszego aktora za jego kreację w filmie, gdzie wcielił się w rolę bandziora, który odkupuje swoje winy. Curtiz również został ponownie nominowany, umacniając dalej swój status najważniejszego reżysera studia:  64 Curtiz był nominowany do Oscara za najlepszą reżyserię w 1938 roku zarówno za Anioły o brudnych twarzach jak i Cztery córki przegrywając z Frankiem Caprą za You Can”t Take It with You. Curtiz podzielił jednak swoje głosy między dwa filmy i miał faktycznie większą liczbę łącznych głosów Akademii.

W następnym roku Curtiz wyreżyserował Synów Wolności (1939), z Claude”em Rainsem w roli głównej, w nagrodzonym Oscarem filmie biograficznym, który udramatyzował żydowski wkład w niepodległość Ameryki:  44 Curtiz wywołał również jedne z najlepszych prac Edwarda G. Robinsona w Kid Galahad (1937), gdzie Robinson zagrał twardego i sardonicznego, ale ostatecznie o miękkim sercu, menedżera bokserskiego. W filmie wystąpili Bette Davis i Humphrey Bogart.

Trzy westerny w reżyserii Curtiza z udziałem Flynna to Dodge City (1939), Santa Fe Trail (1940) z udziałem przyszłego prezydenta USA Ronalda Reagana,

Przeczytaj także: biografie-pl – Steve McQueen

1940s

Lata 40. przyniosły premiery kolejnych uznanych przez krytykę filmów w reżyserii Curtiza, m.in. Jastrzębia morskiego (1940), Bombowca nurkującego (1941), Wilka morskiego (1941), Casablanki (1942), Yankee Doodle Dandy (1942), To jest armia (1943), Mildred Pierce (1945) i Życia z ojcem (1947).

Jednym z największych hitów 1940 roku był „Jastrząb morski” z Errolem Flynnem w roli poszukiwacza przygód na wzór sir Francisa Drake”a. Flora Robson zagrała królową Elżbietę I, a Claude Rains wystąpił w roli hiszpańskiego ambasadora, którego zadaniem było wprowadzenie w błąd królowej, która słusznie podejrzewała, że hiszpańska Armada ma zamiar podjąć próbę inwazji na Anglię. Niektórzy krytycy uważali, że historia odpowiada rzeczywistym wydarzeniom, które miały miejsce w Europie, opisując ją jako „cienko zawoalowaną diatrybę przeciwko amerykańskiemu izolacjonizmowi na skraju II wojny światowej”. Felietonista filmowy Boyd Martin zauważył te podobieństwa:

Paralela między marzeniami o imperium, którym oddawał się król Hiszpanii Filip, a tymi, którymi chwilowo cieszył się Hitler, jest tak oczywista, że nie umknie uwadze nawet najmłodszego kinomana, który czyta gazetę i idzie na film… Mając do dyspozycji paralelę, pan Curtiz jedzie swoim Sea Hawk po szyję z historią współczesną.

Dive Bomber (film został dobrze przyjęty przez publiczność, będąc ocenionym jako szósty najpopularniejszy film tamtego roku. Żaden inny obraz sprzed Pearl Harbor nie dorównywał jakością scenom lotniczym. Felietonistka filmowa Louella Parsons napisała: „Dive Bomber znów sprawia, że cieszymy się, że jesteśmy Amerykanami chronionymi przez tak kompetentną marynarkę jak nasza”.

Filmowanie w czynnej bazie marynarki wojennej w San Diego wymagało wielkiej ostrożności, zwłaszcza przy sekwencjach lotniczych. Curtiz nakręcił każdą stopę „Dive Bomber” z pomocą marynarki wojennej i pod jej ścisłym nadzorem. Aby stworzyć realistyczne ujęcia, zamontował kamery na samolotach Marynarki Wojennej, aby uzyskać „niesamowite ujęcia z punktu widzenia”, zabierające widzów do wnętrza kokpitu podczas lotu. Zamontował również kamery pod skrzydłami samolotów, aby udramatyzować starty z Enterprise, lotniskowca zwodowanego kilka lat wcześniej. Bosley Crowther z The New York Times wystawił mu dobrą recenzję:

Warnerzy sfotografowali ten obraz w najwspanialszych kolorach, jakie kiedykolwiek widziano… masy genialnie kolorowych samolotów, ustawionych w imponujących rzędach wokół bazy lotniczej lub na ogromnych pokładach lotniczych lotniskowców, i ryczących w srebrnym majestacie, skrzydło w skrzydło, przez bezkresne niebo Zachodniego Wybrzeża. Nigdy wcześniej film lotniczy nie był tak żywy w swoich obrazach, nie dawał takiego poczucia namacalnej solidności, gdy pokazywał nam rzeczy stałe, ani nie był tak pełen światła słonecznego i czystego powietrza, gdy kamery były w górze. Z wyjątkiem kilku źle dobranych ujęć, praca jest niemal perfekcyjna.

Edward G. Robinson wystąpił w Wilku morskim (1941), swoim drugim filmie w reżyserii Curtiza. W adaptacji jednej z najbardziej znanych powieści Jacka Londona wcielił się w postać szalejącego, dyktatorskiego kapitana statku. Robinson powiedział, że postać, którą portretował „była nazistą we wszystkim oprócz nazwy”, co, jak zauważył Robinson, było istotne dla stanu ówczesnego świata. John Garfield i Ida Lupino zostali obsadzeni w rolach młodych kochanków, którzy próbują uciec przed jego tyranią. Niektóre recenzje opisywały film jako jeden z „ukrytych klejnotów Curtiza… jedno z najbardziej złożonych dzieł Curtiza”. Robinson był pod wrażeniem intensywnej osobowości Garfielda, która jego zdaniem mogła przyczynić się do jego śmierci w wieku 39 lat:

John Garfield był jednym z najlepszych młodych aktorów, jakich kiedykolwiek spotkałem, ale jego pasje dotyczące świata były tak intensywne, że obawiałem się, że lada dzień dostanie ataku serca. Nie minęło wiele czasu, gdy to zrobił.

Curtiz wyreżyserował kolejny film o siłach powietrznych, Kapitanowie w chmurach (1942), o Królewskich Kanadyjskich Siłach Powietrznych. W rolach głównych wystąpili w nim James Cagney i Brenda Marshall. Według Hala B. Wallisa, jego producenta, stał się on najbardziej rozległą i trudną produkcją Warner Bros. i wszystko musiało zostać przeniesione do Kanady. 76 Podobnie jak w przypadku Dive Bombera, żywe sceny lotnicze nakręcone w Technicolorze były kolejną cechą, która przyciągnęła uwagę krytyków, a film był nominowany do nagrody za najlepszą reżyserię i najlepsze zdjęcia kolorowe.

Curtiz wyreżyserował Casablankę (1942), romantyczny dramat z czasów II wojny światowej, określony przez Rogera Eberta w 1996 roku jako jeden z najpopularniejszych filmów w historii. Wśród jego gwiazd znaleźli się Humphrey Bogart, grający emigranta mieszkającego w Maroku, oraz Ingrid Bergman jako kobieta, która próbuje uciec przed nazistami. W obsadzie drugoplanowej znaleźli się Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt, Sidney Greenstreet i Peter Lorre. Obraz otrzymał osiem nominacji do Oscara i zdobył trzy, w tym jedną dla Curtiza jako najlepszego reżysera. Magazyn Time w 2012 roku określił Casablankę jako „najlepszy film, jaki kiedykolwiek powstał”.

Krótko po ukończeniu Kapitanów chmur, ale przed Casablanką, Curtiz wyreżyserował muzyczny biopic, Yankee Doodle Dandy (1942), film o piosenkarzu, tancerzu i kompozytorze George”u M. Cohanie. W roli głównej wystąpił James Cagney w roli całkowicie przeciwnej do tej, którą zagrał cztery lata wcześniej w Aniołach o brudnej twarzy Curtiza. Podczas gdy wcześniejszy film stał się punktem kulminacyjnym kariery Cagneya w portretowaniu gangstera, co było jego rolą w wielu wcześniejszych filmach, w tym filmie, jawnie patriotycznym musicalu, Cagney demonstruje swoje znaczne talenty taneczne i wokalne. Była to ulubiona rola Cagneya w jego karierze.

Brawurowa kreacja Cagneya przyniosła mu jedynego Oscara jako najlepszemu aktorowi. Dla wytwórni Warner Bros. film stał się największym sukcesem kasowym w dotychczasowej historii firmy, był nominowany do dziewięciu Oscarów i zdobył cztery. Sukces filmu stał się również punktem kulminacyjnym w karierze Curtiza, który został nominowany do nagrody dla najlepszego reżysera. Film został wpisany do annałów Hollywood jako klasyk kina, zachowany w United States National Film Registry w Bibliotece Kongresu jako „kulturowo, historycznie lub estetycznie znaczący”.

Kolejnym patriotycznym filmem Curtiza był This Is the Army (1943), musical zaadaptowany ze sztuki scenicznej z partyturą Irvinga Berlina. Ponieważ Ameryka była zaangażowana w II wojnę światową, film podnosił morale żołnierzy i publiczności. Wśród dziewiętnastu piosenek, wykonanie „God Bless America” przez Kate Smith było jednym z najważniejszych punktów filmu. Ze względu na liczne popularne i ogólne elementy filmu, takie jak walki naziemne i powietrzne, rekrutacja, szkolenie i marsz, a także komedia, romans, piosenka i taniec, był on najbardziej udanym finansowo filmem o tematyce wojennej, jaki powstał podczas II wojny światowej.

W tym okresie Curtiz wyreżyserował również propagandowy film o II wojnie światowej Misja do Moskwy (1943), który został zamówiony na prośbę prezydenta Franklina D. Roosevelta w celu wsparcia amerykańskiego i brytyjskiego sojusznika, Związku Radzieckiego, w tym czasie powstrzymującego 80% wszystkich sił niemieckich, które odparły inwazję nazistów na Rosję. Film został w większości dobrze przyjęty przez krytyków i odniósł sukces kasowy, ale szybko okazał się kontrowersyjny po tym, jak wzbudził silne antykomunistyczne nastroje. Curtiz wziął krytykę do siebie i przyrzekł, że już nigdy nie wyreżyseruje jawnie politycznego filmu, a obietnicy tej dotrzymał. 148

Mildred Pierce (1945) został oparty na powieści Jamesa M. Caina. Jego gwiazda, Joan Crawford, dała jeden z najmocniejszych występów w swojej karierze, grając matkę i odnoszącą sukcesy bizneswoman, która poświęca wszystko dla swojej rozpieszczonej córki, granej przez Ann Blyth.

W momencie, gdy Crawford przyjęła rolę od Warner Bros., jej 18-letnia kariera w MGM chyliła się ku upadkowi. Była jedną z najwybitniejszych i najlepiej opłacanych gwiazd w Hollywood, ale jej filmy zaczęły tracić pieniądze, a pod koniec lat 30-tych została nazwana „trucizną kasową”. Zamiast pozostać w MGM i patrzeć, jak nowe, młodsze talenty przyciągają większość uwagi studia lepszymi rolami, opuściła MGM i podpisała kontrakt z Warner Bros. z obniżoną pensją.

Curtiz początkowo chciał do tej roli Barbarę Stanwyck. Jednak Crawford, która nie grała w filmie od dwóch lat, zrobiła wszystko, aby dostać tę rolę. Co rzadkie dla wielkiej gwiazdy, była nawet gotowa na przesłuchanie dla Curtiza. Była już świadoma, że „Pan Mike Curtiz mnie nienawidził … Nie chcę tych wielkich szerokich ramion” – mówił. Podczas czytania przez nią emocjonalnej sceny, gdy on to oglądał, widziała, że był tak przytłoczony jej wystąpieniem, że płakał, a potem powiedział: „Kocham cię, kochanie”.

Aby pomóc Crawford w przygotowaniach do niektórych scen sądowych, Curtiz zabierał ją do centrum miasta, gdzie spędzali czas odwiedzając więzienia i oglądając procesy kryminalne. Fotografując ją, używał starannych technik kamery filmowej noir, stylu, którego nauczył się w Europie, aby wydobyć rysy twarzy Crawford, stosując bogate, czarno-białe rozjaśnienia. Zdawał sobie sprawę, że Crawford bardzo starannie strzegła swojego ekranowego wizerunku i że naprawdę zależało jej na jakości. Crawford nauczyła się doceniać geniusz Curtiza w operowaniu kamerą. Eve Arden, która za ten film była nominowana jako najlepsza aktorka drugoplanowa, powiedziała „Curtiz był jednym z niewielu reżyserów, który wiedział czego chce i potrafił się dokładnie wyrazić, nawet w swoim zabawnym węgierskim akcencie.”

Mildred Pierce była nominowana do sześciu Nagród Akademii, w tym do Najlepszego Filmu. Tylko Crawford zdobyła, dla najlepszej aktorki, swojego pierwszego i jedynego Oscara. Autor powieści, James M. Cain, podarował jej oprawiony w skórę egzemplarz Mildred Pierce, który wpisał: „Dla Joan Crawford, która ożywiła Mildred tak, jak zawsze miałem nadzieję, że będzie, i która ma moją dozgonną wdzięczność”. Film przywrócił Crawford do grona czołowych gwiazd.

Po sukcesie filmu Jack Warner dał Curtizowi w dowód uznania dwa nowe, wyjątkowe kontrakty, zwiększając jego wynagrodzenie i zmniejszając do dwóch liczbę filmów, które musiał reżyserować każdego roku.

Curtiz wyreżyserował Williama Powella i Irene Dunne w Życiu z ojcem (1947), komedii rodzinnej. Był to wielki hit w Stanach Zjednoczonych i został nominowany do czterech Oscarów, w tym dla Powella jako najlepszego aktora. W trakcie swojej kariery Powell wystąpił w 97 filmach; jego trzecia i ostatnia nominacja była właśnie za ten film. W jednej z recenzji napisano: „Jest wspaniały w tej roli, nasycając ją każdym atrybutem pompatyczności, godności, nieświadomej zarozumiałości i całkowitej miłości! To jeden z naprawdę wielkich ekranowych występów roku (…), który wieńczy długie ekranowe życie”.

Pod koniec lat 40. Curtiz zawarł z Warner Bros. nową umowę, na mocy której studio i jego własna firma producencka miały dzielić się kosztami i zyskami jego kolejnych filmów, przy czym jego filmy miały być wydawane za pośrednictwem Warner Bros. „Spróbuję zbudować własną firmę producencką i zrobić gwiazdy z niewiadomych. Podpisanie umów z wielkimi gwiazdami staje się niemożliwe, bo są one związane na najbliższe dwa lata” – powiedział. Powiedział również, że przy wykorzystaniu aktora mniej liczy się dla niego wygląd niż osobowość. „Jeśli są dobrze wyglądający, to jest to coś dodatkowego. Ale ja szukam osobowości.”

Szybko przekonał się, że dobre historie są jeszcze trudniejsze do zdobycia: „Studia zapłacą wszystko za dobre historie (…) wykupią je, zanim ktokolwiek inny będzie mógł je zdobyć” – narzekał. Podobno historia do Life With Father kosztowała studio 300 tysięcy dolarów, a pełny budżet na realizację filmu wyniósł około 3 milionów dolarów. Kolejne filmy wypadały jednak słabo, czy to w ramach zmian w przemyśle filmowym w tym okresie, czy też dlatego, że Curtiz „nie miał umiejętności kształtowania całości obrazu”:  191 Tak czy inaczej, jak powiedział sam Curtiz, „Jesteś doceniany tylko tak dalece, jak długo nosisz ciasto do kasy. Następnego dnia wyrzucają cię do rynsztoka”..:  332

Przeczytaj także: biografie-pl – Isaac Newton

1950s

Filmy Curtiza nadal obejmowały szeroki zakres gatunków, w tym biografie, komedie i musicale. Wśród sukcesów kasowych i dobrze przyjętych filmów znalazły się między innymi: Young Man with a Horn (1950), Jim Thorpe – All-American (1951), The Story of Will Rogers (1952), White Christmas (1954), We”re No Angels (1955) i King Creole (1958).

W filmie „Młody człowiek z rogiem” (1950) wystąpili Kirk Douglas, Lauren Bacall i Doris Day, a Douglas przedstawił w nim rozwój i upadek muzyka jazzowego, oparty na prawdziwym graczu na kornecie Bixie Beiderbecke. Curtiz wyreżyserował kolejny film biograficzny, Jim Thorpe – All-American (1951), tym razem z udziałem Burta Lancastera, oparty na prawdziwej historii rdzennie amerykańskiego sportowca, który zdobył więcej złotych medali niż jakikolwiek inny sportowiec na Letniej Olimpiadzie w Sztokholmie w 1912 roku. Film został uznany za jeden z najbardziej fascynujących filmów sportowych.

Następnie Curtiz nakręcił I”ll See You in My Dreams (1952), z Doris Day i Dannym Thomasem. Film jest muzyczną biografią tekściarza Gusa Kahna. Był to czwarty film Day w reżyserii Curtiza, który najpierw ją przesłuchał i dał jej główną rolę w jej debiutanckim filmie Romans na pełnym morzu (1948). Była zszokowana propozycją głównej roli w swoim pierwszym filmie i przyznała się Curtizowi, że jest piosenkarką bez doświadczenia aktorskiego. Curtizowi spodobało się w niej to, że „była szczera”, nie bała się powiedzieć mu, że nie jest aktorką. To, oraz spostrzeżenie „jej piegi sprawiły, że wyglądała jak All-American Girl”, powiedział. Day był odkryciem, którym chwalił się najbardziej w późniejszym okresie swojej kariery.

The Story of Will Rogers (1952), również biografia, opowiadała historię humorysty i gwiazdy filmowej Willa Rogersa, w którą wcielił się Will Rogers Jr, jego syn.

Długie partnerstwo między Curtizem a Warner Bros. przerodziło się w gorzką batalię sądową. Po załamaniu się współpracy z Warner Bros., Curtiz kontynuował reżyserię jako wolny strzelec od 1954 roku. W filmie The Egyptian (1954, na podstawie powieści Mika Waltari o Sinuhe) dla wytwórni Fox wystąpili Jean Simmons, Victor Mature i Gene Tierney. Wyreżyserował wiele filmów dla Paramount, w tym White Christmas, We”re No Angels i King Creole. White Christmas (1954), druga adaptacja musicalu Irvinga Berlina, okazała się wielkim sukcesem kasowym, będąc najlepiej zarabiającym filmem 1954 roku. W filmie wystąpili Bing Crosby, Danny Kaye, Rosemary Clooney i Vera-Ellen.

W innym musicalu, King Creole (1958), wystąpili Elvis Presley i Carolyn Jones. Na prośbę o wyreżyserowanie Presleya, który był wówczas „królem rock and rolla”, Curtiz mógł się tylko roześmiać, zakładając, że Presley nie potrafi grać. Po kilku rozmowach z nim zmienił jednak zdanie: „Zacząłem siedzieć i zwracać uwagę” – powiedział Curtiz, dodając: „Gwarantuję, że wszystkich zadziwi. Wykazuje ogromny talent. Co więcej, zdobędzie szacunek, którego tak bardzo pragnie”. Podczas kręcenia filmu Presley był zawsze pierwszy na planie. Kiedy mówiono mu, co ma robić, niezależnie od tego, jak bardzo jest to niezwykłe czy trudne, mówił po prostu: „Pan jest szefem, panie Curtiz”.

Scenariusz, muzyka i gra aktorska złożyły się na niezwykły obraz, któremu Presley nigdy nie dorównał w swojej karierze. Film zebrał dobre recenzje: Magazyn Variety oświadczył, że film „Pokazuje młodą gwiazdę jako lepszego niż uczciwego aktora”. New York Times również wystawił mu przychylną recenzję: „Jeśli chodzi o pana Presleya, w jego trzeciej ekranowej próbie, to z przyjemnością odnajdujemy go w czymś więcej niż Bourbon Street shoutin” and wigglin”. Aktorstwo jest jego zadaniem w tej sprytnie obitej gablocie, a on robi to, tak nam dopomóż, przez płot.” Presley podziękował później Curtizowi za danie mu możliwości pokazania swojego potencjału aktorskiego; spośród swoich 33 filmów Elvis uznał go za swój ulubiony.

Ostatnim filmem, który wyreżyserował Curtiz był „The Comancheros”, wydany sześć miesięcy przed jego śmiercią na raka 10 kwietnia 1962 roku. Curtiz był chory podczas kręcenia filmu, ale gwiazda John Wayne przejął reżyserię w dni, kiedy Curtiz był zbyt chory, by pracować. Wayne nie chciał brać kredytu na współreżysera.

Przeczytaj także: biografie-pl – Paul Walker

Przygotowanie

Curtiz zawsze poświęcał czas na przygotowanie wszystkich aspektów filmu przed rozpoczęciem zdjęć. „Jeśli chodzi o mnie – mówił – główną pracą w reżyserii filmu jest przygotowanie historii na ekran … Nic nie jest tak ważne … Reżysera można porównać do generała polowego armii. Powinien wiedzieć wyraźniej niż ktokolwiek inny, co nadchodzi, czego można się spodziewać … Uważam to za solidny plan pracy”.

Dzięki temu, że poświęcił czas na przygotowania, zmniejszył opóźnienia po rozpoczęciu produkcji, co pozwoliło mu do lat czterdziestych produkować około sześciu filmów rocznie. W ciągu zaledwie trzech tygodni nakręcił Front Page Woman (1935), który zawierał szybkie dialogi gazetowe z Bette Davis, a następnie odwrócił się i nakręcił Captain Blood całkowicie na scenie dźwiękowej bez konieczności opuszczania studia.

Przeczytaj także: cywilizacje – Muzyka barokowa

Kinematografia

Sidney Rosenzweig twierdzi, że Curtiz miał swój własny styl, który obowiązywał już w czasie jego przeprowadzki do Ameryki: „wysokie ujęcia z dźwigu, aby ustanowić środowisko opowieści; nietypowe kąty kamery i złożone kompozycje, w których postacie są często kadrowane przez fizyczne obiekty; dużo ruchu kamery; ujęcia subiektywne, w których kamera staje się okiem bohatera; i kontrastowe oświetlenie z mnóstwem cieni”:  6-7 Aljean Harmetz stwierdza, że „wizja Curtiza dotycząca każdego filmu… była niemal całkowicie wizją wizualną”..:  183-184

Kilka miesięcy po przybyciu do Hollywood jako nowy reżyser Warner Bros., Curtiz wyjaśnił, że chciałby, aby widzowie czuli się tak, jakby rzeczywiście byli świadkami historii na ekranie:

Aby osiągnąć ten cel, kamera musi przyjąć wiele osobowości. W większości przypadków przyjmuje ona osobowość publiczności. W momentach, gdy zainteresowanie jest duże, a iluzja publiczności największa, kamera na przemian ustawia się w pozycji różnych postaci, gdy ciężar dramatyczny przechodzi z aktora na aktora. Pociąga to za sobą wiele ruchów kamery. Jeśli ucina się ona przy każdej pozycji tak, że wydaje się przeskakiwać z miejsca na miejsce, efekt jest zauważalny i odbiór opowieści zostaje zmącony. Dlatego w wielu przypadkach kamera musi poruszać się z miejsca na miejsce bez zatrzymania, tak jak człowiek.

Przygotowując sceny, Curtiz lubił porównywać się do artysty, malującego na płótnie postaciami, światłem, ruchem i tłem. Jednak w trakcie jego kariery ten „indywidualizm”, mówi Robertson, „był ukryty przed opinią publiczną” i niedoceniany, ponieważ w przeciwieństwie do wielu innych reżyserów, filmy Curtiza obejmowały tak szerokie spektrum różnych gatunków: 2 Był więc przez wielu postrzegany raczej jako wszechstronny mistrz techniki, który pracował pod kierunkiem Warner Bros. niż jako autor o unikalnym i rozpoznawalnym stylu: 2

Hal B. Wallis, będąc producentem wielu filmów Curtiza, w tym Robin Hooda, zawsze czuwał nad budżetem. Napisał do Jacka Warnera podczas kręcenia tego filmu: „W swoim entuzjazmie do robienia wspaniałych ujęć i kompozycji oraz wykorzystania wielkich wartości produkcyjnych w tym obrazie, jest on oczywiście bardziej skłonny do przesady niż ktokolwiek inny … Nie próbowałem wczoraj powstrzymać Mike”a, gdy był na dźwigu i robił establishing shots”:  123

Sam Curtiz rzadko wyrażał swoją filozofię lub styl filmowania na piśmie, ponieważ zawsze był zbyt zajęty robieniem filmów, więc nie istnieje żadna autobiografia i tylko kilka wywiadów dla mediów:  3 Jego brat zauważył, że Curtiz był „nieśmiały, prawie skromny” w życiu prywatnym, w przeciwieństwie do jego postawy „take-charge” w pracy. Jego brat dodał, że „nie chciał, aby ktokolwiek napisał o nim książkę. Odmówił nawet rozmowy o tym pomyśle”. Kiedy Curtiz został kiedyś poproszony o podsumowanie swojej filozofii robienia filmów, powiedział: „Wkładam w moje obrazy całą sztukę, którą myślę, że publiczność może znieść.”

Przeczytaj także: biografie-pl – Fernand Léger

Rodzaje opowiadań

Przed przyjazdem do Hollywood Curtiz zawsze zastanawiał się nad historią, zanim rozpoczął pracę nad filmem. Kluczowa była ludzka strona opowieści, a także to, by fabuła rozwijała się w miarę postępów filmu. Wyjaśnia:

Najpierw szukam „ludzkiego zainteresowania”, gdy dostaję historię. Jeśli to zainteresowanie przeważa nad akcją, to uważam, że historia jest dobra. Zawsze pragnę opowiedzieć tę historię tak, jakby kamera była osobą opowiadającą o wydarzeniach.

Jego nastawienie nie zmieniło się, gdy dołączył do dużego studia, mimo że dostał duże spektakle do wyreżyserowania. Jeszcze w latach 40. wolał „domowe obrazy”. Mówił, że to dlatego, „że chcę zajmować się ludzkimi i fundamentalnymi problemami prawdziwych ludzi. To jest podstawa każdego dobrego dramatu. Jest to prawdziwe nawet w spektaklu, gdzie nigdy nie wolno zapomnieć o leżącym u podstaw człowieczeństwie i tożsamości bohaterów, bez względu na to, jak wspaniała jest sceneria czy sytuacje.” Jednak czuł też, że nawet w przypadku tej samej historii, pięciu różnych reżyserów stworzyłoby pięć różniących się od siebie wersji. „Żadne dwa nie byłyby takie same”, powiedział, ponieważ „dzieło każdego reżysera jest odbiciem jego samego”.

Historyk filmu Peter Wollen twierdzi, że przez całą karierę Curtiza jego filmy portretowały bohaterów, którzy musieli „radzić sobie z niesprawiedliwością, opresją, uwięzieniem, przemieszczeniem i wygnaniem”:  85 Na potwierdzenie tego przytacza przykłady filmów Curtiza: 20,000 Years in Sing Sing (1932) poruszał temat społecznego wyobcowania, natomiast Captain Blood, The Adventures of Robin Hood i The Sea Hawk dotyczyły monarchy tyrana, który zagrażał wolności zwykłych Anglików. „90 Wollen stwierdza:

Za Curtizem jako autorem przemawia jego niesamowita umiejętność znalezienia odpowiedniego stylu do odpowiedniego obrazu. Jeśli wykazuje tematyczną spójność w kilku gatunkach, to właśnie w konsekwentnym preferowaniu podkreślania walki buntowników i uciśnionych przeciwko zakorzenionym i potężnym. „74

Przeczytaj także: biografie-pl – Georgius Agricola

Nawyki osobiste

Curtiz był zawsze niezwykle aktywny: pracował bardzo długo, w wolnych chwilach uprawiał kilka sportów, często zdarzało mu się spać pod zimnym prysznicem. Z tego powodu lekceważył aktorów, którzy jedli lunch, uważając, że „lunch bums” nie mają energii do pracy po południu:  188

Wallis mówiła, że był „demonem pracy”. Powstawał każdego ranka o 5 rano i zazwyczaj pozostawał w studio do 8 lub 9 wieczorem. Nienawidził wracać do domu pod koniec dnia, powiedział Wallis. Ze swoim wysokim poziomem energii, zwracał również uwagę na każdy najdrobniejszy szczegół na planie.

Aby poszerzyć swoje doświadczenia życiowe w Stanach Zjednoczonych, ponieważ rzadko wyjeżdżał poza Hollywood, miał tendencję do bycia niespokojnym i ciekawym wszystkiego w okolicy, kiedy udawał się na sesje zdjęciowe. Wallis, która jako producentka często z nim przebywała, zauważyła, że badał wszystko:

Był spragniony wiedzy; chciał zobaczyć salony bilardowe, burdele, chińskie sekcje, slumsy – wszystko, co dziwne, egzotyczne i obskurne, aby móc uzupełnić wiedzę, która nadawała jego obrazom niesamowity stopień realizmu.

Od przyjaciół zyskał przydomek „Żelazny Mike”, ponieważ starał się zachować sprawność fizyczną grając w polo, gdy miał czas, a w domu posiadał stajnię koni do rekreacji. Swoją sprawność i poziom energii przypisywał wyłącznie trzeźwemu życiu. Nawet przy swoim ogromnym sukcesie i bogactwie przez lata, nie pozwalał sobie na „pieszczoty na kolanach luksusu”.

Przeczytaj także: biografie-pl – Eva Hesse

Praca z kolegami

Negatywną stroną jego poświęcenia była często bezduszna postawa, którą wielu przypisywało jego węgierskim korzeniom. Fay Wray, który pracował z Curtizem przy Tajemnicy muzeum figur woskowych, powiedział: „Czułem, że nie był ciałem i kośćmi, że był częścią stali kamery”:  126 Curtiz nie był popularny wśród większości swoich kolegów, wielu z nich uważało go za aroganckiego:  7 Nie zaprzeczał też temu, tłumacząc: „Kiedy widzę leniwego człowieka lub nie dbającą o siebie dziewczynę, robi mi się ciężko. Jestem bardzo krytyczny wobec aktorów, ale jeśli znajdę prawdziwego aktora, to pierwszy go doceniam.”:  124

Mimo to Bette Davis, która w 1932 roku była mało znana, nakręciła z nim jeszcze pięć filmów, choć pokłócili się konsekwentnie podczas kręcenia The Cabin in the Cotton (1932), jednej z jej najwcześniejszych ról. Miał niską opinię o aktorach w ogóle, mówiąc, że aktorstwo „to w pięćdziesięciu procentach wielki worek sztuczek. Pozostałe pięćdziesiąt procent powinny stanowić talent i zdolności, choć rzadko tak jest.” Ogólnie rzecz biorąc, wystarczająco dobrze dogadywał się ze swoimi gwiazdami, o czym świadczy jego zdolność do przyciągania i zatrzymywania jednych z najlepszych aktorów w Hollywood. Bardzo dobrze dogadywał się z Claude”em Rainsem, którego wyreżyserował w dziesięciu filmach..:  190

Curtiz miał problemy z językiem angielskim, ponieważ był zbyt zajęty filmowaniem, aby się go nauczyć. Czasami używał pantomimy, aby pokazać, co chce, aby aktor zrobił, co doprowadziło do wielu zabawnych anegdot o jego doborze słów podczas reżyserowania. David Niven nigdy nie zapomniał powiedzenia Curtiza „bring on the empty horses”, kiedy chciał „wyprowadzić konie bez jeźdźców”, do tego stopnia, że użył go do tytułu swojego pamiętnika. Podobnych historii jest mnóstwo: Do finałowej sceny w Casablance Curtiz poprosił scenografa o „pudło” na ziemi, aby mokre kroki aktorów były widoczne w kamerze. Następnego dnia scenograf przyniósł małego pieska, nie zdając sobie sprawy, że Curtiz miał na myśli „kałużę”, a nie „pudla”. Jednak nie wszyscy aktorzy, którzy pracowali pod okiem Curtiza byli tak samo rozbawieni jego malapropizmami. Edward G. Robinson, którego Curtiz wyreżyserował w „Wilku morskim”, miał inne zdanie na temat językowych ułomności obcokrajowców w Hollywood:

Można by nimi wypełnić książkę. Nawet gdybym nie podejrzewał, że słyszeliście je wszystkie, dawno temu zdecydowałem, że nie będę zanudzał siebie ani was Curtizizmami, Pasternakizmami, Goldwynizmami czy Gaboryzmami. Zbyt wielu pisarzy zrobiło chałupniczą działalność z relacjonowania nadużyć języka angielskiego przez ludzi z Hollywood.

Wyjeżdżając do Stanów Zjednoczonych, Curtiz pozostawił po sobie nieślubnego syna i nieślubną córkę: 122 Około 1918 roku poślubił aktorkę Lucy Doraine, a rozwiedli się w 1923 roku. Miał długi romans z Lili Damitą począwszy od 1925 roku i czasami podaje się, że ją poślubił, ale filmoznawca Alan K. Rode stwierdza w swojej biografii Curtiza z 2017 roku, że jest to współczesna legenda i nie ma żadnych współczesnych dowodów na jej poparcie. W ich nekrologach nie ma żadnej wzmianki o takim małżeństwie.

Curtiz opuścił Europę przed powstaniem nazizmu: inni członkowie jego rodziny mieli mniej szczęścia. Poprosił kiedyś Jacka Warnera, który w 1938 roku wybierał się do Budapesztu, aby skontaktował się z jego rodziną i pomógł im zdobyć wizy wyjazdowe. Warnerowi udało się sprowadzić matkę Curtiza do USA, gdzie spędziła resztę życia mieszkając z synem. Nie udało mu się uratować jedynej siostry Curtiza, jej męża i trójki dzieci, którzy zostali wysłani do Auschwitz, gdzie jej mąż i dwoje dzieci zostało zamordowanych. „124

Curtiz wpłacał część swojej pensji na Europejski Fundusz Filmowy, dobroczynne stowarzyszenie, które pomagało europejskim uchodźcom z branży filmowej zaistnieć w USA.

W 1933 roku Curtiz został naturalizowanym obywatelem USA. Na początku lat czterdziestych stał się dość zamożny, zarabiając 3.600 dolarów tygodniowo i posiadając znaczną posiadłość z boiskiem do gry w polo. 76 Jednym z jego stałych partnerów w polo był Hal B. Wallis, który poznał Curtiza po przyjeździe do kraju i nawiązał z nim bliską przyjaźń. Żona Wallisa, aktorka Louise Fazenda i trzecia żona Curtiza, Bess Meredyth, aktorka i scenarzystka, były blisko od czasów sprzed ślubu Curtiza z Meredyth w 1929 roku. Curtiz miał liczne romanse; Meredyth raz opuściła go na krótko, ale pozostali małżeństwem do 1961 roku, kiedy to się rozstali: 121 Pozostali małżeństwem aż do jego śmierci. Była pomocnikiem Curtiza, gdy jego potrzeby związane ze scenariuszami lub innymi elementami wykraczały poza jego znajomość języka angielskiego, a on często dzwonił do niej po radę, gdy miał problem podczas kręcenia filmu:  123

Curtiz był ojczymem reżysera filmowego i telewizyjnego Johna Meredytha Lucasa, który opowiada o nim w swojej autobiografii Eighty Odd Years in Hollywood.

Curtiz zmarł na raka 10 kwietnia 1962 roku, w wieku 75 lat. W chwili śmierci mieszkał samotnie w małym mieszkaniu w Sherman Oaks w Kalifornii. Został pochowany na cmentarzu Forest Lawn Memorial Park w Glendale w Kalifornii.

Curtiz wyreżyserował jedne z najbardziej znanych filmów XX wieku, uzyskując liczne, nagradzane kreacje aktorskie. Zanim w wieku 38 lat przeniósł się z rodzinnych Węgier do Hollywood, wyreżyserował już 64 filmy w Europie. Wkrótce pomógł Warner Bros. stać się najszybciej rozwijającym się studiem w kraju, reżyserując 102 filmy podczas swojej kariery w Hollywood, więcej niż jakikolwiek inny reżyser..:  67 Jack Warner, który po raz pierwszy odkrył Curtiza po obejrzeniu jednego z jego eposów w Europie, nazwał go „największym reżyserem Warner Brothers”.

Do nominacji do Oscara wyreżyserował 10 aktorów: Paul Muni, John Garfield, James Cagney, Walter Huston, Humphrey Bogart, Claude Rains, Joan Crawford, Ann Blyth, Eve Arden i William Powell. Cagney i Crawford zdobyli swoje jedyne Oscary pod kierunkiem Curtiza, przy czym Cagney w telewizji przypisywał później część swojego sukcesu „niezapomnianemu Michaelowi Curtizowi”. Sam Curtiz był pięciokrotnie nominowany i wygrał jako najlepszy reżyser za Casablankę.

Zyskał reputację surowego sędziego dla swoich aktorów, ponieważ kontrolował każdy szczegół na planie. Dzięki temu, że od 1912 roku był reżyserem, jego doświadczenie i oddanie sztuce uczyniły go perfekcjonistą. Miał zadziwiające opanowanie szczegółów technicznych. Hal B. Wallis, który wyprodukował wiele jego najważniejszych filmów, w tym Casablankę, powiedział, że Curtiz zawsze był jego ulubionym reżyserem:

Był znakomitym reżyserem z niesamowitym opanowaniem oświetlenia, nastroju i akcji. Potrafił poradzić sobie z każdym rodzajem obrazu: melodramatem, komedią, westernem, epopeją historyczną czy historią miłosną.

Niektórzy, jak scenarzysta Robert Rossen, pytają, czy Curtiz został „źle oceniony przez historię kina”, ponieważ nie jest zaliczany do grona osób często uznawanych za wielkich reżyserów, takich jak John Ford, Howard Hawks, Orson Welles i Alfred Hitchcock: „Był oczywiście talentem wysoce wyczulonym na ruchy twórcze swoich czasów, takie jak niemiecki ekspresjonizm, geniusz hollywoodzkiego systemu studyjnego, gatunki takie jak film noir i możliwości oferowane przez utalentowane gwiazdy.”

Historyk filmu Catherine Portuges opisała Curtiza jako jednego z „najbardziej enigmatycznych reżyserów filmowych i często niedocenianych”:  161 Teoretyk filmu Peter Wollen chciał „wskrzesić” reputację krytyczną Curtiza, zauważając, że z jego ogromnym doświadczeniem i napędem, „potrafił wykręcić nieoczekiwane znaczenia ze scenariusza poprzez swoje kierowanie aktorami i operatorami.”:  75

Curtiz zdobył także Oscara w kategorii Najlepszy Temat Krótkometrażowy (Dwubębnowy), za Sons of Liberty.

Sześć filmów Curtiza było nominowanych do nagrody za najlepszy film: Captain Blood (1935), The Adventures of Robin Hood (1938), Four Daughters (1938), Yankee Doodle Dandy (1942), Casablanca (1943) i Mildred Pierce (1945). Spośród nich tylko Casablanca zdobyła tytuł najlepszego filmu.

Przeczytaj także: biografie-pl – Elia Kazan

Wyreżyserował spektakle nagrodzone Oscarem

Amerykański Instytut Filmowy umieścił Casablankę #3 i Yankee Doodle Dandy #98 na swojej liście największych amerykańskich filmów. Przygody Robin Hooda i Mildred Pierce były nominowane do listy.

Źródła

1. Michael Curtiz
2. Michael Curtiz
3. ^ In Hungarian eastern name order Kaminer Manó
4. ^ In Hungarian eastern name order Kertész Mihály
5. ^ Other spellings that various biographers have used are Kertész Mihály, Michael Courtice, Michael Kertesz, Mihaly Kertesz, Michael Kertész, and Kertész Kaminer Manó
6. «8th Academy Awards (1936)». Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (en inglés). Consultado el 23 de octubre de 2015.
7. «The 11th Academy Awards – 1939». Archivado desde el original el 4 de septiembre de 2012.
8. ^ „Michael Curtiz”, Gemeinsame Normdatei, accesat în 10 decembrie 2014
9. a b Michael Hanisch in Filmspiegel, Nr. 7, 1987, S. 25.
10. Meist als Der Stern von Damaskus bezeichnet, nach Zeitungsberichten aus der Zeit der Veröffentlichung (zum Beispiel hier oder hier dürfte aber Die Sterne … der Originaltitel gewesen sein)